Foto: Merwyn Betancourth Martes 31 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Sincelejo, Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí Cód. PULEP: XWV860 Miércoles 1° de agosto de 2018 · 6:30 p.m. Montería, Auditorio Iraca de la Corporación Autónoma Regional de los Valles del Sinú y del San Jorge Cód. PULEP: JHJ788 Jueves 30 de agosto de 2018 · 7:30 p.m. Ipiales, Auditorio de la Agencia Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: ITQ656 Jueves 6 de septiembre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: SVJ267 ALEJANDRA DÍAZ guitarra (Colombia) Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Sincelejo, el Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí ubicado en Boston (Zona Rosa) cuenta con accesos para personas con movilidad reducida tanto por las entradas principal y del primer nivel como por el sótano (parqueaderos). En Montería, el ingreso al Auditorio Iraca para personas con movilidad reducida es por la entrada principal de la Corporación Autónoma Regional de los Valles del Sinú y San Jorge ubicada en la Carrera 6 # 61-25, Barrio Los Bongos. Es necesario dar aviso al personal de seguridad para que el ingreso sea habilitado. En Ipiales, el ingreso al Auditorio para personas con movilidad reducida es por la Calle 17 # 7-82. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Agencia Cultural para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https:// atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico atencionalciudadano@ banrep.gov.co, comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 Foto: Merwyn Betancourth ALEJANDRA DÍAZ guitarra Alejandra Díaz nació en 1994. Desde pequeña, la música ha sido objeto de su completo interés. Muestra de esto es su paso por diferentes instrumentos y géneros musicales que enriquecieron y desarrollaron su gusto, especialmente por la guitarra, con la que participó en proyectos de música colombiana y bandas de rock. En el 2009 ingresó al programa intensivo de estudios de música en la Academia Luis A. Calvo bajo la tutoría de los maestros Betina Morgante, Juan Carlos Guío y Reinaldo Monroy. Allí hizo sus primeros acercamientos a la guitarra clásica y, con esto, al conocimiento de diferentes estilos musicales en el ámbito académico. En el 2012 ingresó a la Universidad Pedagógica Nacional donde estudió con el maestro Edwin Guevara Gutiérrez. En el ámbito artístico nacional ha participado en el Concurso y Festival Nacional de Guitarra Clásica ‘El Nogal’ en sus versiones iv, v y vi (en esta última fue finalista) y en el Tercer Seminario Internacional y Primer Concurso Nacional de Guitarra de Cali, en el que fue semifinalista. A nivel internacional, participó en el undécimo Seminario Internacional de Guitarra de Uruguay, en el Concurso Internacional de Guitarra de Uruguay ‘Raúl Sánchez Clagett’ y en el I Encuentro Internacional de Guitarristas Clásicos realizado por el Conservatorio de Música Dan Avilés, en la región de la Araucanía, en Chile. En este último tuvo una presentación como solista de concierto y varias en agrupación. Además, participó como maestra activa dictando clases magistrales a jóvenes y adultos del conservatorio y de colegios de la región. En el 2016 recibió una clase magistral del maestro Guillém Pérez-Quer (España) en el Encuentro Internacional de Guitarra Clásica de la Universidad Sergio Arboleda, en el que fue seleccionada para participar en un corto recital. También ha tomado clases magistrales con Roland Dyens (Francia), Iván Reséndiz (México/Estados Unidos), Zoran Dukić (Croacia), Fabio Zanon (Brasil), Luis Orlandini (Chile), Rodrigo Benítez (Paraguay), Camilo Sauvalle (Chile), Carlos Pérez (Chile), Thomas Dunford (Francia) y Kostas Amaxopoulos (Grecia). 2 Es exintegrante de Pratten Guitar Duo, grupo de cámara de guitarra clásica que recibió clases magistrales con el trío de guitarras Trip, Trip, Trip y con el Cuarteto Europeo de Guitarras en la VII Semana de la Guitarra de la Biblioteca Luis Ángel Arango. Como solista ha ofrecido recitales en el auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional y la Sala de la Cultura María Isabel Reyes de la Universidad Pedagógica Nacional. Su búsqueda de diferentes sonoridades se evidencia en la ejecución de diversos estilos y en la incorporación de un tratamiento muy personal del instrumento; de ahí que la intimidad en la ejecución y la exploración que pretende en cada obra resulten atractivas para el público y se hagan evidentes en la interpretación de géneros musicales de todos los tiempos. El concierto en Sincelejo cuenta con el apoyo de El concierto en Montería cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Suite en mi menor para laúd, BWV 996 (1712-1717) Preludio-presto Allemande Courante Sarabande Bourrée Giga JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Adaptación para guitarra por Frank Koonce (s. f.) Vals No. 4, Op. 8 (1923) AGUSTÍN BARRIOS ‘MANGORÉ’ (1885-1944) Grand solo, Op. 14 (1810-18) FERNANDO SOR (1778-1839) INTERMEDIO Seis miniaturas balcánicas (1991) Jutarnje Kolo (Danza de la mañana) Žalopojka (Lamento) Vranjanka (Danza de Vranje) Makedonsko Kolo (Danza de Macedonia) Široko - Wide Song (Canción amplia) Sitni Vez - Tiny-Knit Dance (Danza de tejido pequeño) DUŠAN BOGDANOVIĆ (n. 1955) Fantasía No. 1 (s. f.) Fantasía No. 2 (s. f.) Fantasía No. 3 (s. f.) GENTIL MONTAÑA (1942-2011) Las cumbias de José Barros (2006) El pescador Navidad negra GENTIL MONTAÑA Improvisación para guitarra sobre dos cumbias de José Barros Transcripción por Jorge Vargas (s. f.) CONCIERTO No. 37 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Jaramillo Los compositores que conforman el programa que ofrece la guitarrista Alejandra Díaz cuentan ya con el reconocimiento total del gremio guitarrístico y no de manera infundada. Sus aportes no se quedan en la pirotecnia tan anhelada por la mayoría de los intérpretes, sino que, con su música, han logrado también permear y alimentar las esferas teórica e histórica, erigiéndose así como faros en la periodización musical; todos ellos han dado cuenta, ora estética, ora políticamente, de una búsqueda de identidad nacional, enriquecida, en el caso de la mayoría, por el conocimiento de realidades geográficas diferentes a las de sus tierras natales. Aunque no reconocidos primordialmente por esto, las figuras de Fernando Sor (1778-1839) y Dušan Bogdanović (n. 1955) hablan de los conflictos bélicos ocurridos en la península Ibérica en el siglo xix y en la antigua Yugoslavia a finales del siglo xx, respectivamente. Al hablar de Agustín Barrios ‘Mangoré’ (1885-1944) y de Gentil Montaña (1942-2011) es imposible no pensar en la música popular de Paraguay, Colombia y Latinoamérica en general. Finalmente, aunque Johann Sebastian Bach (1685-1750) no haya referido expresamente su música a conflictos políticos o a una búsqueda nacionalista, esta se ha plantado como un referente de la sonoridad germana, que logró reivindicar el lenguaje polifónico, uniéndolo a un lenguaje armónico ciertamente complejo, para sembrar el germen que compositores de los siglos sucesivos utilizarían para distinguirse de las sonoridades de otras geografías. La pieza que abrirá el concierto es la Suite en mi menor para laúd, BWV 996 de J. S. Bach que, aunque utilizada en el siglo xviii, pertenece a un género que tuvo su génesis doscientos años atrás, cuando se refería a una agrupación de branles, un tipo de danza que hacía parte de la cultura cortesana en Francia. Ya en los siglos xvii y xviii, courante, bourrée, allemande, gavotte, sarabande y gigue eran las danzas más utilizadas en las suites, aunque también se incluía esporádicamente al loure, la polonaise, el minuet, e incluso alguna fuga, como en el caso de la Suite BWV 997, probablemente porque para el siglo xviii la suite no tenía ya el único objetivo de ser bailada, sino de mostrar las posibilidades técnicas de los instrumentos solistas, a partir de la abstracción de los patrones rítmicos propios de las danzas mencionadas. La singularidad de esta pieza no radica en su constitución sino en el hecho de que, en uno de los manuscritos que la contienen, figura una inscripción junto al preludio: «aufs Lauten Werck» (en el Lauten Werck), que se refiere al clave-laúd, también llamado arpicordio leutato, Laute-Clavier, Lauten-Clavessin o Lautenclavicymbel. Se trata de un instrumento descrito en varias fuentes, algunas anteriores y otras contemporáneas a Bach, en que el sonido se produce a partir del mismo mecanismo del clavecín o clavicémbalo (pulsación de cuerdas por medio de un plectro, a partir de la pulsación de las teclas), pero cuyas cuerdas no eran de metal sino, en su mayoría, de tripa. 5 El debate aún está abierto con respecto a si el compositor pretendía que la pieza fuera ejecutada en dicho instrumento, pero lo que sí se sabe es que, aunque no hay ningún manuscrito autógrafo, la fuente en la que se encuentra aquella indicación pertenecía a Ludwig Krebs, alumno de Bach. Además, se conoce que el compositor contaba con al menos uno de estos instrumentos, ya que en la lista de sus posesiones, realizada después de su muerte, se encuentran dos Lauten Werck[e]. Por otro lado, es sabido igualmente que un primo segundo de Bach, Johann Nicolaus Bach, construyó varios de estos instrumentos, así que algunos autores se inclinan por pensar que es probable que Johann Sebastian haya tenido contacto con estos. Agustín Barrios ‘Mangoré’ —o Nitsuga (Agustín al revés) Mangoré, como se hizo llamar en algún momento— fue un compositor que se preocupó principalmente por la cultura latinoamericana y cultivó una visión decimonónica del nacionalismo musical. Aunque los aires de la música brasilera, argentina y paraguaya se asoman no modestamente en sus piezas, su admiración por compositores como Robert Schumann y Frédéric Chopin nunca fue ocultada y tiene tanto protagonismo como «todas las voces vírgenes de la naturaleza de América», como se refiere al espíritu latinoamericano en su Profesión de fe. Los Valses Op. 8 son una muestra diáfana del sincretismo entre los ritmos y el virtuosismo provenientes de la cultura europea y el lenguaje melódico y armónico común a la gran mayoría de la música tradicional del Nuevo Continente. Es difícil imaginar que el compositor, a pesar de ser ahora reconocido como un exponente esencial del repertorio de la guitarra clásica, hubiera sido, en su momento, no muy apreciado por sus contemporáneos e incluso rechazado por algunos públicos. ¿La razón? Su conocimiento de la música de la tradición europea no mermó nunca las ganas de incorporar el lenguaje de la música latinoamericana en su repertorio, como concertista y compositor. De esta manera, un público acostumbrado a ser receptor de programas que incluyeran a Joaquín Turina, Manuel María Ponce, Federico Moreno Torroba, y yendo más atrás, a Dionisio Aguado o Fernando Sor, no estaría dispuesto a cambiar a dichos templos de la música por sonoridades más ‘vulgares’ y propias de escenarios menos refinados. Lejos de cohibir su afán por reivindicar el espíritu musical latinoamericano, el rechazo del público impulsó al compositor a adoptar una personalidad ficticia, llamada Nitsuga Mangoré (un jefe del pueblo guaraní), que exponía, al inicio de sus conciertos, una especie de mitología propia sobre sus inicios en la música; además, escribió su Profesión de fe, en la que relata su génesis artística: Tupá, el Espíritu Supremo y protector de mi raza, encontrome un día en medio del bosque florecido. Y me dijo: “Toma esta caja misteriosa y descubre sus secretos”. Y encerrando en ella todas las avecillas canoras de la floresta y el alma resignada de los vegetales, la abandonó en mis manos. Tomela obedeciendo el mandato de Tupá, 6 y poniéndola bien junto al corazón, abrazado a ella pasé muchas lunas al borde de una fuente. Y una noche, Jasy retratada en el líquido cristal, sintiendo la tristeza de mi alma india, diome seis rayos de plata para con ellos descubrir sus arcanos secretos. Y el milagro se operó: desde el fondo de la caja misteriosa brotó la sinfonía maravillosa de todas las voces vírgenes de la naturaleza de América1. Como ya se dijo, la figura de Fernando Sor hace referencia directa a los conflictos sucedidos en la Guerra de la Independencia española, en el marco de las guerras napoleónicas. Y aunque cueste identificar con escenas bélicas al creador de uno de los métodos para guitarra más pormenorizados del siglo xix, la verdad es que la existencia del compositor catalán estuvo siempre dirigida hacia la vida militar (llegó a ser teniente en el corregimiento de Vilafranca). Por esto, no es de sorprender que su primera migración hacia otra cultura haya sido por cuestiones políticas: debido a la mutua simpatía entre el barcelonés y las tropas de Napoleón, y luego de que estas fueran derrotadas en 1813, Sor fue exiliado de España, lo que resultó en su llegada a París, donde la fiebre de la guitarra, la guitaromanie, estaba en desarrollo. Sería en esta ciudad en donde, luego de algunas temporadas en Londres, Berlín, Varsovia y Moscú, el compositor se dedicaría por completo a la guitarra, como intérprete, compositor y profesor, fruto de lo cual será el celebrado Méthode pour la guitare, publicado en 1830. Vale la pena notar que la Sonata Prima Op. 14 (como fue titulada en su primera publicación) data del periodo español del compositor, pues fue publicada por primera vez en 1810, tres años antes de su exilio a París. Su éxito se hizo evidente en el hecho de que en 1822 fue publicada una segunda edición con algunas modificaciones, probablemente pensadas para guitarristas con habilidades más modestas; además, su contemporáneo Dionisio Aguado hizo también su propia versión de la obra. En esta pieza, conocida actualmente como Grand solo, Op. 14 y que consta de un único movimiento, la búsqueda de una narrativa a partir de formas claras y de un lenguaje armónico sencillo y evidente, tan propia del pensamiento ilustrado, no se ve opacada en ningún momento por la necesidad del compositor de expresar una escritura polifónica igualmente clara y compleja. La exploración armónica, que saca al intérprete de la comodidad técnica, y la conciliación que se logra entre el idiomatismo guitarrístico y los lenguajes sinfónico y vocal, se explican a través del entendimiento de la compleja figura de Fernando Sor, no solo como un guitarrista 1 Poema de Agustín Barros incluido en la referencia realizada por Manuel Matarrita. Recuperado de http://www.filomusica.com/filo71/abarrios.html 7 que escribió para su instrumento, sino como un compositor, conocedor, además, de instrumentos como el violín, el piano y la voz, que decidió dedicar sus últimos años a este instrumento emergente. La última década del siglo xx vio el nacimiento de varias naciones que algunos años antes habían compartido, además de rasgos culturales, una misma nacionalidad; la desintegración de Yugoslavia fue el resultado de varias guerras de independencia que marcaron un capítulo ciertamente sangriento en la historia de la península balcánica. Compuestas en 1991, año en que Croacia y Macedonia declararon su independencia, las Seis miniaturas balcánicas de Dušan Bogdanović, dedicadas a la paz mundial, lejos de separar, llaman a la integración a través de un trabajo de síntesis cultural en el que el compositor propone, en tono nostálgico e idealizado, una tregua, como mínimo, estética: Estos días de turbulencia política en Europa del Este encuentran su centro especialmente en Yugoslavia, el corazón de los Balcanes y mi patria. Es igualmente trágico e irónico ver la desintegración de la tierra y el pueblo mientras se es consciente del sello cultural que abarca toda el área. Así, puede ser que el arte, entre otras tentativas humanas, aún nos enseñe una manera de armonizar y sintetizar los más diversos elementos que provienen de una misma fuente. Es dentro de este espíritu que dedico esta música a la paz mundial. Las seis miniaturas comparten dos características: métrica flexible y armonía basada en lo modal. En general, las formas son simples y se basan en la repetición de frases en contextos armónicos distintos. Las danzas (Jutarnje Kolo, Makedonsko Kolo, Široko) están todas interrelacionadas temática y armónicamente. Las dos canciones presentan un contraste en el afecto y el sentimiento. De todas las miniaturas, Vranjanka es la única que se basa en una danza tradicional, mientras que todas las demás están compuestas a partir de una síntesis de variedad. La última miniatura hace alusión a los ágiles dedos de los ejecutantes de acordeón o frula (flauta), que frecuentemente se encuentran en las bodas y festividades de los pueblos (Bogdanović, 1991, 2)2. 2 These days of political turmoil in Eastern Europe find their focus especially in Yugoslavia, the heart of the Balkans, and my homeland. It is both tragic and ironic to see the further disintegration of the land and the people, while being aware of the unique cultural stamp of the whole area. So, it might be that the art among other universal human endeavors, still shows us a way of harmonizing and synthesizing the most diverse elements coming from the same source. It is in this spirit that I dedicate this music to World Peace. All the six miniatures share characteristics of modally based harmony and flexible odd-meter. Overall, the forms are simple, based on repetition of phrases, often in different harmonic contexts. The Morning, Macedonian, and Tiny-knit Dances are all interrelated thematically and harmonically. The two songs present contrast in feeling and mood. Of all miniatures, Vranjanka is the only one based on an actual traditional dance, whereas all the others are composed in a variety of synthesis. The Tiny-knit Dance alludes to the nimble fingers of “obligatory” accordeon or frulla (flute) players, one often hears in village weddings and other festivities. (Traducción al español realizada por Daniela Peña Jaramillo). 8 Las piezas del compositor tolimense Gentil Montaña presentes en el programa de hoy se mueven entre la creación y la adopción de lenguajes ajenos. Las Fantasías Nos. 1, 2 y 3 dan cuenta de la creación de un lenguaje idiomático para la guitarra clásica a partir de la adaptación de lenguajes variopintos provenientes de un lugar común: el folclor colombiano. Por su parte, las transcripciones de las cumbias de José Barros funcionan como una especie de espejo artístico, ya que, siendo el propio Gentil Montaña pionero en la creación de un lenguaje nacional en el ámbito de la guitarra clásica, este toma prestado el lenguaje de quien reivindicó, en su momento, la música popular colombiana; la ‘desvulgarizó’ e inmortalizó con títulos como La piragua, Las pilanderas y las que se escucharán hoy: El pescador y Navidad negra. Como la mayoría de los compositores mencionados, el maestro Gentil Montaña tuvo la oportunidad de estudiar y de presentarse en Colombia y en Europa, logrando el sincretismo entre el lenguaje de la música académica europea, la música popular colombiana e incluso el jazz. En palabras del compositor, «A pesar de que me formé oyendo los clásicos de la primera mitad del siglo xx, las influencias externas me han permeado y por eso me catalogan como un guitarrista de música popular ‘fusión’» (Montaña, s. f.). Referencias Bogdanović, D. (1991). Six Balkan Miniatures. Matarrita, M. (s. f.). Hacia un redescubrimiento de la música de Agustín Barrios: Transcripciones al piano de sus obras para guitarra. Recuperado de http://www. filomusica.com/filo71/abarrios.html Redacción El Tiempo. (Publicación del 29 de septiembre del 2011). Gentil Montaña: “La música andina colombiana es de uno”. El Tiempo. Recuperado de: http://www. eltiempo.com/archivo/documento/CMS-10462665 Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 9 *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. FXT822. Foto: Kike Barona LAURA CHAPARRO música colombiana Boletas: $6.000* y latinoamericana Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Pasto, Medellin, Cúcuta, Manizales, Leticia y Bucaramanga LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Francisco Carranza CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana Boletas: $10.000 (Colombia)

Foto: Juan Pablo Rozo Jueves 9 de agosto de 2018 · 7:15 p.m. Bucaramanga, Auditorio Luis A. Calvo de la Universidad Industrial de Santander Cód. PULEP: CIJ942 Jueves 23 de agosto de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: AAE126 SEBASTIÁN AVENDAÑO piano (Colombia) Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Bucaramanga, el ingreso al Auditorio Luis A Calvo de la Universidad Industrial de Santander para personas con movilidad reducida, mujeres embarazadas y adultos mayores es por la entrada de platea, ubicada en el costado sur. Es necesario dar aviso al personal logístico del auditorio para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 Foto: Juan Pablo Rozo SEBASTIÁN AVENDAÑO piano Magíster en pedagogía del piano de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente adelanta sus estudios de maestría en interpretación con la profesora Lori Sims en Western Michigan University, Estados Unidos. Fue ganador del primer premio como pianista acompañante otorgado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá en el Concurso Nacional de Canto 2015 y ganador del Jacqueline Avent Concerto Competition 2015 (Estados Unidos), donde interpretó el Concierto para piano No. 2 de Dmitri Shostakovich con la Sewanee Symphony Orchestra bajo la batuta de Mei-Ann Chen. Fue el pianista invitado para participar del proyecto orquestal de la Vancouver Symphony Orchestra at Whistler (Canadá) en el verano del 2015, y también seleccionado como becario del Sewanee Summer Music Festival (Estados Unidos). Ganó el Concurso de Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali en el 2015 y fue seleccionado para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en 2017 y 2018. Inició sus estudios musicales bajo la tutoría del maestro Emer Montaño en el colegio Centro Don Bosco en Bogotá. En el 2007 ingresó al programa básico de estudios musicales de la Universidad Nacional de Colombia. Fue merecedor del primer premio en la modalidad solista del Festival Artístico Salesiano FAS 2008 y 2009. Ha tomado clases magistrales con Blanca Uribe, Ricardo Castro, Albert Guinovart, Valentina Lisitsa, Harold Martina y Hugues Leclère. Participó en las ediciones 2012, 2013, 2014 y 2016 de festivales de música clásica en Brasil, recibiendo clases con los maestros Alexandre Dossin y Fany Solter. Durante estos festivales, ofreció varios recitales como solista y de música de cámara en la serie Piano Masters. En el 2013 fue el pianista invitado por la Orquesta Filarmónica de Jaraguá do Sul para participar en la apertura del Festival de Música de Santa Catarina (Brasil). Fue seleccionado como becario en el Festival Internacional de Música de Cartagena en las ediciones 2014 y 2015. Fue, además, el pianista invitado por la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia para su gira de verano 2014 - Petrushka. Es integrante de Quintango, quinteto con el que ha ganado importantes concursos de música de cámara en el país tales como el II y el III Festival de Música 2 de Cámara organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá y el Teatro Libre, la convocatoria Beethoven 7.30 (Cali) y el Concurso de Música de Cámara organizado por el Auditorio Fabio Lozano (Bogotá). Ha colaborado como pianista supernumerario con la Orquesta Filarmónica de Bogotá, Coro Filarmónico Juvenil, Coro de la Corporación Carmiña Gallo, Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá (FOSBO) en los conciertos de año nuevo transmitidos por CityTv, y ha trabajado como pianista acompañante en la Universidad Nacional de Colombia, Universidad de los Andes, Pontificia Universidad Javeriana, y Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia –UPTC–. Actualmente es el pianista principal del Opera Workshop en Western Michigan University. El concierto en Bucaramanga cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Sonata para piano No. 13 en si bemol mayor, K.333 (1783) Allegro Andante cantabile Allegretto grazioso WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Nocturno No. 2 en si mayor, Op. 33/2 (c. 1880) GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Improvisación No. 15 en do menor, FP 176 ‘Homenaje a Edith Piaf’ (1959) FRANCIS POULENC (1899-1963) INTERMEDIO Ancestro (1988) GERMAN DARÍO PÉREZ (n. 1969) Sonata No. 2 en re menor, Op. 14 (1912) Allegro ma non troppo Scherzo Andante Vivace SERGÉI PROKÓFIEV (1891-1953) CONCIERTO No. 34 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza Cuando a comienzos del siglo XVIII Bartolomeo Cristofori (1655-1731) ideó el mecanismo que le permitió reemplazar las púas de metal del clavicordio por pequeños martillos que percutieran las cuerdas del instrumento, seguramente no imaginó la importancia que tendría en los siglos por venir este descubrimiento. El instrumento naciente recibió el nombre de cimbalo di piano e forte (clavicordio con sonidos suaves y fuertes) siendo esta su principal cualidad: la de producir matices antes imposibles en sus predecesores, el clavecín y el clavicordio. Hoy lo conocemos como pianoforte1, instrumento que luego de numerosos cambios llegaría a transformarse en el piano moderno, fundamental en la música desde el clasicismo hasta hoy. Fue precisamente en un pianoforte que Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) aprendió a tocar y a componer a una edad muy temprana, llegando a ser además de un niño prodigio, un brillante compositor e intérprete. El ingenio del músico austriaco contribuyó a la popularidad del instrumento, aportando fantasías, variaciones, conciertos y sonatas al repertorio de esta ‘nueva invención’. De las dieciocho sonatas para piano solo, hoy escucharemos la Sonata para piano No. 13 en si bemol mayor, K.333 compuesta en 1783 en Linz. A los 27 años, Mozart se encontraba ya en su etapa de madurez como compositor, oficio que alternaba con una intensa vida de concertista en la ciudad de Viena. Su estilo compositivo fue el punto medio entre el Barroco y el Romanticismo, entre el manejo preciso del contrapunto, y la audacia tonal y formal que se desarrollarían en el siglo XIX. Las sonatas de Mozart constan de tres movimientos (rápido-lento-rápido) y esconden, tras una aparente sencillez, complejidades rítmicas y armónicas que desafían aun a intérpretes experimentados. El primer movimiento Allegro es un ejemplo de ‘forma sonata’ (exposición, desarrollo, re-exposición) con temas que se mueven por varias tonalidades; el segundo movimiento Andante cantabile es lento, lírico, con un rico tejido de tonalidades entre mayores y menores, característica que se mantiene en el tercer movimiento Allegretto grazioso que contrasta rítmicamente con el segundo retomando temas del primer movimiento en una forma similar al rondó. Esta sonata es una demostración de virtuosismo y audacia armónica reveladora del genio compositivo de Mozart. El piano moderno apareció en el siglo XIX. Un mayor tamaño, mayor número de cuerdas y mecanismos más complejos le dieron una sonoridad imponente y 1 El instrumento tenía cinco octavas en vez de siete y medio como hoy. Además la tensión de las cuerdas era menor y estas eran más delgadas. El material que recubría los martillos no era fieltro como ahora, sino cuero y esto influía en el sonido, mucho menos sonoro que el de los pianos modernos. Poseía igualmente un mecanismo similar a un pedal que se accionaba con la rodilla. 5 mejoraron su capacidad de generar contrastes. Este fue el instrumento preferido de Gabriel Fauré (1845-1924), quien a pesar de ser organista de profesión, compuso con especial esmero nocturnos, barcarolas, impromptus, valses y caprichos para el piano. El estilo compositivo de Fauré fue apreciado por sus contemporáneos gracias a una extrema complejidad que no venía de un virtuosismo demostrativo, sino del empleo del lenguaje musical y la influencia del órgano en su escritura. Jean Chantavoine escribió en el periódico musical francés Le Menestrel el 14 de noviembre de 1924, diez días después de la muerte de Fauré: «La práctica del órgano puede, sin duda, desarrollar no sé qué dogmatismo o formalismo. Por otra parte, invita a soñar, a meditar» (Chantavoine, 1924)2. Y en cuanto a la escritura para piano del compositor, agrega: «sus obras para piano solo van a veces a la exageración y esta exageración se manifiesta en el abuso que Gabriel Fauré suele hacer del arpegio en su escritura pianística» (Chantavoine, 1924)3. De los trece nocturnos que compuso entre 1875 y 1921, escucharemos el Nocturno No. 2 en si mayor, Op. 33/2 (c. 1880). En el estilo de sus nocturnos se siente la influencia de Chopin y Schumann no solo en la forma sino en el carácter. Esta obra se basa en una forma libre en la que destacan una introducción expresiva que contrasta con una sección media agitada y tempestuosa en un ritmo ostinato, cerrando con una sección lírica y luminosa. En este nocturno, la contraposición de pasajes sombríos y luminosos resalta el carácter ensoñador y reflexivo a la manera de los nocturnos que hiciera tan populares Chopin. El audaz manejo de la armonía que hace Fauré incrementa la intensidad expresiva del nocturno. En la primera mitad del siglo XX, París era una ciudad de vanguardias artísticas, cuna y refugio de intelectuales. En este ambiente de riqueza cultural en el que convivían el jazz, el cine, la música clásica y el music hall se formó Francis Poulenc (1899-1963) en un mundo en permanente transformación. Se relacionó con el piano desde su primera infancia y a pesar de la variedad de sus obras (canciones, ópera, oratorio, ballet), este tuvo un lugar importante en sus composiciones. De las quince improvisaciones para piano que compuso entre 1932 y 1959, escucharemos la última Improvisación No. 15 en do menor, FP 176 ‘Homenaje a Edith Piaf’. En esa época la cantante Edith Piaf (1915-1963) era ya reconocida como una de las voces más importantes de Francia. No existe prueba de que se hayan conocido a pesar de tener en común la amistad de Jean Cocteau, cineasta francés cercano al grupo de ‘Los seis’4 2 “La pratique de l’orgue peut, sans doute, développer je ne sais quel dogmatisme ou formalisme. En revanche, elle invite à la rêverie, à la méditation” (Traducción al español por Angélica Daza). 3 “Ses oeuvres pour piano seul vont parfois à l’exagérer et cette exagération se manifeste par l’abus que Gabriel Fauré fait souvent de l’arpège dans son écriture pianistique” (Traducción al español por Angélica Daza). 4 Poulenc junto con Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Germaine Tailleferre se pronunciaron en contra del Impresionismo y de la música wagneriana, inspirándose en el trabajo de Erik Satie. 6 (fundado por Poulenc unos años antes). El pianista Antonio Pompa-Baldi declaró en una entrevista en 2013: «Poulenc sabía mucho sobre las canciones de Piaf y las amaba. Sé esto gracias a un amigo, un gran pianista, Gabriel Tacchino, que fue el único alumno de Poulenc» (Pompa-Baldi en Huizenga, 2013)5. Las improvisaciones fueron formas libres y cortas escritas en distintos momentos de su vida. La Improvisación No. 15 no es una paráfrasis de alguna melodía de la cantante, sino un homenaje al estilo de la música de cabaret en la que se demuestra que el gusto musical del compositor no se limitaba a las formas clásicas. Poulenc fue, además, un reconocido melodista, virtud que quedó plasmada en esta improvisación impregnada de la nostalgia de las melodías populares. Otro compositor que vivió el influjo de París en el siglo XX fue el ruso Sergéi Prokófiev (1891-1953), quien entró en contacto con el trabajo de Los seis en su paso por la capital francesa (Poulenc dedicó su Sonata para oboe y piano, FP 185 a la memoria del compositor ruso en 1962). Prokófiev vivió el rigor de la primera guerra mundial y de la revolución Bolchevique, momento en el que decidió exiliarse. Regresó a su país veinte años más tarde, debiendo acomodar inevitablemente su estilo al régimen comunista. En esta ocasión, escucharemos la Sonata No. 2 en re menor, Op. 14, escrita en 1912, unos años antes de que se graduara del conservatorio de San Petersburgo. Esta obra de juventud sigue la estructura de la sonata romántica en cuatro movimientos (allegro, andante, minueto y allegro –o rondó–) respetando la forma básica, pero aportando ciertas modificaciones. De las nueve sonatas que compuso, la No. 2 es la más extensa; en palabras del interprete «es quizás una de las sonatas que presenta mayor cantidad de contraste en su trabajo con la forma sonata, contrastes que van desde un lirismo romántico hasta un lenguaje agresivo totalmente opuesto» (Avendaño, 2016, p. 19). El primer movimiento Allegro ma non troppo se caracteriza por sus contrastes temáticos; el segundo movimiento Scherzo es descrito por algún crítico como diabólico y audazmente rítmico; el tercero Andante contrasta con el anterior más tranquilo y misterioso, lírico y expresivo para terminar con un cuarto movimiento Vivace que retoma los temas principales en un ostinato rítmico. En esta sonata, Prókofiev respeta la forma romántica pero propone con audacia un nuevo lenguaje. Por su parte, el compositor colombiano Germán Darío Pérez (n. 1969) ha trabajado por más de treinta años en la composición de música colombiana, mezclando los ritmos tradicionales con nuevas sonoridades. El resultado ha sido aplaudido y premiado en repetidas ocasiones. Además de una reconocida carrera de pianista, ha creado varios conjuntos en los que se ha desempeñado como director y arreglista. Entre ellos el Trío Nueva Colombia y, más recientemente, Síncopa Cinco. El reto de llevar ritmos tradicionales a las salas de concierto implica adaptar 5 “Poulenc knew a lot of Piaf songs well, and loved them. I know this thanks to a friend, and great pianist, Gabriel Tacchino, who was the only pupil of Poulenc” (Traducción al español por Angélica Daza). 7 y explorar las posibilidades del lenguaje musical más allá de lo ‘popular’. Explica el compositor en una entrevista con el periódico El Tiempo en 2017: «Tenemos profundo conocimiento de la tradición. No se puede pretender innovar si no conoces las raíces de las cuales provienes». Hoy, escucharemos un clásico de su repertorio, el bambuco Ancestro, premiado como mejor obra inédita instrumental en el Festival Nacional Mono Núñez en 1988, momento desde el cual ha recorrido las salas de concierto del país adaptada a diversos formatos. El tradicional ritmo de bambuco aparece después de una breve introducción con su ritmo característico seguido de una melodía de gran lirismo sin abandonar la fuerza rítmica que la asocia a la tradición. Referencias Avendaño, J. S., (2016). Contextualización de la Sonata No. 2 Op. 14 en re menor de Sergéi Prokófiev (tesis de maestría). Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, Colombia. Recuperado de http://bdigital.unal.edu.co/54260/1/10 14240063 Chantavoine, J. (14 de noviembre de 1924). Gabriel Fauré, Le Menestrel, año 86. No. 46, p. 469. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k56164444/f4.item.r=oeuvre%20 pianistique%20de%20gabriel%20faur%C3%A9.zoom El Tiempo (22 de abril de 2017). Germán Darío Pérez, el ‘Piazzolla’ del bambuco. Recuperado de http://www.eltiempo.com/cultura/musica-y-libros/german-dario- perez-el-piazzolla-del-bambuco-80472 Huizenga, T. (25 de septiembre de 2013). The Pianist Who Plays ‘The Rascal And The Sparrow’. Entrevista al pianista Antonio Pompa-Baldi. NPR Classical. Recuperado de https://www.npr.org/sections/deceptivecadence/2013/09/25/225784532/ the-pianist-who-plays-the-rascal-and-the-sparrow Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana Jueves 30 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Pasto, San Andrés y Quibdó ALEJANDRA DÍAZ, guitarra Jueves 6 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Sincelejo, Montería e Ipiales LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: FYV783. SVJ267. VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. Foto: Rodrigo Velásquez CUARTETO DE SAXOFONES 234 Boletas: $6.000* música latinoamericana Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Montería, Sincelejo y Quibdó CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Pasto, Medellin, Cúcuta, Manizales, Leticia y Bucaramanga LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Kaupo Kikkas CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Boletas: $10.000

Foto: Rodrigo Velásquez Martes 21 de agosto de 2018 · 7:00 p.m. Pasto, Plazoleta Interna del Centro Cultural Leopoldo López Álvarez del Banco de la República Cód. PULEP: ZYJ636 Jueves 23 de agosto de 2018 · 7:30 p.m. San Andrés, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: HJP320 Martes 28 de agosto de 2018 · 6:30 p.m. Popayán, Auditorio Banco de la República Cód. PULEP: UTH941 Jueves 30 de agosto de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: FYV783 Viernes 31 de agosto de 2018 · 6:30 p.m. Quibdó, Auditorio del Banco de la República Cód. PULEP: YYX525 CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana (Colombia) Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 CUARTETO DE SAXOFONES 234 Gustavo Hidalgo, saxofón soprano Kimberly Cruel, saxofón alto Martha Angulo Zapata, saxofón tenor Luis Fernando Herrera, saxofón barítono El Cuarteto de saxofones 234 nace como laboratorio de práctica colectiva de la clase de saxofón de la Universidad del Cauca en el año 2012. Hacia el 2014, el proyecto se actualizó y hoy continúa en su labor musical en la ciudad de Popayán bajo la orientación de los maestros Alfredo Cobo y Sandra Paola Jiménez. Su repertorio hace énfasis en el saxofón como parte de un cuarteto en diversos estilos, guardando los conceptos de música de cámara. A lo largo de su trayectoria se ha destacado en las convocatorias nacionales Beethoven 7.30, en Cali, y en el Festival de Música de Cámara de Pasto. Igualmente, en el Salut International Performing Arts Web Competition 2016, donde ocupó el tercer lugar. Ese mismo año fue invitado por la sociedad Henri Selmer Paris para ofrecer un recital en el marco de Concerts à la Fontaine. Fue ganador del primer lugar en el concurso internacional para cuartetos de saxofones Ciquasax Brasil 2015. Los integrantes del cuarteto han recibido clases magistrales con el maestro Javier Ocampo, el cuarteto Quatour Morphing y Josetxo Silguero Gorriti. Foto: Santiago Bayona 2 PROGRAMA Cuarteto latinoamericano para saxofones (1976) Fandango Serenata Choro y tango ALDEMARO ROMERO (1928-2007) Mobile (2010) RONALDO MIRANDA (n. 1948) Fiesta en corraleja (1963) RUBÉN DARÍO SALCEDO (n. 1939) Adaptación para cuarteto de saxofones por Julio Castillo (s. f.) INTERMEDIO Historia del tango (1986) Burdel 1900 Café 1930 Night club 1960 Concert d’aujourd’hui ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992) Original para flauta y guitarra Adaptación para cuarteto de saxofones por Claude Voirpy (s. f.) Sudamérica (1978) Tempo di Cha-cha-cha Tempo di valse Lento mysterioso Tempo di samba LINO FLORENZO (n. 1920) La piragua (1967) JOSÉ BARROS (1915-2007) Adaptación para cuarteto de saxofones por Julio Castillo (s. f.) CONCIERTO No. 36 3 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega La primera vez que se escuchó un saxofón en una sala de conciertos fue en Bruselas, por allá en 1841. Fabricado tan solo un año antes por el inquieto clarinetista y constructor de instrumentos, el belga Adolphe Sax, el saxofón vino al mundo gracias a una de esas eventualidades que solo la casualidad puede urdir con meticulosidad: cansado de los problemas acústicos que le suponía el clarinete, Sax decidió mejorar el instrumento, y en esa búsqueda azarosa dio vida al saxofón, una enrevesada ‘escultura’ de metal que hoy en día es fundamental si queremos hablar, por ejemplo, de jazz, fanfarrias callejeras y formatos de cámara como el que hoy nos convoca en esta sala. En 1846, luego de perfeccionarlo, el saxofón fue patentado en París, y doce años más tarde, en 1858, Jean-Baptiste Singelée (un viejo amigo y colega de Sax) insistió en la idea de que el cuarteto de saxofones gozaba de todas las bondades del popular cuarteto de cuerdas. Así, Singelée escribió el Primer cuarteto para saxofones, pieza que, además de ser la composición inaugural para cuarteto de saxofones, prefiguró el formato más utilizado hoy en día: soprano, alto, tenor y barítono. Sax, quien además de constructor era dueño de una editorial y promotor de conciertos, impulsó este nuevo cuarteto y lo dio a conocer tanto en las salas de concierto como en el conservatorio donde estaba adscrito como maestro. Fue así como Jérôme Savari, Louis Mohren y Émile Jonas escribieron algunas piezas que tenían un gran componente romántico. Aunque el cuarteto alcanzó cierta popularidad en los círculos musicales, Sax cerró su clase en el conservatorio y tanto la práctica como la composición para cuarteto de saxofones se fueron desvaneciendo lentamente, hasta desaparecer por completo. Por otro lado, al tratarse de un instrumento tan joven y de un formato con tan poca tradición, la carencia de músicos talentosos que defendieran su importancia se hizo evidente y tendrían que pasar unos buenos años para que el cuarteto de saxofones retornara con fuerza la música de cámara de los siglos xx y xxi. Cobra importancia en este apartado el pedagogo francés Marcel Mule, considerado por muchos como el creador de la escuela clásica del saxofón y el padre de los cuartetos de saxofones modernos, que tuvieron su origen en la Guardia Republicana, donde Mule era un solista ovacionado. Reconocido por unanimidad en los círculos clásicos como el saxofonista más virtuoso, Mule formó en 1928 el Cuarteto de la Guardia Republicana, que se llamó así hasta 1936, cuando fue rebautizado como el cuarteto de Saxofones de París, que a su vez se convirtió en el famoso Cuarteto Marcel Mule, que giró por toda Europa y grabó algunos de los discos más importantes en la historia de este formato. En tanto en cuanto fue ovacionado por el público, el Cuarteto de Marcel Mule ganó adeptos y se convirtió en la inspiración de muchos emuladores. Esto ha tenido 4 una consecuencia muy particular en compositores contemporáneos, quienes han descubierto profundidad y belleza en la conjunción a cuatro voces del instrumento creado por Sax en el siglo xix. Y es que los números, a veces, no mienten. Según el libro 150 años de música para saxofón, escrito en 1994 por el legendario saxofonista francés Jean-Marie Londeix, se pueden contar alrededor de un millar de obras escritas para cuarteto de saxofones, que pueden ir desde el sonido más clásico hasta obras muy arriesgadas de compositores como Iannis Xenakis, Franco Donatoni, Ivan Fedele, Henri Pousseur, John Cage, Salvatore Sciarrino, Georges Aperghis, Erkki- Sven Tüür, Terry Riley, Hugues Dufourt, Ichiro Nodaïra, Olga Neuwirth, Fabien Lévy y Luciano Berio, entre muchos otros. En la actualidad, tanto en la música de cámara como en el jazz son cientos los cuartetos de saxofón que se han destacado, no solo por la destreza de sus intérpretes, sino por el ingenio, la creatividad y, en algunos casos, el humor. Sobresalen, en este orden, los cuartetos Habanera, Raschér, Aurelia, Diastema, World Saxophone, Rova y XASAX, estos últimos más enfocados en el repertorio contemporáneo y la improvisación. En Colombia, los cuartetos de saxofón han estado ligados a la reinterpretación de la música popular latinoamericana, standards de jazz y, sobre todo, a la lectura de la música popular colombiana, en especial la proveniente del Caribe y la zona Andina. Notas sobre el repertorio Cuarteto latinoamericano para saxofones (1976) - Aldemaro Romero (1928- 2007) Nacido el 12 de marzo de 1928 en Valencia, estado de Carabobo (Venezuela), Aldemaro Romero es una de las figuras cruciales de la música en su país. Su postura abierta y desenfadada lo llevó a explorar, sin prejuicios, tanto la música popular como la académica. Por eso, no es extraño que dentro de su prolífico repertorio encontremos desde boleros hasta conciertos para orquesta sinfónica. Su vida musical la inició junto a su padre, Rafael Romero, y la afianzó durante su primer viaje a Caracas en 1941, dándose a conocer como pianista en salones nocturnos de baile. Viajó a Cuba y Nueva York para luego retornar a Caracas a principios de la década del cincuenta. Luego de actuar como director y arreglista de orquestas como las de Dean Martin, Jerry Lee Lewis, Stan Kenton, Machito y Tito Puente, entre otros, Romero se inventó la ‘onda nueva’, un género musical creado a finales de los sesenta, que, teniendo como base el joropo, combina fuentes provenientes del jazz y la bossanova. Esencial en el desarrollo de la ‘onda nueva’ fue la predilección del saxofón como instrumento catalizador del sonido moderno y estilizado. Los trabajos para saxofón fueron, entonces, parte fundamental de la obra de Romero. Dentro de esta producción podemos enumerar diez composiciones divididas en cuatro categorías: 1) composiciones para saxofón y orquesta; 2) piezas para orquesta de cuerda y ensamble vientos; 3) cuartetos; y 4) música para ensamble extendido de saxofones. 5 Fueron cuatro los cuartetos para saxofón que Romero escribió entre 1976 y 2007, año de su muerte. En orden cronológico, estos son: Cuarteto latinoamericano para saxofones (1976), Preludio y quirpa (1997), Fuga con pajarillo (1999) y Quirpa con variaciones (2003). El primero de ellos, que escucharemos esta noche, fue estrenado en Los Angeles, California, en 1977. Escrito en Londres durante su primer periodo de composición clásica, este cuarteto consta de tres movimientos que aluden a ritmos latinoamericanos muy específicos, como el choro y el tango, danzas hispanas como el fandango, y cierta abstracción nostálgica del joropo que el compositor titula Serenata. Fue grabado por primera vez por The Harvey Pittel Saxophone Quartet en la recopilación 51 años en la música, publicada en 1988 por el Banco Unión. Mobile (2010) - Ronaldo Miranda (n. 1948) Nacido el 26 de abril de 1948 en Río de Janeiro, Ronaldo Miranda, estudió composición con Henrique Morelenbaum y piano con Dulce de Saules. Su carrera comenzó no como intérprete ni como compositor, sino como crítico de música en el Jornal do Brasil, trabajo que ejerció entre 1974 y 1981. Fue en 1977, cuando obtuvo el premio en la categoría de música de cámara en el Concurso Nacional de Composición de la II Bienal de Música Brasilera Contemporánea de la Sala Cecília Meireles, cuando se reveló su oficio. Su prolífica obra toca varios aspectos: piezas solistas para piano, clarinete, violín, violonchelo y flauta; voz y piano; voz y violín; piezas corales; conciertos para piano y orquesta; sinfonías; banda sinfónica; tres óperas, y una amplia producción de música de cámara que incluye dos piezas para saxofón: Fantasia (1994) para saxo alto y piano, y Mobile (2010), su único cuarteto de saxofones. Fiesta en corraleja (1963) - Rubén Darío Salcedo (n. 1939) Ícono de la época dorada de la música tropical colombiana de la década de los sesenta y los setenta, Rubén Darío Salcedo nació el 6 de mayo de 1939 en Ocaña, Norte de Santander. Sobrino de Crescencio Salcedo —legendario marinero de río, juglar, yerbatero, constructor de flautas y compositor de La múcura—, Rubén Darío fue a vivir desde muy temprana edad a Sincelejo. Su nombre es un homenaje que su padre le quiso rendir al otro Rubén Darío, el poeta nicaragüense. A mediados de los sesenta compuso un paseo sabanero que fue grabado por el acordeonero Julio de la Ossa. Luego vino una temporada al lado de los Corraleros de Majagual, Los Caporales del Magdalena, Emiro Salcedo y su Conjunto y el Supercombo Los Diamantes, agrupación en la que, a propósito, Salcedo le enseñó a cantar a un muchachito llamado Joe Arroyo. En los primeros días de 1963, Rubén Darío Salcedo visitó el lugar donde los campesinos arman la corraleja en Sincelejo. «Era de mañana», recuerda el compositor, quien se inspiró en los silvestres obreros que a esas horas montaban el armatoste de madera donde se llevaría a cabo la batalla campal entre toros y borrachos temerarios. Entonces volvió a su casa, tomó la guitarra y cantó estos versos inmortales: 6 Ya viene el 20 de enero, la fiesta de Sincelejo. Los palcos engalanados, la gente espera el ganado. Esta sí es la fiesta buena, la fiesta en corraleja. Cuatro meses después de su inicial inspiración, Salcedo completó la canción. Tuvieron que pasar seis largos años para que quedara impresa en los surcos de un disco. Fue el acordeonista Alfredo Gutiérrez quien se la escuchó un día y, conmovido por la canción, convenció a Salcedo para grabarla en los estudios del ‘capitán’ Molina en Barranquilla. La prensó el sello Codiscos de Medellín con la impronta de los Caporales del Magdalena y el intrépido acordeón de Gutiérrez. Durante dos años fue la canción número uno en Colombia. Tan famosa fue que Codiscos recibió un Disco de Oro por las ventas y Salcedo un dinero que invirtió en su casa de tres habitaciones ubicada cerca de la plaza Majagual en Sincelejo. La Sonora de Lucho Macedo, Billo’s Caracas Boys, La Sonora de Barú, Jaime Llano González, Juan Vicente Torrealba, Chico Cervantes, Moisés Angulo y Antonio Arnedo son algunos artistas que han grabado este porro, que cuenta con más de cien versiones. Historia del tango (1986) - Astor Piazzolla (1921-1992) Originalmente escrita para flauta y guitarra, esta memorable pieza es la versión musical de las crónicas narradas en El libro del tango, escrito por Horacio Ferrer, gran amigo y colaborador de Piazzolla. En la partitura original, el compositor explicó cada uno de los cuatro movimientos que la componen: Burdel (1900): «El tango comienza en Buenos Aires en 1882, y los primeros instrumentos que lo tocaban eran guitarra y flauta. Esta música debe ser tocada con mucha picardía y gracia para visualizar las alegrías de las francesas, italianas y españolas que vivían en esos burdeles, coqueteando con los policías, ladrones, marineros y malevos que los visitaban. Esta época era completamente diferente a todas. El tango era alegre». Café (1930): «Otra época del tango. Se escuchaba y no solo se bailaba, como en 1900. Era más musical y romántico. Las orquestas de tango estaban formadas por dos violines, dos bandoneones, piano y contrabajo. A veces se cantaba. La transformación era total. Más lento, nuevas armonías y, yo diría, muy melancólico». Night club (1960): «La época internacional, el tango triunfa en Europa. Comienza una nueva época transformante. La gente concurre a los nightclubs para escuchar seriamente el nuevo tango. La revolución y cambio total de ciertas formas del viejo tango. No bailable, sí escuchable. Música para los músicos». 7 Concert d’aujourd’hui (Concierto de hoy): «Esta es la música de tango con conceptos de la nueva música. Esencia de tango con reminiscencias de Bartók, Stravinsky y otros. Este es el tango de hoy y del futuro. Abajo está el tango, arriba está la música. Una música donde se escucha la historia del tango con un agregado, la nueva música». La versión original fue grabada por el flautista Marc Grauwels y el guitarrista Guy Lukowski en el disco Tango de 1986. Sudamérica (1978) - Lino Florenzo (n. 1920) La biografía del compositor de origen francés Lino Florenzo es nebulosa y dispersa. Quizás su aspecto más conocido es la autoría del cuarteto para saxofón Sudamérica, escrito en 1978 e integrado por cuatro movimientos en los que logra abstraer, con cierta alambicada sofisticación, diversos ritmos provenientes de Cuba y Brasil. La piragua (1967) - José Benito Barros (1915-2007) El banqueño José Benito Barros Palomino anduvo de correrías por el mundo desde 1935, año en que culminó su servicio militar. Durante largo tiempo recorrió Colombia y buena parte de Suramérica. En la década de los sesenta, ya con el prestigio ganado, se instaló en Bogotá, ciudad en la que ya había vivido en los años cuarenta y donde había escrito su primer éxito internacional, El gallo tuerto. Allí mismo, en la capital, en 1967, terminó de escribir la historia de Guillermo Cubillos, un comerciante y navegante oriundo de Chía, que durante años se dedicó al transporte de mercancías entre La Dorada y El Banco a bordo de su lancha ‘La Girardoteña’. La piragua, esa cumbia nostálgica que bien pinta un paisaje poético del Río Grande del Magdalena, estuvo en la cabeza de Barros durante quince años hasta que, finalmente, en una vieja taberna del centro de la ciudad la dio por terminada. El periodista Alberto Salcedo Ramos cuenta los pormenores del alumbramiento: […] recuerdo una historia que me contó el músico Francisco Zumaqué, quien fue muy cercano a José Barros cuando este residía en Bogotá. Solían departir en el café La Sultana, punto de encuentro de compositores y bohemios. Mientras casi todos los contertulios armaban ronda de aguardiente y cervezas, el maestro Barros se pasaba el día apartado, tomando café negro y garabateando canciones en una libreta que siempre llevaba consigo. En cierta ocasión, Barros empezó a hablarle a Zumaqué de una canción que estaba escribiendo y que lo tenía muy contento. Entonces le informó entre risas que acababa de crear una boga de apellido improbable —Albundia—, simplemente para que rimara con la palabra cumbia. Ese mismo año el cantante Gabriel Romero se interesó por la canción y la grabó por primera vez con el conjunto Los Black Stars en el disco A toda máquina Vol. IV (Sonolux, 1969). El resto ya hace parte de la leyenda. Audiciones recomendadas Romero, A. (1988). 51 años en la música. Banco Unión. Piazzolla, A. (1986). Tango. Teldec. The Amsterdam Saxophone Quartet. (1991). The Amsterdam Saxophone Quartet. Sosta. Lecturas recomendadas Salcedo, A. (2015). José Barros, el caporal del río. En homenaje a José Barros. Semana. Londeix, J. M. (1995). 150 ans de musique pour saxophone. New Jersey: Roncorp. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. ALEJANDRA DÍAZ, guitarra Jueves 6 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Sincelejo, Montería e Ipiales LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: SVJ267. VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. FXT822. Foto: Merwyn Betancourth ALEJANDRA DÍAZ Boletas: $6.000* guitarra Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Pasto, Medellin, Cúcuta, Manizales, Leticia y Bucaramanga LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Francisco Carranza CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana Boletas: $10.000 (Colombia)

Foto: Martin Just Roberts Jueves 13 de septiembre de 2018 · 7:00 p.m. Villavicencio, Biblioteca Germán Arciniegas Cód. PULEP: NKW993 Jueves 20 de septiembre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: GMN600 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JUAN SEBASTIÁN VELASCO oboe (Colombia) Diego Claros, piano (Colombia) TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Villavicencio, el acceso al auditorio de la Biblioteca Germán Arciniegas para personas con movilidad reducida es por la entrada principal situada en la Carrera 45A # 8-16. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 Foto: Martin Just Roberts JUAN SEBASTIÁN VELASCO oboe Nació en Bogotá en 1992. A los seis años empezó a estudiar música y a los nueve recibió una beca para estudiar oboe en la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia, donde se formó musicalmente hasta los dieciséis años. En el 2008 fue aceptado en el programa básico de Estudios Musicales del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudió bajo la tutela de los maestros Andreas Schneider y Carlos Villanueva, para obtener su grado de músico oboísta seis años más tarde. En el 2017 terminó sus estudios de maestría en la Hochschule für Musik Trossingen (Alemania) con el maestro inglés Nicholas Daniel, y actualmente cursa una maestría de música de cámara en la Hochschule für Musik Karlsruhe, teniendo como profesor a Thomas Indermühle. Ha participado en distintos festivales orquestales de música de cámara y oboe en Colombia, Alemania, Reino Unido y Brasil, como el Mattheiser Sommer-Akademie, Young Euro Classic, Rheingau Musik Festival, Norddeutsche Oboentage, Bogotá es Mozart, Cartagena Festival Internacional de Música, British Isles Music Festival y FEMUSC (Festival de Música de Santa Catarina). En dichos festivales tuvo la oportunidad de recibir clases magistrales con David Walter, Jacques Tys, Christian Schmitt, Jean-Louis Capezzali, Nancy Ambrose King, Tom Owen, Gordon Hunt, David Theodore, Jorge Andrés Pinzón, Nick Deustch, Alex Klein y Luis Carlos Justi. Desde el 2011 es integrante de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, con la que ha realizado giras por Colombia, Estados Unidos, Alemania y Austria. En el 2016 fue seleccionado por la Youth Orchestra of the Americas (YOA) para ser parte del Nordic-Baltic Legacy Tour, que llegó a Estonia, Lituania, Letonia, Polonia, Suecia, Dinamarca y Alemania. Con estas dos orquestas trabajó de la mano de los directores Andrés Orozco Estrada, Carlos Miguel Prieto y Benjamin Zander. Fue primer oboe de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá —cargo que obtuvo por concurso— desde la fecha de su fundación hasta el 2015. 2 DIEGO CLAROS piano Músico, pianista y magíster en pedagogía del piano de la Universidad Nacional de Colombia, donde obtuvo la más alta calificación en sus recitales de grado en pregrado y maestría. Su trayectoria como pianista acompañante ha sido ampliamente reconocida en el ámbito musical. Se ha desempeñado como pianista para el Concurso Nacional de Clarinetes Claribogotá, como pianista acompañante en las universidades Javeriana, Andes y Nacional y como profesor de piano y pianista del coro en la Universidad de La Sabana. Actualmente es codirector musical y correpetidor en el taller de ópera del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. El concierto en Villavicencio cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Sonata para oboe y piano (1947) HENRI DUTILLEUX (1916-2013) Trío sonata en re menor, BWV 527 (1727-1731) Andante Adagio e dolce Vivace JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Original para órgano Adagio y allegro, Op. 70 (1849) ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Original para corno y piano INTERMEDIO Cavatina para oboe y piano (1987-2014) GUSTAVO PARRA (n. 1963) Concierto sobre temas de la ópera ‘La favorita’ de Gaetano Donizetti (1870-1890) ANTONIO PASCULLI (1842-1924) Original para oboe y orquesta Adaptación para oboe y piano por James Ledward (s. f.) CONCIERTO No. 40 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Cinco compositores, cinco géneros, cinco regiones geográficas, cinco aproximaciones estéticas distintas. El oboísta Juan Sebastián Velasco presenta un programa que encarna la versatilidad de su instrumento, tanto desde su propio idiomatismo, con las obras de Antonio Pasculli, Henri Dutilleux y Gustavo Parra, como desde el préstamo de lenguajes ajenos, con las obras de Johann Sebastian Bach y Robert Schumann; versatilidad que parece una analogía de la formación integral de dichas figuras que, además de trabajar como compositores, se embarcaron, no tímidamente, en los campos de la dirección, la interpretación, la docencia y la creación literaria. Henri Dutilleux (1916-2013) Este longevo compositor recibió a los 89 años un reconocimiento a su poética con el Premio de Música Ernst von Siemens y se convirtió así en el tercer francés en ser elegido por la Academia Bávara de Música, después de Olivier Messiaen y Pierre Boulez; también, solo un año antes de su muerte, la Filarmónica de Nueva York le otorgó el premio Marie-Josée Kravis. Su biografía no conoció la monotonía, y de su legado resaltan, por ejemplo, su trabajo en la Radio Francesa como encargado de producciones musicales; su figura como pianista, arreglista y tutor vocal; su trabajo docente en el conservatorio y en la École Normale de Musique de Paris; la obtención del Grand Prix de Rome en 1938 por su obra L’anneau du roi y, lamentablemente, como se puede contar de muchos compositores que vivieron las dos grandes guerras, su servicio en la Drôle de Guerre o ‘Guerra Falsa’, entre 1939 y 1940. A pesar de no ser principalmente conocido por sus trabajos para vientos, ya que sus obras más celebradas son las orquestales, su técnica compositiva se deja entrever en aquellos. Por ejemplo, en la Sonata para oboe y piano (1947) se hace evidente el resultado de su estricta educación teórica en el Conservatorio de París, pues, ya desde el primer movimiento, la arquitectura contrapuntística y la claridad formal delatan no solo el paso del compositor por las cátedras de profesores como Victor Gallois, Henri Büsser y Philippe Gaubert, entre otros, sino una búsqueda neoclásica del discurso musical. Por otra parte, la admiración de Dutilleux por el lenguaje armónico, casi simbolista, de maestros franceses como Claude Debussy, César Franck, Paul Dukas y Maurice Ravel es diáfanamente representada, no sin manifestar también una curiosidad por la música no académica, como había hecho el grupo de compositores denominados Les Six1 unos veinte años antes. Además, la exigencia técnica de esta obra no es un secreto, y en su génesis se encuentra la razón: la sonata, junto con las obras para fagot, trombón y flauta, le fueron encargadas por Claude Delvincourt, 1 Grupo de compositores integrado por Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre, Jean Cocteau y Erik Satie. 5 director del Conservatorio de París, para desarrollar las habilidades técnicas de los estudiantes a partir del estudio de música nueva. Johann Sebastian Bach (1685-1750) Es sabido que Bach nunca vivió fuera de lo que hoy se conoce como Alemania, aspecto que, sin embargo, no puso límites a la vastedad de sus conocimientos sobre la música extranjera. Su manera de incorporarse al lenguaje de compositores como Girolamo Frescobaldi, Antonio Vivaldi y Arcangelo Corelli consistía en hacer copias de sus trabajos, ora como ejercicio pedagógico, ora como ejercicio compositivo, tomando sus temas como base o haciéndoles arreglos para otros formatos. Son conocidas sus transcripciones para órgano de algunos conciertos de Vivaldi; además, no se puede negar que, por ejemplo, en los seis Conciertos de Brandemburgo, la idea de concatenar dos tipos de conciertos: grosso y solo, en una sola estructura formal y con instrumentaciones no tradicionales, fue una de las tantas maneras como Bach se apropió de los procedimientos compositivos foráneos. Las seis sonatas en trío, a las cuales pertenece la BWV 527 en re menor, son otro ejemplo de esta apropiación. A primera lectura se pensaría en que una pieza cuyo título es Trío sonata se referiría a una composición para un ensamble con tres o más instrumentos, uno por cada línea, y la posibilidad de que dos o más instrumentos ejecuten la línea del bajo. Esta era la convención en el siglo xviii. Sin embargo, al referirse a piezas escritas para órgano —que en las manos adecuadas podría, en cierta medida, llegar a equipararse a un ensamble de varios instrumentos—, Bach utiliza la indicación ‘a deux clav. e pedale’, es decir, ‘para dos manuales [de órgano] y pedal’. Para ser más específicos, lo que normalmente ejecutarían tres o más individuos, lo tendría que realizar una sola persona haciendo uso de sus cuatro extremidades: cada mano para una línea melódica y los pies para el pedal. Escritas para su hijo Willhelm Friedemann, se cree que pudieron haber sido creadas por Bach entre su estancia en Weimar y Leipzig. A propósito de su importancia, el biógrafo Johann Nicolaus Forkel hace, en 1802, una descripción de las piezas: Bach compuso [los tríos] para su hijo mayor, Wilhelm Friedemann, quien, practicándolos, debía prepararse para convertirse en el gran organista que luego fue. Es imposible decir suficientes cosas sobre su belleza. Fueron compuestos cuando el autor estaba en su mayor madurez y pueden considerarse como su principal trabajo de tales características2. Además, su hijo Carl Philipp Emanuel, quien ya se encontraba inmerso en un pensamiento estético contrastante con el de su padre, reconoce el carácter sempiterno 2 “Bach composed [the trios] for his eldest son, Wilhelm Friedemann, who, by practicing them, had to prepare himself to become the great performer on the organ that he afterward was. It is impossible to say enough of their beauty. They were composed when the author was in his most mature age and may be considered as his chief work of this description”. (Traducción al español realizada por Daniela Peña Jaramillo). 6 de las sonatas al asegurar que estas «fueron escritas en un estilo tan galante que aun suenan bastante bien, y nunca parecerán anticuadas, sino que, por el contrario, sobrevivirán a todas las revoluciones de las modas musicales» (Yearsley, p. 9, 2014). Robert Schumann (1810-1856) En una época previa al psicoanálisis, a la terapia psicológica dirigida y a los tratamientos químicos para la depresión, la única herramienta que pudo utilizar Robert Schumann para combatir la melancolía fue la relación —tan orgánica como explosiva— que desarrolló con la música desde sus primeras clases de piano, a muy corta edad, hasta los episodios más tardíos de delirio, en los que la imposibilidad del silencio generaba un estado de composición involuntaria e indeseada. Esta relación lo llevó a conocer a su esposa, Clara Wieck, y a su apadrinado Johannes Brahms. Su carrera como pianista se vio mermada debido a los excesos de juventud; ya fuera por el misterioso aparato que utilizaba para fortalecer los dedos de sus manos, o ya por los efectos del tratamiento con mercurio para la sífilis, su retiro prematuro de la vida como concertista refleja la persona del compositor. Introspectivo y abierto a la vez; racional y explosivo; calmo y agresivo, este concierto de personalidades conformaba la agotadora psique del compositor. El Adagio y allegro, Op. 70, titulado Romance y Allegro en su primera versión, da cuenta perfecta de esta querella inconsciente y pareciera una materialización musical de los personajes literarios creados por él mismo: Eusebio y Florestán, la manifestación de su lucha interna. Iniciando con un estilo propio de sus lieder, la obra, original para corno y piano, parece una canción o romance sin palabras (Eusebio), que luego introduce un tema enérgico (Florestán), propio del idiomatismo del corno, que hasta no hace mucho tiempo había sido considerado un instrumento de guerra. De igual manera, su estructura se erige como un atenuante para el antagonismo entre el pensamiento clásico y el romántico: una forma rondó, propia del primero, es el cimiento de un desarrollo armónico arriesgado, propio del segundo. Gustavo Parra (n. 1963) Nacido en Ipiales (Nariño), Parra encaminó su experiencia académica inicialmente hacia la dirección de orquesta, que ha ejercido a la par con su aclamada carrera compositiva y docente, aunque la composición no fue un objetivo al comenzar sus estudios musicales profesionales. En una entrevista realizada por María Isabel Quintero en la Biblioteca Luis Ángel Arango, Parra cuenta de manera descomplicada —como una analogía a la génesis y desarrollo de su catálogo— que sus primeras composiciones las firmaba con el nombre artístico Jerry Lee Davies, pues Gustavo Parra resultaba muy poco atractivo y, por el contrario, el nombre norteamericano se presentaba como una ventana más plausible hacia el reconocimiento del medio compositivo. Narra también que, justamente, gracias a que su foco no se encontraba en la composición, las licencias para componer fuera de los tecnicismos académicos y las categorizaciones estilísticas 7 llegaron a él de manera muy fácil puesto que, en palabras del mismo Parra, él no era un ‘compositor legalizado’ —no tenía que ceñirse a las reglas o a las tendencias técnicas que los estudiantes de composición sí debían seguir—. Los títulos de sus piezas dan cuenta de este alejamiento, e incluso parecerían respuestas al pseudointelectualismo, que puede llegar a ser una afección importante en la composición académica. Algunos títulos destacables son Ñerunfen Gorsóbico Nos. 1, 2 y 3, Piriñonfla extrema, Ñánfiras, Fat Swing, Ganache y Demi Glace, entre otros. Sin embargo, el alejamiento del mundo académico no ha sido completo ni tajante, pues a lo largo de su carrera musical ha participado como director en las orquestas Sinfónica Nacional de Colombia, Sinfónica Juvenil del Perú, Orquesta de Cámara de Caracas, Orquesta de Cámara de Quito, Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, Sinfónica Nacional Batuta y Sinfónica Batuta Bogotá. La Cavatina para oboe y piano escapa al estilo excéntrico de nomenclatura pues, como lo menciona el compositor en la misma entrevista, no todas las piezas se dejan nombrar de cualquier manera y él responde siempre a lo que éstas le piden. Haciendo una interpretación libre de la obra y teniendo en cuenta que el compositor nunca ha querido adherirse a ninguna categoría academicista, se puede decir que hay cierta influencia de aquel grupo de compositores ya citados, a quien Jean Cocteau denominó como Les Six; la utilización de melodías sencillas y de un carácter cantábile, como respuesta a las construcciones meramente intelectuales que se estaban dando en otros lugares de Europa en la primera década del siglo pasado, era una de las principales búsquedas de compositores como Erik Satie (quien no pertenecía al grupo pero suponía una figura ‘paternal’ para los seis compositores), Darius Milhaud y Francis Poulenc. La pieza escrita por Gustavo Parra da cuenta de esta búsqueda y, sin que se presente como una obra técnicamente sencilla para ninguno de los dos instrumentos, expresa una claridad estructural, armónica y melódica que podrían emparentarla con el pensamiento de los compositores franceses, especialmente con el de Francis Poulenc, quien en su catálogo incluye varias obras para maderas (flauta, fagot, clarinete, oboe) y dedica un grandísimo porcentaje de este a la música vocal. Al ser una cavatina, la obra nos remite inmediatamente a una arquitectura vocal pues este término se utilizó durante los siglos XVIII y XIX para designar, bien un aria corta, o bien una estructurada en dos partes contrastantes en carácter y velocidad, respectivamente. Dichas características no aparecen tímidamente en la Cavatina para oboe y piano; en esta se tratan melodías con un carácter vocal muy evidente, además de una estructura formal que se turna entre una primera y tercera parte en un estilo de barcarolle, berceuse o canción de cuna, y una segunda parte con un carácter mucho más agitado que recuerda a la música de cabaret o vaudeville, que estuvo también en la mira de Les Six. Antonio Pasculli (1842-1924) Además de un virtuoso del oboe, Pasculli, nacido en Palermo (Italia), fue también profesor en el conservatorio y director de la banda municipal de dicha ciudad. Es de resaltar que, bajo su mando, los integrantes de la banda debían tocar no solo los instrumentos de viento, sino también instrumentos de cuerda, lo que permitía que su repertorio fuera mucho más extenso que el de una agrupación convencional de este tipo. Por ejemplo, interpretaban adaptaciones de partes de óperas, lo cual constituía una tradición casi ininterrumpida desde la segunda mitad del siglo xviii, cuando el emperador José II fundó en Austria la primera Harmonie, una agrupación conformada por virtuosos instrumentistas de vientos. Al ser una agrupación no convencional para el entorno cortesano de cámara, el repertorio era casi inexistente, y por ello los integrantes del grupo hacían arreglos de partes de óperas de moda para el ensamble. Fue a partir de esta práctica de adaptación de material preexistente que el palermitano elaboró sus composiciones sobre temas de Gaetano Donizetti, quien desarrolló un pensamiento instrumental complejo a partir de la concepción, más psicológica que meramente virtuosa, de los personajes de sus óperas. En el Concierto sobre temas de la ópera ‘La favorita’ de Gaetano Donizetti, Pasculli toma algunas arias de esta obra, estrenada en 1840, como Silenzio, silenzio, del Acto I; Spirito gentil, y Dolce zeffiro, il seconda, que es desarrollado como un tema con variaciones, en un procedimiento que desde el siglo xvi había sido utilizado por los compositores para dar cuenta de los diferentes recursos compositivos posibles, además de una búsqueda de la escritura idiomática virtuosa. Bibliografía Quintero, M. I. (2018). Entrevista abierta con Gustavo Parra – Compositor (Colombia). Bogotá: Biblioteca Luis Ángel Arango. Disponible en https://www.youtube. com/watch?v=pdh8Pk-r91w Yearsley, D. (2014). Johann Sebastian Bach: Six Trio sonatas, BWV 525-530; Preludes & Fugues, BWV 548 & 552. [CD]. U.S.A.: Musica Omnia. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Leonardo Cáceres, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. FXT822 Foto: Leonardo Santos CAMILO ZAMUDIO Boletas: $6.000* percusión Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. CUARTETO LATINOAMERICANO Boletas: $10.000 cuarteto de cuerdas (México) Foto: Sergio Yazbek

The second installment of the manga adaptation of the film that took the world by storm!

Foto: Sergio Yazbek Domingo 23 de septiembre de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: WPO779 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. El servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 CUARTETO LATINOAMERICANO Saúl Bitrán y Aarón Bitrán, violines Javier Montiel, viola Álvaro Bitrán, violonchelo El Cuarteto Latinoamericano, fundado en México en 1982, representa hoy una voz única en el ámbito internacional al difundir la creación musical de América Latina en los principales centros musicales del mundo. Fue ganador del Grammy Latino 2012 por su disco Brasileiro, works of Francisco Mignone y en 2016 por el disco El hilo invisible. Obtuvo en el 2004 un importante apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México como parte del proyecto México en Escena para desarrollar durante dos años un intenso programa de trabajo que comprendió la realización de conciertos y de actividades pedagógicas, de difusión y de investigación. Este apoyo lo obtuvo por varios períodos para ejecutar diversos proyectos: el proyecto que enmarcó las actividades conmemorativas de los veinticinco años del grupo (2007-2009), la conmemoración de sus treinta años (2011-2013), y la ejecución de un proyecto con énfasis en la creación de jóvenes cuartetos y la difusión en la red del vasto repertorio para cuartetos en América Latina, en otras palabras, la creación de la Biblioteca virtual de obras latinoamericanas para cuarteto de cuerdas (2013-2016 y 2016-2019). Entre los múltiples reconocimientos obtenidos por la agrupación se destacan la Orden al Mérito Cultural y Artístico Pablo Neruda (2014), el premio anual de la Asociación Mexicana de Críticos (1983) y el reconocimiento especial que dicha Asociación le entregó por su destacada trayectoria (2000), la Medalla Mozart (2000) y la Medalla Bellas Artes (2007). El Cuarteto Latinoamericano también ha tenido un papel decisivo en la formación de instrumentistas de cuerda en México, colaborando con distintas escuelas de música del país. Fungió como Cuarteto en Residencia Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh, Estados Unidos, de 1987 a 2007. Además de una serie anual de conciertos para el Instituto Nacional de Bellas Artes, el cuarteto dicta Foto: Sergio Yazbek 2 con regularidad clases magistrales de música de cámara así como conferencias sobre música latinoamericana en las principales universidades de los Estados Unidos, Europa y Canadá. En el 2009 creó la Academia Latinoamericana de Cuartetos de Cuerdas en Caracas, en el marco del Sistema para las Orquestas Juveniles de Venezuela, donde trabajó con doce jóvenes cuartetos venezolanos de excelencia. La Academia estuvo bajo su dirección hasta el 2015. Esta agrupación cuenta hasta la fecha con más de noventa discos compactos. Ha grabado gran parte del repertorio importante para cuarteto de cuerdas de compositores latinoamericanos para los sellos Sono Luminus, New Albion, Quindecim, Luzam, Urtext, Innova y Dorian; para este último, grabó la integral de los diecisiete cuartetos de Villa-Lobos, el sexto volumen de esta integral recibió dos nominaciones al Premio Grammy en el 2002. Dentro de los conciertos recientes, se destacan las presentaciones en el Festival de Wellington en Nueva Zelandia y en ciudades como Milán (Teatro alla Scala), Ámsterdam, Bonn, Viena, Bruselas, Luxemburgo, Montreal, Madrid, Buenos Aires, Caracas, Los Ángeles, Miami, Tokio, Boston, Beirut, Washington y Nueva York. Respecto a su última presentación en Carnegie Hall, el New York Times escribió: «Artistas soberbios, extraordinariamente versátiles en responder a las demandas de las diferentes partituras». Este concierto se presenta en colaboración con el Tercer Festival Internacional de Cuartetos de Cuerda FESTIQ-ARTETOS el cual cuenta con la colaboración de 3 PROGRAMA Anticueca No. 2 VIOLETA PARRA (1917-1967) Arreglo por Javier Montiel (n. 1954) Anticueca No. 5 Arreglo por Guillermo Rifo (n. 1945) Cuarteto No. 3 (1991-1997) Voz ritual para las vísperas de año nuevo Por el cuerpo del viento Danza imposible Cambió el ritmo de la noche LEO BROUWER (n. 1939) INTERMEDIO Diásporas (2017) Minute Dance Kletzlama Gnossienne-Tonada Gymnosophie Tanganadanzas PAUL DESENNE (n. 1959) Dedicada al Cuarteto Latinoamericano Estreno mundial CONCIERTO No. 41 4 NOTAS AL PROGRAMA Jaime Ramírez Desde el siglo XVIII, el cuarteto de cuerdas se consolidó como uno de los ensambles de cámara que mejor acogerían, junto a la sinfonía, los nuevos ideales estéticos del momento, cristalizándose en el campo de la música instrumental y captando la atención vehementemente de compositores, audiencias y músicos profesionales. El cuarteto de cuerdas transformó el género de la música de cámara al dejar de ser un elemento de entretención privada en los eventos sociales para convertirse en un modelo de interacción dramática, en el que la música supliría las necesidades sintácticas de cualquier libreto. La interacción musical, y casi dramatúrgica, entre los miembros del cuarteto de cuerdas permite que compositores, intérpretes y audiencias reconozcan en este género la posibilidad de innovar y explorar diversos lenguajes en un medio cuyas capacidades sonoras son prácticamente inextinguibles. Es así como, con el pasar de los años, el cuarteto de cuerdas se adaptó a diversos ideales estéticos para resonar en una constante búsqueda de nuevas identidades. Precisamente, es desde esta faceta de apropiación de nuevas identidades culturales por medio del cuarteto de cuerdas que se presenta el programa de hoy; el Cuarteto Latinoamericano nos invita a recorrer una exploración de relaciones y remembranzas de las diferentes fibras emocionales que nos unen en una identidad latinoamericana. En cada obra programada para este concierto, el ensamble rescata diversos puntos de conexión entre las tradiciones que parecen ser vaticinadas en la ‘diáspora’ final y da razón de las delicadas filigranas que actualmente nos consolidan como cultura1. Anticueca No. 2 y Anticueca No. 5 El programa de hoy abre con composiciones íntimamente ligadas a nuestra identidad latinoamericana, pero desde una perspectiva renovadora e insospechada que se cristaliza a través del cuarteto de cuerdas. El legado de Violeta Parra (1917-1967) fue fundamental en la restauración e internacionalización de la tradición artística chilena; su vida y obra traspasaron fronteras generando lazos de comunión entre todos los países latinoamericanos, que encontraron en su música y poesía una luz para forjar una nueva postura frente a la vida. 1 Gran parte de la información para la elaboración de estas notas al programa ha sido generosamente proporcionada por los miembros del Cuarteto Latinoamericano. Asimismo, se invita al lector a visitar la página web del ensamble, donde se mantiene un banco de documentación y referencia para el desarrollo de la música de cámara. Para tal efecto, ver: http://cuartetolatinoamericano.com 5 El 17 de octubre de 2017, se conmemoró el centenario del nacimiento de Violeta Parra; a medida que Chile se preparaba para esta fecha, se concentraron esfuerzos para perpetuar su legado y revitalizar la indeleble influencia de la artista en la identidad latinoamericana2. Un año antes de la conmemoración del centenario, y a manera de preparación para la fecha, la entonces presidenta chilena, Michelle Bachelet, señaló la importancia del legado de Parra: Violeta Parra está grabada en la memoria de un país que reconoce en su obra un universo donde conviven con la misma fuerza el lamento mapuche y el silencio del desierto de Atacama, la rabia frente a la injusticia y la gratitud de existir, la soledad más profunda y la plenitud del amor. Su melancolía existe en medio de un imaginario fértil, lleno de identidad pero sin fronteras. A través de ella hablan la cordillera y los ríos, y habla también un pueblo entero. Su voz, tan propia, tan suya e inconfundible, fue al mismo tiempo un canto que nos interpretó a todos (Bachelet, 2016). La obra de Parra gozó de gran divulgación; aún después de su muerte, diversas obras fueron apropiadas por varios artistas adaptándolas a estéticas y audiencias cada vez más amplias. Las Anticuecas que se incluyen en el programa de hoy corresponden a dos arreglos realizados por Javier Montiel (compositor y violista del Cuarteto Latinoamericano) y el compositor chileno Guillermo Rifo a partir de obras inéditas para guitarra contenidas en un disco publicado en 1999; varias de estas obras presentan un carácter experimental donde resuena la influencia de la vanguardia musical europea de los años 50. Sobre el significado del título y la importancia de esta producción, explica el violinista del Cuarteto Latinoamericano, Saúl Bitrán: Entre otras piezas, aparecen [en el disco de 1999] cinco Anticuecas; piezas para guitarra que, si bien conservan el perfil rítmico de la cueca tradicional chilena, incursionan en terrenos atonales y experimentales. La palabra Anticueca es posiblemente un guiño a los Antipoemas escritos por su hermano, el poeta Nicanor Parra, en 1954. Estos poemas, de forma similar, se acercan al folclor chileno en el uso de un lenguaje directo y coloquial, pero al mismo tiempo evocan ambientes surrealistas y abstractos claramente inspirados por el surrealismo francés3. Cuarteto No. 3 El compositor Leo Brouwer (n. 1939) está ligado a las nuevas corrientes musicales que, desde la tradición latinoamericana, desarrollaron parte fundamental del repertorio para guitarra de finales del siglo XX. Asimismo, Brouwer pertenece a un reconocido linaje musical cubano conectado a la familia Lecuona. Brouwer inició 2 Mientras que se asentaban estas iniciativas, se conformaron diversas instituciones que funcionan como fuentes documentales de la vida y obra de Parra. El lector puede ver dichas fuentes en los sitios web de la Fundación Violeta Parra (http://www. fundacionvioletaparra.org), el Museo Violeta Parra (http://museovioletaparra.cl) y la Organización Violeta Parra 100 años (http://www.violetaparra100.cl). 3 Texto proporcionado directamente por Saúl Bitrán para la elaboración de estas notas. 6 su formación como guitarrista en Cuba bajo la instrucción de Isaac Nicola, quien había estudiado con Emilio Pujol, un antiguo estudiante de Francisco Tárrega. Posteriormente mostró un creciente interés por la composición en busca de lenguajes que trascendían el repertorio guitarrístico y resonaban con la vanguardia del siglo XX; fue así como, al viajar a Norteamérica, complementó sus estudios de guitarra con estudios de composición y dirección en la Universidad de Hartford y en la Escuela de Música de Juilliard. El catálogo de obras del compositor, si bien mantiene una marcada inclinación hacia la guitarra, incluye diversos formatos de cámara así como también obras para orquesta y para coro. Entre sus obras de cámara, se incluyen sus tres cuartetos para cuerdas; el Cuarteto No. 3 (compuesto entre 1991 y 1997) se relaciona con su Trío para violín, violonchelo y piano, compuesto en 1983, y con su obra Canciones remotas para orquesta de cámara, compuesta en 1984, con los que comparte algunos títulos de los movimientos. El Cuarteto No. 3 tiene cuatro movimientos, cada uno con un título particular; la obra fue estrenada en 1998 por el Cuarteto de Cuerdas de La Habana, ensamble al que está dedicada la composición. El primer movimiento, Voz ritual para las vísperas de año nuevo, abre con una introducción lírica que presenta el motivo principal, de cinco notas, que será desarrollado a lo largo de todo el movimiento, generando una célula rítmica que conectará diversas secciones. El segundo movimiento, Por el cuerpo del viento, retoma las ideas presentadas anteriormente para desarrollarlas melódicamente hasta desembocar en una breve cadencia del primer violín. El tercer movimiento, Danza imposible, es una forma ternaria (A-B-A); las partes A están basadas en intrincados motivos rítmicos, mientras que la sección central (B) presenta dos estratos sonoros, por un lado la viola y el violonchelo proponen dos líneas rítmicamente intensas y sincopadas mientras que los violines mantienen una melancólica línea vocal inspirada en entonaciones africanas. El último movimiento, Cambió el ritmo de la noche, también es una forma ternaria donde, en las secciones extremas (A), la viola presenta un continuo rítmico al tiempo que los demás instrumentos generan breves interrupciones rítmicas; en la sección central, se entreteje una compleja línea rítmica, donde hay una cadena de ideas que pasan de un instrumento a otro para ser colectivamente desarrolladas. Diásporas La vida y obra de Paul Desenne (n. 1959) se caracterizan por ser una simbiosis cosmopolita de influencias y tradiciones que al proyectarse hacia la sociedad presenta una interesante y apasionada rendición del arte latinoamericano de nuestro tiempo. Nacido en Venezuela, de padre francés y madre norteamericana, Desenne incursionó a temprana edad en la música como compositor y violonchelista, convirtiéndose en uno de los miembros fundadores de la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. Posteriormente, continuó sus estudios en el Conservatorio Superior de París y, al retornar a su natal Caracas, se vinculó a la Orquesta Simón Bolívar y al 7 emblemático movimiento de El Sistema. Desenne ha logrado consolidar su labor musical a nivel internacional al conjugar su actividad docente con una intensa carrera como violonchelista y compositor. Su catálogo de obras cubre una amplia gama de géneros y combinaciones instrumentales; obras para orquesta, diversos conjuntos de cámara, obras vocales y corales, así como obras para instrumentos solistas han sido estrenadas y comisionadas alrededor del mundo, obteniendo gran aceptación tanto de las audiencias como de músicos profesionales. En sus composiciones, se representan los encuentros transculturales de nuestros días, al tiempo que se propone una lectura de nuestros contrastes políticos y sociales con un tono sarcástico desde una perspectiva paradójicamente visceral y sofisticada. En algunas de sus obras como la Sinfonía Burocrática ed’Amazzònica (2004), Gran cacerolazo para piano, cuerdas y percusión (2010), y en su poema sinfónico The Life of Benjamin: A Monkey Symphony (2015), se hace evidente este encuentro de culturas que a través de atmósferas sonoras nos conectan con irremediable cotidianidad y pertenencia; el resultado de la visión artística de Desenne sobre la audiencia genera una intensa sensación de arraigamiento con las diversas tradiciones que constituyen nuestra actual identidad4. Diásporas no es una excepción a esta perspectiva de encuentros culturales. La obra que cierra el concierto que hoy nos convoca ha sido dedicada al Cuarteto Latinoamericano y esta presentación se constituirá en su estreno mundial; en esta ocasión, no hay mejores palabras para continuar este texto que las enviadas especialmente para hoy por el propio compositor para presentar su obra: Diásporas, celebración del canto y la danza creada para ese espacio abstracto e ideal, pero también profundamente humano y terrestre que es el cuarteto de cuerdas, puede escucharse a partir de varios ejes de oposiciones, transiciones y encuentros inesperados. Primero está la hibridación, eje fundamental de la obra. Después de la pequeña danza del minuto que abre el telón, cada movimiento presenta su mezcla particular de elementos étnicos o estilísticos, por no decir mezcla de idiomas musicales y registros culturales. Hay a la vez diversidad de raíces etnomusicológicas (la música klezmer o el canto de monjes tibetanos, el canto chamánico orinoquense o el funk) e hibridación de géneros, es decir música popular del mundo con música occidental de tradición escrita. El título del segundo movimiento, Kletzlama, indica una primera mezcla: de la música de una boda judía, con violinistas ya bien animados en sus improvisaciones, saltamos mediante un súbito corte a un horizonte de microrritmos silábicos tibetanos. Estos luego se adueñan del espacio y viran a una suerte de pulso tanguero de alta intensidad. De este movimiento nació la idea de Diásporas. La diáspora judía, la diáspora tibetana 4 El lector puede acercarse para profundizar en la vida y obra de Paul Desenne a su página web, donde mantiene un catálogo constantemente actualizado. Allí, también podrá establecer un contacto más cercano con el compositor. Para este fin, ver: http://www. pauldesenne.com 8 (hoy la diáspora venezolana, como la hay colombiana, argentina, siria o africana). El ser humano caminando con su música a cuestas, haciendo el grand mélange, la gran mezcla, como le dicen en Francia al contrapunto florido. Contrapunto entre culturas. El tercer movimiento, Gnossienne-Tonada, presenta otra hibridación curiosa; el inicio representa una suerte de alucinación tranquila, la luz del atardecer rodeando un canto de curación, una tonada chamánica enmarcada por varios tipos de pulsos, grillos, ranas, que poco a poco se acelera y se confunde con la cita de la famosa Gnossienne de Erik Satie. Esa extraña colusión de ambientes y orígenes resalta el valor universal de la soledad, ingrediente fundamental de la música de Satie y condición esencial del chamán ante el mundo sobrenatural; ambos compartiendo la misma voz cantante en una obra, siendo chamanes de universos totalmente distintos. Gymnosophie, la sabiduría de la desnudez, también una referencia a Satie, no tiene citas de su música, pero se inspira en su sobriedad de escritura para luego adentrarse en la polirritmia más compleja del cuarteto. Es un tour de force para los intérpretes, ya que deben pasar de una austeridad coral a una activa y veloz interacción de ataques y contratiempos que crean una red rítmica suspendida en el aire, sin elementos predominantes, en total igualdad de roles; una forma danzante de desnudez. Tanganadanza es la energía que surge del caos y que logra torcerlo hasta formar un ritmo, una suerte de funk apocalíptico surgido de las entrañas de lo urbano. Un papel especial lo juega el chelo, con los ritmos y la gomosidad de sus ataques, idiomáticos de la música urbana afroamericana. Cerrando el movimiento escuchamos fragmentos temáticos reminiscentes de la danza del minuto que abre la obra, movimiento que dedicamos a la memoria de nuestro amigo el compositor mexicano Eugenio Toussaint (Desenne, P., 2018). Bibliografía Bachelet Jeria, M. (4 de octubre de 2016). Sección de Bienvenida, Violeta Parra 100 años. Recuperado de http://www.violetaparra100.cl/bienvenida/ Desenne, Paul. ( Julio de 2018). Cambridge, Massachusetts. Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Leonardo Cáceres, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. FXT822. Foto: Leonardo Santos CAMILO ZAMUDIO Boletas: $6.000* percusión Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira Boletas: $10.000 Foto: Manolo Yllera SON DE MADERA son xarocho (México) Domingo 21 de octubre 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre 7:30 p.m.

Foto: Kike Barona Jueves 6 de septiembre de 2018 · 6:30 p.m. Riohacha, Biblioteca del Banco de la República Cód. PULEP: JII109 Jueves 13 de septiembre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: VYX222 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana (Colombia) TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Riohacha, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la Calle 19, entrada al parqueadero del Edificio Héctor Salah Zuleta, Cra. 15 #19-78 Piso 2. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 LAURA CHAPARRO mezzosoprano Nació en la ciudad de Sogamoso. Inició su actividad musical a temprana edad bajo la orientación de su padre, Gabriel Chaparro. Su educación en el área de la música tuvo lugar en las Escuelas de Formación Artística de la Casa de la Cultura de Paipa, el Centro Cultural Santa Isabel de la ciudad de Sogamoso, la Escuela de Culturama de Duitama y la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia, sede Tunja. Ha recibido clases con las maestras Ana María Ulloa, Olga Guapacha y Beatriz Elena Martínez. En la actualidad, cursa octavo semestre del Programa en Música de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, en Bogotá; hace parte del Coro Filarmónico Juvenil, el Ensamble de Músicas Campesinas de la ASAB, el Dueto Idilio y la agrupación Laura Chaparro y Pa’sus tres. José Luis Torres Portilla, flauta traversa Jefferson Jerez Gámez, tiple Gabriel Chaparro Nossa, guitarra César Leonardo Murillo Rincón, percusión El concierto en Riohacha cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA El indio y la cholita (2003) JOHN JAIRO CLARO (n. 1960) La soledad (s. f.) ANCÍZAR CASTRILLÓN SANTA (n. 1953) Podré (s. f.) GUILLERMO DÍAZ (n. 1990) La esperanza canta (s. f.) MARTA GÓMEZ (n. 1978) La fundadora (s. f.) JOEL HERNÁNDEZ (n. 1947) El vuelo (s. f.) LUZ MARINA POSADA (n. 1974) Me llevarás en ti (s. f.) JORGE VILLAMIL (1929-2010) El chirimóyilo y la guayábula (2003) JORGE VELOSA (n. 1949) INTERMEDIO 3 Te extraño (s. f.) LUIS URIBE BUENO (1916-2000) Todo tú me duele (s. f.) DIANA HERNÁNDEZ (n. 1982) Camino y tarde (s. f.) ARTURO HENAO (1914-1978)* LUIS CARLOS GONZÁLEZ (1908-1985)** El billetico (s. f.) ÉDSON VELANDÍA (n. 1985) Lástima (s. f.) MARÍA ISABEL SAAVEDRA (n. 1968) El campesino (s. f.) CARLOS ALBERTO ROZO (1927-2012) Viejo soguero (s. f.) JOEL HERNÁNDEZ La montera (s. f.) ANA MARÍA RESTREPO (s. f.) BEATRIZ RESTREPO (s. f.) LILIANA VALENCIA (s. f.) *Música **Letra CONCIERTO No. 38 Los arreglos de todas las canciones que se interpretan en este concierto son realizados por la agrupación Laura Chaparro y Pa’sus tres. 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Manuel Bernal Martínez Hace ya cinco años me acerqué a hablar por primera vez con Laura Chaparro Nossa con motivo de su primer concierto en la Serie de los Jóvenes Intérpretes. En ese momento destaqué su relación con las tradiciones musicales andinas y llaneras vividas en el seno familiar, su temprana inserción en procesos de educación musical formales y no formales, y su ya amplio recorrido por escenarios de festivales y concursos de carácter local, regional y nacional. Me llamó particularmente la atención su especial interés en las canciones que interpretaba, en su texto, en sentirse ya como una intérprete que daba voz a otros, pero que también estaba en plena búsqueda de aportar lo suyo. Para entonces, sus palabras finales fueron: ¡La música andina es tan difícil! Pero me veo marcando un derrotero - algo distinto: conseguir y desarrollar un estilo personal que enriquezca tanto a la música como a mí misma. Quiero llegar a aportar con mi propuesta y con mi estilo. De pronto fusionar también, hacer mis cosas. Tenemos la tarea de renovarla y globalizarla. Hoy en día, lo primero que comenta es: «me siento todavía con la tarea». Por supuesto, su paso por la carrera universitaria la ha obligado a relacionarse con repertorios muy diversos, tanto académicos como populares y locales. El gran problema de las técnicas y recursos vocales, de los estilos y la adecuación de la voz a ellos es cotidiano y motivo de profundas reflexiones y decisiones. «Creo en abordar repertorios desde mi historia, en decir algo que yo también crea, en identificarme con los textos y volverme más consciente de las construcciones de la música, de cualquier música», dice. Antes estaba casi totalmente sumergida en las músicas locales, pero reconoce que la experiencia con otros repertorios, algunos que incluso no le permiten ese acercamiento íntimo y vital que quiere convertir en su sello, le coloca el reto de «reconocer otras características de lo que hace o no hace un cantante». En relación con la ‘canción andina’, su postura es ambivalente, y esto es comprensible, debido tanto a su vinculación temprana con unas maneras de hacer lo tradicional, como a los discursos identitarios que se han venido construyendo desde hace casi un siglo, basados en la mirada folclórica de prácticas musicales y repertorios. Esto último no permite diferenciar claramente aquello que es producto de algún tipo de tradición pueblerina o campesina de aquello que es producto de las necesidades y tendencias de 5 la industria musical. El discurso homogeneiza de tal manera las prácticas que resultan ser igualmente ‘folclóricos’ un conjunto de rajaleña de Aipe, un dueto vocal urbano, una estudiantina universitaria, las orquestas de la radio de las décadas de los cincuenta y los sesenta y, por ejemplo, la cantante Carmiña Gallo. Al respecto, Laura expresa: «el canto de los géneros andinos ha perdido su identidad, su raíz, se ha convertido en seguir la corriente de lo que tiene éxito» y menciona como características de ese cambio la presencia de ciertos dejos del pop, la emisión con ‘más aire’, las colocaciones de voz de otras músicas tradicionales… Simultáneamente, reconoce la necesidad de modernizar los elementos del discurso musical para tener más presencia en los medios, eso que viene llamándose ‘nuevo’… desde hace más de treinta años. El programa que escucharemos es producto del trabajo colectivo de Laura con el trío Pa’ sus tres (flauta traversa, tiple y guitarra), a lo que se suma algo de percusión variada. Este grupo lleva tres años trabajando en conjunto y, debido al formato y a los espacios en los que se ha movido, se interpreta poca música foránea: sigue enfatizándose en lo colombiano. Para Laura, la novedad está en el formato y sus posibles variantes, en las maneras de arreglar, en el uso de la armonía y, ante todo, en las diferentes maneras de asumir el canto. Sigue buscando llegar a amplios públicos, especialmente en relación con grupos etarios, razón por la cual encontramos variedad de estilos, épocas y maneras de relacionarse con la realidad. Recientemente, hemos visto la aparición de notables mujeres que, desde diferentes perspectivas, adquirieron visibilidad y reconocimiento en el ámbito de la canción regional. Por supuesto, son ellas un importante referente para Laura Chaparro porque todas son cantautoras: Marta Gómez (n. 1978), Luz Marina Posada (n. 1974), Diana Hernández (n. 1982) y María Isabel Saavedra (n. 1968). Cada cual, en su estilo y desde sus vivencias, ha logrado impactar en un medio que continúa consumiendo textos preponderantemente patriarcales y con mirada masculina. En las dos primeras, se destaca una importante veta de canción social, de tratamiento de problemáticas que van más allá de lo personal, con una sensibilidad muy especial en la urdimbre entre texto y música. Marta Gómez, como algunos, se destacó inicialmente en el extranjero, pues su formación musical y sus primeros años de trabajo tuvieron lugar en Estados Unidos; además, nunca tuvo una estrecha relación con el circuito de concursos y festivales colombianos. Su bambuco La esperanza canta fue publicado en el año 2014, y es uno de sus tantos homenajes a la realidad de las mujeres pobres y luchadoras del mundo, especialmente de Centroamérica, 6 Suramérica y África: esas mujeres que necesitan tan solo un poco de impulso, un pequeño crédito inicial que siempre pagan, para sostener el mundo. Por su parte, Luz Marina Posada tiene un trabajo musical sólido aunado a unos textos bien elaborados, textos que sin dejar de lado totalmente la tradición formal y de la rima tratan temas actuales y perennes en un lenguaje más acorde con los desarrollos de otras músicas continentales y mundiales. El vuelo, otro bambuco, fue grabado inicialmente en su producción Maíz lunar (2008); sobre el asunto, la misma autora comentó: «Cuando tomé la decisión de trasladarme de mi ciudad natal, Medellín, hacia la capital, Bogotá, surgió esta canción como una manera de despedirme de mi familia, pero también de recordarles y recordarme que, por alguna razón, la vida nos puso a los unos en el camino de los otros». Diana Hernández, conocida por su nombre artístico de María Mulata, ha tenido un interesante recorrido por diversas músicas locales, partiendo de lo andino, pero con un amplio reconocimiento en la movilización de las tradiciones musicales de mujeres ‘cantaoras’ de las regiones costeras del país. Su currulao Todo tú me duele, publicado en 2013, es una canción de amores trastocados que le supuso a Laura Chaparro un intenso proceso de escuchar, de trabajar el estilo vocal de este género para acercarse más a una interpretación localizada. María Isabel Saavedra tiene un recorrido similar al de Diana, solamente que ella enfatiza en unas temáticas y géneros populares más cercanos a la balada y a los distintos tipos de valses que surgieron en Latinoamérica a partir del original alemán-vienés. Lástima también nos habla de amores difíciles, y vale destacar que, a partir del vals original, la misma compositora lo ha decantado hacia una versión más caribeña. Hay algunos casos particulares en el repertorio. Uno es el bambuco La montera, ya que su autoría se atribuye a tres mujeres: Ana María Restrepo (s. f.), Beatriz Restrepo (s. f.) y Liliana Valencia (s. f.), aunque cuando comenzó a ser popular en los festivales, a finales de la década de los ochenta, se mencionaba al manizalita Fabio Alberto Ramírez (s. f.) como compositor; ahora figura como recopilador. La temática del bambuco se enmarca en lo campesino, con menciones claras a la cosecha, la sementera, la tierra y el vínculo afectivo que ello produce. Otro tanto pasa con El campesino, de Carlos Alberto Rozo Manrique (1927-2012), un bambuco inicialmente instrumental, con numerosas grabaciones así, al que el compositor (o un conocido, según algunas versiones) le colocó posteriormente el texto. La dificultad de su interpretación radica precisamente en una línea melódica muy 7 amplia y ‘bandolística’, si se quiere, que necesita de un muy buen apoyo en el registro grave. Son reconocidos algunos compositores que podrían llamarse clásicos del género, con obras cuya temática es el amor. Camino y tarde es un bambuco compuesto en las décadas centrales del siglo pasado, con letra de Luis Carlos González (1908-1985) y música de Arturo Henao (1914-1978); tiene esa lírica tan característica del llamado ‘poeta de la raza’, bella melodía y unos planteamientos armónicos muy actuales, para su época. Se nos presentan también dos pasillos: Me llevarás en ti de Jorge Villamil Cordobez (1929- 2010) y Te extraño de Luis Uribe Bueno (1916-2000), cuya temática de la ruptura o distancia amorosa tiene dos vertientes: en el primer caso, se afirma que la otra persona no podrá desprenderse totalmente del amor de quien canta, mientras en el segundo caso, se recuerda con nostalgia al otro, se lo encuentra en todas partes y circunstancias. En una temática similar, pero con claras influencias de la balada latinoamericana, el pasillo La soledad de Ancízar Castrillón Santa (n. 1953) se mueve en la disyuntiva entre adaptarse a la manera de amar del otro o sumirse en una soledad opresiva, que quema. El sinigual cantautor e inventor de lo que se conoce desde finales de la década de los setenta como música carranguera, Jorge Velosa Ruiz (n. 1949), no necesita mayor presentación. El impacto de su obra en la música campesina del país, no solamente de los departamentos centrales, le asegura un importante sitio en la historia musical de la nación. La guabina-pasillo El chirimóyilo y la guayábula, publicada en el disco compacto Lero, lero, candelero en el 2003, está dedicada al público infantil y, con la importancia que le da Velosa al lenguaje y a los juegos con el mismo, se trata de enfatizar los equívocos de transformar las palabras a versiones de acentuación esdrújula: es un «asúntulo como de fábula». Por su parte, y como contraste en la temática, el bambuco sureño El indio y la cholita de John Jairo Claro (n. 1960) pone de presente el drama de una pareja de campesinos enfrentados al «tambor… de la guerra» aunque solamente quieren trabajar, una realidad que nos impone vergüenza de país. De los autores urbanos que pudiéramos llamar contemporáneos, en plena producción actual, Laura Chaparro nos trae a Édson Velandia (n. 1985) y a Guillermo Díaz (n. 1990). El billetico, de Velandia, está a mitad de camino entre bambuco, currulao y merengue vallenato, dadas las semejanzas rítmicas entre estos géneros, aunque también incluye una sección de rap. Es la historia de un niño mendigo al que su mamá castiga violentamente por quedarse con un billete que él considera suyo. Podré es una mezcla entre seis por numeración, onda nueva y algo de balada pop, y es tal vez el tema más conocido del proyecto El Cuatro, al que sus mismos integrantes, entre ellos Díaz, denominan como folklor urbano, nueva música llanera o también joropo urbano. Es una canción de amor, en la que el protagonista dice que podrá hacer muchas cosas para que la otra persona lo quiera. No podía faltar algo de los llanos colombo-venezolanos en el repertorio. Se trata de dos canciones de Joel Hernández (n. 1947), un destacado compositor venezolano, abogado, conocedor de las tradiciones llaneras e ilustre conferencista y divulgador de estas temáticas en el vecino país. Viejo soguero es un pasaje que se lamenta de la muerte de un caballo por un toro sardo, mientras que La fundadora, también pasaje, le canta a una vaca que sirvió para iniciar un hato. Como es característico, los textos están llenos de localismos y de la relación animista entre el hombre, el paisaje y los animales. Manuel Bernal. Candidato a Maestría en Musicología de la Universidad Nacional de Colombia. Veintiún años de experiencia como docente en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Leonardo Cáceres, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. FXT822. Foto: Martin Just Roberts JUAN SEBASTIÁN VELASCO Boletas: $6.000* oboe Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA Boletas: $10.000 (México)

Fundado en 1982, el Cuarteto Latinoamericano ha sido ganador en dos ocasiones (2012, 2016) del Grammy Latino por sus producciones discográficas. Su técnica ha sido descrita como "incomparable en la magnitud de su tono" (The Washington Post). Conformado en la actualidad por Arón y Saúl Bitrán (violines), Javier Montiel (viola) y Álvaro Bitrán (violonchelo), el cuarteto ha logrado establecerse como uno de los principales difusores actuales de la música de América Latina en el mundo. Este concierto se presenta en colaboración con el Tercer Festival Internacional de Cuartetos de Cuerda FESTIQ-ARTETOS el cual cuenta con la colaboración de la Fundación Bolivar Davivienda, la Universidad Nacional de Colombia y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo

Foto: Leonardo Santos Jueves 20 de septiembre de 2018 · 7:00 p.m. Ibagué, Sala Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima Cód. PULEP: LIZ408 Jueves 27 de septiembre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: ABZ650 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES CAMILO ZAMUDIO percusión (Colombia) TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Ibagué, el ingreso a la Sala Alberto Castilla para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Conservatorio del Tolima en la Calle 9 # 1-18. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la institución. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 CAMILO ZAMUDIO percusión Camilo Zamudio es un músico apasionado por los nuevos sonidos y las músicas populares tradicionales colombianas. La percusión es para él una forma de comunicación y expresión íntima que conecta al oyente con su mundo sonoro. Como percusionista, expone diversos estilos y lenguajes procedentes del contacto y la exploración continua de diferentes géneros musicales, adoptando de esta forma una identidad única presente en su propuesta musical. Ha sido partícipe de múltiples festivales, entre los que se destacan el Festival Internacional de Percusión de Ibagué, el Stage de Marimba y Percusión de Medellín, y el Laboratorio Nacional de Percusión FOSBO. Obtuvo el primer lugar en el Concurso Latinoamericano de Percusión Rafael Zambrano, llevado a cabo en la ciudad de Bogotá en el año 2017. Estudió en la Universidad Autónoma Nacional de México bajo la tutoría de Alfredo Bringas e hizo parte del Ensamble de Música Contemporánea de la Escuela Nacional de Música de México. En México presentó recitales en importantes auditorios como el Museo de Arte Contemporáneo MUAC y la Sala Xochipilli. Ha recibido clases de reconocidos percusionistas como Nebojša Jovan Živković, Katarzyna Myćka, Iván Manzanilla, Fernando Meza y Evelyn Glennie. ÁNGELA MARÍA LARA CABRERA, percusión Inició su formación musical en la Red de Escuelas de Formación Musical de Pasto en el 2006, recibiendo clases de percusión. En el 2013, fue ganadora del premio a mejor instrumentista en el Concurso Nacional de Bandas. Participó en diferentes festivales, entre los que se destacan el VIII Encuentro de Orquestas Infanto-juveniles, realizado en Buenos Aires (Argentina) y el proyecto Laboramusic en Alicante (España). Fue integrante de la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia y miembro de la Filarmónica Joven de Colombia por dos temporadas. Recibió clases magistrales con Alejandro Ruiz, Katarzyna Mycka, Fernando Meza, Martin Piechota, Eriko Minami, Foto: Leonardo Santos 2 entre otros percusionistas. En la actualidad, adelanta sus estudios en percusión sinfónica en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia con el maestro Mario Sarmiento. JUAN FELIPE GALVIS BARRIOS, percusión Músico percusionista egresado de la Universidad Nacional de Colombia. Ha sido miembro de la Filarmónica Joven de Colombia en las temporadas 2017- 2018 y estudiante de los maestros Gabriel Galvis, Mario Sarmiento, Juan David Forero y Federico Demmer. Ha participado como percusionista en festivales dentro y fuera del país, como el Laboratorio de percusión (2016) junto a Katarzyna Mycka y Krystina Marcoux; Festival Internacional de percusión de Ibagué (2015, 2016 y 2018) como músico invitado; y Festival de Música de Santa Catarina en Brasil en el 2016. MICHAEL STEVEN ROMERO GÓMEZ, percusión Inició sus estudios musicales en la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil bajo la dirección de Juan David Forero y David Cantoni; hizo parte de la orquesta sinfónica de esta institución durante cuatro años. Posteriormente, ingresó a la Universidad Pedagógica Nacional bajo la tutoría de Gabriel Galvis; en dicha institución, integró la banda sinfónica con la que participó en diferentes concursos nacionales. En el 2015, ingresó a la cátedra de percusión de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la enseñanza de Mario Sarmiento y Federico Demmer. Ha participado en diferentes festivales y concursos a nivel nacional y ha sido parte de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en calidad de músico supernumerario. Ha recibido clases de reconocidos percusionistas como Katarzyna Mycka, Tupac Mantilla y Krystina Marcoux. El concierto en Ibagué cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Bem-vindo, Op. 16 (1988) NEY ROSAURO (n. 1952) Para vibráfono solo Cadenza (1992) PETER SADLO (1962-2016) Para seis timbales Side by Side (1989) MICHIO KITAZUME (n. 1948) Para multipercusión Ilijaš (1995) NEBOJŠA JOVAN ŽIVKOVIĆ (n. 1962) Para marimba sola INTERMEDIO Meditation No. 1 (2011) CASEY CANGELOSI (n. 1982) Para tambor solo Blues for Gilbert (1982) MARK GLENTWORTH (n. 1960) Para vibráfono solo Tres pequeñas piezas para marimba (2010) JOSÉ GUILLERMO MARTÍNEZ (n. 1983) Pegasus (2005)* BEN WAHLUND (n. 1977) Para tambor solo y ensamble de percusión CONCIERTO No. 42 *Ensamble acompañante: Ángela María Lara Cabrera, Juan Felipe Galvis Barrios y Michael Steven Romero Gómez 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Los instrumentos de percusión utilizados en la tradición académica occidental sorprenden tanto por la variedad en sus formas, timbres, técnicas y los repertorios dedicados a ellos, como por las vastas y variopintas historias que sostienen sus génesis, usos e itinerarios históricos. Aunque la escritura para timbales, redoblante, marimba, xilófono o vibráfono es reciente, la presencia de estos instrumentos en la historia de la música ha sido modesta con respecto al pensamiento del instrumentista virtuoso, pero contundente. Al parecer, desde que el ser humano pensó en términos musicales, la percusión ha cumplido el papel de fiel acompañante en rituales religiosos, banquetes cortesanos, conciertos públicos y círculos intelectuales. El siglo XX, cuna de las vanguardias que produjeron nuevos discursos a partir de la organización no convencional de los elementos musicales, fue también catalizador de nuevos protagonistas; no solamente fue el momento en que vieron la luz nuevos instrumentos musicales, también fue el tiempo en el que se empezó a dar voz a instrumentos que otrora tenían un papel subsidiario, ciertamente relegado en la pirámide social musical. Por esto, no es de extrañar que un concierto que dedique su repertorio a la percusión contenga obras escritas entre la segunda mitad del siglo pasado y los primeros años del que está en curso. Ney Rosauro, Mark Glentworth, Nebojša Jovan Živković, José Guillermo Martínez, Casey Cangelosi, Ben Wahlund, Michio Kitazume y Peter Sadlo son nombres que, a pesar de no hacer parte de ese grupo de compositores que no necesita introducción al interior de públicos acostumbrados a un repertorio conformado por instrumentos más tradicionales –en el mundo académico occidental–, suponen un vastísimo aporte en relación a la técnica y la expansión de las posibilidades de los instrumentos de percusión ya citados; instrumentos que se perciben como protagonistas de narrativas musicales antiguamente dedicadas a cierto tipo de timbres, y de novedosos discursos melódicos, armónicos y rítmicos. El concierto abre con Bem-vindo, Op. 16 (en español, Bienvenido), escrita para uno de los instrumentos más jóvenes que se escucharán hoy: el vibráfono. Creado en la primera década del siglo XX en Estados Unidos, se diferencia de instrumentos con similares medios de ejecución como la marimba, el xilófono 5 y el glockenspiel en tener una especie de turbina por debajo de las placas de metal, que, al ser accionada por medio de un motor, produce un sonido con vibrato. Inicialmente se le llamó vibraharp y sus primeras apariciones como protagonista se dieron gracias a intérpretes de jazz de los años treinta y cuarenta como Lionel Hampton y Milt Jackson, quienes pertenecieron a las bandas de Benny Goodman y Dizzy Gillespie, respectivamente. Su función es tanto armónica como melódica y, por lo general, se toca con cuatro baquetas, dos en cada mano. No obstante, Ney Rosauro (n. 1952), en la obra citada, requiere la utilización de una quinta baqueta y, además, pide alternar entre la cabeza de la baqueta y la parte de madera para generar distintos timbres. La obra fue compuesta en 1988 para celebrar el nacimiento de Ricardo, el hijo del compositor: […] esta pieza requiere un muy alto nivel de madurez técnica y musical para su interpretación y además introduce la técnica de tocar con cinco baquetas. El primer tema que se presenta en la sección introductoria se desarrolla a partir de numerosas variaciones a lo largo de la pieza y está acompañado usualmente de un ostinato rítmico y politonal1. En la sección final, dos pequeños motivos nuevos aparecen junto al mismo ostinato rítmico: el primero en el estilo de las Bachianas Brasileiras del compositor Heitor Villa-Lobos, y el segundo es una cita de una melodía de los gauchos del sur de Brasil, haciendo referencia al lugar de nacimiento de Ricardo2. Para el vibráfono también fue escrita Blues for Gilbert de Mark Glentworth (n. 1960); una de las piezas más tempranas del percusionista, que da cuenta del sonido histórico del instrumento en el contexto de las bandas de jazz y blues urbano comercial a partir de la construcción de melodías con un carácter improvisativo muy evidente que recuerda a los grandes pianistas del siglo XX como Count Basie, Bill Evans o Thelonious Monk, entre otros. La marimba es un instrumento similar en ejecución al ya citado vibráfono, pero cuya historia excede considerablemente en tiempo al instrumento norteamericano. Sus orígenes se pueden encontrar en África que, de alguna 1 El concepto de ‘politonalidad’ se refiere a un recurso muy utilizado por compositores del siglo XX en el que dos o más tonalidades se presentan de manera simultánea (horizontal). Por otro lado, el concepto de ‘ostinato’ se refiere, en este caso, a un patrón rítmico-melódico repetitivo. 2 […] “this piece requires a very high level of technical and musical maturity for its interpretation and introduces the technique of playing with five mallets. The first theme that is presented in the opening section is developed in several variations throughout the piece and is usually accompanied by a rhythmic, polytonal ostinato. In the final section, two other small motives appear with the same rhythmic, polytonal ostinato: the first in the style of the Bachianas Brasileiras from Brazilian composer Heitor Villa Lobos, and the second is a quote of a melody from the gauchos of Southern Brazil, referring to the birthplace of Ricardo”. (Berrido, E.) (Traducción al español por Daniela Peña) 6 manera, sirvió en los siglos XVI y XVII como exportador del instrumento hacia tierras de lo que hoy se conoce como América Latina; no obstante, su adopción como instrumento del repertorio académico occidental tardaría hasta el siglo XX. Al igual que el vibráfono, la marimba es utilizada como un instrumento melódico y armónico y se ejecuta normalmente con cuatro baquetas, pero, a diferencia del primero, las placas que se percuten son de madera y no existe ningún mecanismo que afecte la naturaleza de su sonido. Para este instrumento, el compositor Nebojša Jovan Živković (n. 1962) compuso en 1995 la pieza titulada Ilijaš, que evoca la utilización de instrumentos melódicos de percusión por los pueblos gitanos del este de Europa, además del lenguaje pianístico del virtuoso decimonónico Franz Liszt: Es una composición rapsódica, titulada a partir de un pequeño pueblo en la antigua República de Bosnia en Yugoslavia. Tiene claras relaciones con melodías populares de la pintoresca región de los Balcanes, así como ritmos y escalas cuyas raíces se pueden encontrar incluso en el lejano oriente. En la introducción de la pieza, Živković utiliza una técnica muy inusual para la marimba, produciendo sonidos que nos recuerdan al gran sonido del piano asociado a Franz Liszt3. Y para terminar con los instrumentos melódicos de percusión, se escucharán las Tres pequeñas piezas para marimba del compositor y percusionista caleño José Guillermo Martínez (n. 1983) quien, gracias a su ecléctico bagaje musical, como baterista de heavy metal y percusionista de salsa, por ejemplo, expresa un lenguaje muy versátil que da cuenta tanto del acervo musical colombiano y latinoamericano, como de aquel proveniente de las vanguardias del siglo XX e incluso del rock progresivo. Las tres piezas que hoy nos reúnen, a pesar de sus títulos, quieren evocar el espíritu de tres mascotas: dos gatos y un perro. En palabras del compositor: Escribí estas tres cortas piezas, para honrar las mascotas de mi[s] amigo[s]: dos gatos y un perro. El primer movimiento trata sobre una elegante, inteligente e igualmente impredecible gata. El segundo movimiento es un in memoriam, movimiento para el perro que acompañó a mi amiga por más de diez años, era sabia y fiel (sic). El tercer movimiento es sobre otro gato, un gato joven que es simplemente un dolor 3 […] “is a rhapsodic composition, titled after a small town in the former Yugoslav republic of Bosnia. It has a clear associations with folk tunes of that picturesque Balkan area, as well as mixed rhythms and tonal scales whose roots could be found even further East. In the introduction of the piece, Živković calls for a very unusual marimba technique that produces sounds that remind us of a Franz Liszt grand piano sound” (Živković, N.) (Traducción al español por Daniela Peña) 7 de cabeza… Saben a lo que me refiero, aquel gato que rasguña, salta, juega con tus medias, destruye tus baquetas y rompe cosas por donde pasa4. Los tambores, o membranófonos, han sido parte de la historia occidental y, como ya se mencionó, han pertenecido a diversos contextos acompañando y apoyando rituales, batallas, bailes y espectáculos cortesanos. Su uso más documentado es el de instrumento militar; por ejemplo, Thoinaut Arbeau, en su tratado de danza titulado Orchesotraphy (1586), menciona que los tambores proporcionaban las claves para que los soldados franceses supieran en qué momento debían avanzar o retirarse; sin las fórmulas o patrones rítmicos que codificaban determinados movimientos, estos marcharían erráticamente y no tendrían éxito en las batallas. El autor, además, describe la estructura del instrumento, la manera de sujetarlo y menciona que por lo general estaba acompañado por instrumentos de viento como flautas, cornos o cornetas. Figura 1. Orchesography (Arbeau, 1586, f. 7r, Langres) Aunque ya lejos de un contexto militar, la composición de Casey Cangelosi (n. 1982), Meditation No. 1, utiliza también patrones rítmicos asociados a timbres determinados para la construcción de su discurso. Si bien podría pensarse como un estudio, en realidad es una pieza que busca desarrollar el sonido a partir de la exploración de distintos timbres en un único instrumento y con patrones rítmicos repetitivos. Utiliza principalmente golpes 4 “I wrote these three short pieces, to honor my friend’s pets: two cats and a dog. The first movement is about an elegant, smart, and at the same time unpredictable female cat. Second movement is an “in memoriam” movement for this dog that accompanied my friend for over 10 years, she was wise and faithful. Third movement, is about that other cat, a young cat that is just a pain in the butt… you know what I mean, the one that scratches, jumps, plays with your socks, destroys your mallets, and breaks stuff all over the place…” (Martínez, J.) (Traducción al español por Daniela Peña). al caso del tambor, golpes entre las baquetas y golpes al parche, tanto con las baquetas como con la mano; y es justamente la asociación de determinados patrones con timbres definidos lo que hace que la arquitectura de la pieza sea clara para el oyente. Por su parte, Pegasus presenta al redoblante acompañado, ya no de instrumentos de viento, sino de otros instrumentos de percusión como la marimba, el glockenspiel, el xilófono y la pandereta. A partir del contraste entre momentos polimétricos y polirrítmicos con momentos completamente regulares, que incluso recuerdan a las batucadas brasileras, el percusionista, compositor y docente Ben Wahlund (n. 1977), quien expresa sus creencias religiosas abiertamente, busca representar el balance entre opuestos para llegar al paraíso. Comisionada por el Sr. Rich Ford en el verano de 2005, Pegasus busca comunicar algunos de los sentimientos que hemos compartido Rich y yo a lo largo de mis estudios en la universidad. Ambos hemos sido criados en familias musicales y, habiendo mantenido los principios de la cristiandad muy cerca de nuestros corazones, nos hemos encontrado con retos en los aspectos religiosos y musicales de la vida (…) Me lo imagino [a Rich Ford] diariamente preparándose para una carrera con las distracciones de la vida en sus hombros, y desembarazándose de ellas mientras corre, y encontrando el precioso balance cuando la actividad y el descanso se encuentran en un extraño y hermoso equilibrio5. Tanto la pieza del japonés Michio Kitazume (n. 1948) como la del alemán Peter Sadlo (1962-2016) dan cuenta de la posibilidad de tocar varios instrumentos a la vez, ora de naturalezas idénticas, como en Cadenza para seis timbales, ora de diversas naturalezas como en Side by Side para multipercusión. Ambas piezas, aunque a partir de búsquedas diferentes, logran proyectar una experiencia que trasciende las construcciones meramente rítmicas; la pieza de Kitazume se preocupa principalmente de la adición de células rítmicas a un patrón inicialmente estable y muy sencillo para generar un efecto de expansión en la duración del mismo, muy similar a lo planteado por el pensamiento minimalista en los años sesenta. Por otro lado, Sadlo se preocupa mucho más por las posibilidades melódicas que proporcionan los timbales, utilizando el 5 “Commissioned by Mr. Rich Ford in the summer of 2005, Pegasus aims to communicate some of the feelings that have been shared between Rich and myself over the course of my study at university. Both of us having been raised in musical families and coming to hold the tenets of Christianity dear to our hearts, we have often found ourselves challenged both in religious and musical aspects of life (…) I picture him daily setting out on a run with life’s distractions on his shoulders, only to shake them off as he keeps running and finding that precious balance when activity and rest are at a strange, beautiful equilibrium”. (Wahlund, B.) (Traducción al español por Daniela Peña). recurso del pedal de manera recurrente. A pesar de la disparidad en génesis de cada discurso, los resultados sonoros de los mismos, encarnan una narrativa visual, lograda a partir de un efecto coreográfico intrínseco, propio casi de manera exclusiva de la poética de formatos semejantes. Bibliografía Arbeau, T. (1586). Orchesography, Langres. Berrido, E. (s. f.). Bem-vindo (5 mallets). Disponible en: http://neyrosauro. com/works/bem-vindo Martínez, J. (s. f.). Three Short Pieces for Marimba: Dedicated to Gabriela Rojas. Disponible en: https://josemartinezcomposer.com/works/solo/ three-short-pieces-for-marimba/ Wahlund, B. (s. f.). Pegasus. Disponible en: http://www.blackdogmusicstudio. com/notes/pegasusnotes.pdf Zivkovic, N. (s. f.). Program notes. Disponible en: http://www.zivkovic.de/p-notes. htm Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos Cód. PULEP: MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira Boletas: $10.000 Foto: cortesía familia Figueroa Foto: Stefan Schweigers Foto: Manolo Yllera SON DE MADERA son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m.

The second installment of the manga adaptation of the film that took the world by storm!