Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 Foto: Armin Linke MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO MARGRET KÖLL (Alemania) arpa barroca Lunes 29 de agosto de 2022 · 7:00 p.m. Armenia, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: QWG534 Miércoles 31 de agosto de 2022 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: UUO360 Viernes 2 de septiembre de 2022 · 6:30 p.m. San Andrés, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: QGQ532 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 EL RETORNO DE LO EFÍMERO La música se desvanece tan pronto como nace, es la suerte de la desdichada música. Leonardo da Vinci El año 2022 trae la oportunidad de volver a disfrutar la experiencia de la música en vivo en los diferentes espacios culturales del Banco de la República, y también la reapertura de uno de los escenarios más emblemáticos para la música de cámara en el país, nuestra Sala de Conciertos. Este momento, tan esperado por los amantes de la música luego de dos años, pone de manifiesto la inmanente necesidad humana de crear, compartir y deleitarse con el arte de los sonidos que, aunque se desvanezcan tan pronto como nacen, rondan nuestro inconsciente para ser recreados una y otra vez, y colmar de diversas sensaciones nuestros sentidos. La pandemia ha traído consigo valiosos aprendizajes que son el resultado de retarnos como individuos y como sociedad, así como de encontrar nuevas maneras de comunicarnos y de mantenernos en contacto por diferentes medios. Pero esta coyuntura también nos ha hecho aún más conscientes del valor del presente y, especialmente en lo que respecta a la experiencia de la música, de la maravillosa conexión in situ entre intérprete, compositor y público; una sinergia perfecta que no ha podido ser replicada por ningún medio digital. Este año, en el que se cumplen cincuenta y seis años de labor musical en el Banco de la República, se celebra el presente, la capacidad creativa del ser humano y el espíritu resiliente que nos ha acompañado. Con la participación de artistas nacionales como la pianista Laura Lambuley y las cantantes Betty Garcés y Urpi Barco, y de ensambles como La Sociedad y el cuarteto de guitarras Atemporánea rendimos homenaje al talento colombiano. Con las actuaciones de talentosas mujeres como la pianista lituana Muza Rubackyte, la arpista alemana Margret Köll, la cantante norteamericana Tierney Sutton y la cantante portuguesa Sofia Ribeiro celebramos no solo la diversidad de manifestaciones musicales sino la oportunidad de volver a compartir en nuestros escenarios con artistas de excelente nivel, provenientes de otras latitudes. Volveremos también a escuchar el órgano de nuestra Sala de Conciertos con el alemán Vincent Heitzer; y a disfrutar de las obras de cuatro jóvenes compositores y de más de veinte músicos que se presentan en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes, programa que por más de treinta 2 y cinco años ha servido de plataforma para impulsar la carrera de músicos colombianos. Esta Temporada ofrece experiencias inolvidables, como el reestreno— ahora en vivo y en interpretación del violonchelista colombiano Santiago Cañón-Valencia— de La ruta de la mariposa, obra comisionada por el Banco de la República en 2019 al compositor colombiano Damián Ponce de León. Asimismo, se estrenará la obra comisionada a Rodolfo Acosta, intérprete, improvisador, docente y gestor colombiano; con esta, el Banco completa un total de diecinueve obras que hacen parte de uno de sus proyectos de mayor envergadura, el encargo de obras a creadores colombianos. Los conciertos retrospectivos de Amparo Ángel, Moisès Bertran y Guillermo Rendón, que suman más de cincuenta recitales en vivo en la Sala de Conciertos, son una oportunidad más para celebrar la vida y la obra de aquellos compositores que han dejado y siguen dejando huella en la historia de las músicas colombianas. Volver a disfrutar de la música en vivo es retomar un ritual; regresar a la Sala de conciertos, para muchos, es retornar a su hogar, que ahora nos sorprende con nuevas luces luego de su remodelación. Para quienes visitan por primera vez este recinto es la oportunidad para vivir una programación de primer nivel en un espacio idóneo. Los invitamos a este retorno de lo efímero, a la experiencia de la música en vivo. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 3 ACERCA DE LA INTÉRPRETE Margret Köll, arpa Margret Köll es una destacada intérprete internacional del arpa histórica, en todas sus formas y etapas de desarrollo. Se ha presentado alrededor del mundo como solista, intérprete de cámara y continuista con orquestas y conjuntos barrocos: como arpista principal, con Il Giardino Armonico, la Accademia Bizantina y el Balthasar-Neumann- Ensemble; como invitada, con Europa Galante, la Akademie für Alte Musik Berlin, B’Rock y Concerto Köln. Dentro de los eventos y recintos en los que ha participado, se resaltan el Festival de Salzburgo, el Covent Garden, el Theater an der Wien, el Palais Garnier de París, la Ópera Estatal de Baviera, el Teatro alla Scala de Milán, la Elbphilharmonie de Hamburgo y la Pierre Boulez Saal de Berlín. Sus renombrados compañeros de música de cámara son Luca Pianca, Dmitry Sinkovsky, Stefan Temmingh, Vittorio Ghielmi, Emöke Barath, Roberta Invernizzi y Philippe Jaroussky. Margret Köll ha participado en numerosas producciones de álbumes, emisiones y giras, por ejemplo, con Cecilia Bartoli, Magdalena Kožena y Sonia Prina. Ha publicado tres álbumes propios con el sello Accent/Note1 y está trabajando en su próxima publicación. Desde 1988 es integrante del conjunto folclórico austriaco contemporáneo Die Knoedel, con el que realiza giras por todo el mundo. Más recientemente, colaboró en un proyecto del género live-techno con el conjunto Elektro Guzzi. Margret Köll estudió arpa moderna e histórica en Innsbruck, Baltimore, Múnich y Milán. Desde 2012 imparte clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín; además, ofrece clases magistrales por toda Europa. En 2018 fundó el Harfenlabor (Laboratorio de arpas), una plataforma interdisciplinar para la práctica interpretativa histórica y contemporánea en arpas históricas. Foto: Armin Linke 4 Conozca más acerca de Margret Köll www.margretkoell.com Margret Köll Margret Köll @margret.koell 5 PROGRAMA Shades of Melancholy (Sombras de melancolía) Preludio en do mayor, BWV 924 (1720) JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Original para clavecín Willst du dein Herz mir schenken (Aria di Giovannini) (c. 1725) CONDE DE SAINT-GERMAIN (c. 1696-1784) Arreglo para arpa barroca de Margret Köll (n. 1971) *** Toccata seconda arpeggiata (s. f.) GIOVANNI GIROLAMO KAPSBERGER (c.1580-1651) Cuarto libro de tablatura de chitarrone (1640) Seconda stravaganze (s. f.) GIOVANNI DE MACQUE (1550-1614) Original para clavecín *** Io navigai un tempo (c. 1567) GIOVANNI LEONARDO DELL’ARPA (c.1525-1602) Primer libro de villanellas napolitanas Arreglo para arpa barroca de Margret Köll Gagliarda del principe di Venosa (s. f.) CARLO GESUALDO (1561-1613) Original para cuatro instrumentos iguales Arreglo para arpa barroca de Margret Köll *** Suite en la menor, Z.663 (c. 1696) Prelude Almand Corant Saraband HENRY PURCELL (1659-1695) Original para clavecín 6 Hornpipe, Z. T685 De The Old Bachelor Z.607 (c. 1691) Original para clavecín *** A New Scotch Tune, Z.655 (1687) Minueto en la menor, Z.650 (s. f.) A New Irish Tune, Z.646 (1689) HENRY PURCELL Original para clavecín *** Dowland’s Galliard (s. f.) JOHN DOWLAND (1563-1626) Original para laúd Arreglo para arpa barroca de Margret Köll Paduana lachrymae (1642) MELCHIOR SCHILDT (c. 1592-1667) Original para órgano o clavecín The Frog Galliard (s. f.) JOHN DOWLAND Original para laúd Arreglo para arpa barroca de Margret Köll INTERMEDIO Toccata seconda et ligature per l’arpa (s. f.) GIOVANNI MARIA TRABACI (1575-1647) *** Se l’aura spira tutta vezzosa (c. 1630) GIROLAMO FRESCOBALDI (1583-1643) Original para soprano y continuo Arreglo para arpa barroca de Margret Köll Amarilli di Giulio Romano (s. f.) PETER PHILIPS (1560-1628) Original para clavecín *** 7 Alamand y Corant de Suite en re menor, Z.668 (c. 1969) Raise, Raise the Voice (c. 1685) Hornpipe de Suite en re menor, Z.668 (c. 1969) HENRY PURCELL Originales para teclado *** Passemezzo Galliard (c. 1603) THOMAS ROBINSON (1560-1609) Original para laúd Arreglo para arpa barroca de Margret Köll Capriccio di durezze del Libro de caprichos I (1624) GIROLAMO FRESCOBALDI Original para clavecín *** Preludio de Preludio, fuga y allegro, BWV 998 (c. 1735) Aria de Variaciones Goldberg, BWV 988 (1741) JOHANN SEBASTIAN BACH Original para clave-laúd Original para clavecín *** El repertorio se interpretará en secciones separadas. Para una mejor audición recomendamos aplaudir una vez termine cada sección. 8 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza Enciso Pocos de los instrumentos que conocemos hoy son tan antiguos como el arpa, con la excepción desde luego de algunos instrumentos de viento y de percusión. Esto, porque la relativa sencillez del arpa (solo unas cuerdas montadas dentro de un marco) la hicieron apta para aquellas estructuras modales de la antigüedad que no necesitaban de una arquitectura musical demasiado compleja. Pero con el paso del tiempo, el instrumento debió adaptarse a nuevas formas musicales como las que surgieron a finales del Renacimiento y comienzos del Barroco, transformando ampliamente su estructura. Juan Bermudo en su Declaración de instrumentos musicales (1555) resume así las dificultades que tenía el instrumento para producir estos nuevos sonidos: Según se ha visto, la harpa en el temple que ella se hizo (que es el juego del monochordio blanco) es imperfecta para la música que ahora se usa: porque ella está para el género diatónico, y lo que en este tiempo se tañe es género semichromático. (…) Para ser tan perfecto instrumento este, como el monochordio le falta en cada octava, cinco cuerdas: las cuales avían de corresponder a las teclas negras, que tiene el monochordio. Estas cuerdas de diversas maneras se suelen poner en la harpa (Bermudo, 1555). Se refiere Bermudo en este inciso a la principal dificultad del arpa medieval (una de las más difundidas entonces) y a las soluciones que le permitieron ampliar sus posibilidades —en este caso, la adición de cuerdas que facilitaban las notas cromáticas—. Este podría ser uno de los primeros registros que se tiene del arpa doppia o arpa italiana, especialmente conocida en la Europa del siglo xvii, y que según este testimonio pudo ser un invento español, importado a Italia desde el Virreinato español de Nápoles y a partir de allí difundido en el resto del país. En 1619 aparece reseñada en el Sintagma musicum de Michael Praetorius (ver Figura 1), muestra de la difusión que el instrumento había alcanzado por todo el continente. El arpa ha sido uno de los instrumentos más representados en la iconografía medieval, renacentista y barroca (en capiteles, cuadros y tapicerías); sin embargo, a pesar de tal popularidad, no desarrolló un repertorio solista como sí lo hicieron instrumentos como el clave, el órgano o el laúd, especialmente durante el periodo Barroco. En el Renacimiento se limitó, como era usual 9 en la época, a doblar las voces de la polifonía y durante el Barroco formó parte del bajo continuo. Fue especialmente apta en ambos periodos para acompañar al canto, pues creaba una armonía perfecta para él por su sonido limpio y siempre igual (el arpa no usa trastes y la cuerda se toca siempre ‘pura’). Arpa doppia. Placa xix del Syntagma musicum. Interpretar música antigua para arpa solista implica por lo tanto adaptar al lenguaje propio de este instrumento obras originalmente escritas para otros formatos e instrumentos. Si bien es cierto que durante el siglo xvii no solía especificarse en las partituras el nombre del instrumento, dejando esta decisión a voluntad del intérprete1, en el caso de las obras que escucharemos en el presente recital, la adaptación no se limitó únicamente a traducir un lenguaje entre dos instrumentos afines, sino que buscó entre algunas de las obras más insignes del periodo comprendido entre los siglos xvi y xvii2 aquello que pudo sonar familiar a los músicos de las cortes más importantes del momento, para interpretarlo en un instrumento que estuvo presente en todas ellas. Emprenderemos, pues, un viaje musical por diferentes países de Europa, escuchando obras que provienen de contextos musicales muy distintos, pero que tienen en común la libertad que condujo a la exploración armónica y estilística que caracterizó a la música instrumental y vocal de este periodo. Comenzamos nuestro recorrido en la Alemania de Johann Sebastian Bach (1685-1750), organista, compositor y pedagogo; fue una de las figuras más relevantes del periodo. Dos de sus obras enmarcan el programa de este recital: iniciamos con el Preludio en do mayor, BWV 924 para clavecín (u órgano) del Klavierbüchlein (colección de obras compiladas por el compositor a partir de 1720 para su hijo mayor Wilhelm Friedmann Bach) y concluimos con el Preludio del Preludio, fuga y allegro, BWV 998 (escrito cerca de 1735), ejemplo de la exploración armónica que tipifica la forma ‘preludio’. También 1 Por ejemplo, entre voces agudas no se especificaba si la obra estaba escrita para violín u oboe, y entre instrumentos armónicos no se especificaba en ocasiones si debía interpretarse en clavecín u órgano. 2 Tanto instrumentales como vocales. Arpa doppia. Placa XIX del Syntagma musicum. 10 finalizando el recital escucharemos el Aria de las Variaciones Goldberg, BWV 988 escritas por Bach por encargo del conde Hermann von Keyserlingk (1696- 1764) para ser interpretadas por uno de sus músicos, J. G. Goldberg (alumno de Bach), en sus horas de insomnio. Es una de las raras ocasiones en las que se especifica el tipo de instrumento que debe ser usado (clave de dos teclados) y también una de las raras veces en que Bach compuso en la forma ‘tema y variaciones’, que era muy popular en la época. En este caso, se interpreta únicamente el tema inicial, es decir el aria, basada en un bajo ostinato. Sin alejarnos demasiado de las cortes alemanas, encontramos a un contemporáneo de Bach, el que quizá sea uno de los personajes más misteriosos de la época. Se le conoció (entre otros nombres) como el Conde de Saint-Germain (c. 1696-1784) y poco o nada se sabe de él con certeza, pues la mayor parte de los datos de su vida están sumidos en el misterio3. Se dice que hablaba por lo menos siete idiomas, entre ellos chino y sánscrito, lo que lo convertía a los ojos de muchos en un personaje culto admirado por su inteligencia y educación (hábil en muchas ciencias, entre ellas la música). Audaz cortesano, viajaba sin cesar por diferentes cortes recibiendo el favor de muchos nobles y algunos reyes (y reinas), especialmente en Francia y Rusia. Se dice que no se trataba de otra persona más que del célebre violinista Giovannini, a quien se atribuye el aria Willst du dein Herz mir schenken (llamada Aria di Giovannini), que figura en el cuaderno de Anna Magdalena Bach con el número BWV 5184. Dejamos las frías tierras del norte en busca de un paisaje más cálido. Así llegamos a Italia, tierra que atrajo a algunos de los más renombrados músicos de Europa del momento. Uno de ellos fue el germano italiano Giovanni Girolamo Kapsberger (c.1580–1651), quien pudo ser uno de los mejores intérpretes de tiorba y laúd de aquel entonces. Logró dar a sus composiciones la expresividad que se buscaba en aquel tiempo en obras vocales como el madrigal o la ópera explorando un lenguaje musical más dramático. De su Libro quarto d’Intavolature di chitarrone (1640) escucharemos la Toccata seconda arpeggiata, una exploración musical caracterizada por contrastes rítmicos armónicos y dinámicos. Otro compositor atraído por las cortes italianas fue el flamenco Giovanni de Macque (1550-1614), organista y maestro de capilla asociado a la corte napolitana. Escribió obras vocales (madrigales a 3 En torno a él se creó una leyenda que lo pintaba como un personaje con saberes ocultistas. Incluso se llegó a decir que era inmortal. 4 Se trata del segundo libro (1725), recopilado para ella por su esposo J. S. Bach, en el que figuran obras de él y de otros autores, entre ellas esta Aria que se encuentra con el número 37. 11 varias voces) y obras instrumentales en el estilo libre de las partitas, ricercares, capriccios y canzonas, entre otros. Su Seconda stravaganze es un ejemplo de este estilo libre y arriesgado en el ámbito armónico que buscaba expandir los límites de la tonalidad. Uno de los más importantes intérpretes del arpa doppia en Nápoles durante este periodo fue Giovanni Leonardo Mollica, conocido como Gian Leonardo dell’Arpa (ca.1525-1602)5. Trabajó en Nápoles y en Roma, en donde tocó para las familias más influyentes de la alta aristocracia. Compuso principalmente villanelle, un tipo de canción polifónica profana muy común en Nápoles. Del Primo libro delle villanelle alla Napolitana, publicado en 1567, escucharemos la villanelle ‘Io navigai un tempo’ en su adaptación para arpa solista. Mollica se destacaba especialmente en el arte de tocar y cantar al tiempo, y, a pesar de su exitosa carrera como arpista, no dejó ninguna obra exclusiva para el instrumento. Fue tan conocido en su tiempo que le llamaron de la corte de Ferrara (uno de los centros musicales más importantes del momento), invitación que declinó; contrariamente a Carlo Gesualdo (1561- 1613), príncipe de Venosa, quien trabajó en esta corte entre 1593 y 1595. Fue uno de los personajes más controvertidos de la época por su tragedia familiar6 y es particularmente recordado por la audacia de sus composiciones, en las que destaca su intensa expresividad. Fue un gran madrigalista y compuso algunos motetes sacros en un estilo muy avanzado para la época. Una de sus únicas obras instrumentales es la Gagliarda del principe di Venosa, escrita para cuatro instrumentos iguales, aunque interpretada mayoritariamente en el clavecín. Giovanni Maria Trabaci (1575-1647) siguió los pasos de Giovanni de Macque sucediéndolo en Nápoles como maestro de capilla. Fue un prolífico compositor de obras para teclado (toccatas, ricercares, canzonas) y obras vocales. En la Toccata seconda et ligature per l’arpa (que puede ser interpretada en clave o en arpa), se destaca la exploración armónica que pudo influir en el trabajo de uno de los clavecinistas más importantes de su tiempo: Girolamo Frescobaldi (1583-1643). Nacido en Ferrara, donde recibió la instrucción de Luzzaschi y la influencia de Gesualdo, fue un prolífico compositor de música instrumental y vocal. Escucharemos una de sus arias más famosas Se l´aura spira tutta vezzosa del Primo libro d’arie per cantarsi (1630). Se destacó, de manera especial, por su música instrumental (además de clavecinista, fue 5 En algunos lugares era común poner el nombre del instrumento asociado al intérprete. 6 En 1590 asesinó a su primera esposa al sorprenderla en adulterio con su amante a quien también asesinó. La crueldad de este crimen convulsionó a la sociedad y aunque la ley lo absolvió, Gesualdo fue un hombre torturado por la culpa, lo que para muchos se tradujo en su estilo compositivo. 12 un importante organista), dejando tras de sí algunas colecciones de música instrumental como Il primo libro di capricci (1624) del que escucharemos el Capriccio di durezze (Capricho exigente), para órgano o clave, vivo ejemplo del audaz estilo armónico que caracterizó las composiciones para teclado del compositor. No podríamos dar por terminado este viaje musical sin rendir un homenaje a la música inglesa del Renacimiento y el Barroco. Tiempos de violencia (disputas entre católicos y protestantes) seguidos de relativos momentos de calma fueron la constante de la época. En estas circunstancias, surgió a mediados del siglo xvii uno de los más grandes compositores del periodo: Henry Purcell (1659-1695). El compositor de la célebre opera Dido y Eneas (quizá la primera ópera verdaderamente inglesa) intentó en muchas de sus composiciones unir el antiguo lenguaje musical del Renacimiento (escuela virginalista inglesa) con el estilo Barroco que prosperaba en el continente. Un ejemplo de ello es la Suite en la menor, Z.663 (Prelude, Almand, Corant, Saraband), modelo de influencia francesa; de igual manera lo es la Suite en re menor, Z.668 (Almand, Corant, Hornpipe), en la que destaca el novedoso aporte inglés a la tradicional suite de danzas. Las obras para clave de Purcell han sido consideradas de menor importancia frente a su producción vocal o para la escena, pues se decía que muchas eran transcripciones de estos géneros. Es el caso de su Hornpipe de The Old Bachelor, Z. T685 (obra de teatro de William Congreve) o de obras vocales como el minueto Raise, Raise the Voice proveniente de la Oda a Santa Cecilia, Z.334. Sin embargo, algunas de sus obras para clave como el New Scotch Tune, Z.655, el Minueto en la menor, Z.650 o el famoso Lilliburllero7 New Irish Tune, Z.646 son prueba de que el ingenio del compositor se extendía más allá de dichos géneros. Cerrando el capítulo de la música inglesa echaremos un vistazo a la obra de John Dowland (1563-1626), laudista y cantante de quien escucharemos dos danzas originales para laúd: Dowland’s Galliard y The Frog Galliard. Su música se caracterizó por un tipo de nostalgia muy de moda en la corte inglesa. La influencia de Dowland quedó plasmada en la Paduana lachrymae de Melchior Schildt (c. 1592-1667), compositor y organista alemán famoso por su carácter nervioso que hizo de esta una de las versiones más emocionales de la famosa pavana. Por otro lado, del clavecinista inglés Peter Philips8 (1560-1628), 7 Aire popular de significado subversivo para la época. 8 Católico exiliado en Flandes, representante de la escuela inglesa de virginal. 13 escucharemos Amarilli di Giulio Romano, un arreglo de la famosa aria de Giulio Caccini. También escucharemos el Passemezzo Galliard del inglés Thomas Robinson (1560-1609), uno de los tantos músicos que trabajaron en la corte de Dinamarca por aquel entonces —Dowland fue uno de ellos—. En este corto passemezzo, que es el No. 8 de su libro Schoole of Musicke (1603), se presentan muy bien sus dotes de pedagogo. Referencias Bermudo, J. (1555). Declaración de instrumentos musicales. Osuna: Juan de león. Recuperado de https://imslp.org/wiki/El_libro_llamado_ declaraci%C3%B3n_de_instrumentos_musicales_(Bermudo,_Juan) Praetorius, M. (1619). Syntagma musicum (tomo segundo, organografía) / Elias Holwein, Wolfenbüttel. Recuperdo de https://s9.imslp.org/ files/imglnks/usimg/d/d3/IMSLP278580-PMLP138176-praetorius_ syntagma_musicum_2_276943988.pdf Angélica Daza Enciso es maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente realiza algunas de las charlas previas a los conciertos que se presentan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. 14 Tierney Sutton Band (Estados Unidos), jazz · Foto: Paul Ghezzo TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

Margret Köll es una destacada intérprete internacional del arpa histórica, en todas sus formas y etapas de desarrollo. Se ha presentado alrededor del mundo como solista, intérprete de cámara y continuista con orquestas y conjuntos barrocos: como arpista principal, con Il Giardino Armonico, la Accademia Bizantina y el Balthasar-Neumann- Ensemble; como invitada, con Europa Galante, la Akademie für Alte Musik Berlin, B’Rock y Concerto Köln. Dentro de los eventos y recintos en los que ha participado, se resaltan el Festival de Salzburgo, el Covent Garden, el Theater an der Wien, el Palais Garnier de París, la Ópera Estatal de Baviera, el Teatro alla Scala de Milán, la Elbphilharmonie de Hamburgo y la Pierre Boulez Saal de Berlín. Sus renombrados compañeros de música de cámara son Luca Pianca, Dmitry Sinkovsky, Stefan Temmingh, Vittorio Ghielmi, Emöke Barath, Roberta Invernizzi y Philippe Jaroussky. Margret Köll ha participado en numerosas producciones de álbumes, emisiones y giras, por ejemplo, con Cecilia Bartoli, Magdalena Kožena y Sonia Prina. Ha publicado tres álbumes propios con el sello Accent/Note1 y está trabajando en su próxima publicación. Desde 1988 es integrante del conjunto folclórico austriaco contemporáneo Die Knoedel, con el que realiza giras por todo el mundo. Más recientemente, colaboró en un proyecto del género live-techno con el conjunto Elektro Guzzi. Margret Köll estudió arpa moderna e histórica en Innsbruck, Baltimore, Múnich y Milán. Desde 2012 imparte clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín; además, ofrece clases magistrales por toda Europa. En 2018 fundó el Harfenlabor (Laboratorio de arpas), una plataforma interdisciplinar para la práctica interpretativa histórica y contemporánea en arpas históricas.

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 Foto: Paul Ghezzo MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TIERNEY SUTTON BAND (Estados Unidos) jazz Jueves 15 de septiembre de 2022 · 8:00 p.m. Barranquilla, Fábrica de Cultura PULEP: ICQ132 Viernes 16 de septiembre de 2022 · 7:00 p.m. Santa Marta, Sala múltiple del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: GJA193 Domingo 18 de septiembre de 2022 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: LFD655 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ACERCA DEL ENSAMBLE Tierney Sutton, cantante De las ocho ocasiones en las que ha sido nominada a los Grammy, Tierney Sutton ha recibido siete nominaciones consecutivas a Mejor Álbum Vocal de Jazz, una por cada proyecto que ha publicado en la última década. En 2013 sacó a la luz After Blue, una reimaginación del legado de Joni Mitchell inspirada en el jazz. El álbum recibió grandes elogios y supuso la irrupción de Sutton como líder, sin su banda de siempre. Este trabajo cuenta con la participación de Al Jarreau, Hubert Laws, Peter Erskine, Larry Goldings, Mark Summer, Kevin Axt, Serge Merlaud y The Turtle Island String Quartet. Con una trayectoria de grabaciones y giras que abarca más de veinte años y nueve álbumes, The Tierney Sutton Band —TSB— ha recorrido un camino poco común. Integrada por Sutton y los virtuosos instrumentistas Kevin Axt, Ray Brinker, Trey Henry y Christian Jacob, la agrupación funciona como una verdadera unidad colaborativa (y legalmente constituida), cuyos integrantes toman todas las decisiones musicales y empresariales como socios. En 2011, la TSB recibió una nominación al Grammy por sus arreglos en colaboración, el único reconocimiento que se ha otorgado en tal calidad. Su discografía es temática y abundante, y los proyectos anteriores de la TSB han abordado la cultura estadounidense (American Road, 2011), el materialismo (Desire, 2009), la búsqueda de la felicidad (On the other Side, 2007), así como los legados musicales de Bill Evans (Blue in Green, 2001) y Frank Sinatra (Dancing in the Dark, 2003). En esta misma línea, TSB lanzó una nueva grabación en otoño de 2016 titulada The Sting Variations. Además, Christian Jacob y TSB compusieron la música original de la película de Clint Eastwood Sully, protagonizada por Tom Hanks y Laura Linney, que se estrenó el 9 de septiembre de 2016. Foto: Scott Mitchell 2 En los últimos años, Tierney se presentó en el Hollywood Bowl, el Carnegie Hall, el Kennedy Center y el Jazz At Lincoln Center. También es posible escucharla en bandas sonoras de cine y televisión como la de la película nominada al Oscar The Cooler, así como en anuncios de televisión de BMW, Green Giant, Yoplait y Coca Cola. Cuando no está de gira, Tierney Sutton trabaja como productora y educadora vocal altamente cotizada. Ha enseñado durante más de una década en la Escuela de Música Thornton de la Universidad del Sur de California (USC) y durante cinco años ha sido directora del departamento vocal de Los Angeles College of Music en Pasadena, California, donde creó un nuevo plan de estudios para vocalistas de todos los géneros. Tierney ha enseñado y se ha convertido en la mentora de algunas de las mejores cantantes de la nueva generación, entre ellas Gretchen Parlato y Sara Gazarek. En su gira por Colombia, Tierney Sutton Band estará conformado por el pianista Christian Jacob, el bajista Kevin Axt y el baterista Ray Brinker. Conozca más acerca de Tierney Sutton www.tierneysutton.com www.unlimitedmyles.com/tierney-sutton-main Tierney Sutton Music @tierneysutton La realización de este concierto en Barranquilla cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA La artista elegirá uno de los siguientes sets de obras para ser interpretado en el concierto. Lo anunciará durante el mismo. Set 1 What’ll I do? (1923) IRVING BERLIN (1888-1989) On a Clear Day de On a Clear Day you Can See Forever (1970) BURTON LANE (1912-1997) Letra de Alan Jay Lerner (1918-1986) Somewhere y Something’s Comming Cool de West Side Story (1957) LEONARD BERNSTEIN (1918-1990) Letra de Stephen Sondheim (1930-2021) Something Cool (1954) BILLY BARNES (1927-2012) Wouldn’t it be Loverly, Grown Accostomed to her Face y Show Me de My Fair Laidy (1964) FREDERICK LOEWE (1901-1988) Letra de Alan Jay Lerner What are you Foing for the Rest of your Life? de The Happy Ending (1969) MICHEL LEGRAND (1932-2019) Letra de Alan Bergman (n. 1925) y Marilyn Bergman (1928-2022) Fever (1956) EDDIE COOLEY (1933-2020) y OTIS BLACKWELL ‘JOHN DAVENPORT’ (1931-2002) I Get a Kick Out of you de Anything Goes (1934) COLE PORTER (1891-1964) Happy Days are Here Again (1929) MILTON AGER (1893-1979) Letra de Jack Yellen (1892-1991) Get Happy (c. 1930) HAROLD ARLEN (1905-1986) Letra Ted Koehler (1894-1973) We Will Meet Again (1979) BILL EVANS (1929-1980) 4 Set 2 Softly as in a Morning Sunrise de The New Moon (1927) SIGMUND ROMBERG (1887-1951) Letra de Oscar Hammerstein II (1895-1960) The way We Were (1973) MARVIN HAMLISCH (1944-2012) Letra de Alan Bergman (n. 1925) y Marilyn Bergman (1928-2022) I Want to be Happy (1925) VINCENT YOUMANS (1898-1946) Letra de Irving Ceasar (1895-1996) The Peacocks (c. 1975) JAMES GEORGE HUNTER ‘JIMMY ROWLES’ (1918-1996) You’re the One that I Want de Grease (1978) JOHN FARRAR (n. 1946) The Windmills of your Mind de The Thomas Crown Affair (1968) y What are you Doing The rest of your Life de The Happy Ending (1969) MICHEL LEGRAND (1932-2019) Letra de Alan Bergman y Marilyn Bergman The Lady is a Tramp de Babes in Arms (1937) RICHARD RODGERS (1902-1979) Letra de Lorenz Hart (1895-1943) If I Only Had a Brain, Somewhere Over the Rainbow y Ding Dong the Witch is Dead de The Wizard of Oz (1939) HAROLD ARLEN (1905-1986) Letra de Edgar ‘YIP’ Harburg (1896-1981) 5 Set 3 Driven to Tears (1980) y Walking in your Footsteps (1982) GORDON MATTHEW THOMAS SUMNER ‘STING’ (n. 1951) Let’s Face the Music and Dance de Follow the Fleet (1936), Check to Check de Top Hat (1935) y Blue Skies (1926) IRVING BERLIN (1888-1989) I Get a Kick Out of you de Anything Goes (1934) y It’s Alright with Me de Can-Can (1953) COLE PORTER (1891-1964) Without a Song (c. 1929) y Great Day (1930) VINCENT YOUMANS (1898-1946) Make Someone Happy (c. 1960) JULE STYNE (1905-1994) Letra de Betty Comden (1917-2006) y Adolph Green (1914-2002) Devil May Care (1956) ROBERT ‘BOB’ DOROUGH (1923-2018) 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Sergio Ospina Romero El asunto de las jerarquías y los prejuicios no ha sido nunca ajeno al mundo de la música. El ejemplo más evidente quizás, hasta el día de hoy, es cuando se asume que la música clásica, legada de Europa, es simplemente superior a las otras músicas del mundo. De ello da cuenta, entre otras cosas, el hecho de que aquella es la música que suele dominar el escenario pedagógico en escuelas de música de todo el planeta, a pesar de que con frecuencia las pasiones musicales de los estudiantes de esta disciplina apunten en otras direcciones. Por tanto, hay quienes ven la inclusión del jazz en muchos programas profesionales de educación musical como una apertura hacia la diversidad y como una oportunidad para confrontar jerarquías musicales de antaño. Sin duda lo es. Pero el mundo del jazz, sin embargo, no es ajeno tampoco a las jerarquías ni a los prejuicios. No es solo que el elitismo profesional y social que en un tiempo era exclusivo del ámbito de la música clásica, sino que ahora es también un ingrediente frecuente en varios círculos jazzísticos. La misma historia del jazz ha sido un escenario para la formación y reproducción de estereotipos musicales de diversa índole. Uno de ellos, que de cierto modo nos recuerda jerarquías estéticas del siglo xix, es el que asume el jazz instrumental no solo como superior con respecto al jazz cantado, sino como el estilo más legítimo. Es cierto que muchas de las leyendas del jazz han sido instrumentistas virtuosos y que su música ha servido para definir algunas de las convenciones más características del jazz, en especial en materia de improvisación. Pero también es cierto que las historias del jazz —en libros, documentales, discografías y salones de clase— suelen sobredimensionar dichos nombres y por extensión el jazz instrumental, a expensas de otros músicos y del jazz cantado. Además, también ha sido un asunto marcado por sesgos de género. En efecto, mientras la mayoría de los instrumentistas famosos en el jazz —o más bien, aquellos que se celebran más a menudo en las historias— han sido hombres, el mundo del jazz vocal ha estado dominado por mujeres. Figuras emblemáticas como Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Nina Simone o Diana Krall han sido reconocidas ampliamente, pero su inclusión en las historias canónicas del jazz a veces es solamente una concesión para atestiguar su excepcionalidad en un universo musical donde lo instrumental —y los hombres— son la norma. 7 El concierto de hoy es una excelente oportunidad para apreciar, de primera mano, una colección musical que le rinde tributo al jazz cantado; no solamente al jazz, en el sentido más restringido del término, sino a las diversas corrientes y ramificaciones estilísticas que han influido en este género y se han derivado de él, justamente por medio de canciones. Tanto la trayectoria como el repertorio de Tierney Sutton son un testimonio de la vastedad, el eclecticismo y la variabilidad que gobiernan el universo estético del jazz. Esto último es quizás uno de los aspectos más significativos e interesantes de su propuesta artística: la negociación entre la permanencia dentro de las expectativas interpretativas del jazz y el distanciamiento de dichas expectativas a la hora de experimentar con arreglos originales. Dicha negociación tiene lugar por medio de un extenso abanico de canciones gestadas en distintos momentos del último siglo, otro aspecto que le hace justicia a la variedad de estilos, compositores y tendencias que han contribuido en el desarrollo de este género. Con todo, si bien la música de Tierney Sutton orbita con libertad en varios frentes conectados de un modo u otro con el jazz, quizás es más preciso decir, como ella misma indica también en su página web, que lo suyo es rendir tributo a aquello que suele conocerse como The Great American Songbook. Lejos de referirse a un libro particular, es más bien la forma de la que se habla de algo así como el ‘cancionero norteamericano por excelencia’; un repertorio vasto de canciones en el que dominan clásicos de la primera mitad del siglo xx, pero que se sigue nutriendo año tras año de nuevas creaciones. Así que, por un lado, The Great American Songbook representa una colección de distintos géneros y estilos musicales, entre ellos el jazz, la música del teatro musical de Broadway y la música comercial de Tin Pan Alley, el nombre con el que se conoció a comienzos del siglo xx a un colectivo de editores musicales de New York, gestor de un negocio especialmente fértil y lucrativo. De hecho, la mayoría de las canciones de tal cancionero y muchas de las que hacen parte del repertorio de Tierney Sutton fueron composiciones originales de personajes ya legendarios como Irving Berlin, George Gershwin, Cole Porter y Hoagy Carmichael. A decir verdad, varios de los estándares de jazz que muchos estudiantes de música conocen hoy solo en versiones instrumentales fueron primero canciones populares producidas comercialmente por Tin Pan Alley. No obstante, The Great American Songbook puede considerarse también como un género musical en sí mismo. Y ello no solamente por la convergencia de ciertas preferencias estéticas en las interpretaciones de estas canciones, independientemente del origen específico de cada una de ellas en el jazz, 8 en el teatro musical o en la música popular norteamericana. Es un tipo de género musical propio (y con vida propia) de la misma forma que otros géneros musicales adquieren su identidad en virtud de cuestiones mucho más sociales que estéticas. La vitalidad de The Great American Songbook, y por extensión, aquella de la cantante Tierney Sutton, se sustenta en cierto modo en la resonancia global de la cultura norteamericana. Si en la arena geopolítica Estados Unidos se ha erigido en un gigante imperial, esto ha sido también gracias a la popularidad de la industria musical, el cine y la radio. La historia del jazz y la música popular del siglo xx está llena de contradicciones fascinantes: audiencias en todo el mundo seducidas por la música del coloso del Norte, a la vez que resistían otro tipo de intervenciones en lo económico y lo político, por citar un ejemplo. El concierto de hoy es testimonio de una historia compleja, cuya musicalidad no nos deja de cautivar. Sergio Ospina Romero es profesor de musicología en la Universidad de Indiana. Sus investigaciones se concentran en temas relacionados con la grabación mecánica del sonido, el jazz, y la música popular de América Latina. Es el autor de dos libros, Dolor que canta y Fonógrafos ambulantes, y de varias publicaciones que han aparecido en revistas y libros de distintas partes del mundo. Ha sido profesor en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de Cornell y la Universidad de los Andes. Sergio es el pianista y director de su propio trío de jazz latino y de Palonegro, un ensamble de música latinoamericana con el que grabó recientemente el álbum Two Minutes Apart, disponible en todas las plataformas digitales. 9 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla Entrevistas y conversaciones con personajes que han dejado huella en la labor musical del Banco de la República y en Colombia. También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los pódcast, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock! 10 Ensamble Aventure (Alemania), música contemporánea · Foto: Ensamble Aventure TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 Foto: Nadia Prieto MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO SOFIA RIBEIRO (Portugal) jazz Miércoles 7 de septiembre de 2022 · 6:30 p.m. Ipiales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: IIG382 Jueves 8 de septiembre de 2022 · 7:00 p.m. Pasto, Plazoleta interna del Centro Cultural Leopoldo López Álvarez PULEP: OUR156 Viernes 9 de septiembre de 2022 · 7:00 p.m. Cali, Auditorio del Centro Cultural Comfandi Nelson Garcés Vernaza PULEP: WNW142 Domingo 11 de septiembre de 2022 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: UQQ971 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ACERCA DE LA INTÉRPRETE Sofia Ribeiro, cantante Es hoy en día una de las más reconocidas cantantes de jazz y música popular contemporánea de Europa. Con once álbumes como líder y galardonada en múltiples ocasiones, la cantante y compositora ha tenido una vertiginosa carrera en los últimos dieciocho años, que la ha llevado a conquistar muchos de los más reputados escenarios en América y Europa. Con su voz versátil, su tono profundo, poderoso y tremendamente expresivo, Sofia tiene una especial capacidad de transmitir diferentes emociones, y de transportar a la audiencia a su muy único y personal universo sonoro. Ella canta en portugués, en español, en inglés, en un idioma inventado y canta como si fuera un instrumento. Cuenta historias sobre las canciones, improvisa e invita al público a cantar. Sofia Ribeiro ha sido ganadora en varios concursos internacionales, entre las cuales destacan la Voicingers (Polonia, 2008), la Crest Jazz Vocal (Francia, 2010), y la International Young Singers Competition (Bélgica, 2005), y en 2008 fue seleccionada para participar en el prestigioso seminario Betty Carter’s Jazz Ahead en el Kennedy Center (Washington, Estados Unidos). Realizó sus estudios de canto jazz en la Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo do Porto (ESMAE), y cursó un año de intercambio en la Escuela Superior de Música de Catalunya (ESMUC) en Barcelona, donde obtuvo la clasificación final en canto de jazz de ‘matrícula d’honor’. Posteriormente obtuvo una beca para estudiar en la prestigiosa Berklee College of Music (Boston, Estados Unidos), lugar en el que tuvo entre sus maestros a Bob Stoloff, y donde fue premiada con la Oliver Wagmann Memorial Scholarship. En 2007 fue aceptada para realizar una maestría en el Koninklijk Conservatorium de Bruselas, y cursó el segundo año de la maestría en el prestigioso Conservatoire National Supérieur de Paris (CNSNDP) mediante una beca ERASMUS, donde terminó su maestría con honores en 2009. Foto: Nadia Prieto 2 Entre 2015 y 2019 Sofia vivió en Nueva York, en donde fue artista residente en el Carnegie Hall y profesora en el curso de Circle Songs de Bobby McFerrin en el Instituto Omega (Estados Unidos). En 2019 ofreció una TED Talk en el CESA (Bogotá, Colombia). Después de siete años cautivando audiencias en todo el mundo, y continuando el camino que iniciaron con el álbum Ar en 2012 y con Mar sonoro en 2016, Sofia y su cuarteto lanzaron su tercer álbum: Lunga. Nuevamente, bajo la brillante producción del pianista colombiano Juan Andrés Ospina, Lunga presenta un repertorio dinámico e intenso en el que se mimetizan elementos del jazz, el fado y la música brasilera. En 2020 llegó la pandemia y la cantante quedó encerrada en Bogotá, época que ha sido la más creativa de su carrera; escribió doce canciones nuevas y decidió grabar un nuevo disco: Casa. Este proyecto recoge canciones creadas en cuarentena con la participación de músicos que han grabado en sus casas y desde diferentes partes del mundo: Colombia, Estados Unidos, España, Grecia, Portugal, Polonia e Israel. En sus conciertos más recientes, Sofia invita al oyente a un emocionante y profundo viaje sonoro, presentando temas de sus discos Lunga y Casa. En este concierto Sofia actúa junto con el pianista Juan Andrés Ospina, el percusionista Marcelo Woloski y el contrabajista Petros Klampanis. Esteban Linares Forero Management & Booking - Sofia Ribeiro The project music management Conozca más acerca de Sofia Ribeiro Sofia Ribeiro Sofia Ribeiro Sofia Ribeiro sofiaribeiromusic Sofia Ribeiro @sofiaribeiromusic @sribeiromusic La realización de este concierto en Cali cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA O meu chão é um tapete (2016) SOFIA RIBEIRO (n. 1978) Voa (2018) SOFIA RIBEIRO JUAN ANDRÉS OSPINA (n. 1979) Te veo (2020) SOFIA RIBEIRO Lunga (2016) Sotaque (2018) SOFIA RIBEIRO JUAN ANDRÉS OSPINA La tarde (s. f.) SINDO GARAY (1867-1968) Arreglo de Juan Andrés Ospina Bom dia (2013) SOFIA RIBEIRO Adiante (2018) SOFIA RIBEIRO JUAN ANDRÉS OSPINA Os meus amores (2020) SOFIA RIBEIRO Havemos de ir a Viana (s. f.) ALAIN OULMAN (1928-1990) Letra de Pedro Homen De Mello (1904-1984) Não sei (2020) SOFIA RIBEIRO 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega De la serie de complejas influencias que han transformado el arte del canto en el jazz es inevitable desligarse del blues y del folk, dos fuentes profanas que, a partir de la década de los años treinta, se colaron en las operetas de éxito presentadas en Broadway y en los famosos cancioneros de Tin Pan Alley. En suma, a lo largo de su historia, el jazz vocal se ha nutrido de una gran variedad de aportes externos a la tradición afroamericana que constituyen sus manifestaciones más contemporáneas: desde el calipso hasta la samba, ritmos raizales africanos, cumbia, bullerengue, fado y tango. De la tríada clásica representada por Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Billie Holiday queda una nostalgia perpetuada en la pureza de la dicción y los ornamentos, todo esto en beneficio de una interpretación muy ligada a la melodía y a las formas clásicas del jazz como el swing y el be-bop. El caso es que el esplendor del canto jazz, vivido desde la década de los años cincuenta del siglo pasado hasta los setenta, decayó de manera dramática por la repetición excesiva de patrones formales y de cierto apego a la tradición afroamericana que marcaba barreras rígidas entre lo que los críticos suponían que era jazz y la música popular. A partir de la irrupción del free en la década de los años sesenta, estas barreras se empezaron a diluir. Otras fuentes musicales inesperadas y la experimentación entraron en juego. Vale la pena mencionar, entonces, nombres como el de la brasileña Flora Purim, la portuguesa Maria João, la noruega Karin Krog, la controvertida estadounidense Meredith Monk o el alemán Theo Bleckmann, entre muchos otros artistas vocales que, desde diferentes ámbitos estilísticos, lograron abrir puertas que durante décadas estuvieron cerradas. Bien entrada la década de los noventa, muchas cantantes se han valido de la elasticidad del jazz para explorar territorios de músicas populares y raizales: en Colombia encontramos a Claudia Gómez, Lucía Pulido, Victoria Sur, Marta Gómez, Las Áñez y Urpi Barco; en Argentina, a Liliana Herrero; en México, a Jaramar Soto; en Perú, a Susana Baca; y en Portugal, a Sofia Ribeiro. En el punto equidistante en el que el jazz se convierte en una nueva forma de canción, la lisboeta nacida en 1978 recoge la tradición clásica del género y 5 entabla lazos naturales con el fado portugués y con músicas latinoamericanas como el landó, el samba argentino o el danzón cubano. Dejemos que sea ella, en primera persona, quien nos cuente los avatares de su historia y los pormenores del repertorio que escucharemos en esta ocasión. Vinilos, errores y decisiones Los primeros recuerdos que tengo de la música están asociados a los vinilos de mi padre, quien tenía una gran colección de música clásica. Cuando por alguna circunstancia me alcanzaba la tristeza, ponía en el tocadiscos el Adagio para cuerdas de Barber. Me acostaba en el sofá y lloraba. Me acuerdo, también, de la emoción de mi papá mientras escuchaba esa música elevada. La primera vez que me subí a un escenario a cantar como solista fue en un viaje a Suiza del coro infantil al cual yo pertenecía desde los doce años. Cuando llegó el momento de mi estrofa, algo pasó y no canté la melodía original sino algo diferente. No recuerdo qué fue lo que canté ni tengo una grabación de ese momento, pero sí está presente la sensación de haber perdido el control y de haber cantado algo que yo interpreté como un error. Al término de la presentación comenté que había sido un desastre y que de ninguna manera me volvería a subir a un escenario. Yo era muy tímida, exigente y perfeccionista. Sin embargo, las oportunidades para cantar me siguieron llegando. A pesar de la resistencia a convertirme en un ‘centro de atracción’, yo aceptaba esas invitaciones porque, simplemente, me encantaba la música. Empecé a convencerme de que tenía algo que compartir a través de mi voz. A los veintitrés años, después de haber terminado un diploma en Terapia ocupacional, finalmente entendí que la música no era solamente un pasatiempo: era el oficio al que me quería dedicar completamente. Influencias A decir verdad, mis principales referencias musicales no han sido exclusivamente portuguesas: ¡Cuando era adolecente, escuchaba a Mariah Carey, Whitney Houston y Celine Dion! Lo que sí me influenció profundamente fue escuchar a mi hermana cantando fado. Siempre me encantó su simplicidad e intensidad para interpretar esas canciones tan tristes de la famosa Amália Rodrigues, que era su cantante de fado preferida. Por ella adopté el gusto hacia Amália, que a la postre se convirtió en un gran referente para mí. Hace más o menos quince años empecé a interesarme mucho más en las músicas populares portuguesas. De allí surge un proyecto sobre la música de ‘Zeca’ Afonso, un revolucionario cantautor que tuvo una importancia muy grande en el final de la dictadura de Portugal en 1974. Recomiendo mucho escuchar su 6 música. Es original, profunda y tiene unos mensajes que son muy actuales, teniendo en cuenta el estado del mundo. Cantar: viajar a través del sonido Cantar y hacer canciones es contar historias, expresar emociones e invitar a la gente a ‘viajar’ a través del sonido. Se conectan asuntos muy íntimos de una misma con los del público por medio de melodías, ritmos y palabras: este asunto no deja de ser profundo, misterioso e intenso. Cantar es abrir el corazón. Hacer canciones es crear realidades. ACERCA DEL REPERTORIO O meu chão é um tapete (Sofia Ribeiro): «En esta canción yo cuento que mi piso es una alfombra mágica que me lleva de viaje por el mundo. A veces tengo ganas de parar, pero sigo disfrutando ‘vivir en el cielo’, que no tiene límites. El arreglo musical lo hicimos entre los cuatro miembros del grupo durante una gira por Europa. Cada vez que teníamos una prueba de sonido, le trabajábamos de a pocos. Juan Andrés, el pianista, escribió un interludio que me encanta». Voa (Sofia Ribeiro, Juan Andrés Ospina): «Un día escribí un fragmento de una melodía que me gustaba mucho, pero no sabía cómo desarrollarla. Probé muchas opciones de letras para la melodía, pero ninguna me convenció. ¡Estaba atorada! Se la mostré a Juan Andrés, quien resolvió el dilema. Entonces la tocó en el piano y yo la grabé en el celular. Escuché varias veces el audio y me puse a hacer un ejercicio que hago mucho: escribir en una hoja de papel en blanco todo lo que se me venía a la cabeza, sin parar, analizar o juzgar. Al final me di cuenta de que el flujo de palabras giraba alrededor del vuelo. Por eso, la letra trata de un pájaro que, para sobrevivir, tiene que abandonar el nido». Te veo (Sofia Ribeiro): «La imagen de una señora saludando a su padre a través de un vidrio —metáfora dolorosa durante los meses de encierro— me inspiró a escribir una canción que habla de separarse para proteger al otro. Es una de las tantas canciones que compuse durante la cuarentena, en una temporada de particular explosión creativa. La versión original cuenta con la voz de Marta Gómez». Lunga (Sofia Ribeiro): «Es la canción que da nombre a mi tercer disco, publicado en 2019. La letra es un idioma inventado que no existe. Escribí la melodía hace algunos años, en medio de una crisis personal: una mañana de cielo gris, entendí que cambiar el color de ese día solo dependía de mí misma. Intenté escribir la letra en portugués, pero como ninguna frase me convencía, finalmente decidí inventar un léxico propio para la canción. En Lunga cada uno está libre de crear su propio significado a partir de la letra». 7 Sotaque (Sofia Ribeiro, Juan Andrés Ospina): «Un día compuse una melodía que me estaba dando vueltas en la cabeza. Al momento de ponerle letra me sonó raro mi acento portugués pues la melodía me sonaba algo brasilera. Entré en un dilema: ¿escribo la letra con el acento de mi país o con el brasilero? Lo comenté con Juan Andrés, quien me sugirió escribir una letra que hablara, precisamente, de la diferencia entre los dos acentos. Fue muy divertido. La letra empieza con la pregunta: “¿Será que me puedes prestar tu acento para esta canción?”». La tarde (Sindo Garay): «La primera vez que oí esta canción fue en la voz de la cantante portuguesa Maria João y del piano de Mário Laginha. Me encantó la melodía y me dieron muchas ganas de cantarla. Empezamos por tocarla de forma improvisada en los conciertos a la manera de un danzón. Al final de los conciertos me preguntaban muchas veces en qué disco estaba incluida. Terminamos grabándola en el disco Lunga con un arreglo muy original de Juan Andrés». Bom dia (Sofia Ribeiro): «Habla de un personaje que se va por las calles saludando a toda la gente que ve por el camino. La letra cuenta la reacción de diferentes personas que intentan explicar por qué dice ‘buen día’ a toda la gente y el porqué de su particular alegría». Adiante (Sofia Ribeiro, Juan Andrés Ospina): «Es una canción cuya letra, que me costó bastante terminarla, me identifica plenamente. El final dice: sacudiendo cada miedo, no solamente marcho, sino que danzo en cadencia con el viento, mecida por el tiempo. Voy y canto, y confío, voy en frente y conmigo llevo el brillo de la luna y del sol». Os meus amores (Sofia Ribeiro): «Durante los largos meses de incertidumbre en la cuarentena, no fui ajena a la angustia y me solía preguntar: “¿qué sentido tiene toda esta situación?” En medio de la perplejidad y el desamparo, las canciones aparecen para dar sosiego. Esto es lo que canto en esta tonada inmersa en la tradición del fado». Havemos de ir a Viana (Alain Oulman, letra de Pedro Homem de Mello): «Este es un fado tradicional que una vez, mientras estábamos en una caminata, Juan Andrés y yo empezamos a cantar espontáneamente. Yo cantaba la melodía y Juan cantaba los bajos. Nos pareció que sonaba entretenido y decidimos hacerlo en vivo. El público reaccionó con mucho entusiasmo. Se volvió uno de los momentos más aplaudidos de nuestros conciertos». Não sei (Sofia Ribeiro): «Esta es otra de las canciones que escribí durante los meses de cuarentena. Es una sencilla reflexión acerca de aquellos planes escritos en mármol, que, por circunstancias azarosas, se convierten en humo. Es, también, una melodía juguetona en la que se revelan mis profundos afectos por el jazz». 8 AUDICIONES RECOMENDADAS Sofia Ribeiro (2021) Casa. Edición de la autora Sofía Ribeiro (2019) Lunga. Edición de la autora. Sofía Ribeiro (2016) Mar sonoro. Edición de la autora. Sofia Ribeiro (2012) Ar. Edición de la autora. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. 9 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla Entrevistas y conversaciones con personajes que han dejado huella en la labor musical del Banco de la República y en Colombia. También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los pódcast, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock! 10 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Tierney Sutton Band (Estados Unidos), jazz · Foto: Paul Ghezzo TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022

Foto: Carolina Ramírez Páez Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES LIZETH VEGA (Colombia) cantante Jueves 1° de septiembre de 2022 · 7:00 p.m. Villavicencio, Biblioteca Pública Municipal Germán Arciniegas PULEP: CLO755 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ACERCA DE LA INTÉRPRETE Lizeth Vega, cantante Nacida en los llanos orientales de Colombia, Lizeth Vega es cantante de música andina y llanera colombiana. Posee una amplia trayectoria y ha sido ganadora de los más importantes festivales nacionales e internacionales de interpretación. Es licenciada en música con énfasis en canto y dirección coral de la Universidad Pedagógica Nacional, docente de canto popular en la Universidad Central de Colombia y en la Universidad Sergio Arboleda. Lizeth es cantautora de dos trabajos discográficos: El llano es un paraíso (2012) y Creo (2015). Entre los galardones que ha recibido recientemente como intérprete vocal se encuentran: mejor solista vocal en el xviii Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana Ciudad de Cajicá, primer lugar en la categoría Solista vocal en el Concurso Nacional del Bambuco 2020, 45° Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez 2019, Gran Premio Familia Bernal de La Ceja y primer lugar en la categoría solista vocal del Festival Antioquia le canta a Colombia 2018, el primer lugar en la categoría voz femenina estilizada del Torneo Internacional del Joropo 2018, ganadora en la categoría vocal del Festival Hato Viejo Cotrafa 2017, y mejor solista vocal y Gran Moncada de Oro en el 38° Concurso Nacional de Duetos Hermanos Moncada, en Armenia, Quindío. Como compositora, Lizeth ha sido merecedora de importantes reconocimientos, como el primer lugar en la categoría Obra inédita con su bambuco Colombia es tierra de canto y poesía en el Concurso Nacional de Composición Musical ‘Jorge Villamil Cordovez’ en 2021, mejor obra inédita en el xviii Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana ‘Ciudad de Cajicá’ con su danza Limosnas, y el primer lugar en el 45º Festival Foto: Carolina Ramírez Páez 2 Antioquia le Canta a Colombia con su obra inédita Yo no soy tu amiga en 2020. En este concierto, Lizeth actúa junto con David Ocampo en el tiple, Julián Croswaithe en el cuatro, Diego Sánchez en el piano, Iván Vacca en bajo, Elvis Díaz en el arpa llanera y Diana Castañeda en las maracas. Conozca más acerca de Lizeth Vega Lizeth Vega Lizeth Vega @lizethvega.m 3 PROGRAMA Limosnas (2021) LIZETH VIVIANA VEGA (n. 1994) Tierra de canto y poesía (2020) Mi llanura y yo (2014) HÉCTOR ALIRIO VEGA (n. 1970) Como luceros de abril (2020) LIZETH VIVIANA VEGA Hielo amargo (1968) MIGUEL ÁNGEL MARTÍN (1932-1994) Flamita de amor (s. f.) DORIS ZAPATA LONDOÑO (n. 1958) Mi pequeña (2004) AQUILES BÁEZ (n. 1964) Camina Pedro (2007) JOHN HARBY UBAQUE (n. 1976) Yo no le vendo mi fundo (1995) CARLOS CÉSAR ‘EL CACHI’ ORTEGÓN (n. 1963) El mentiroso (2020) LIZETH VIVIANA VEGA Fauna y flora llanera (s. f.) MERCEDES DÍAZ (n. 1982) Olvido y amor (2016) JULIÁN CROSWAITHE (n. 1983) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Manuel Bernal Martínez Hace menos de un año tuve la oportunidad de conversar con Lizeth Viviana Vega con ocasión de su primera participación en la Serie de los Jóvenes Intérpretes y, por entonces, el tema fundamental —que sigue siendo uno de sus principales escenarios como artista— era el de los concursos de música regional, tanto llanera como andina. Esta doble condición: su fuerte ancestro llanero —una práctica musical temprana con el repertorio y los estilos de esta región—, más el hecho de estar radicada en Bogotá y de relacionarse con importantes intérpretes y arreglistas la destacan en una posición interesante. Las preguntas obvias eran: ¿qué ha pasado?, ¿qué ha cambiado de un año a esta parte? «Estoy incursionando más profundamente en la composición aplicada a la forma en que veo el canto. Ser cantautora es un frente muy interesante para aprender: cada canción es un mundo distinto, sale de forma diferente… no hay una fórmula todavía», responde. Nos comenta que, al componer, interpretar y presentar en concurso sus obras, ha descubierto que «han ganado canciones con muy diferentes maneras de hacer. Las canciones de concurso las pienso mucho para mí y mi voz, con un registro amplio y alto nivel de dificultad». En este momento está comenzando a ver la composición desde una amplia carpeta de recursos que va estudiando y trabajando cuidadosamente: recursos sonoros como intérprete vocal, recursos musicales en la construcción de melodías y armonizaciones, recursos vinculados al texto... en fin. «Cada canción me enseña algo diferente, especialmente en la relación emocional y afectiva con lo que compongo». Añade, también, que su reciente incursión en la defensa de obras inéditas de otros compositores —que la buscan para ello— es otra faceta que ofrece múltiples aprendizajes. En este momento se concentra, además, en el amplio campo de aprender cómo liderar un proyecto artístico propio: «estoy en la búsqueda de múltiples personas para el equipo: productores, diseñadores, otros compositores… Lo veo también como una manera de independizarme de mi padre, gran apoyo en mi carrera, productor y director de mis dos primeros discos. Él ya ha hecho mucho por mí». 5 Otro aspecto que cambió es que ahora es docente de canto popular en dos conocidas universidades bogotanas; y de inmediato surge, por supuesto, otra pregunta: ¿Qué es el canto popular como asignatura universitaria? Enseguida, advierte que su respuesta es una que a nadie le gusta y en la que reconoce la influencia de su más querida maestra: «la voz es el instrumento universal más versátil; eso de canto popular es un formalismo reciente; de cierta manera, lo que hay es unos estereotipos». En esto reconoce, evidentemente, el trasfondo de una estructura universitaria que, siguiendo el modelo de conservatorio, durante décadas ha proclamado que solo cierto repertorio y cierta manera de cantar son los únicos dignos de ser estudiados. Afortunadamente, este panorama ha venido cambiando: «para un cantante, se trata de conocer muy bien tanto su instrumento como […] el estilo de la música que se va a interpretar. Es una exploración permanente», afirma; y pertinente, agregaría yo. De alguna manera, en esto hay un símil con aquello que se denomina, en la música academizada, interpretación históricamente informada, solamente que aquí se cambian los aspectos históricos por los contextuales de unas músicas diversas, muchas veces no historizadas en textos, pero con referentes vitales y comerciales por buscar y explorar. Lizeth Viviana pone el ejemplo en la música con que se crió: En la música llanera criolla los cantantes buscan dar su chorro de voz; en lo más campesino y antiguo, son voces muy bien denominadas como recias. Pero en el desarrollo y la ampliación de espacios, las voces se adaptan a lo comercial, a las influencias de géneros exitosos, al cambio de las temáticas y del tratamiento que de ellas se hace. En los festivales y concursos del llano desde hace mucho tiempo se abrió un espacio diferenciador para las voces que denominan ‘estilizadas’, en respuesta a las dinámicas cambiantes de las regiones y de la industria fonográfica y del entretenimiento. Otro tanto podemos ver en las maneras de cantar lo andino. Ya entrando en las canciones que nos presenta hoy, aquellas relacionadas con lo llanero serán interpretadas con acompañamiento en el formato denominado típico, mientras que lo andino lo está en formato de piano, tiple y bajo. Y comenzaremos, para seguir el hilo, con sus propias obras: cuatro canciones, cuatro géneros distintos, cuatro contextos de composición. 6 Limosnas es una danza compuesta en 2021, que se hizo merecedora del premio a obra inédita en el Concurso Nacional de Duetos y Música Colombiana que se celebra en el vecino municipio de Cajicá. Su temática es de despecho, con frases como «Suéltame o agárrame / no quiero tus limosnas de cariño». El bambuco Tierra de canto y poesía, de 2020, fue compuesto y presentado en el Concurso Nacional de Composición Leonor Buenaventura, en Ibagué, a partir de una temática obligatoria determinada por la organización del concurso. Su texto, por necesidad, es de estilo nacionalista y recoge literalmente la temática dada: Colombia es tierra de canto y poesía. Si bien no tuvo fortuna allí, nuestra cantautora de hoy la envió al año siguiente al Concurso Nacional de Composición Jorge Villamil Cordovez, en Neiva, donde triunfó. El pasaje llanero ‘más bien criollo’, según Lizeth, y titulado Como luceros de abril está inspirado y dedicado a su compañero de vida, músico como ella, principal arreglista de su obra y permanente acompañante de estudio, reflexión y carrera musical. El texto compara la profundidad de la mirada con el cielo del mes de abril en el llano, y su concepción se basa en el estilo de Carlos Guevara, un cantante venezolano a quien Lizeth admira y que fue trágicamente desaparecido, quien logró amalgamar la fuerza de la música criolla, el tinte romántico y melodías poco convencionales. Finalmente, nos presenta su primer y único vals compuesto hasta el momento, titulado El mentiroso, muy en el estilo del vals peruano de Eva Ayllón en sus características de composición e interpretación. Baste con los primeros versos para darnos cuenta: «Tus besos me saben tan amargo / tus ojos destellan cobardía…». El repertorio andino incluye Hielo amargo, un vals criollo casi desconocido, del tameño Miguel Ángel Martín (1932-1994), que se publicó en el disco LP Alegría de vivir (1968), en conjunto con obras como Carmentea, Dulce María y Si yo fuera presidente, verdaderos éxitos comerciales del compositor. Esta obra es también del estilo peruano, y nuestra intérprete de hoy cuenta que la encontró en la red, cuando buscaba algo diferente para llevar a un concurso dedicado al compositor, y que con ella ganó en el año 2018. Martín es un compositor que está estrechamente vinculado con el imaginario de la música llanera local, y como estrategia de concurso, inicialmente la obra fue 7 presentada en un arreglo como pasaje estilizado que hoy la presenta en su género original1. El pasillo Flamita de amor, de la también cantautora Doris Zapata Londoño (n. 1958), es una obra que Lizeth defendió y la hizo ganadora en el Concurso Nacional del Pasillo Colombiano Hermanos Hernández, en Aguadas (Caldas), en 2020. Es para ella una obra entrañable, por cuanto surgió de un fructífero y emotivo encuentro que tuvo con Zapata, a quien admira, en el que compartieron vida y experiencias. Este hecho compositivo hace de la canción un repertorio casi exclusivo para la voz de Lizeth. En la parte dedicada al llano, es también entrañable para ella el pasaje Mi llanura y yo, compuesto en 2014 por su padre, Héctor Alirio Vega Buitrago (n. 1970). Basada en la profunda convicción religiosa de Vega, se conserva de lo criollo la presencia de un lenguaje lleno de localismos llaneros relativos a la fauna, la flora y el paisaje, en una especie de ofrenda musical dedicada a la obra de Dios en el llano: él pone la voz, y la llanura pone la belleza de la obra divina. Camina Pedro es un pasaje cuya temática es la del desarraigo de un llanero que ahora transita la complejidad urbana: «Camina Pedro / y entre el asfalto mira y busca el horizonte / y son sus ojos dos caballos al galope / pero su lejos ya no se lo mide el monte». Su compositor es John Harby Ubaque (n. 1976), un exitoso y conocido bajista que no es de esos llaneros ‘de pata al suelo’, como se dice en la zona, dado que nació en Yopal durante una gira artística de sus padres, una pareja cordillerana. Se dedica primordialmente al pasaje y al bolero, que, en sus palabras, «se parecen en lo romántico y en el cortejo a la mujer, y la más grande diferencia está en que el primero es campesino y todavía sabe a tierra, mientras el segundo es música urbana». Uno de los principales aportes de Carlos César Ortegón Castro (n. 1963), ‘el Cachi’, a la visibilización del conflicto social en las músicas regionales del país es su tema Yo no le vendo mi fundo, en tanto critica el ingreso de grandes capitales al llano, porque ello cambia todas las relaciones sociales y las de las personas con el trabajo de campo y el paisaje: […] aunque compre el resto’el llano, yo no le vendo mi fundo. […] Cómo le voy a vender 1 Vale la pena escuchar esta producción discográfica, que incluye géneros como joropo, cumbia, pasito, vals, fox, biritmo [sic] y canción, todos de autoría de Miguel Ángel Martín, con acompañamiento de guitarras, cuatro, maracas y voces. Puede verse en https://youtu.be/ y0LMrx_GSQ8 8 el cielo que me cobija o el suelo donde me paro. En cuántos reales se fija gozar esta soledad, sufrir este desamparo, trancar el viento en el pecho, dejando que el alma grite sobre los lomos de un charo […] Mercedes Díaz (n. 1982) es otra cantautora, residente en Villavicencio, a quien Lizeth conoció en una de las ediciones del Torneo Internacional del Joropo. La define como una voz criolla sabanera, que forma parte de una saga larga y es triunfadora en la música del llano. «Sus composiciones, como Fauna y flora llanera, son muy bonitas, y canta el pasaje criollo modulando su voz, una voz gustosa y cálida», comenta sobre ella. Por su parte, Julián Croswaithe (n. 1983) también pertenece a una familia musical de larga data y visible trayectoria. Su obra Olvido y amor es lo que se denomina en el medio un ‘golpe inédito’, dado que se sale de las estructuras tradicionales, con ciclos y progresiones armónicas distintos, cortes, rearmonizaciones y alusiones a los golpes de joropo más conocidos, pero sin ser claramente un entreverao. El texto nos habla de una relación amorosa trastocada, en que la protagonista es una mujer que canta cosas como: «Que te atormente el silencio / y los recuerdos de este adiós / que tu machismo lo cubran / las caricias de otro amor». La única obra de procedencia no colombiana es del gran guitarrista, cuatrista y compositor caraqueño Aquiles Báez (n. 1964), un verdadero referente en la composición popular latinoamericana. Como el título lo indica, el hermoso merengue Mi pequeña lo compuso para su hija, y su texto es reflejo del amor incondicional del padre que se asombra con la relación y celebra la presencia de esa vida en la propia: Esa pequeña que alegra hasta la tristeza y que llena de colores mi canción [...] Tienes la luz de la mañana, tienes mi luna en tu ventana y la varita que algún mago perdió. 9 Finalmente, cierro con algunos de los conceptos y apreciaciones de Lizeth Viviana Vega en este momento de su desarrollo como música e intérprete: Ser cantautora es una oportunidad para aprender y explorar; uno tiene que imaginarse todo […] La música debe hacerse para que los intérpretes la canten, no solamente para el gusto personal. Yo quiero que mis obras sean interpretadas, que no vayan al olvido […] Estoy en una etapa muy bonita que estoy disfrutando montones. Disfrutemos también con ella. Manuel Bernal Martínez. Musicólogo de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veinticinco años de experiencia como docente universitario en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Durante treinta y seis años se ha dedicado a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. Tierney Sutton Band (Estados Unidos), jazz · Foto: Paul Ghezzo TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

Nacida en los llanos orientales de Colombia, Lizeth Vega es cantante de música andina y llanera colombiana. Posee una amplia trayectoria y ha sido ganadora de los más importantes festivales nacionales e internacionales de interpretación. Es licenciada en música con énfasis en canto y dirección coral de la Universidad Pedagógica Nacional, docente de canto popular en la Universidad Central de Colombia y en la Universidad Sergio Arboleda. Lizeth es cantautora de dos trabajos discográficos: ‘El llano es un paraíso’ (2012) y ‘Creo’ (2015). Entre los galardones que ha recibido recientemente como intérprete vocal se encuentran: mejor solista vocal en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana Ciudad de Cajicá, primer lugar en la categoría Solista vocal en el Concurso Nacional del Bambuco 2020, 45° Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez 2019, Gran Premio Familia Bernal de La Ceja y primer lugar en la categoría solista vocal del Festival Antioquia le canta a Colombia 2018, el primer lugar en la categoría voz femenina estilizada del Torneo Internacional del Joropo 2018, ganadora en la categoría vocal del Festival Hato Viejo Cotrafa 2017, y mejor solista vocal y Gran Moncada de Oro en el 38° Concurso Nacional de Duetos Hermanos Moncada, en Armenia, Quindío. Como compositora, Lizeth ha sido merecedora de importantes reconocimientos, como el primer lugar en la categoría Obra inédita con su bambuco Colombia es tierra de canto y poesía en el Concurso Nacional de Composición Musical ‘Jorge Villamil Cordovez’ en 2021, mejor obra inédita en el xviii Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana ‘Ciudad de Cajicá’ con su danza ‘Limosnas’, y el primer lugar en el 45o Festival Antioquia le Canta a Colombia con su obra inédita ‘Yo no soy tu amiga’ en 2020. En este concierto, Lizeth actúa junto con David Ocampo en el tiple, Julián Croswaithe en el cuatro, Diego Sánchez en el piano, Iván Vacca en bajo, Elvis Díaz en el arpa llanera y Diana Castañeda en las maracas.

Es hoy en día una de las más reconocidas cantantes de ‘jazz’ y música popular contemporánea de Europa. Con once álbumes como líder y galardonada en múltiples ocasiones, la cantante y compositora ha tenido una vertiginosa carrera en los últimos dieciocho años, que la ha llevado a conquistar muchos de los más reputados escenarios en América y Europa. Con su voz versátil, su tono profundo, poderoso y tremendamente expresivo, Sofia tiene una especial capacidad de transmitir diferentes emociones, y de transportar a la audiencia a su muy único y personal universo sonoro. Ella canta en portugués, en español, en inglés, en un idioma inventado y canta como si fuera un instrumento. Cuenta historias sobre las canciones, improvisa e invita al público a cantar. Sofia Ribeiro ha sido ganadora en varios concursos internacionales, entre las cuales destacan la Voicingers (Polonia, 2008), la Crest Jazz Vocal (Francia, 2010), y la International Young Singers Competition (Bélgica, 2005), y en 2008 fue seleccionada para participar en el prestigioso seminario Betty Carter’s Jazz Ahead en el Kennedy Center (Washington, Estados Unidos). Realizó sus estudios de canto ‘jazz’ en la Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo do Porto (ESMAE), y cursó un año de intercambio en la Escuela Superior de Música de Catalunya (ESMUC) en Barcelona, donde obtuvo la clasificación final en canto de ‘jazz’ de ‘matrículad’honor’. Posteriormente obtuvo una beca para estudiar en la prestigiosa Berklee College of Music (Boston, Estados Unidos), lugar en el que tuvo entre sus maestros a Bob Stoloff, y donde fue premiada con la Oliver Wagmann Memorial Scholarship. En 2007 fue aceptada para realizar una maestría en el Koninklijk Conservatorium de Bruselas, y cursó el segundo año de la maestría en el prestigioso Conservatoire National Supérieur de Paris (CNSNDP) mediante una beca ERASMUS, donde terminó su maestría con honores en 2009. Entre 2015 y 2019 Sofia vivió en Nueva York, en donde fue artista residente en el Carnegie Hall y profesora en el curso de ‘Circle Songs’ de Bobby McFerrin en el Instituto Omega (Estados Unidos). En 2019 ofreció una TED Talk en el CESA (Bogotá, Colombia). Después de siete años cautivando audiencias en todo el mundo, y continuando el camino que iniciaron con el álbum Ar en 2012 y con ‘Mar sonoro’ en 2016, Sofia y su cuarteto lanzaron su tercer álbum: ‘Lunga’. Nuevamente, bajo la brillante producción del pianista colombiano Juan Andrés Ospina, ‘Lunga’ presenta un repertorio dinámico e intenso en el que se mimetizan elementos del ‘jazz’, el fado y la música brasilera. En 2020 llegó la pandemia y la cantante quedó encerrada en Bogotá, época que ha sido la más creativa de su carrera; escribió doce canciones nuevas y decidió grabar un nuevo disco: Casa. Este proyecto recoge canciones creadas en cuarentena con la participación de músicos que han grabado en sus casas y desde diferentes partes del mundo: Colombia, Estados Unidos, España, Grecia, Portugal, Polonia e Israel. En sus conciertos más recientes, Sofia invita al oyente a un emocionante y profundo viaje sonoro, presentando temas de sus discos ‘Lunga y Casa’. En este concierto Sofia actúa junto con el pianista Juan Andrés Ospina, el percusionista Marcelo Woloski y el contrabajista Petros Klampanis.

De las ocho ocasiones en las que ha sido nominada a los Grammy, Tierney Sutton ha recibido siete nominaciones consecutivas a Mejor Álbum Vocal de Jazz, una por cada proyecto que ha publicado en la última década. En 2013 sacó a la luz ‘After Blue’, una reimaginación del legado de Joni Mitchell inspirada en el ‘jazz’. El álbum recibió grandes elogios y supuso la irrupción de Sutton como líder, sin su banda de siempre. Este trabajo cuenta con la participación de Al Jarreau, Hubert Laws, Peter Erskine, Larry Goldings, Mark Summer, Kevin Axt, Serge Merlaud y The Turtle Island String Quartet. Con una trayectoria de grabaciones y giras que abarca más de veinte años y nueve álbumes, The Tierney Sutton Band —TSB— ha recorrido un camino poco común. Integrada por Sutton y los virtuosos instrumentistas Kevin Axt, Ray Brinker, Trey Henry y Christian Jacob, la agrupación funciona como una verdadera unidad colaborativa (y legalmente constituida), cuyos integrantes toman todas las decisiones musicales y empresariales como socios. En 2011, la TSB recibió una nominación al Grammy por sus arreglos en colaboración, el único reconocimiento que se ha otorgado en tal calidad. Su discografía es temática y abundante, y los proyectos anteriores de la TSB han abordado la cultura estadounidense (‘American Road’, 2011), el materialismo (‘Desire’, 2009), la búsqueda de la felicidad (‘On the other Side’, 2007), así como los legados musicales de Bill Evans (‘Blue in Green’, 2001) y Frank Sinatra (‘Dancing in the Dark’, 2003). En esta misma línea, TSB lanzó una nueva grabación en otoño de 2016 titulada ‘The Sting Variations’. Además, Christian Jacob y TSB compusieron la música original de la película de Clint Eastwood ‘Sully’, protagonizada por Tom Hanks y Laura Linney, que se estrenó el 9 de septiembre de 2016. En los últimos años, Tierney se presentó en el Hollywood Bowl, el Carnegie Hall, el Kennedy Center y el Jazz At Lincoln Center. También es posible escucharla en bandas sonoras de cine y televisión como la de la película nominada al Oscar ‘The Cooler’, así como en anuncios de televisión de BMW, Green Giant, Yoplait y Coca Cola. Cuando no está de gira, Tierney Sutton trabaja como productora y educadora vocal altamente cotizada. Ha enseñado durante más de una década en la Escuela de Música Thornton de la Universidad del Sur de California (USC) y durante cinco años ha sido directora del departamento vocal de Los Angeles College of Music en Pasadena, California, donde creó un nuevo plan de estudios para vocalistas de todos los géneros. Tierney ha enseñado y se ha convertido en la mentora de algunas de las mejores cantantes de la nueva generación, entre ellas Gretchen Parlato y Sara Gazarek. En su gira por Colombia, Tierney Sutton Band estará conformado por el pianista Christian Jacob, el bajista Kevin Axt y el baterista Ray Brinker.

Foto: Adriana Fernández Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES SANTIAGO PRADA (Colombia) saxofón Jueves 8 de septiembre de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: EIW199 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 LA NUEVA CARA DE LA SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES ¿Cómo apoyar la carrera de los músicos emergentes en Colombia? ¿Qué hacer para que nuestros jóvenes conozcan, disfruten y entren en contacto directo con el arte de vanguardia, y puedan estar al mismo nivel? Seguramente estas fueron algunas de las preguntas que se hizo el Banco de la República previo a la creación de uno de sus más importantes programas a nivel nacional, la Serie de los Jóvenes Intérpretes. Esta convocatoria anual, vigente desde 1985, ha ofrecido a los intérpretes colombianos, de manera ininterrumpida, un espacio para mostrar y desarrollar sus habilidades artísticas. Durante más de tres décadas, este programa ha sido la ventana de una gran cantidad de músicos que hoy siguen triunfando en escenarios nacionales e internacionales. La Serie de los Jóvenes Intérpretes resulta ser para muchos la primera experiencia en un escenario profesional, en el cual se enfrentan a un público conocedor y crítico que valora en alta medida su talento. A partir de 2021 la convocatoria tuvo cambios significativos con el propósito de mantener una relación más prolongada en el tiempo entre el Banco y los músicos seleccionados, así como fortalecer sus competencias interpretativas y ampliar las posibilidades de circulación de estos. Los seleccionados tienen la oportunidad de permanecer hasta cuatro años en el programa, cada año participando en diferentes espacios y como parte de diferentes franjas de la programación musical del Banco. Al final de cada año se hace una evaluación de los artistas seleccionados para determinar quiénes pueden avanzar a la siguiente fase del programa. En 2022 se presenta la primera cohorte de jóvenes que hacen parte de este nuevo formato, actuando veintitrés músicos en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, y dieciséis en las diferentes ciudades en las que el Banco de la República tiene presencia. Este año contaremos con un amplio abanico de solistas y agrupaciones, así como un repertorio variado que abarca desde música académica, hasta el jazz y las músicas tradicionales colombianas. Los invitamos a continuar disfrutando de la música en vivo y ser testigos del desarrollo del talento joven colombiano que hace parte de la programación de la Temporada Nacional de Conciertos. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 2 ACERCA DEL INTÉRPRETE Santiago Prada, saxofón Santiago es músico saxofonista y gestor cultural egresado de la Universidad de los Andes. Su trayectoria como solista e intérprete en diversas agrupaciones como cuartetos de saxofones, ensambles contemporáneos, ensambles de jazz, big band, orquestas de salsa, orquestas sinfónicas, coros y bandas le ha permitido consolidar una experiencia multifacética desde el punto de vista musical. Debutó como solista de la Orquesta Sinfónica de los Andes con la obra Scaramouche del compositor francés Darius Milhaud. Fue seleccionado para la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República para la temporada 2022, y ganador de la convocatoria Sonidos Jóvenes V.2 de su universidad. Junto al Cuarteto de Saxofones de los Andes y la dirección de su maestro Luis Eduardo Aguilar, fue seleccionado en la convocatoria OFB al Barrio (2020), en donde realizó más de diez conciertos en diferentes escenarios de la capital. Esta agrupación también fue seleccionada en el ciclo de conciertos universitarios de la Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano, el Festival Interuniversitario de Música y el Festival Arpegios de la Universidad de los Andes. Como saxofonista del ensamble contemporáneo Vasto, ha actuado en distintos escenarios, como el ciclo de conciertos Música con Tempos Colombianos 2021 de la Biblioteca Nacional, el Museo Santa Clara y el Teatro Bogotá con el proyecto ganador de la beca para la Sustentabilidad de las Redes y Asociaciones del Campo Musical organizada por el Ministerio de Cultura. En paralelo a su faceta de intérprete, fue asistente de montaje y encargado del levantamiento de textos para el estreno en época de la música de los maestros de capilla del siglo xix de la Catedral Primada de Colombia. También se desempeñó como monitor de apoyo docente de la Universidad de los Andes en áreas como armonía, historia de la música de la edad media y música orquestal en Occidente. Actualmente es asistente de montaje de la orquesta de la Universidad de los Andes y adelanta un proyecto de investigación que fue ganador de la convocatoria Jóvenes en Movimiento del Ministerio de Cultura de Colombia. En este concierto Santiago se presenta junto con el pianista Diego Claros. 3 PROGRAMA Fantasía para saxofón y piano, Op. 32 (1860) JULES DEMERSSEMAN (1833-1866) Sonata para saxofón y piano, Op. 29 (1971) Allegro maestoso Allegro enérgico ROBERT MUCZYNSKI (1929-2010) Tema con variaciones y fuga (1976) A tempo moderato Deciso Adagio (tempo de habanera) Allegro (tempo de guaracha) Adagio (balada) Fugato ANDRÉS ALÉN RODRÍGUEZ (n. 1950) Para saxofón alto y piano INTERMEDIO Hot – Sonata (1930) I II III IV ERWIN SCHULHOFF (1894-1942) Para saxofón alto y piano Primera suite latinoamericana para saxofón alto, saxofón soprano y piano (2020) Un danzón amoroso Tierna infancia Al rey… Pelé LUIS EDUARDO AGUILAR (n. 1951) Para saxofón alto, saxofón soprano, piano y percusión 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Alexander Klein El saxofón: perfil de un instrumento Cuando se escucha la palabra ‘saxofón’, muchas personas nos vemos invadidas de imágenes que nos remontan al mundo del jazz y de la música popular. Después de todo, el saxofón es actualmente un compañero inseparable de estos géneros, entre los cuales figuran músicas que son frecuentemente escuchadas en Colombia, como lo son el merengue, la salsa y la cumbia. En el siglo xix, sin embargo, las cosas eran muy distintas, y bien puede decirse que Adolphe Sax (1814-1894), el inventor del saxofón, jamás se imaginó que el instrumento que lleva su nombre se convertiría en una pieza clave de muchas músicas populares. El inventor se imaginó su instrumento como una pieza esencial de las orquestas sinfónicas y de las bandas marciales. Otro caso, entre tantos, en los cuales el propósito original de una invención nunca rindió muchos frutos, pero sirvió para llenar otro vacío insospechado. Por lo anterior, se puede inferir que el saxofón es un instrumento históricamente moderno, pues apenas fue patentado en 1846, año en que la gran mayoría de instrumentos que hoy conocemos ya existían por décadas e incluso por siglos. Dado que Adolphe Sax, belga de nacimiento, no solo era lutier, sino también flautista y clarinetista profesional, su conocimiento lo llevó a concebir un instrumento de metal que gozara de las facilidades del mecanismo de un instrumento de madera (flauta, clarinete, oboe). De este modo, el saxofón nació como un intento de modernizar la orquesta sinfónica europea, no como un instrumento de baile afroamericano. En un inicio, este moderno instrumento fue recibido con gran curiosidad y aceptación por varios pioneros del mundo musical de Europa. El famoso compositor Gioachino Rossini (1792-1868), por ejemplo, incluyó un saxofón en su ópera Robert Bruce (1846), estrenada el mismo año en que el instrumento se patentó. En Colombia, el compositor bogotano José María Ponce de León (1845-1882) también incluyó el instrumento en su ópera Ester (1874), la primera de su género compuesta y estrenada en el país (Torres, 2017). Aun así, al final del siglo, el saxofón corrió serio peligro de ser olvidado para siempre, puesto que su sonoridad particular —nasal y brillante— no 5 encontró suficientes promotores en Europa. Por ende, fue necesario que el instrumento cobrara una nueva vida en un lugar distinto del planeta, y esto fue exactamente lo que ocurrió cuando el saxofón hizo su entrada a los Estados Unidos de América. Una vez en tierras americanas, el saxofón se abrió paso como relámpago en los conjuntos y orquestas de jazz a principios del siglo xx, luego de gozar de gran popularidad en los cabarets y las bandas militares. Desde esta región, el instrumento se propagó en todo el continente americano, hasta ser inmortalizado en la propia Colombia con las bandas populares de ‘Lucho’ Bermúdez. Al pasar las décadas, el saxofón incluso se convirtió en pieza clave de la música disco, y puede decirse que ya no hay orquesta popular que no lo tenga en su repertorio. Solo cabe preguntarse: ¿qué otros géneros musicales serán también conquistados por el instrumento? Solo el tiempo lo dirá, o como diríamos en Colombia: amanecerá y veremos. El programa de hoy Fantasía para saxofón y piano, Op. 32 Hecho este breve recorrido histórico del saxofón, resulta apropiado mencionar que el programa de hoy es un reflejo musical de algunas de sus distintas etapas cronológicas, desde su concepción europea como instrumento clásico hasta su transformación en América como instrumento multimodal. La primera obra, titulada Fantasía para saxofón y piano, Op. 32, fue compuesta por Jules Demersseman (1833-1866), un artista nacido en Hondschoote, un pequeño pueblo en la frontera francesa con Bélgica. Además de su cercanía con la cultura belga, Demersseman compartía con Adolphe Sax la interpretación de la flauta, instrumento que como se vio, también tocaba el inventor del saxofón. Coincidencia o no, lo cierto es que Demersseman fue uno de los primeros compositores en explorar las posibilidades del recién inventado instrumento, para el cual escribió su mencionada fantasía y otras obras. Aunque la fantasía como tal es corta, llama mucho la atención escuchar cómo Demersseman utilizó el saxofón a fin de presentar una melodía de corte italiano sobre un acompañamiento en el piano que es muy reminiscente de la polka —un género de baile muy popular en la Europa de la época—. ¿Se trataba, acaso, de un presagio que le avisaba al mundo el papel que el saxofón vendría a ocupar como portador de música bailable? Es imposible responder la pregunta, pero 6 lo cierto es que Demersseman identificó en la sonoridad del instrumento un vehículo apropiado para exponer sonoridades más asociadas al entorno del baile que aquellas relacionadas a la sala europea de conciertos. Tristemente, el compositor tampoco pudo ver la evolución del saxofón, puesto que murió de tuberculosis en 1866, cuando apenas tenía treinta y tres años. Sonata para saxofón alto y piano, Op. 29 De padres polacos pero nacido en Estados Unidos, el compositor Robert Muczynski (1929-2010) es una de aquellas figuras que presentan al saxofón en medio de esos dos mundos que lo acogieron en el continente americano: el mundo de la música académica europea y, especialmente, el mundo del jazz. En este cruce estilístico aparece su Sonata para saxofón alto y piano, Op. 29, escrita en 1970 y dedicada al saxofonista Trent Kynaston. Aunque la obra se divide en dos movimientos con indicaciones de corte clásico (Andante maestoso y Allegro enérgico), los acordes y las escalas que se escuchan en ella evocan el mundo del blues y el jazz, concretamente la escuela de Chicago, ciudad natal del compositor. Aun así, en la obra también se advierten sonoridades propias del atonalismo europeo, es decir, de la música académica compuesta en Europa desde principios del siglo xx, la cual quería hacer un mayor énfasis en la disonancia para explorar sonoridades que se alejaran del Romanticismo del siglo xix. El resultado de esta mezcla, en la obra de Muczynski, es un jazz modernista pero académico, con un primer movimiento muy reflexivo y pausado que contrasta con un segundo movimiento rico en ritmos afroamericanos. En este sentido, la obra refleja lo que era la vida urbana de los Estados Unidos en plena década de 1970: un lugar boyante de culturas y ritmos afroamericanos antiguos que contrastaban con la modernidad imponente de sus rascacielos. Tema con variaciones y fuga para saxo alto Acorde con el recorrido histórico del saxofón, esta es la primera obra latinoamericana del programa de hoy, proveniente de un compositor cubano que, según sus palabras, sintió una fascinación desde niño por convertir lo popular en «clásico y viceversa» (Ramírez, 2020), es decir, por romper las fronteras artificiales que existen entre ambos mundos musicales. Fiel a estas intenciones, el Tema con variaciones y fuga (1976), de Andrés Alén Rodríguez (n. 1950), es una obra contemporánea con nombre clásico, pero con armonías reminiscentes del jazz y ritmos claramente 7 latinoamericanos, entre los cuales figuran —en orden de aparición— el son, la habanera, la guaracha y la balada. En varios pasajes incluso se identifican referencias a canciones estándar del repertorio bailable de América Latina, recurso que el compositor nunca niega y que, al contrario, defiende como un homenaje a todos aquellos músicos que lo influenciaron. Entre ellos está el pianista y compositor francés Michel Legrand (1932-2019), quien de acuerdo con este pensamiento dijo: «He recibido muchas influencias; uno vive de eso; nadie hace nada nuevo, sólo transforma. Si yo no pudiera escuchar lo que hacen los demás, yo no pudiera vivir» (Villafruela, 2022). En este orden de ideas, la obra de Rodríguez siempre debe ser vista y escuchada como un homenaje a quienes vinieron antes de él, cuyas voces cobran vida en la propia voz del compositor y se unen a ella para crear una voz nueva. Hot – Sonata Aunque esta obra y su compositor, Erwin Schulhoff (1894–1942), nos devuelven un poco en el tiempo al siglo xx temprano, vale la pena resaltar que su estética también está enmarcada en esa frontera borrosa e indecisa que separa a la música clásica de la música popular. Al mismo tiempo, también se trata de uno de los compositores más originales y controversiales —pero olvidados— de Europa, cuya vida resulta tan interesante o incluso más que su propia obra. Nació en Praga cuando esta ciudad formaba parte del imperio Austrohúngaro. Schulhoff estudió música con algunos de los profesores más prestigiosos del momento, entre quienes figuraron Claude Debussy y Max Reger. Tras pasar su adolescencia en medio del fervor revolucionario que se respiraba en toda Europa con la creación de la Unión Soviética (1922), Schulhoff vio en las músicas populares y en la ideología comunista los mejores vehículos para la liberación humana, hasta el punto de que él mismo consideró el sistema musical europeo como una forma de imperialismo que había que acabar. En sus palabras: El arte absoluto es revolución y requiere facetas adicionales para desarrollarse y abrir nuevos caminos […]. La idea de la revolución en el arte ha evolucionado por décadas, en cualquier lugar, puesto que el arte es lo que todos compartimos como seres humanos. Esto es particularmente cierto en la música, porque es la forma de arte más alegre, y como resultado es el mejor y más profundo reflejo de la revolución —un escape total del ritmo y tonalidad imperialista para alcanzar un cambio extático por el bien— (Hall, 2011, pp. 40-41). 8 En comunión con estas intenciones, el compositor decidió encontrar su voz musical no tanto en los conservatorios ni en los teatros, sino en las tabernas y los cabarets, lugares donde muchas veces pasaba toda la noche bailando con distintas parejas para sentir lo que él describía como ‘un encanto sensual’ e incluso ‘animal’ que le daba una ‘inspiración fenomenal’ (Woodstra et al., 2005). Pues bien, la Hot – Sonata es una obra proveniente de ese ‘encanto sensual’, cuyo título habla por sí solo y cuya estética contiene prácticamente todas las músicas en boga en el año de su composición, 1930. Hay fragmentos, por ejemplo, que evocan el jazz sinfónico de George Gershwin, cuya famosa Rhapsody in Blue se había estrenado seis años antes. También se advierten acordes disonantes del experimentalismo europeo, sonoridades asiáticas del impresionismo francés y ritmos de los cancioneros afroamericanos. Una obra, en suma, que sintetiza esa revolución artística que Schulhoff quería alcanzar: una música que rompiera todas las fronteras y uniera todos los géneros del mundo para concebir un solo género, una sola música que le hablara y conmoviera a cualquier persona del mundo. Lamentablemente, Schulhoff vería su sueño y su propia vida truncada de manera prematura: una vez estallada la Segunda Guerra Mundial; el compositor fue capturado por tropas nazis mientras intentaba escapar a la Unión Soviética, donde le habían concedido la nacionalidad. Pocos meses después, murió de tuberculosis en una cárcel alemana. Primera suite latinoamericana para saxofón soprano y piano Para terminar el programa de hoy, no hay manera más apropiada para hacerlo que con otra obra latinoamericana, esta vez proveniente de Colombia. Dividida en tres movimientos con títulos sugestivos, la Primera suite latinoamericana (2020) es una obra del compositor, instrumentista y pedagogo Luis Eduardo Aguilar (n. 1951), uno de los principales exponentes del saxofón en América Latina. Acorde con su título, Un danzón amoroso, el primer movimiento nos presenta un danzón cubano con una melodía muy memorable y sensual, como aquellas que uno a veces desearía que nunca se acabaran. Para el segundo movimiento, titulado Tierna infancia, el compositor nos lleva a tierras venezolanas por medio de un vals pasaje, prácticamente igual a lo que se conoce como el vals criollo. En esta ocasión, la melodía presentada por Aguilar es igual de memorable a la primera, pero de un carácter más nostálgico, muy apropiado para el título del movimiento. También hay que 9 notar un logro realmente extraordinario y es que el compositor nunca sacrifica la expresividad de la melodía para darle prelación al virtuosismo o la técnica —ambas cualidades se complementan y nunca rivalizan, lo cual desemboca en un discurso sonoro delicioso que nunca cansa—. Por último, el tercer movimiento —un homenaje dedicado Al rey… Pelé— nos transporta a Brasil, con otra melodía igualmente memorable a las demás, pero esta vez apoyada en un ritmo conocido como choro, cuya traducción más aceptada es la de ‘pequeño lamento’ (Akombo, 2016). Fiel, sin embargo, al carácter brasilero, este ritmo es veloz y paradójicamente alegre, quizás para recordarnos a todos que no hay mejor manera de celebrar la vida que por medio de una música que nos invite a bailar para gozar de este breve paso por la tierra. Referencias Akombo, D. (2016). The Unity of Music and Dance in World Cultures. Jefferson: MacFarland & Company. Hall, P. (2011). Berg’s Wozzeck. Oxford: Oxford University Press. Ramírez, C. (2020). “Andrés Alén Rodríguez: claves de un arreglista”. CIDMUC Cubana. https://cidmucmusicacubana.wordpress. com/2020/10/07/andres-alen-rodriguez-claves-de-un-arreglista/ Torres, Rondy ed. (2017) Ester: ópera bíblica en tres actos. Bogotá: Ediciones Uniandes. Villafruela, M. (2022). “El saxofón en América Latina”. ALASAX. https:// www.saxofonlatino.cl/obras_detalle/273 Woodstra, C., Schrott, A. y Brennan, G. (2005). All Music Guide to Classical Music: The Definitive Guide to Classical Music. San Francisco: Backbeat Books. Tierney Sutton Band (Estados Unidos), jazz · Foto: Paul Ghezzo TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea

Foto: Edgar Fernando Parra Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 CARLOS MATEO PÁEZ (Colombia) guitarra Miércoles 7 de septiembre de 2022 · 7:00 p.m. Riohacha, Auditorio Romualdo Brito de la Institución Educativa Almirante Padilla PULEP: XPX665 Viernes 9 de septiembre de 2022 · 6:00 p.m. Valledupar, Auditorio de la Biblioteca Departamental Rafael Carrillo Lúquez PULEP: IVV442 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ACERCA DEL INTÉRPRETE Carlos Mateo Páez, guitarra Carlos Mateo es Maestro en Artes Musicales con énfasis en interpretación de guitarra acústica de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Inició sus estudios musicales en 2002 y desde entonces ha participado en distintos programas de formación musical en la Academia Luis A. Calvo, la Universidad Pedagógica Nacional y la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, donde obtuvo grado meritorio luego de estudiar bajo la instrucción de Guillermo Bocanegra Jiménez. A lo largo de su carrera ha realizado un amplio trabajo con músicas populares de raíz latinoamericana, consolidando así una propuesta solista dedicada a la difusión de este tipo de música para guitarra sola. Complementa su labor con la enseñanza de la guitarra enfocada a la interpretación de músicas folclóricas en ‘Raíces - Escuela de formación musical’ y con la participación en agrupaciones de música de cámara, popular y de fusión latinoamericana como Isatis Trío, Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana, Ancestral y Felipe Naranjo Cuarteto. Como intérprete, Carlos ha participado en colaboraciones con agrupaciones como Monsieur Periné, Entrama, y los músicos Juan ‘Chicoria’ Sánchez, Fer Romero, Felipe Naranjo, Hernando Moreno, Laura Chaparro, Manuel Acevedo y Carlos Calvache. Cuenta con destacadas participaciones en eventos nacionales e internacionales, como el XVII Festival Colombia al Parque (2018), el lanzamiento de la serie ‘Press Play at Home’ y ‘Re-Imagined at Home’ de los Recording Academy – GRAMMYs junto a Monsieur Periné & Nuevo Mundo Orquesta Latinoamericana (2021), la gira de lanzamiento del disco Nuevos aires de Felipe Naranjo en Argentina (2019), el II Festival Internacional del Charango Coyllurqui (2019), el IV Festival Internacional de Orquestas de Guitarras FIOGUI, en Cali (2019), el Encuentro de Charango Colombia-Bolivia (2019), el Festival Charangos al Puerto-Chile (2020), el Festival Cuerdas al Traste de la Universidad Central (2018), el Festival Foto: Edgar Fernando Parra 2 Sonamos Latinoamérica (Antioquia 2018 y 2021 y Chía 2018 y 2019), el XXXVI Festival de Música y Danzas Andinas El Camino del Indo, en Pasto (2018), el Festival Raíces Bogotá Andina (2018, 2019, 2020 y 2021), el Ciclo de Conciertos Universitarios del Auditorio Fabio Lozano, en la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2018 y 2019), y el Festival Uniquindío Guit-Art de la Universidad del Quindío (2017), donde ocupó el primer puesto en el I Concurso Nacional de Guitarra. Carlos fue seleccionado en el marco de la convocatoria 2020 de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Conozca más acerca de Carlos Mateo Páez Carlos Mateo Paez Carlos Mateo Paez @mateopaezpaez La realización de este concierto en Riohacha cuenta con el apoyo de La realización de este concierto en Valledupar cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA El plazo del ángel (1999) JUAN ANTONIO ‘CHICORIA’ SÁNCHEZ (n. 1965) Suite argentina No. 2 (1986) Un ayer no tan lejano (Tango-milonga) Ya está hecha la rosa (Zamba) Hermosa Iguazú (Polka litoraleña) Nieve, solo una poesía (Canción) Jack-arera (Chacarera trunca) ÓSCAR EMILIO ‘CACHO’ TIRAO (1941-2007) Preludio, son y allegro (1992) EDUARDO MARTÍN (n. 1956) INTERMEDIO El jardín de las delicias (2017) Preludio Como un paseo en el aire El coro del lago Festejo CAMILO GIRALDO ÁNGEL (n. 1978) Encuentro (2006) ROBERTO CALVO (n. 1962) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Jaramillo Hoy no escucharemos a Mauro Giuliani, a Johann Sebastian Bach ni a Fernando Sor; el bohemio Johann Kaspar Mertz tampoco estará y, para poder presenciar la obra de Joaquín Rodrigo o Heitor Villa-Lobos, habrá que esperar otra ocasión. Sin embargo, los compositores protagonistas de este concierto sí escucharon, estudiaron, analizaron e interpretaron a dichos personajes y obtuvieron de ellos el material que les permitiría, de alguna manera, crear un nuevo lenguaje. Con las piezas del programa de hoy se logra poner de manifiesto que la brecha antipática entre lo que se considera música ‘culta’ y música ‘popular’ —esa brecha que se ha impuesto en el mundo guitarrístico— se torna muy difusa y realmente innecesaria. Además, el repertorio de este recital logra entretejer una red entre todos los compositores, sus poéticas y sus contextos. Camilo Giraldo Ángel, aunque nacido en Colombia, estudió en Cuba, en donde se sitúa Eduardo Martín, quien, con el Encuentro de Guitarras Identidades, logró elevar a una nueva generación de músicos que mirarían hacia la música popular y tradicional de su país. Juan Antonio ‘Chicoria’ Sánchez se embarcó igualmente en la tarea de gestionar y coorganizar, en Chile, el encuentro Entrecuerdas, cuyos asistentes fueron testigos de una de las últimas presentaciones del argentino Óscar Emilio ‘Cacho’ Tirao. La Suite argentina No. 2 de este último compositor es una detallada radiografía del mapa musical de su país natal y utiliza ritmos mundialmente reconocidos como el tango, la milonga, la zamba y la chacarera, pero no se queda en el mainstream; incluye también a la no tan célebre polka litoraleña que, en su versión más natural, es interpretada con guitarra criolla, arpa y acordeón. Este último instrumento se introduce también en la cueca norteña, que escucharemos hoy gracias a Roberto Calvo de la mano de Carlos Mateo Páez. Juan Antonio Sánchez (n. 1965) —apodado ‘Chicoria’ desde muy pequeño, nos presenta El plazo del ángel (1999), una obra en un solo movimiento que, aunque se aleja de las sonoridades decimonónicas, sí evoca las canciones sin palabras de Felix Mendelssohn o de Johann Kaspar Mertz. Sánchez nació en Alemania, estuvo en Chile hasta los ocho años y, luego del golpe de Estado que sacudió al país austral, tuvo que trasladarse con su madre 5 y su padrastro a Argentina. El compositor describe sus inicios en la música de la siguiente manera: El aroma de cabritos al palo, el entrechocar de copas de vino tinto, las carcajadas, el cariño hospitalario y solidario de los argentinos, el dolor por el reciente golpe de estado en Chile y por la incierta suerte de tantos amigos, todo eso está en el aire. Se canta a Atahualpa Yupanqui, a Inti Illimani, a Zitarrosa. Eduardo Bejarano, con una voz rasgada cuya pasión hace que se le inflamen las venas del cuello, canta Gracias a la vida con un charango. A mis 8 años me acerco y doy el primer paso en esta vida de músico: «Enséñame eso». Así comienza mi historia como músico (Sánchez, 2013). Cuenta, asimismo, que en su juventud su mundo musical se vio permeado equitativamente por The Beatles, Cat Stevens, Johann Sebastian Bach, Jethro Tull, Antonio Vivaldi, ‘Chico’ Buarque y Carlos Gardel, entre muchos otros y que, si bien en su camino académico tenía como ‘deber’ analizar a Ludwig van Beethoven, a Claude Debussy y a Igor Stravinsky, su curiosidad lo llevó a él y a un grupo de compañeros a desmenuzar, de igual manera, a Rubén Blades, Frank Zappa y Paco de Lucía. Otra de sus grandes influencias fue la nueva trova cubana y especialmente su abanderado Silvio Rodríguez, a quien conoció personalmente, ya siendo adulto, pero cuya admiración se remontaba a sus doce años, cuando componía canciones en contra de las dictaduras chilena y argentina (Sánchez, 2013). Estos recorridos tienen una relación con instrumentos como el charango, la quena y la flauta; además, hacen que las composiciones de Chicoria sean como son: refrescantes, nacionales, latinoamericanas —a pesar de la problemática o ambigüedad que este último término pueda generar— y, sobre todo, cercanas… Cercanas a la gente, de Chile, de Argentina, de México, de Cuba, de Brasil, etc.; canciones que reconocen y en las que aún hoy en día podemos reconocernos. La vida de Óscar Emilio ‘Cacho’ Tirao (1941-2007) se vio marcada por dos tragedias: la muerte de su hijo y un accidente cerebrovascular que lo dejó en coma y le arrebataría parcialmente su relación con la guitarra; ambas las superó y la música fue un factor determinante para que esto fuera posible. Su pasado lo acompañó: las clases con su padre desde muy pequeño, su amistad con Astor Piazzolla y Paco de Lucía, el concierto que compuso por una sugerencia de Joaquín Rodrigo, los encuentros musicales con Joséphine Baker y Juan Carlos Baglietto... En fin, esto es poco para todo lo que el compositor dejó al público como intérprete de música ‘clásica’, académica y popular; como difusor de la cultura musical en Argentina; como compositor; como arreglista. 6 Su cercanía tanto a la música popular como a la académica lo erigen como uno de los compositores más representativos de música nacional argentina; sin embargo, su obra desafortunadamente no ha entrado aún al canon del repertorio guitarrístico a pesar de ser muy reconocido en su país. Su conocimiento y cariño por la música popular de lugares variopintos de la geografía, además de los instrumentos responsables de transmitirla, hace que sus composiciones sean tan complejas como orgánicas. El compositor no se conformó con la guitarra; estudió, interpretó y realizó varias composiciones para el banjo, el cavaquiño y el charango, además, incursionó de manera precoz en el jazz dixieland con el saxofón tenor y el clarinete. La Suite argentina No. 2 se encuentra registrada en el álbum La guitarra argentina, grabado en el año 2000, meses antes de su accidente. En ella, como se dijo antes, se dibuja un mapa musical argentino: el tango y la milonga platenses inician con un fuerte estamento rítmico; la zamba y la chacarera, ambas representan el noroeste del país, mostrando, cada una, lados contrastantes del espíritu argentino; la nostalgia, la añoranza, la melancolía, para la primera, y la tristeza burlona en el caso de la segunda, a la que humorísticamente llama Jack-arera. La polka hace su aparición como símbolo del litoral y la frontera con Paraguay que, a su vez, se erige como uno de los ritmos que dan cuenta de la herencia europea y el mestizaje que los géneros de baile del antiguo continente experimentaron con la llegada de su cultura a tierras americanas. Eduardo Martín (n. 1956) es un compositor cubano que, tal como lo ha hecho Leo Brouwer, ha dejado el nombre de la música latinoamericana para guitarra en lo más alto. Si bien sus composiciones no son ampliamente conocidas como las del creador del Elogio de la danza, la influencia de este en su obra es notable, tanto en sonoridad, como en concepción. Nunca me he propuesto estar a la moda, ni tampoco destacarme como paladín de tradiciones nacionales de un lugar o ámbito específico, solo he querido y quiero comunicarme a través de la música que es una de mis mayores pasiones. Como no tengo reparos en expresarme ilimitadamente, apelo al uso de herramientas diversas, coincidentes con un ideal sonoro formado a partir de las más disímiles culturas, estilos y pensamiento estético. La música latinoamericana, en su amplia gama de ritmos, géneros y estilos, ofrece una rica diversidad que aprovecho siempre que la necesito. La cultura cubana es fuente y reflejo esencial en mi música (Hernández, 2011). 7 Martín ha ganado varios concursos, no obstante, su posición se distancia bastante del espíritu de competición que muchas veces se cultiva en dichos contextos: Para mí, los reconocimientos públicos constituyen momentos de promoción, siempre los he visto como eso y nada más. El resultado de cualquier tipo de competencia artística está sujeto a valoraciones subjetivas y personales, en el arte la competencia es una falacia, porque una obra de arte no puede ser rival de otra (…) En el arte, las carreras son de larga distancia, no de velocidad, nadie llega primero ni último, porque las metas están siempre en el horizonte (Hernández, 2011). Su intención de alimentar el mundo musical y guitarrístico, específicamente en Cuba, se ha materializado con el Encuentro de Guitarras Identidades, además del espacio cultural En Confluencias, que desarrolló en la Casa del Alba Cultural y en donde se hace una labor de difusión cultural con conciertos conversados. Preludio, son y allegro es una obra que se impone, a su vez, como un encuentro entre la música cubana, el idiomatismo de la guitarra y la música de Johann Sebastian Bach, cuyo Preludio, fuga y allegro, BWV 998, presumiblemente para laúd, tiene un eco en la pieza de Martín. El Jardín de las delicias es una obra del colombiano Camilo Giraldo Ángel (n. 1978). Es compositor, docente e intérprete; integrante de múltiples proyectos artísticos en los que la búsqueda por las temáticas provenientes del folclore colombiano es inminente. Sea con el trío de guitarras TripTripTrip; con su colectivo audiovisual retroVISOR; con La quinta del lobo, proyecto interdisciplinario que amalgama las artes electrónicas, la danza y la música o en su faceta como solista, el compositor indaga en ritmos, instrumentos y relatos pertenecientes a las culturas indígena, africana y urbana de Colombia. Títulos como Chucuchucu, Aire de cumbia y Manguaré dan cuenta de la poética del compositor. No obstante, El Jardín de las delicias se aleja de alguna manera de esta poética, y se preocupa más por la exploración de un lenguaje idiomático de la guitarra, no por medio de pasajes exageradamente virtuosos, sino de sonoridades propias y orgánicas en el instrumento, que dan cuenta del título de cada movimiento: Como un paseo en el aire, El coro del lago y Festejo, que, sin tener un discurso enteramente programático, sí nos remiten de alguna forma al tríptico de El Bosco, además de llevarnos a un viaje y reconciliar géneros, aparentemente distantes y antagónicos, como el preludio, el choral, el paseo vallenato y el festejo peruano. 8 Para finalizar, la música argentina hace una nueva aparición con Encuentro, del compositor Roberto Calvo (n.1962), cuyo mundo musical se asemeja bastante al de Chicoria, de quien es contemporáneo. Una educación precoz y una influencia musical constante por parte de sus padres dieron como resultado una figura que conoce la guitarra como pocos, pues desde muy joven se desempeñó como profesor. La pieza que escucharemos hoy, si bien tiene una complejidad técnica importante, da cuenta de un entendimiento infinito de la geografía de la guitarra que hace que el reto manual de interpretarla devenga una experiencia reconfortante. En su página web, el compositor narra de manera muy acogedora su experiencia con la música y la guitarra. Esta narración logra sintetizar, de alguna forma, el espíritu de este concierto; a continuación, algunos fragmentos: Recuerdo, también, la afición de mi viejo por la música. Le gustaba cantar algún tanguito en los asados o reuniones y, siempre, orgulloso, presentaba al hijo que tocaba la guitarra (o sea, yo). Cosa que yo odiaba, sobre todo, cuando al minuto o minuto y medio de mi «brillante concierto», la gente se distraía y empezaban a conversar. Gajes del oficio (…) A los diecinueve años, ingresé en el Conservatorio Julián Aguirre, de Morón (…) En esa época, fue que empecé a tocar, además del repertorio clásico, bastante música popular. En realidad, desde hacía un tiempo, con unos amigos del barrio, tocábamos música cuyana, tangos y algo de bossa nova (…) A esa altura de los acontecimientos, transitaba paralelamente el camino de la música «popular» y la música «culta», disfrutando de ambas y sintiéndolas una misma cosa (Calvo, 2020). Referencias Calvo, R. (febrero de 2020). Página web de Roberto Calvo. Recuperado de http://www.robertocalvo.com/bio/ Hernández, H. (9 de marzo de 2011). Havana Times. Entrevista con el guitarrista Eduardo Martín. Recuperado de https://havanatimesenespanol. org/entrevistas/entrevista-con-el-guitarrista-eduardo-martin/ Sánchez, J. (16 de abril del 2013). El Guillatún. Comienzo de viaje. Recuperado de https://www.elguillatun.cl/columnas/cronicas-de-musica-latinoamericana/ comienzo-de-viaje 9 Sánchez, J. (22 de mayo del 2013). El Guillatún. Guitarra argentina. Recuperado de https://www.elguillatun.cl/columnas/cronicas-de-musica- latinoamericana/guitarra-argentina Vanegas, J. (octubre de 2021). Comunicación virtual con el intérprete. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica bajo la dirección de César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios Musicales de la Universidad Central, dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente participa continuamente con el Ensamble Barroco de Bogotá y es candidata al título de Doctora en Historia del Arte y Musicología del Departamento de Arte y Musicología de la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB) con una tesis sobre las intabulaciones para laúd del primer libro de Vincenzo Galilei. Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Tierney Sutton Band (Estados Unidos), jazz · Foto: Paul Ghezzo TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022