"Diego Alexander Patiño, eufonio Es uno de los referentes del eufonio colombiano. Ha participado en producciones discográficas como ‘Diegoeufo —concierto de grado del énfasis de jazz—, 10 obras para banda sinfónica’ (Banda Municipal de Manizales), ‘Metalurgia’ (Universidad de Caldas), ‘Pa ́l Viento’ (Ensamble Pa ́l Viento) y ‘Pachamama’ (Banda Sinfónica de la Universidad de Caldas). Ha sido seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes (Banco de la República), y ganador de los siguientes concursos: Jóvenes Talentos (Barranquijazz), V Concurso de Música de Cámara (Iberoacademy), II Concurso de Intérpretes Virtual (Organización de Eufonistas y Bombardinistas de España), Festival Nacional del Pasillo Colombiano, Festival Petronio Álvarez, II Concurso Nacional de Eufonios y Bombardinos, I Concurso de Solistas de la Universidad de Caldas, Festival del Pasillo Colombiano y el Premio a la Excelencia (Pa ́l Viento). Es integrante de la Banda Municipal de Manizales, el Ensamble de Metales de la Universidad de Caldas, el Ensamble de Tubas y Eufonios de la Universidad de Caldas, Makana, Ensamble Pa ́l Viento y Mulato Ensamble. Actualmente está culminando la carrera de Maestro en Música con énfasis en ‘Jazz ‘en la Universidad de Caldas y adelantando la producción discográdica ‘Diegoeufo’ con obras inéditas de compositores latinoamericanos, donde el bambuco, la quirpa, el mapalé, el porro, la música contemporánea y el ‘jazz’, entre otros, convierten la producción en una experiencia única. Daniel Uribe Llanos, piano Obtuvo el título de Magíster en Piano Performance de la Universidad Nacional de Costa Rica. Inició sus estudios en el Conservatorio de Música Pedro Morales Pino y luego ingresó a la Universidad del Valle donde recibió su diploma meritorio de Maestro en Música con énfasis en interpretación del piano. Fue finalista del III Concurso de Música Iberoamericana para Piano Luis Carlos Figueroa, becario del V Cartagena Festival Internacional de Música y del V Festival Internacional de Música de Cámara y Música para Piano de Mar del Plata, ganador del III Concurso Jóvenes Intérpretes de la Universidad del Valle, Jóvenes Intérpretes de la Orquesta Sinfónica de Caldas, Jóvenes Intérpretes del Banco de la República y American Fine Arts Festival AFAF. Ha sido pianista repetidor del coro del taller de ópera de la Universidad del Valle, de los coros adjuntos al plan departamental de música de Caldas, del Coro de Cámara EMUSA en Costa Rica y del Conservatorio del Tolima, donde también fue docente. Asimismo, ha sido profesor asociado de la Universidad Nacional de Costa Rica. Actualmente es integrante del Trío Monet, con el cual ha hecho conciertos y grabaciones en Centroamérica, y es pianista acompañante y profesor de piano de la Universidad de Caldas. Andrés Santiago López, guitarra Heredó de su padre el gusto por la música. Él fue su primer maestro de guitarra y con quien dirige la Corporación Cultural Cameloc en Viterbo, Caldas. El nombre de la corporación es el acróstico de Cantos y Melodías Celestiales, también conocida como El Cielo de la Música, lugar donde la historia y el rescate cultural de la región prevalecen y enriquecen la esencia musical del país. Actualmente es estudiante del Programa de Música con énfasis en guitarra clásica de la Universidad de Caldas, bajo la tutoría de Carlos Eduardo López. Es integrante de la agrupación Nabu con la cual está preparando su segunda producción discográfica. Daniel Herrera, bajo Es uno de los bajistas más solicitados de la escena del jazz y la música latina del Eje Cafetero. Su versatilidad para interpretar el bajo y el contrabajo, además de su potencial como compositor, lo han llevado a compartir escenario con grandes artistas nacionales e internacionales como Antonio Arnedo, Gileno Santana, Miguel Jah Lous, Gabriel Guerrero, Sam Farley y Kelly Green, entre otros. Daniel inició sus estudios en la Escuela de Música Comarca con la Banda Sinfónica de Apía, Risaralda. Actualmente cursa la carrera de música con énfasis en 'jazz' en la Universidad de Caldas. "

Foto: Jhon Álvarez Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 ANDRÉS FELIPE ÚSUGA (Colombia) piano Jueves 26 de mayo de 2022 · 7:00 p.m. Manizales, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: MRS514 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ACERCA DEL INTÉRPRETE Andrés Felipe Úsuga, piano Recibió las primeras nociones de música de su padre. En 2007 ingresó al Programa de Música en los cursos de extensión de la Universidad de Antioquia, con Jairo García; en 2013 continuó en el Preparatorio de Música, bajo la dirección de Ana María Orduz; y, al año siguiente, comenzó estudios de pregrado en Música en la misma institución, donde obtuvo su título de Maestro en piano en 2019. Fue el ganador del primer lugar en la quinta versión del Concurso Jóvenes Solistas ‘Homenaje a Johann Sebastian Bach’, organizado por el Departamento de Música de la Universidad de Antioquia; del primer lugar en el Festival- Concurso Pianissimo 2018 en la categoría Jóvenes Intérpretes; del segundo lugar en el concurso de solistas organizado por la Orquesta de Estudiantes de la Universidad de Antioquia 2017; del tercer puesto en el Concurso Internacional de Piano Federico Chopin, en Lima, Perú; del tercer lugar en el Concurso de Piano Teatro Colón 2018, y fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República. Foto: Jhon Álvarez 2 Andrés Felipe asistió como becario de la Fundación Salvi a las ediciones X y XII del Festival Internacional de Música de Cartagena, al I Festival Federico Chopin 2016, y a la primera y tercera ediciones del Piano Festival of the Americas (2015 y 2017) llevado a cabo en la Universidad de Iowa, en Estados Unidos. Además, se ha presentado como solista en el Teatro Universitario Camilo Torres; en la temporada ‘Lunes de piano’, del Pequeño Teatro de Medellín; en la temporada ‘Martes pianissimo’, de la Cámara de Comercio; en el Centro Cultural de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia; en la temporada ‘Encuentros con el piano’, realizada en la Universidad Pontificia Bolivariana, y en el Museo Juan del Corral, en Santa Fe de Antioquia. En los festivales a los que ha asistido, Úsuga ha tenido la oportunidad de participar en clases magistrales con Uriel Tsachor (Israel), Mauricio Vallina (Cuba), Rebecca Penneys (Estados Unidos), Blanca Uribe (Colombia), Réne Lecuona (Estados Unidos), John Milbauer (Estados Unidos), Thomas Hoppe (Alemania), Teresita Gómez (Colombia) y Aaron Pilsan (Austria). 3 PROGRAMA Imágenes I, L. 105 (1904-1905) I. Reflets dans l’eau II. Hommage à Rameau III. Mouvement CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para teclado en fa mayor, K. 332 (1783) Allegro Adagio Allegro assai WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) INTERMEDIO Suite Colombia (s. f.) Bambuco Caña Danza Guabina Polka Pasillo-Fuga GERMÁN DARÍO PÉREZ (n. 1968) Après une lecture de Dante de Años de peregrinaje II, S. 161 (1838-1861) FRANZ LISZT (1811-1886) 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Jaramillo Los compositores que escucharemos hoy son revolucionarios, y por muchos motivos. En su obra se crea la posibilidad de una nueva lectura, una ventana hacia el futuro, pero sobre todo, porque ese futuro está siempre, de una u otra manera, comulgando con el pasado, homenajeándolo, interpretándolo, recreándolo, e incluso, criticándolo. Sus piezas trazan hilos —muchas veces imperceptibles— de diálogos imaginados, de convivencias hasta entonces imposibles, impensables, inauditas, inaceptables para la academia. En su música no caben las categorías cerradas porque, en esta, la tradición es una semilla con infinitas posibilidades y no una cerca que acorrala a quienes nacen allí. Claude Debussy, Wolfgang Amadeus Mozart, Germán Darío Pérez y Franz Liszt serán hoy nuestros guías en estas sutiles revoluciones. Le musicien français Estoy cada vez más convencido de que por su naturaleza misma la música es algo que no puede ajustarse a una forma tradicional y fija. Está formada por colores y ritmos. El resto es un montón de basura inventada por imbéciles frígidos que cabalgan aferrados a las espaldas de los Maestros, quienes, en general, compusieron casi exclusivamente música de época. Solamente Bach tenía cierta idea de la verdad (Debussy en Schoenberg, p. 196). Estas palabras certeras, irredentas, rebeldes y, si se puede decir, subversivas, no reflejan solamente la posición de Claude Debussy (1862-1918) frente a la música, sino también frente a la vida; ese es un espíritu, el de un transgresor que nunca se conformó con lo que estaba, al parecer, escrito en piedra. Nunca reverenció a un maestro, ni del presente, ni del pasado; siempre los vio como iguales e, incluso, como inferiores y su respuesta favorita frente a cuáles eran sus reglas era: mon plaisir (lo que a mí me place) (Schoenberg, p. 193). Y así fue su vida, nunca predecible, nunca sujeta a convenciones, siempre desafiante y con la intención de borrar todas las áreas irracionalmente tradicionales, todos los atisbos de doctrinas academicistas que había encontrado a lo largo de su educación en el Conservatorio de París en donde, sin embargo, fue constantemente premiado por su buen desempeño. 5 Tildado, incluso hoy, de ‘impresionista’, aborrecía el término y su asociación con el mismo. Se identificaba mucho más con los poetas simbolistas y admiraba al pintor inglés J. W. M. Turner: Lo que estoy intentando hacer es algo distinto, un efecto de realidad, y no lo que algunos tontos llaman impresionismo, un término por lo general mal utilizado, sobre todo por los críticos que no vacilan en aplicarlo a Turner, el más grande creador de efectos misteriosos en todo el mundo del arte. (Schoenberg, p. 205). Snow Storm: Steam-Boat off a Harbour’s Mouth (1842)1 J. M. W. Turner Las Imágenes fueron terminadas y publicadas en 1905. Hoy escucharemos las tres que hacen parte de su primera serie. A pesar de querer alejarse de la música de programa2, como alguna vez escribió: «Siento desprecio por la música que tiene que atenerse a un fragmento literario, que con mucho cuidado le entregan a uno antes de que ingrese en la sala» (Debussy en Schoenberg, p. 204), Debussy continúa la tradición francesa que, desde el siglo xvi, buscaba expresar, por medio de la música, ideas, conceptos, objetos, personajes, emociones, sucesos, historias, entre otros; no obstante, ahora en clave simbolista, siempre sugiriendo, nunca evocando algo inmediato o evidente, nunca presentando una guía clara sobre qué se debe esperar. Este ‘musicien français’, como se autodenominaba, simplemente dibujó construcciones sonoras que nos invitan a ser testigos de principio a fin para 1 Imagen tomada de https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Joseph_Mallord_William_ Turner_-_Snow_Storm_-_Steam-Boat_off_a_Harbour%27s_Mouth_-_WGA23178.jpg 2 Música que basa su discurso en elementos extramusicales. 6 crear ‘impresiones’ sobre algunos ‘reflejos en el mar’, sobre uno de los maestros franceses de la música para tecla, Jean-Philippe Rameau, e incluso sobre uno de los conceptos más abstractos y subjetivos de esta colección, el ‘movimiento’. Su confianza en esta terna maravillosa no la escondió, y así se lo hizo saber a su editor: «Alejándome de la falsa vanidad, pienso que estas tres piezas funcionan muy bien y se tomarán su lugar en la literatura para piano […] a la izquierda de Schumann o a la derecha de Chopin… como prefieras» (Thoillier, 1997). Konstanze, dich mein Glück!3 ¡Aquí, pues, he de verte, Constanza, amor mío!4. Así inicia El rapto en el Serrallo, un signspiel que Mozart compuso en 1782. Aquí, Belfonte le expresa su amor a Konstanze, su prometida; o, podríamos decir, es el propio Wolfgang declarándose a Constanze Weber, la que sería su esposa luego de un romance que, si bien careció del clásico amor a primera vista, se transformó en una de las historias de amor más lindas en la historia de la música. Acá comenzaría un fugaz periodo de júbilo ininterrumpido en Austria, un momento de luz en la vida profesional, personal y económica del compositor. La felicidad, que no podría ser mayor, tendría su pico con el nacimiento de su primogénito, Raimund Leopold, que nacería en junio de 1783. Las siguientes líneas transmiten el gozo inconmensurable que el nuevo padre sintió con el nacimiento de su hijo: Felicitaciones, padre ¡eres abuelo! Ayer, a las 6:30 de la mañana, mi querida esposa dio a luz exitosamente a un bebé, grande, fuerte y redondo como una pelota. El pequeño Raimund es tan parecido a mí que todo el mundo lo menciona inmediatamente. Es como si hubiesen copiado mi cara. Mi querida esposa está absolutamente encantada, pues esto es lo que siempre había querido (Grabsky, 2006)5. Pero la dicha tuvo un final nefasto. Estando Constanze y su esposo en Salzburgo, visitando a Leopold y Nanerl, padre y hermana de Wolfgang, recibieron la noticia de que el pequeño Raimund había muerto, tan solo un 3 Konstanze ¡amor mío! 4 Hier soll ich dich denn sehen/Konstanze, dich mein Glück! (Traducción tomada de: http:// kareol.es/obras/elraptoenelserrallo/acto1.htm) 5 “Congratulations father, you are a grandpapa! Yesterday in the morning at 6:30 my dear wife successfully delivered a large, strong and round-as-a-ball baby boy (…) Little Raimond is so like me that everyone immediately remarks on it; it’s just as if my face has been copied. My dear little wife is absolutely delighted, as this is what she have always desired.” (Traducción al español de Daniela Peña Jaramillo). 7 par de meses después de su nacimiento. Aunque era algo relativamente común en el siglo xviii, aceptar la muerte de un hijo, la interrupción de esa felicidad con que el compositor se vestía cada vez que escribía acerca de su paternidad, nunca ha sido tarea sencilla. La Sonata para teclado en fa mayor, K. 332 fue compuesta en este contexto, en el de una muerte que fumigó un periodo de gloria en la vida de Mozart y ha de ser escuchada de esa manera. Al igual que la K. 333, esta sonata es mucho más que piezas difíciles para piano, son el medio por el que su creador expresó su dolor, son una forma estandarizada que pretende aplacar un sufrimiento o, si se quiere, acompañarlo. Las mil formas del bambuco Nuestro siguiente protagonista es Germán Darío Pérez (n. 1968), compositor colombiano que entabló un diálogo muy íntimo con los géneros andinos desde muy temprana edad, en un entorno familiar acompañado de guitarras, tiples, bambucos, pasillos y guabinas. Como sucesor del camino que Oriol Rangel dejó abierto, habiendo sido alumno de Ruth Marulanda y haciendo eco al espíritu debussyano, Pérez se declara a sí mimo transgresor de la tradición. No se conforma con repetir las formas de sus predecesores, sino que pretende dar cuenta propia de su relación con los géneros andinos, con la música académica europea y con músicas populares de otras regiones de Latinoamérica. Sin embargo, a diferencia de Dubussy que despreciaba abiertamente la tradición, entre muchas otras cosas, el compositor colombiano decidió escuchar todo lo que esta tiene para decirle, bien sea desde el lado de las músicas populares de los Andes colombianos o por su formación en el Conservatorio Nacional en donde estudió a compositores como Bach, Mozart, Beethoven, Debussy y Liszt. Pérez optó por acoger los consejos de estos personajes y, de esta manera, tender un puente que ya había sido construido, aunque tímidamente. Sin temor a las críticas que desde lo lejos y con voz burlona se preguntan si alguna vez Germán Darío Pérez llegará a componer bambucos de verdad, y no ‘esas cosas raras’ que él suele hacer6 con ese género que no tiene una sola forma sino infinitas posibilidades, hoy escucharemos una obra de grandísimas dimensiones. La Suite Colombia dialoga con Bach, no solo por darle voz a las diferentes danzas que alguna vez decoraron las quintas que formaban el paisaje andino, sino por adoptar también formas como la fuga y emparejarlas con un 6 Para mayor información acerca de Germán Darío Pérez y su obra, ver https://www.youtube.com/ watch?v=b42WdnFUwzM 8 pasillo. Dialoga igualmente con ese apático musicien française que le sugirió silenciosamente armonías, arpegios y melodías propias de finales del siglo xix, y recibe indicaciones del ‘Gran viejo’ de la música, de Franz Liszt, ese abad ecléctico que nunca vio los límites del piano y lo trató como una orquesta. Weihekuss Franz Liszt (1811-886) es un personaje enigmático, algunas veces incómodo, amado y despreciado, célebre como pocos, polémico, virtuoso, lleno de contrastes y contradicciones. ¿Quién más podría responder a estos calificativos? Cualquier estrella de rock como Elvis Presley, Jimmy Hendrix, Janis Joplin, Keith Moon, Jim Morrison; todos ellos tienen un origen lejano: una celebridad que puso su excentricidad por delante de todo; que se debía exclusivamente a su público y cuya popularidad se podría cuantificar en número de desmayos. Pero, más allá de esa fachada de charlatán, Liszt fue un personaje que usó su carácter contradictorio para unir elementos aparentemente desligados, como si en él hubiera reencarnado el espíritu del Barroco en clave romántica. Miraba hacia las formas clásicas como la sonata y la sinfonía, y las vestía de una libertad que se refugiaba en un romance con la palabra escrita; nunca dejó de apreciar la compañía de las mujeres, incluso luego de ser ordenado abad; revivió el concepto del Sturm und Drang (Tormenta e ímpetu)7 y, aunque podía inventar sonidos como nunca nadie había creado en el piano, homenajeaba igualmente a los maestros del pasado, los releía, los recreaba, les daba nueva vida. Ese personaje que diseñó su firma a partir de lo que aprendió de Hector Berlioz; Frédéric Chopin y Niccolò Paganini. Ese personaje de presencia silenciosa y, al mismo tiempo, alborotada, dejó un gran legado y fue apreciado por sus contemporáneos y sus sucesores. Béla Bartók, algunos años después dijo: […] aunque no rompió del todo con la tradición, Liszt creó muchas cosas nuevas […] la primera comprensión perfecta de la forma de la sonata cíclica, con temas comunes tratados a partir de los principios de variación […] De ahí proviene su propio pathos exageradamente retórico [del siglo romántico], y sin duda ello explica también las concesiones que hace al público, incluso en sus mejores obras. Pero quien concentra la atención en esos defectos – y todavía hay amantes de la música que proceden de ese modo – no percibe lo que ellos ocultan (Schoenberg, p. 261). 7 Movimiento literario desarrollado en Alemania durante la segunda mitad del siglo XVIII, y que tuvo también manifestaciones en la música y las artes visuales. 9 La leyenda del Weihekuss, el beso de consagración, es uno de los tantos lazos que unieron a Franz Liszt con Ludwig van Beethoven. En esta se dice que Liszt, de once años, de la mano de su maestro Carl Czerny recibió, a manera de felicitación, un beso del veterano, que en ese entonces tendría 53 años. Los expertos no dan mucha credibilidad a este relato, pero es un lindo relato fundacional de lo que sería una relación inmortal que, además de las transcripciones que hizo el húngaro de las sinfonías del genio de Bonn y del monumento que erigió en su honor, está un guiño a una de las sonatas más conocidas del compositor. La fantasía ‘quasi sonata’ Aprés un lecture du Dante, que pertenece al segundo año de los Annés de pèlerinage (Años de peregrinaje) y que Liszt publicó en 1856, está seguramente homenajeando a la Sonata para piano, Op. 27, No. 2, titulada Sonata, quasi una fantasia, dedicada a la Condesa Giulietta Giucciardi y actualmente conocida como la sonata Claro de luna. Esta pieza hace parte de su paso por Italia, junto con Marie d’Agoult, madre de su hija Cosima, y consta de una traducción sonora de su lectura de la Divina comedia de Dante Alighieri. Y así como este fue guiado por Virgilio y Beatriz a los diferentes círculos de la muerte, Liszt ofrece al oyente un guía, también inesperado mas no improbable, una voz que se repetirá una y otra vez a lo largo de la pieza, ese que fuera alguna vez el diabulus in musica que fue prohibido y desterrado: el tritono. Bibliografía Schoenberg, H. C. (2004). Los Grandes Compositores (I) De Claudio Monteverdi a Hugo Wolf. Barcelona: Ediciones Robinbook. Seventh Art Productions – Phil Grabsky. (2006). In search of Mozart. Thiollier, F. 1997. Claude Debussy: Piano Works, Vol. 3. HNH International Ltd. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica bajo la dirección de César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios Musicales de la Universidad Central, dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente participa continuamente con el Ensamble Barroco de Bogotá y es candidata al título de Doctora en Historia del Arte y Musicología del Departamento de Arte y Musicología de la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB) con una tesis sobre las intabulaciones para laúd del primer libro de Vincenzo Galilei. Betty Garcés, soprano (Colombia) · Foto. Cristóbal de la Cuadra TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical

"Recibió las primeras nociones de música de su padre. En 2007 ingresó al Programa de Música en los cursos de extensión de la Universidad de Antioquia, con Jairo García; en 2013 continuó en el Preparatorio de Música, bajo la dirección de Ana María Orduz; y, al año siguiente, comenzó estudios de pregrado en Música en la misma institución, donde obtuvo su título de Maestro en piano en 2019. Fue el ganador del primer lugar en la quinta versión del Concurso Jóvenes Solistas ‘Homenaje a Johann Sebastian Bach’, organizado por el Departamento de Música de la Universidad de Antioquia; del primer lugar en el Festival- Concurso Pianissimo 2018 en la categoría Jóvenes Intérpretes; del segundo lugar en el concurso de solistas organizado por la Orquesta de Estudiantes de la Universidad de Antioquia 2017; del tercer puesto en el Concurso Internacional de Piano Federico Chopin, en Lima, Perú; del tercer lugar en el Concurso de Piano Teatro Colón 2018, y fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes 2020 del Banco de la República. Andrés Felipe asistió como becario de la Fundación Salvi a las ediciones X y XII del Festival Internacional de Música de Cartagena, al I Festival Federico Chopin 2016, y a la primera y tercera ediciones del Piano Festival of the Americas (2015 y 2017) llevado a cabo en la Universidad de Iowa, en Estados Unidos. Además, se ha presentado como solista en el Teatro Universitario Camilo Torres; en la temporada ‘Lunes de piano’, del Pequeño Teatro de Medellín; en la temporada ‘Martes pianissimo’, de la Cámara de Comercio; en el Centro Cultural de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia; en la temporada ‘Encuentros con el piano’, realizada en la Universidad Pontificia Bolivariana, y en el Museo Juan del Corral, en Santa Fe de Antioquia. En los festivales a los que ha asistido, Úsuga ha tenido la oportunidad de participar en clases magistrales con Uriel Tsachor (Israel), Mauricio Vallina (Cuba), Rebecca Penneys (Estados Unidos), Blanca Uribe (Colombia), Réne Lecuona (Estados Unidos), John Milbauer (Estados Unidos), Thomas Hoppe (Alemania), Teresita Gómez (Colombia) y Aaron Pilsan (Austria). "

Foto: Mariangela Quiroga Cantillo Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 SANTIAGO OVIEDO REINA (Colombia) clarinete Jueves 26 de mayo de 2022 · 7:00 p.m. Popayán, Templo San José PULEP: MOS967 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ACERCA DEL INTÉRPRETE SANTIAGO OVIEDO REINA, clarinete Nació en Ibagué en 1995. Es clarinetista egresado de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudió bajo la tutela de Robert John de Gennaro. En 2006 inició sus estudios musicales de clarinete en el Conservatorio de Ibagué Amina Melendro de Pulecio, bajo la tutela de Carlos Arturo Fernández Colmenares. En 2007 ingresó a la Banda Sinfónica del Conservatorio de Ibagué dirigida por Germán Camacho Serrano, y dos años más tarde obtuvo el premio a mejor instrumentista en maderas en el Festival Nacional de Bandas Infantiles, en Villamaría, Caldas. En 2011 participó en el IX Festival de Jóvenes Clarinetistas Venezolanos en Caracas y, posteriormente, en la residencia artística de la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia, actuando como concertino durante ese año. En 2012 obtuvo el premio a mejor instrumentista en el marco del XIX Concurso Nacional de Bandas en Anapoima, Cundinamarca, e igualmente participó en el III Festival Internacional de Clarinete y en el Concurso Nacional de Clarinete ClariBogotá, donde obtuvo el primer puesto en la categoría juvenil. Dos años más tarde fue ganador del concurso Jóvenes Solistas realizado por la Orquesta Filarmónica de Cali y, en 2015, fue nombrado clarinete concertino de la Banda Sinfónica de Cundinamarca. Actuó con la Filarmónica Joven de Colombia en la temporada 2018, bajo la batuta de Juan Pablo Valencia, Andrew Gourlay, Paolo Bortolameolli y Rafael Payare. En 2019 ganó el Concurso de Jóvenes Solistas del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Santiago ha recibido clases con Yehuda Gilad, Valdemar Rodríguez, Ranieri Chacón, Marcelo González, Carlos Céspedes, Antonio Saiote, Radovan Cavallin, Rafael Damián Álvarez, Andrés Ramírez, Michel Arrignon, Romain Guyot y Mariafrancesca Latella, y ha actuado con la Banda Sinfónica y la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia, la Banda Foto: Mariangela Quiroga Cantillo 2 Sinfónica de Cundinamarca, la Orquesta Sinfónica Carmiña Gallo, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Filarmónica Joven de Colombia y Terranova Ensamble, agrupación dirigida por Francisco Javier ‘Pacho’ Casas. Actualmente, Santiago recibe clases con Edgar David López, clarinetista de Hangzhou Philharmonic Orchestra (China). 3 Raúl Mesa, piano Es profesor asociado de la Universidad Nacional de Colombia sede Bogotá, donde se desempeña como docente de piano y pianista colaborador. Ha sido coordinador del área de piano y de acompañamiento y director asistente de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música de la misma institución. Como músico de cámara es fundador e integrante del Dúo Rachmaninoff, Dúo Debussy y Trío Bartók. Con dichos ensambles ha participado en festivales internacionales en Colombia, Venezuela, Costa Rica y Estados Unidos. Con el Dúo Debussy grabó el álbum Contrastes. Ha actuado como solista bajo la batuta de su padre, Fabio Mesa, con la Banda Sinfónica de Vientos de Boyacá. También ha sido solista y músico de cámara con la Bogotá Chamber Orchestra. Ganó el primer premio en el Concurso Nacional de Piano de Bucaramanga en 2003 y al año siguiente representó a Colombia en el Festival Internacional de Piano de la Universidad Industrial de Santander y tocó como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Obtuvo su título de Magíster en Música de Duquesne University en Pittsburgh (EE. UU.) donde estudió con David Allen Wehr y Natasha Snitkovsky. Culminó sus estudios de Maestría en Dirección Sinfónica en la Universidad Nacional de Colombia bajo la guía de Guerassim Voronkov. Es Licenciado en Música de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia. Ha dirigido la Orquesta Juvenil de la Fundación Unimúsica, la Orquesta Sinfónica de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas, la Orquesta Sinfónica del Conservatorio del Tolima y la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. Recientemente ha actuado como solista y director invitado de la Banda Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia. Foto: Andrea López La realización de este concierto cuenta con el apoyo de 4 PROGRAMA Sonata para clarinete y piano en mi bemol mayor de Dos sonatas, Op. 120 No. 2 (1894) Allegro amabile Allegro appassionato Andante con moto JOHANNES BRAHMS (1833-1897) Clair, dos piezas para clarinete solo (1980) FRANCO DONATONI (1927-2000) INTERMEDIO Fantasía de concierto sobre temas de ‘La Traviata’, Op. 45 (s. f.) DONATO LOVREGLIO (1841-1907) Para clarinete y piano Tema con variaciones (1974) Tema Larghetto Misterioso Presto Moderato Adagio Tempo di calza Cadenza Prestissimo JEAN FRANÇAIX (1912-1977) Para clarinete y piano 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Alexander Klein Quizás la mejor manera de resumir lo que se siente ser artista es repetir una frase que todavía es bastante conocida: «El artista muere para vivir». Dicho en otras palabras, toda persona que se dedica al arte lo hace no por intereses pecuniarios, sino porque su amor al arte es tan grande que está dispuesta a arriesgar, y no pocas veces a sacrificar, varias de las necesidades de la vida. En este orden de ideas, es claro que para el artista la posteridad es más importante que el presente, puesto que su objetivo principal es crear y dejar una obra que trascienda su existencia física. Después de todo, la obra es un pedazo de vida que se congela para la posteridad —un testigo, sonoro o silencioso, de una época y una existencia ya perdidas y apagadas por el paso inevitable del tiempo—. Por este motivo, el artista es un ser especial, un ser distinto: una persona, en suma, que muchas veces sacrifica su presente porque su necesidad de expresarse, y su necesidad de perpetuar su existencia, sobrepasa cualquier otra aspiración que pueda tener. De ahí que la muerte sea, para el artista, no el fin, sino el inicio de otra vida —una más larga y, en ocasiones, una que alcanza el sueño de la inmortalidad—. Pues bien, el concierto de hoy contiene cuatro muestras de esos seres que dedicaron sus vidas a la creación de obras de arte, pedazos de existencia que hoy nos hablan por medio del clarinete, junto con un portavoz esencial: el intérprete. En este sentido, podemos considerar al instrumentista como ese intermediario que descongela los mensajes legados por los compositores para transmitirlos en el presente de la manera más fidedigna y sincera posible. El primero de estos mensajes, de estos pedazos de vida, es la Sonata para clarinete y piano en mi bemol mayor de Dos sonatas, Op. 120 No. 2 de Johannes Brahms (1833-1897). Alemán de nacimiento, y formado por un padre músico, Brahms vivió a cabalidad la vida del artista consumado: a los nueve años ya se había ensayado como compositor e intérprete de diversos instrumentos, mientras que en su adolescencia logró publicar sus primeras obras. Resuelto a dedicar su vida a la música, Brahms rehusó casarse, no por falta de amor, sino por la convicción de que un matrimonio no era compatible con su propósito de vida. Asimismo, el compositor abandonó varios puestos 6 de trabajo como director de coros y orquesta, dado que dichas labores lo alejaban de la que era su prioridad número uno: crear para la posteridad. Fiel a este objetivo, Brahms incluso se mostró indiferente cuando la prestigiosa University of Cambridge le ofreció un diploma honorario, bajo la condición de que el compositor viajara a Inglaterra a recibirlo. Después de todo, un grado académico y el prestigio social que carga no significaba nada para una persona cuya vida era su obra. Dicho lo anterior, la Sonata para clarinete y piano en mi bemol mayor también sobrevive como un testigo de esa necesidad que impulsaba a Brahms para vivir y morir creando. En 1890, cuando ya contaba con más de cien obras a su nombre, Brahms anunció a sus allegados que se retiraría de la composición para vivir una vejez tranquila. Este anuncio, sin embargo, pronto se esfumó cuando fue invitado a asistir a un concierto del famoso clarinetista Richard Mühlfeld (1856–1907). Dado que a finales del siglo xix el repertorio para clarinete solista todavía era escaso, el color del instrumento llamó mucho la atención de Brahms, y el compositor interrumpió su jubilación para escribir varias obras para el instrumento. Sin saberlo, estas composiciones serían algunas de las últimas que escribiría en su vida. Así, la música de la Sonata para clarinete y piano en mi bemol mayor es un perfecto reflejo de la vida de un creador que ya llegaba al ocaso de una existencia fructífera. El primer movimiento, marcado como Allegro amabile (alegre y amable), presenta dos melodías afables, apoyadas sobre un acompañamiento tranquilo. Si bien el segundo movimiento, marcado como Appassionato (apasionado), contiene tonos más oscuros y dramáticos, en ningún momento la disonancia se apodera del discurso musical. Todo lo contrario: estamos ante un compositor, un ser humano anciano que ya no se atreve a aventurarse por caminos desconocidos. Por este motivo, el último movimiento de la obra tampoco es osado en su discurso: Brahms nos presenta un alegre tema con variaciones que, si bien tiene momentos de contraste dramático, en últimas resuelve en un acorde mayor que disipa cualquier tensión. Pocos años después de completada esta sonata, el compositor moriría rodeado de elogios y, más importante, de una obra magistral para la época. Nada más gratificante que morir sabiendo que se vivió como se quería vivir. Acto seguido, tenemos en el programa un ejemplo de otro artista consumado, cuya vida perdura hoy a través de una nutrida y variada obra musical. Se trata del compositor italiano Franco Donatoni (1927-2000), quien compuso Clair, en 1980, dos piezas para clarinete que se han convertido en un repertorio obligado para muchos clarinetistas alrededor del mundo. 7 Aunque Donatoni, a diferencia de muchos compositores clásicos y románticos, no fue para nada un niño prodigio, su ética de trabajo y su disciplina se granjearon la admiración de decenas de estudiantes, entre quienes figura el famoso director de orquesta Esa-Pekka Salonen. También consciente de la misión creativa que guiaba su existencia, Donatoni insistió en que el lema del artista, a la manera de un artesano, debía ser «trabajar y trabajar, siempre trabajar» (LA Philharmonic, 2006). Acorde con estas palabras, Donatoni creía que la inspiración no era tan importante como la disciplina del trabajo, perspectiva racionalista que es evidente en toda su obra. Así las cosas, las dos piezas de Clair pueden describirse como un tratado de técnica para el clarinete, música en la cual el cerebro y la destreza del intérprete priman sobre la expresión de emociones. Puede decirse, incluso, que en la obra están presentes prácticamente todas las técnicas posibles para el instrumento: hay veloces glissandi (deslices) que se mezclan con una serie continua de acordes y escalas para no dejar descanso alguno al intérprete. En este sentido, la obra resulta ser, como siempre, un fiel reflejo de su creador: la música, meticulosa y compleja, nos revela al mismo hombre que vivía y trabajaba de la misma manera. En contraste, la siguiente obra del programa es menos cerebral y más emocional, aunque no por ello fácil de interpretar. Como su propio nombre lo indica, la Fantasía de concierto sobre temas de ‘La Traviata’, Op. 45 del compositor Donato Lovreglio (1841-1907), es una obra inspirada en las melodías de la ópera del mismo nombre, drama famoso cuya trama gira en torno a una mujer que se pierde en los peligros del libertinaje. Es importante notar que las obras musicales basadas en temas de óperas italianas eran percibidas en su época de mayor auge (el siglo xix) como un punto medio entre la música de corte académico y la música de corte popular. A este respecto, hay que recordar que la ópera, en dicha época, era un medio de entretenimiento masivo, muy frecuentado por las clases populares en Italia y mucho más frecuentado en América Latina —más en aquel entonces que hoy, y a sabiendas de que la ópera, en países como Colombia, nunca adquirió la popularidad que tenía en Italia—. Gracias a esta conexión entre la música y el teatro, las fantasías sobre temas de óperas eran una manera de revivir las emociones presentadas en el drama, a lo cual se sumaba una oportunidad para que el instrumentista se luciera como solista por medio de melodías que se tarareaban en la calle y en las casas de familia. En el caso específico de Lovreglio y su Fantasía de concierto sobre temas de ‘La Traviata’, el compositor se cuida de incluir todas las melodías relevantes de 8 la ópera, así como suntuosos adornos melódicos que no fallan en impresionar por la destreza técnica que es necesaria para interpretarlos bien. Como dato relevante, fantasías como esta, también sobre temas de ópera, conformaron el repertorio dominante de la primera Academia Nacional de Música que se fundó en Colombia, en 1882. Dado que la música de corte alemán se cultivaba muy poco en el país, y dado además que en la planta de profesores y en el Consejo Directivo de dicha academia figuraban músicos como los italianos Dario D’Achiardi y Oreste Sindici (este último, cantante de ópera y compositor del Himno Nacional de Colombia), todo el repertorio operático fue de obligado estudio para los alumnos de aquellos años. De nuevo, la música, como testigo de épocas y vidas pasadas, nos ayuda a revivirlas. Para terminar, el Tema con variaciones, para clarinete y piano, del compositor francés Jean Françaix (1912-1997) es otra obra que nos remonta a los salones de clase y a los conciertos académicos. Criado en una familia de músicos, Françaix fue un verdadero niño prodigio, pues sus primeras obras como compositor aparecieron cuando él apenas contaba con seis años. Admirado profundamente por titanes de la música francesa como Maurice Ravel, Jean Françaix compuso obra tras obra hasta el final de sus días, conformando un catálogo que supera las doscientas composiciones. Si bien la metodología de Françaix, similar a la de Donatoni, estaba enfocada en la rutina, la disciplina y en el conocimiento de los esquemas formales de la música, el compositor confesaba que para él era fundamental divertir al público, objetivo que estaba acompañado con un sentido de humor y con la necesidad de presentarle grandes retos técnicos a los instrumentistas. «Por fortuna [decía el compositor], los clarinetistas tienen tendencias masoquistas» ( Jaffé, 2014). Cierto o no, los retos técnicos de su Tema con variaciones son considerables, apenas propicios para los temperamentos masoquistas. Entre estos retos sobresalen los contrastes de carácter, volumen y velocidad: pasajes muy veloces y fuertes son seguidos por fragmentos de una suavidad y ternura que obligan al intérprete a controlar muy bien su diafragma, su embocadura y su flujo de aire. Fiel al sentido del humor de Françaix, el esfuerzo y el sufrimiento del intérprete están totalmente canalizados para divertir al público con música que nunca pierde su aire juguetón. Como se mencionó, esta obra es de inspiración académica, pues fue un encargo del Conservatorio de París, en 1974, para servir de examen a los estudiantes de aquel plantel. Françaix, fiel a su personalidad, dijo que su objetivo había sido el de siempre —el de presentarle al intérprete una obra 9 ‘peligrosa’— (Jaffé, 2014), no obstante, la partitura tiene una dedicatoria dirigida a Olivier Françaix, nieto del compositor. De este modo, Jean Françaix nos recuerda una vez más que la música, al igual que la familia, es una manera de perpetuar nuestra existencia, no tanto como un acto de vanidad, sino, ante todo, como una guía para las futuras generaciones que hoy dialogan con los muertos para entender a los vivos y guiarlos hacia un mundo mejor. Referencias Jaffé, D. (2014). Jean Francaix, Tema con Variazioni. Notes. Hyperion. https:// www.hyperion-records.co.uk/dw.asp?dc=W16965_GBLLH1438402. LA Philharmonic. (2006). Franco Donatoni, Hot. About This Piece. [Página web]. https://www.laphil.com/musicdb/pieces/1951/hot Alexander Klein es profesor de cátedra de la Universidad de los Andes, institución donde obtuvo pregrados en Composición y Teoría de la Música (2013). Sus obras musicales han sido estrenadas y ejecutadas en diversos escenarios nacionales e internacionales, entre los cuales figuran la Sala Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima, en Ibagué, y la Royal Academy of Music, de Londres. Como musicólogo, Klein es autor compilador de las Obras completas de Oreste Sindici (Ediciones Uniandes, 2017) y autor de El sastre de dos mundos (Ediciones Uniandes, 2022), una obra de cuatro tomos que representa la primera historia comparativa de la ópera en América. En el campo de la crítica, sus artículos sobre música, cultura y política han sido publicados en periódicos y revistas colombianas, como el diario El Espectador y la revista Arcadia, a las cuales se suman las publicaciones estadounidenses Film Score Monthly y The People’s World. Foto. Santiago Cañón-Valencia Foto. Pablo Mier TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulta toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡Octubre y noviembre en Popayán! Santiago Cañón-Valencia (Colombia) violonchelo Naoko Sonoda (Japón) piano Este concierto se realiza también en Bogotá y Leticia Urpi Barco (Colombia) cantante Este concierto se realiza también en Bogotá

Foto: Alex Alfaro Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 JULIÁN CAMILO LERMA (Colombia) viola Jueves 26 de mayo de 2022 · 6:30 p.m. Cúcuta, Sala Múltiple del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: LDR928 Jueves 2 de junio de 2022 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: KZT710 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 ACERCA DEL INTÉRPRETE Julián Camilo Lerma, viola Nació en Bogotá. Empezó a tocar el violín y la viola a temprana edad bajo la dirección de Ruth Margarita Sarmiento Corredor en el Colegio San Bartolomé La Merced y en la Escuela de Música Allegro. Inició su carrera musical en el Programa Infantil y Juvenil de la Pontifica Universidad Javeriana, con Carmen Matute (violín) y Sandra Liliana Arango Calderón (viola). Posteriormente abandonó el violín y continuó como violista en el Programa Básico de Estudios Musicales del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Ha participado en diferentes festivales nacionales, entre ellos los Festivales Suzuki, en Bogotá; el Primer Festival de Violas de la Universidad EAFIT, en Medellín; y el Tercer, Cuarto y Quinto Festivales Interuniversitarios de Violistas de Bogotá realizados por su maestra Sandra Arango, y fue seleccionado también como becario de las clases magistrales en el XII Cartagena Festival Internacional de Música. Julián Camilo ha actuado como solista, músico de cámara e integrante de orquestas que incluyen Cologne Philharmonic, Freiburg Konzerthaus y Alte Oper Frankfurt de Alemania, y se ha presentado en diferentes escenarios internacionales como el Concertgebouw en Ámsterdam, Wiener Musikverein Großer Saal y Wiener Konzerthaus en Austría, y el Elbphilharmonie en Hamburgo. Fue seleccionado para conformar el Ensamble Americano en la Suzuki Association of the Americas Conference (Minnesota, Estados Unidos), y ha participado en diversos festivales como el Festival de Música Latinoamericana de Lima (Perú), el Programa de Cuerdas y Piano del Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Quito, Ecuador), Aruba Symphony Festival Orchestra, Festival Internacional de Música de Santa Catarina ( Jaraguá do Sul, Brasil) y en la edición 50 del Festival de Inverno Campos do Jordão, como estudiante con beca integral (Sao Paulo, Brasil). Foto: Alex Alfaro 2 Ha sido integrante de la Filarmónica Joven de Colombia, proyecto de la Fundación Bolívar Davivienda, con la que participó en giras nacionales e internacionales bajo la batuta de directores como Andrés Orozco-Estrada, Paolo Bortolameolli, Andrew Gourlay, Alexander Liebreich, Neil Thompson, Carlos Ágreda, Lawrence Renes y solistas como Joshua Bell, Xavier de Maistre, Dimitri Berlinsky, Rolando Villazón y Daniel Müller-Schott. Ha recibido clases magistrales con Lars Anders Tomter, Marc Sabbath, Nobuko Imai, Renato Bandel, Yura Lee, Asbjørn Nørgaard, Randolph Kelly, Isabel Villanueva, Craig Mumm, Stephen Wyrczynsky, Roger Tapping, Irina Sopova, Hsin-Yung Huang, Mikhail Zemtsov, Matthias Buchholz, entre otros maestros. Adicionalmente, ha desarrollado su carrera como docente en proyectos como La Joven en Acción, el II Festival de Orquestas Sinfónicas Infantiles y Juveniles de Música Latinoamericana - Ciudad Musical, en Ibagué; y ofreciendo conciertos de música de cámara en el marco de los conciertos Tairona Joven. Recientemente Julián Camilo ha sido seleccionado para participar en la Orchestre de la Francophonie 2022 como estudiante becario en Canadá. Actualmente es el violista principal de la Filarmónica Joven de Colombia. En este concierto, Julián Camilo actúa junto con el pianista Omar Ortiz. 3 PROGRAMA Suite para violonchelo solo en re mayor No. 6, BWV 1012 (1717-1723) Prélude Allemande Courante Sarabande Gavotte Gavotte II Gigue JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Transcrita a sol mayor para viola sola por Simon Rowland-Jones (n. 1950) Sonata para viola y piano (1919) Impetuoso Vivace Adagio REBECCA CLARKE (1886-1979) INTERMEDIO Pieza colombiana No. 3 (1976) LUIS CARLOS FIGUEROA (n. 1923) Para viola y piano Konzertstück (1906) GEORGE ENESCU (1881-1955) Para viola y piano 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria La viola hace parte de la familia del violín, conformada, de agudo a grave, por violín, viola, violonchelo y contrabajo. Su construcción es semejante a la del violín, siendo la diferencia básica con este su tamaño más grande. Para describir su timbre se han empleado numerosos calificativos, algunos incluso contradictorios: oscuro, majestuoso, aflautado, cálido, distintivo, lleno, vivo, cantable, elocuente, introspectivo, sensual, redondo, apagado, solemne, austero, asordinado, áspero, flotante, velado, sonoro, poderoso, resonante y robusto. La realidad es que su timbre tiene directa relación con su tamaño y proporciones. La viola está afinada una quinta más bajo que el violín1, lo que implica que las frecuencias de ambos instrumentos están relacionadas en proporción de 2:3. Si esta proporción se aplicara a su tamaño, el cuerpo de la viola tendría que ser más grande de lo que es en realidad (unos 12 cm más largo). Es decir, la viola es pequeña en relación con su afinación, razón fundamental de su particular timbre. Su historia está estrechamente ligada al desarrollo de los demás instrumentos de la familia del violín, que se fabricaron por primera vez en el norte de Italia, entre 1530 y 1550, en ciudades como Milán, Brescia, Cremona y Venecia, en donde se establecieron ilustres constructores, como Andrea Amati (1505-1577), Gasparo da Salò (1542-1609), Nicola Amati (1596- 1684), Andrea Guarnieri (1626-1698) y Antonio Stradivari (1644-1737). Tras varios intentos por mejorar su construcción, hacia finales del siglo xix, la viola obtuvo un estatus similar al del violín, pero solo fue hasta la década de 1930 que el violista inglés Lionel Tertis (1876-1975) fabricó un modelo con un cuerpo de 43 cm de largo, que combinaba con éxito tamaño y facilidad para tocar. Su sonido completo, profundo y cálido impresionó y se impuso. El programa de hoy presenta un grupo de obras muy significativas dentro del repertorio de la viola, obras que han recibido el reconocimiento de críticos, intérpretes y audiencias. El violista Julián Camilo Lerma afirma al respecto: Me parece que es un repertorio exquisito y bastante llamativo, debido a que presenta obras emblemáticas del repertorio violístico solista. Técnica y musicalmente están 1 Cuarta cuerda, do 3; tercera cuerda, sol 3; segunda cuerda, re 4, y primera cuerda, la 4. 5 dentro de las obras más destacadas, permitiendo recorrer todas las gamas de colores y registros. Adicionalmente, en el programa se reconocen los estilos barroco, romántico, contemporáneo y, por supuesto, colombiano (Lerma, 2022). Se inicia el recital con la Suite en re mayor No. 6, BWV1012 de Johann Sebastian Bach (1685-1750), originalmente escrita para violonchelo como parte de una serie de seis piezas. Hay escasa información sobre el origen de las suites. Generalmente, se cree que fueron compuestas entre 1720 y 1721, poco antes de embarcarse en la composición de las sonatas y partitas para violín solo. En ese momento, Bach era Kapellmeister al Cothen (1717-1723) y, «en cualquier caso, para el violonchelo contaba con su amigo Abel [Christian Ferdinand, violonchelista de la orquesta de la corte], quien estaba a mano para darle consejo en aspectos técnicos y para quien las suites probablemente fueron compuestas» (Spitta, 1889, p. 100). La etimología del término suite proviene de la palabra francesa suivez, que significa seguir. En los siglos xv a xviii, la palabra suite denotaba un conjunto o una sucesión de movimientos de danza. Las suites para violonchelo de Bach estuvieron un poco en el olvido hasta cuando el chelista catalán Pablo Casals las encontró y ‘popularizó’ a comienzos del siglo pasado, como lo reseña David Blum: Pablo Casals, para la época un niño de trece años, descubrió en una tienda de libros usados las seis suites para violonchelo solo de Johann Sebastian Bach. Fue el encuentro artístico decisivo de su vida. Ninguno de sus maestros le había mencionado la existencia de estas obras, pero el joven violonchelista intuitivamente percibió su grandeza. Empezó a estudiar las suites con ‘emoción indescriptible’, persistiendo durante doce años antes de atreverse a interpretarlas en público. […] Cuando las presentó al público, no solo el hecho de tocarlas sino su interpretación fue considerada revolucionaria (Blum, 1977, pp. 140-141). La transcripción para viola fue realizada por el violista Simon Rowland- Jones, quien adaptó toda la serie para la editora Peters y comenta sobre su trabajo: Esta transcripción es el resultado de un estudio exhaustivo de todas las copias contemporáneas supervivientes y una comparación detallada de sus características estilísticas. Su objetivo es reflejar las intenciones originales de Bach, en la medida de lo posible, con la mínima intervención editorial (Rowland-Jones, 1999). Y sobre la interpretación, teniendo en cuenta que él mismo grabó toda la serie, expresa: 6 Las suites en sí fomentan el descubrimiento constante, la evolución de ideas y una amplia gama de modos de expresión, y no importa cuánto tiempo y energía se dedique a las suites, la experiencia de aprendizaje nunca termina. Como profesor, he aprendido que las suites para violonchelo de Bach se prestan, quizás incluso más que otra música, a una infinita variedad de interpretaciones (Rowland-Jones, 1999). Rebecca Clarke (1886-1979) inició sus estudios en la Royal Academy of Music en 1903, con el profesor Percy Hilder Miles, pero su padre la retiró en 1905, cuando este le propuso matrimonio. Posteriormente, se convirtió en una de las primeras alumnas de composición inscritas en el Royal College of Music en 1907, donde estudió con Sir Charles Villiers Standford, quien le sugirió que se dedicara a la viola, para que estuviera «justo en el medio del sonido y pudiera entender cómo se hace todo» (Johnson, n. d.). Fue una de las primeras mujeres en convertirse en miembro regular de una orquesta profesional en Londres, en 1913. Actuó en Gran Bretaña, Europa y los Estados Unidos como ‘violista y compositora’. En una reseña de su Sonata para viola y piano, del 2 de abril de 1977, Clarke hace un detallado recuento de las circunstancias que rodearon la composición de la obra. Evidencia las dificultades de ser mujer compositora y las dudas sobre su identidad y autoría. Los primeros bocetos fueron realizados durante el invierno de 1918-1919 mientras estaba en Honolulu, tocando en una serie de conciertos de música de cámara. La viola era mi instrumento, y cuando escuché que se estaba ofreciendo un premio de mil dólares por una sonata para viola, pensé que podría intentarlo. La obra fue terminada en Detroit, durante la primavera y el verano de 1919, mientras visitaba a uno de mis hermanos. […] En la final, un jurado de seis distinguidos músicos dividió sus votos entre dos obras. Una, dijeron, era de un filósofo y la otra de un poeta. Finalmente, la señora Coolidge misma fue llamada a dar el voto del desempate (Clarke, 2005, pp. 225-226). Ganó la del ‘filósofo’ Ernst Bloch, la Suite para viola y piano. La curiosidad del jurado por conocer el nombre del segundo concursante fue muy grande y se transformó en una gran sorpresa. Esa noche me dijo la señora Coolidge, «¡deberías haber visto sus caras cuando supieron que era una mujer!» […] Por esta razón, mi sonata, tocada en el festival de 1919 por Louis Bailly y Harold Bauer, recibió gran cantidad de publicidad; fue más honorífico para mí empatar con Bloch que haber ganado el premio (Clarke, 2005, pp. 225-226). 7 Los musicólogos subrayan la influencia en Clarke de Ravel y Debussy, y en especial la de Ernst Bloch, aunque, en general, en su música se destaca su eclecticismo2; «su lenguaje musical combina principios de diferentes sistemas tonales: diatonicismo, modalidad, cromaticismo, escritura por tonos enteros y octatonicismo» (Jones, 2005, p. 93). Luis Carlos Figueroa (1881-1955) inició sus estudios formales de música en el Conservatorio de Cali, donde fue alumno de Antonio María Valencia. En 1951 viajó a estudiar a Francia y permaneció durante nueve años como alumno y profesor interino en la École César-Franck, donde obtuvo en 1955 el diploma de composición y dirección. En 1960 regresó a Colombia. El compositor recuerda esos tiempos destacando su influencia francesa: El maestro Valencia, que hizo sus estudios en Francia, trajo de allá las enseñanzas de la Schola Cantorum, de sus profesores, y las realizó en el Conservatorio de Cali. De manera que se puede decir que la mía fue una escuela francesa pero ya iniciada y realizada por el maestro Antonio María Valencia. Yo seguí, luego, las huellas del maestro Valencia en París. Llegué primero al Conservatorio Nacional […] el piano lo estudié con Jean Batalla. Posteriormente, cursé estudios en la Escuela César Franck con el director Guy de Lioncurt y también en la Escuela Normal, con Alfred Cortot como director (Figueroa, 2006). Esta influencia toma especial forma en sus melodías: Logra una simbiosis en donde las tendencias francesas de Vincent d’Indy se trasladan al Valle del Cauca y surge una melodía, que es quizás su gran fortaleza, una melodía que suena hermosa sin requerir complicaciones métricas y que uno se pregunta: ¿cómo este señor logra esa frescura de la melodía? (Carrizosa, 2006). La Pieza colombiana No. 3 hace parte de una serie de diez piezas para diversas combinaciones instrumentales. En esta los elementos de nuestro folclore se encuentran ‘a flor de piel’ y, en síntesis con las ya mencionadas influencias francesas, emergen vestigios de melodías modales que recuerdan los arrullos negros. Está dedicada a la desaparecida violinista y pedagoga colombiana Olga Chamorro (1931-1994). George Enescu (1881-1955), violinista y compositor rumano, tuvo una formación musical que implicó la síntesis de tres corrientes musicales muy 2 Según el Diccionario de la lengua española (DRAE), ‘eclecticismo’viene de ‘ecléctico’ e ‘-ismo’. 1. m. Adopción, en el juzgar u obrar, de una postura intermedia entre doctrinas o actitudes diversas. 2. m. Combinación de elementos de diversos estilos, ideas o posibilidades. ‘Eclecticismo arquitectónico’. 3. m. Fil. Escuela filosófica que procura conciliar las doctrinas que parecen mejores o más verosímiles, aunque procedan de diversos sistemas. 8 diferentes, pues nació en Rumania y se formó tanto en Viena como en París. Ilya Poletaev, pianista y educador rumano, comenta: Tocó bajo la batuta de Brahms, fue alumno de Gabriel Fauré, tuvo a Ravel como compañero de clase, tocó música de cámara con Pablo Casals, fue amigo de Béla Bartók y fue figura paterna para innumerables jóvenes músicos rumanos, ¡entre ellos Dinu Lipatti! (Maskel, 2017). Desde su más tierna infancia, Enescu fue un músico famoso en Europa y América, gracias a sus interpretaciones como virtuoso del violín; sin embargo, no ha tenido el mismo reconocimiento como compositor. La reconsideración de su obra, iniciada a finales del siglo pasado, muestra una evolución larga y compleja que se inicia con la que es quizás su obra más conocida, Rapsodias rumanas, compuesta a los 19 años, hasta llegar a la profundidad de sus últimas obras o de su ópera Edipo. Quizás, si hay un hilo conductor en él, es el amor y la admiración por Bach, así como por su folclore nativo rumano […] La música de Enescu es enormemente compleja y gratificante. En cierto sentido, lo tiene todo: tremendo poder emocional, una increíble variedad de sonoridades y colores y un estupendo sentido de la arquitectura musical. También está escrita meticulosamente, por lo que, si uno hace exactamente lo que Enescu pide en la partitura, no puede evitar convertirse en un mejor músico. Proporciona digitaciones, arcos, pedales para pianistas e innumerables indicaciones de minuciosos cambios de tempo. Sin embargo, al final, la música suena tan espontánea y natural (Maskel, 2017). Su Konzertstück, para viola y piano, fue compuesta y utilizada como pieza de examen (morceaux de concours) por el Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Enescu compuso el Koncertstück en 1906 y se lo dedicó a Théodore Laforge, profesor de viola en el conservatorio y solista de viola de la Opéra National de Paris. En Konzertstück, Enescu fusiona elementos modales del folclore rumano con una estructura propia de la forma de sonata: exposición, desarrollo, reexposición y coda. Referencias Bach, J. S. (compositor), y Rowland-Jones S. (transcriptor). (1998). Six suites for solo violoncello: transcribed for viola: BWV 1007-1012. Edition Peters. Traducción de la cita al español de Guillermo Gaviria. Blum, D. (2015). Casals and the Art of Interpretation. Berkeley: University of California Press. Traducción de la cita al español de Guillermo Gaviria. 9 Carrizosa, E., Likosova, G. y Restrepo, H. (directores). Grupo de Investigación Audiovisual Interdís (productor). (2006). Tres colores del tiempo [Documental]. Medellín: Universidad Nacional. Recuperado de https:// youtu.be/v1sQw962xHQ Clarke, R. y Curtis, L. (eds.). (2005). A Rebecca Clarke Reader. Massachusetts: The Rebecca Clarke Society Inc. Traducción de la cita al español de Guillermo Gaviria. Figueroa, L. C., Likosova, G. y Restrepo, H. (directores). Grupo de Investigación Audiovisual Interdís (productor). (2006). Tres colores del tiempo [Documental]. Medellín: Universidad Nacional. Recuperado de https://youtu.be/v1sQw962xHQ Johnson, C. (n. d.) Rebecca Clarke: Viola player and composer. Recuperado de https://rebeccaclarkecomposer.com/ Johnson Jones, B. (2005). But do not quite forget. A Rebecca Clarke Reader. Massachusetts: The Rebecca Clarke Society Inc. Traducción de la cita al español de Guillermo Gaviria. Lerma, J. C. (29 de marzo de 2022). Re: Saludo y preguntas. [Entrevista por correo electrónico]. Maskel, C. (enero, 2017). Ilya Poletaev on the genius of George Enescu. McGillReporter. Canada: McGill University. Recuperado de https:// reporter.mcgill.ca/ilya-poletaev-on-the-brilliance-of-george-enescu/ Traducción de la cita al español de Guillermo Gaviria. Spitta, P. (1889). Johann Sebastian Bach. London: Novello. Traducción de la cita al español de Guillermo Gaviria. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Foto. Cristóbal de la Cuadra Foto. Fabio Grande TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulta toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical ¡Junio en Cúcuta y Bogotá! Betty Garcés (Colombia) soprano Antonia Valente (Italia) piano Este concierto también se realiza en Medellín

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 Foto: Tragaluz Producciones / Adrián Villa MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO Estreno: sábado 14 de mayo de 2022 · 11:00 a.m. @BanrepculturalBuenavetura @SaladeConciertosLuisAngelArango Banrepcultural COLECTIVO COLOMBIA (Colombia) proyecto Soplo de río Hugo Candelario González, marimba de chona y saxofón (Colombia) Antonio Arnedo, dirección y saxofón (Colombia) En el marco del proyecto TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2022, siga el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida caliente o fría y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación cultural que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, que puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE EL RÍO: TERRITORIOS POSIBLES El río: territorios posibles es un proyecto nacional de la Subgerencia Cultural del Banco de la República que busca, a través de contenidos culturales, construir espacios de reflexión sobre nuestros ríos y cuencas hidrográficas. Los ríos son contados, descritos, ilustrados, cantados, escuchados y estudiados y, desde diversas perspectivas, queremos generar diálogos transdisciplinares sobre el significado geográfico, histórico, social y cultural de los ríos. Múltiples voces se encontrarán a lo largo del proyecto, para que conversemos sobre la diversidad de posibilidades de los ríos como territorio. El proyecto trabaja a través de tres preguntas: ¿Cómo se vive el río? Queremos entender el río como territorio vivo, por medio del cual se tejen relaciones diversas. En este eje reconocemos y analizamos la importancia de los ríos como generadores de procesos sociales, culturales y productivos. Nos interesa explorar las diversas voces de los actores que viven junto con los ríos. ¿Cómo se narra el río? Queremos reflexionar a los ríos como narradores, que engloban la amplia riqueza literaria y artística alrededor de los ríos. En este eje nos concentramos en rastrear cómo se cuentan los ríos desde diferentes disciplinas, pero que además nos permite entender al río desde la diversidad cultural. ¿Cuáles son los desafíos de los ríos? Más allá de una visión nostálgica, queremos reflexionar y debatir sobre las acciones que debemos emprender como ciudadanos para conservar y preservar los ríos. En este eje nos ubicamos en el centro de la discusión de los planes, programas, proyectos y perspectivas que involucran a los ríos del país y que determinarán nuestro horizonte de cara a los tiempos venideros. Este concierto virtual que convoca a Colectivo Colombia con su proyecto Soplo de río, y que fue grabado en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, es una oportunidad para reflexionar acerca de los sonidos de nuestros ríos, de estos territorios vivos que hacen parte de y narran múltiples formas de vida. Conozca más acerca del proyecto El río: territorios posibles 2 ACERCA DEL ENSAMBLE El Colectivo Colombia, idea concebida por Antonio Arnedo en 2003, nace a partir de la reflexión sobre la ‘nueva música colombiana’: un espacio sonoro para reconocer la expresividad y riqueza de la Colombia contemporánea; una aproximación desde el jazz a diversos lenguajes de nuestros territorios, que creadores e intérpretes exploran rompiendo con las estructuras e innovando procesos. En su etapa inicial, convocó a las más importantes agrupaciones de músicas colombianas de vanguardia del país. El Colectivo Colombia plantea un recorrido en espiral que comienza en los Andes, y culmina en las costas del Pacífico y del Atlántico pasando por los Llanos Orientales. Después de un largo receso de varios años, el Colectivo se reintegró en 2015 participando en el Encuentro Latinoamericano de Músicas de Vanguardia, el Festival Jazz al Parque en la ciudad de Bogotá, y el Festival de Jazz de Mompox. En 2016, 2017 y 2018 el Colectivo fue invitado al Festival de Música de Cartagena; en 2019 fue ensamble residente del Teatro Colsubsidio de Bogotá y realizó un ciclo de conciertos mediante el cual invitaron a Jaques Morelenbaum (Brasil), Aca Seca (Argentina), Juancho Valencia y a la cantante Lucía Pulido (Colombia). Esta experiencia los llevó a ampliar sus vínculos con algunos importantes proyectos latinoamericanos. En 2018 el Colectivo grabó y lanzó Soplo de Río, disco dedicado a la marimba de chonta. Para este proyecto, invitó a su más poético representante, Hugo Candelario González. En 2020, en medio de las dificultades vividas en pandemia, lanzó su segundo trabajo El cascarón, en el que tuvo como invitado al pianista, arreglista y compositor Juancho Valencia. Próximamente presentará su trabajo junto a Lucía Pulido. En este momento, Colectivo Colombia se encuentra desarrollando el proyecto Nodo Filarmónico, junto con la Orquesta Filarmónica de Bogotá, en el que se plantea, a través de pautas propuestas por el Colectivo, la consolidación de un espacio colaborativo que usa como medio la música de nuestro país, propiciando el intercambio de experiencias y metodologías en la forma de crear, explorar, profundizar y de conectar con el territorio, con lo local. Este tipo de experiencia, en primera instancia, permitió el desarrollo de La suite millera, un trabajo sinfónico cuya característica principal es el de la búsqueda e investigación de un lenguaje propio a partir del grupo de flauta 3 de millo, basado en un proceso de creación colectiva, sin precedentes en nuestro país. El producto de aproximar los diversos lenguajes de las músicas colombianas a nuevos caminos estéticos para la creación de obras que incluyan otros territorios, la interpretación y puesta en escena de obras que involucran los diversos grupos de cámara y orquestales de la OFB, nos llevará ahora al Cauca y sus chirimías. Conozca más acerca de Colectivo Colombia y Soplo de Río 4 Parce (2021) ANTONIO ARNEDO (n. 1963) Del llano a la chonta (2021) ANTONIO ARNEDO HUGO CANDELARIO GONZÁLEZ (n. 1967) Sendero a Naya (2018) ANTONIO ARNEDO Con el agua al cuello (2021) Niebla (2018) Del río y del viento (2021) ANTONIO ARNEDO HUGO CANDELARIO GONZÁLEZ El cuento de Lucía (2015) ANTONIO ARNEDO Vuelta y media (2015) ANTONIO ARNEDO HUGO CANDELARIO GONZÁLEZ La huella (2018) ANTONIO ARNEDO PROGRAMA 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Luis Daniel Vega En su disertación sobre el acontecer del jazz colombiano, Juan Carlos Franco indica que la década de 1990 fue crucial para la consolidación del género en el escenario local: A partir de los años noventa —señala el musicólogo y percusionista— surge un movimiento jazzístico de grandes proporciones en Colombia. Lo definirá la proliferación de festivales a lo largo del país, el desarrollo de programas educativos de música popular, un aumento por el interés en el género en la radio cultural y, finalmente, la aparición de un número sustancial de trabajos discográficos (Franco, 2013, p. 234). Llama la atención el último aspecto expuesto por Franco, pues fue solo hasta 1996 cuando por primera vez un sello discográfico se arriesgó a producir —sistemáticamente— grabaciones de jazz nacional. En una iniciativa que hoy nos sigue pareciendo insólita, MTM firmó un contrato con el saxofonista Antonio Arnedo por cuatro grabaciones fundacionales: Travesía (1996), Orígenes (1997), Encuentro (1998) y Colombia (2000). Humberto Moreno, fundador y director artístico de MTM1, le contó al sociólogo David García las razones que lo persuadieron para llevar a cabo una iniciativa del todo osada: Yo no conocía el trabajo de Arnedo y cuando lo escuché me pareció que era una manera de hacer sonar la música colombiana de forma instrumental poco convencional, porque casi siempre la música colombiana instrumental tenía una estructura muy académica, como queriendo ser música de concierto europea, es decir, estaba muy influenciada por la manera sinfónica de arreglar, y lo que hizo Antonio fue más de expresión individual a partir del jazz, más creativa en cuanto a la manera de plantear la melodía y de desarrollar alrededor de la melodía el sentimiento del músico. Eso fue lo que pensé y lo que más me llamó la atención (García, 2018, p. 63). Aparte del caso excepcional de Vacío y realidad (1999) y Border Crossing (2010) —un par de grabaciones sintonizadas con el free jazz y la improvisación libre— la exploración musical de Antonio Arnedo se ha concentrado en 1 En enero de 1991, Humberto Moreno y Francisco Montoya fundaron MTM (Música, Talento y Mercadeo), una pequeña compañía discográfica que, en sus años iniciales distribuyó el catálogo de Putumayo, Nuevos Medios y Warner. Antes de apostarle a la música de Antonio Arnedo, publicó en 1993 La candela viva, disco de Toto la Momposina que previamente había sido editado en Europa por el sello Real World. 6 la pesquisa y reinterpretación de algunas prácticas sonoras colombianas asociadas al rito y la fiesta popular, particularmente las provenientes del vasto acervo indígena, caribe, pacífico, andino y llanero. En esa búsqueda conformó el Colectivo Colombia, cuyo objetivo primordial fue actualizar el concepto por medio del diálogo generacional. Allí se dieron cita agrupaciones como Guafa Trío, Curupira, Palos y Cuerdas, Delta Trío, Puerto Candelaria y Polaroid, además de la cantante Claudia Gómez y el músico guapireño Hugo Candelario González, quienes participaron del nacimiento oficial del Colectivo el 4 de noviembre de 2004 en el Teatro Colón de Bogotá. Aunque el empeño inicial resultó ingobernable, el impulso del saxofonista permaneció intacto hasta 2017 cuando el Colectivo Colombia renació en el Cartagena Festival Internacional de Música. Integrado en aquella ocasión especial por Lucía Pulido, Jorge Velosa, los hermanos Juan Miguel y Daniel Sossa —ambos del Ensamble Sinsonte— el baterista Jorge Sepúlveda, el guitarrista Santiago Sandoval y el contrabajista Julián Gómez, el Colectivo presentó Cantas y Coplas, una indagación de la tradición del romancero hispánico y su influencia en las cadencias rotas del Altiplano de los Andes. Un año más tarde, ya con nuevos integrantes, el Colectivo Colombia se reunió para grabar Soplo de Río, su primer disco a nombre propio, cuyo eje es el encuentro entre el jazz, la música de marimba de chonta y las sonoridades de los llanos colombo-venezolanos. Salvo Vuelta y media (pieza a ritmo de rumba compuesta en 2013), Del río y del viento, Con el agua al cuello (basada en viejo bambucos del Pacífico) y Parce, se desprende de esa grabación buena parte del repertorio que tendremos la oportunidad de apreciar en este concierto, en el que, a propósito, el Colectivo estuvo conformado por Anamaría Oramas en la flauta, Juan Miguel Sossa en el tiple y el cuatro, Hugo Candelario en la marimba de chonta, Santiago Sandoval en la guitarra, José Juviano en el contrabajo y Urián Sarmiento en la percusión. Desde que grabó su versión de la cumbia El pescador —incluida en Travesía— el río ha sido una constante en la obra de Antonio Arnedo. Como una metáfora de nuestro devenir sonoro, el saxofonista puntualiza al respecto: «Colombia está conectada por los ríos y la manera en la que viajaron muchas de nuestras músicas se hizo a través de esas venas, de esos vasos comunicantes». Así las cosas, en Soplo de río se funden caudales mansos y arrebatados: La huella, por ejemplo, hace énfasis en lo indígena y la metafísica del caminante, mientras que El cuento de Lucía nos hace navegar en los remolinos del currulao, redondeando, esta última, una bella imagen de Hugo Candelario, a quien le hemos escuchado decir que «…la marimba es agua que entra por los oídos». 7 Por su parte, Sendero a Naya conecta los espacios expresivos y emocionales de los Andes y el Pacífico, así como Niebla y Del Llano a la chonta, dibujan con nostalgia esa geografía imaginada que existe entre la agreste montaña, la planicie y el insondable río selvático. Discografía recomendada Arnedo, A. (1996). Travesía. MTM. Arnedo, A. (1997). Orígenes. MTM. Arnedo, A. (1998). Encuentro. MTM. Arnedo, A. (2000). Colombia. MTM. Colectivo Colombia. (2018). Antonio Arnedo + Hugo Candelario. Soplo de Río. Colectivo Colombia. Referencias Franco, J. (2013). Un breve recuento de la historia del jazz en Colombia. En J. Ruesga (coordinador), Jazz en español. Derivas hispanoamericanas (p. 234). México: Universidad Veracruzana. García, D. (2018). MTM Entre la tradición y la innovación. Historia cultural de una compañía discográfica (p. 63). Bogotá: Ediciones Universidad Central. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. 8 Foto: Banco de la República Consulte los contenidos y la programación cultural del Banco de la República en www.banrepcultural.org

"Santiago Oviedo Reina, clarinete Nació en Ibagué en 1995. Es clarinetista egresado de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudió bajo la tutela de Robert John de Gennaro. En 2006 inició sus estudios musicales de clarinete en el Conservatorio de Ibagué Amina Melendro de Pulecio, bajo la tutela de Carlos Arturo Fernández Colmenares. En 2007 ingresó a la Banda Sinfónica del Conservatorio de Ibagué dirigida por Germán Camacho Serrano, y dos años más tarde obtuvo el premio a mejor instrumentista en maderas en el Festival Nacional de Bandas Infantiles, en Villamaría, Caldas. En 2011 participó en el IX Festival de Jóvenes Clarinetistas Venezolanos en Caracas y, posteriormente, en la residencia artística de la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia, actuando como concertino durante ese año. En 2012 obtuvo el premio a mejor instrumentista en el marco del XIX Concurso Nacional de Bandas en Anapoima, Cundinamarca, e igualmente participó en el III Festival Internacional de Clarinete y en el Concurso Nacional de Clarinete ClariBogotá, donde obtuvo el primer puesto en la categoría juvenil. Dos años más tarde fue ganador del concurso Jóvenes Solistas realizado por la Orquesta Filarmónica de Cali y, en 2015, fue nombrado clarinete concertino de la Banda Sinfónica de Cundinamarca. Actuó con la Filarmónica Joven de Colombia en la temporada 2018, bajo la batuta de Juan Pablo Valencia, Andrew Gourlay, Paolo Bortolameolli y Rafael Payare. En 2019 ganó el Concurso de Jóvenes Solistas del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Santiago ha recibido clases con Yehuda Gilad, Valdemar Rodríguez, Ranieri Chacón, Marcelo González, Carlos Céspedes, Antonio Saiote, Radovan Cavallin, Rafael Damián Álvarez, Andrés Ramírez, Michel Arrignon, Romain Guyot y Mariafrancesca Latella, y ha actuado con la Banda Sinfónica y la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia, la Banda Sinfónica de Cundinamarca, la Orquesta Sinfónica Carmiña Gallo, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Filarmónica Joven de Colombia y Terranova Ensamble, agrupación dirigida por Francisco Javier ‘Pacho’ Casas. Actualmente, Santiago recibe clases con Edgar David López, clarinetista de Hangzhou Philharmonic Orchestra (China). Raúl Mesa, piano Es profesor asociado de la Universidad Nacional de Colombia sede Bogotá, donde se desempeña como docente de piano y pianista colaborador. Ha sido coordinador del área de piano y de acompañamiento y director asistente de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de Música de la misma institución. Como músico de cámara es fundador e integrante del Dúo Rachmaninoff, Dúo Debussy y Trío Bartók. Con dichos ensambles ha participado en festivales internacionales en Colombia, Venezuela, Costa Rica y Estados Unidos. Con el Dúo Debussy grabó el álbum Contrastes. Ha actuado como solista bajo la batuta de su padre, Fabio Mesa, con la Banda Sinfónica de Vientos de Boyacá. También ha sido solista y músico de cámara con la Bogotá Chamber Orchestra. Ganó el primer premio en el Concurso Nacional de Piano de Bucaramanga en 2003 y al año siguiente representó a Colombia en el Festival Internacional de Piano de la Universidad Industrial de Santander y tocó como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. Obtuvo su título de Magíster en Música de Duquesne University en Pittsburgh (EE. UU.) donde estudió con David Allen Wehr y Natasha Snitkovsky. Culminó sus estudios de Maestría en Dirección Sinfónica en la Universidad Nacional de Colombia bajo la guía de Guerassim Voronkov. Es Licenciado en Música de la Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia. Ha dirigido la Orquesta Juvenil de la Fundación Unimúsica, la Orquesta Sinfónica de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas, la Orquesta Sinfónica del Conservatorio del Tolima y la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. Recientemente ha actuado como solista y director invitado de la Banda Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia."

Corte declaro inexequibilidad de la definicion del castigo fisico a nias nios y adolescentes como una accion de crianza correccion o educacion y del requisito de que este sea reiterativo y afecte la salud para que proceda la suspension o privacion de

"El Colectivo Colombia, idea concebida por Antonio Arnedo en 2003, nace a partir de la reflexión sobre la ‘nueva música colombiana’: un espacio sonoro para reconocer la expresividad y riqueza de la Colombia contemporánea; una aproximación desde el ‘jazz’ a diversos lenguajes de nuestros territorios, que creadores e intérpretes exploran rompiendo con las estructuras e innovando procesos. En su etapa inicial, convocó a las más importantes agrupaciones de músicas colombianas de vanguardia del país. El Colectivo Colombia plantea un recorrido en espiral que comienza en los Andes, y culmina en las costas del Pacífico y del Atlántico pasando por los Llanos Orientales. Después de un largo receso de varios años, el Colectivo se reintegró en 2015 participando en el Encuentro Latinoamericano de Músicas de Vanguardia, el Festival Jazz al Parque en la ciudad de Bogotá, y el Festival de Jazz de Mompox. En 2016, 2017 y 2018 el Colectivo fue invitado al Festival de Música de Cartagena; en 2019 fue ensamble residente del Teatro Colsubsidio de Bogotá y realizó un ciclo de conciertos mediante el cual invitaron a Jaques Morelenbaum (Brasil), Aca Seca (Argentina), Juancho Valencia y a la cantante Lucía Pulido (Colombia). Esta experiencia los llevó a ampliar sus vínculos con algunos importantes proyectos latinoamericanos. En 2018 el Colectivo grabó y lanzó ‘Soplo de Río’, disco dedicado a la marimba de chonta. Para este proyecto, invitó a su más poético representante, Hugo Candelario González. En 2020, en medio de las dificultades vividas en pandemia, lanzó su segundo trabajo ‘El cascarón’, en el que tuvo como invitado al pianista, arreglista y compositor Juancho Valencia. Próximamente presentará su trabajo junto a Lucía Pulido. En este momento, Colectivo Colombia se encuentra desarrollando el proyecto Nodo Filarmónico, junto con la Orquesta Filarmónica de Bogotá, en el que se plantea, a través de pautas propuestas por el Colectivo, la consolidación de un espacio colaborativo que usa como medio la música de nuestro país, propiciando el intercambio de experiencias y metodologías en la forma de crear, explorar, profundizar y de conectar con el territorio, con lo local. Este tipo de experiencia, en primera instancia, permitió el desarrollo de ‘La suite millera’, un trabajo sinfónico cuya característica principal es el de la búsqueda e investigación de un lenguaje propio a partir del grupo de flauta de millo, basado en un proceso de creación colectiva, sin precedentes en nuestro país. El producto de aproximar los diversos lenguajes de las músicas colombianas a nuevos caminos estéticos para la creación de obras que incluyan otros territorios, la interpretación y puesta en escena de obras que involucran los diversos grupos de cámara y orquestales de la OFB, nos llevará ahora al Cauca y sus chirimías. "

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2022 Fotos: Gabriel Hernández Tinajero · Camilo inmotion RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA JAVIER VINASCO (Colombia) clarinete CARLOS EDUARDO BETANCUR (Colombia) piano Domingo 22 de mayo de 2022 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: XMC747 TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 EL RETORNO DE LO EFÍMERO La música se desvanece tan pronto como nace, es la suerte de la desdichada música. Leonardo da Vinci El año 2022 trae la oportunidad de volver a disfrutar la experiencia de la música en vivo en los diferentes espacios culturales del Banco de la República, y también la reapertura de uno de los escenarios más emblemáticos para la música de cámara en el país, nuestra Sala de Conciertos. Este momento, tan esperado por los amantes de la música luego de dos años, pone de manifiesto la inmanente necesidad humana de crear, compartir y deleitarse con el arte de los sonidos que, aunque se desvanezcan tan pronto como nacen, rondan nuestro inconsciente para ser recreados una y otra vez, y colmar de diversas sensaciones nuestros sentidos. La pandemia ha traído consigo valiosos aprendizajes que son el resultado de retarnos como individuos y como sociedad, así como de encontrar nuevas maneras de comunicarnos y de mantenernos en contacto por diferentes medios. Pero esta coyuntura también nos ha hecho aún más conscientes del valor del presente y, especialmente en lo que respecta a la experiencia de la música, de la maravillosa conexión in situ entre intérprete, compositor y público; una sinergia perfecta que no ha podido ser replicada por ningún medio digital. Este año, en el que se cumplen cincuenta y seis años de labor musical en el Banco de la República, se celebra el presente, la capacidad creativa del ser humano y el espíritu resiliente que nos ha acompañado. Con la participación de artistas nacionales como la pianista Laura Lambuley y las cantantes Betty Garcés y Urpi Barco, y de ensambles como La Sociedad y el cuarteto de guitarras Atemporánea rendimos homenaje al talento colombiano. Con las actuaciones de talentosas mujeres como la pianista lituana Muza Rubackyte, la arpista alemana Margret Köll, la cantante norteamericana Tierney Sutton y la cantante portuguesa Sofia Ribeiro celebramos no solo la diversidad de manifestaciones musicales sino la oportunidad de volver a compartir en nuestros escenarios con artistas de excelente nivel, provenientes de otras latitudes. Volveremos también a escuchar el órgano de nuestra Sala de Conciertos con el alemán Vincent Heitzer; y a disfrutar de las obras de cuatro jóvenes compositores y de más de veinte músicos que se presentan en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes, programa que por más de treinta 2 y cinco años ha servido de plataforma para impulsar la carrera de músicos colombianos. Esta Temporada ofrece experiencias inolvidables, como el reestreno— ahora en vivo y en interpretación del violonchelista colombiano Santiago Cañón-Valencia— de La ruta de la mariposa, obra comisionada por el Banco de la República en 2019 al compositor colombiano Damián Ponce de León. Asimismo, se estrenará la obra comisionada a Rodolfo Acosta, intérprete, improvisador, docente y gestor colombiano; con esta, el Banco completa un total de diecinueve obras que hacen parte de uno de sus proyectos de mayor envergadura, el encargo de obras a creadores colombianos. Los conciertos retrospectivos de Amparo Ángel, Moisès Bertran y Guillermo Rendón, que suman más de cincuenta recitales en vivo en la Sala de Conciertos, son una oportunidad más para celebrar la vida y la obra de aquellos compositores que han dejado y siguen dejando huella en la historia de las músicas colombianas. Volver a disfrutar de la música en vivo es retomar un ritual; regresar a la Sala de conciertos, para muchos, es retornar a su hogar, que ahora nos sorprende con nuevas luces luego de su remodelación. Para quienes visitan por primera vez este recinto es la oportunidad para vivir una programación de primer nivel en un espacio idóneo. Los invitamos a este retorno de lo efímero, a la experiencia de la música en vivo. Sección de Música Subgerencia Cultural Banco de la República 3 ACERCA DE LOS INTÉRPRETES Javier Vinasco, clarinete Clarinetista colombiano con 18 discos grabados como solista, uno de estos nominado a los Latin Grammy Awards. Entre los estrenos se destacan los conciertos que le han compuesto Andrés Posada, Diego Vega, Marco Alunno, Sergio Delgado y Miguel del Águila. La revista The Clarinet, de Estados Unidos, lo describió como «Un virtuoso en todos los sentidos de la palabra, pero es un virtuosismo discreto que siempre está al servicio de la música». Vinasco es licenciado en Música por la Universidad del Valle, diplomado del Conservatorio Statale di Musica di Latina ‘Ottorino Respighi’ (Italia), y maestro y doctor en Música de la Universidad Nacional Autónoma de México, grado que obtuvo con mención de honor y la medalla Alfonso Caso, máxima distinción de esta casa de estudios. Entre sus principales maestros de clarinete se encuentran Luis Humberto Ramos, Francesco Belli, Roberto Mantilla y Emilio Montoya. Es representante por Colombia ante la International Clarinet Association y es artista de las marcas D’Addario, Yamaha y Wurlitzer y del sello Cero Records. Ha actuado como solista en más de cincuenta ocasiones con orquestas de Latinoamérica y ha formado parte de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y de la Orquesta Sinfónica EAFIT; además, ha sido clarinetista principal invitado de la City of London Sinfonia y de la Orquesta Sinfónica del Estado de México. Como recitalista, se ha presentado en Japón, Europa y las Américas, bien como solista, a dúo con la pianista mexicana Edith Ruiz o con el Cuarteto Q-Arte. Ha sido ganador, en tres ocasiones, de las convocatorias del Ministerio de Cultura de Colombia, en las categorías de composición, producción discográfica, y creación y circulación virtual, así como de los concursos de interpretación musical de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Orquesta Sinfónica de Colombia y la organización El Dorado de Buenos Aires. Ha desarrollado su labor docente en la Pontificia Universidad Javeriana, Universidad de los Andes, Colima, Conservatorio Antonio María Valencia Foto: Gabriel Hernández Tinajero 4 y Universidad EAFIT, en donde fue jefe del Departamento de Música. Ha impartido clases magistrales en Indiana University, University of Maryland, Duquesne University, Shenandoah Conservatory, Virginia Tech, UNAM, El Sistema, Universidade de Brasilia, Universidad Católica del Perú y las universidades nacionales de Costa Rica, Panamá y Colombia, entre otras. Conozca más acerca de Javier Vinasco javiervinasco.com/ www.youtube.com/channel/UCGmfSvnes13twbZ_GSC_11g open.spotify.com/artist/23vnlynyJS9ut8ixWF0dCP?si=f JLaSFR 8RQyaKPrl8ch-3Q&dl_branch=1 www.facebook.com/JavierVinascoClarinete/?ref=pages_you_ manage www.instagram.com/javier.a.vinasco/ Carlos Eduardo Betancur El pianista y clavecinista Carlos Betancur ha sido galardonado en diferentes competencias nacionales e internacionales: ocupó el segundo lugar en los concursos nacionales Petroff y EAFIT-Yamaha (Colombia), recibió mención de honor en el concurso internacional de piano de Chautauqua (Estados Unidos), obtuvo el primer lugar en el concurso Cittá di Padova (Italia) en la modalidad de piano a cuatro manos con la pianista Ana Orduz, y fue ganador de los premios nacionales de cultura (Colombia) en la modalidad de interpretación musical. Ha ofrecido recitales de música de cámara y como solista en salas de Estados Unidos, Canadá, Panamá, España, Chile, Italia y Colombia. Obtuvo su título de pregrado en piano en la Universidad de Antioquia, y posteriormente realizó estudios de maestría e Foto: Camilo Inmotion n interpretación del piano en The 5 University of Toledo (Estados Unidos), y de doctorado en interpretación y pedagogía del piano en The University of Iowa (Estados Unidos). También realizó una maestría en música antigua y clavecín en McGill University, en Montreal (Canadá). En 2018 fundó Spicata Ensamble, una agrupación especializada en el repertorio de los siglos xvii y xviii. Coordinó el área de piano y fue jefe del Departamento de Música de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia (Colombia), donde actualmente se desempeña como docente. También ha sido profesor en The University of Iowa, The University of Toledo y la Universidad EAFIT. Es cofundador de la Academia de Música y Artes Artelírica. Conozca más acerca de Carlos Eduardo Betancur www.youtube.com/user/carlosebetancurb www.facebook.com/carlos.betancur2 www.instagram.com/carlosbetancurmusica/ 6 Pacific Serenade (1998) Con nostalgia Semplice Theme Recitando, espressivo e molto rubato MIGUEL DEL ÁGUILA (n. 1957) Original para clarinete y cuarteto de cuerdas Arreglo para clarinete y piano del compositor Sonata para piano y clarinete (1990) Misterioso Adagio Presto DIEGO VEGA (n. 1968) Última luna (2018) VALERIA ROMERO (n. 1986) Milonga (2010) MIGUEL DEL ÁGUILA Original para orquesta de cámara Versión para clarinete y piano del compositor INTERMEDIO Reminiscencias (1994) EDUARDO GAMBOA (n. 1960) Original para violonchelo y piano Versión para clarinete y piano del compositor Seis sones sencillos (1954-1964) Son sencillo No. 1 Son sencillo No. 2 Son sencillo No. 3 Son sencillo No. 4 Son sencillo No. 5: Allegretto Son sencillo No. 6: Lento e rubato CARLOS FARIÑAS (1934-2002) Original para piano solista Adaptación para clarinete y piano de Javier Vinasco (n. 1972) Transparencias (s. f.) Torito Arrullo ¡Rompe! Jarabe EDUARDO GAMBOA Original para flauta y trío de cuerdas Adaptación para clarinete y piano de Javier Vinasco bajo la supervisión del compositor PROGRAMA 7 NOTAS AL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria La obra no adquiere su definición sino a través del intérprete. Gisèle Brelet El epígrafe con el que se inician estas notas se enmarca en la discusión planteada, hace más de medio siglo, sobre el rol de la interpretación en la música. Gisèle Brelet (1915-1973), musicóloga francesa, aportó interesantes reflexiones sobre este tema; sus ideas, comentadas por Enrico Fubini, nos hablan del valor de la interpretación como creación, en un nivel similar al de la composición, dada la naturaleza de la música: La música, arte del tiempo por excelencia, se caracteriza por la dualidad que suscita entre obra concebida y obra realizada, dado que la obra real, viviente, no puede existir más que en la realidad temporal. […] Puesto que la naturaleza del tiempo es de una ‘esencial actualidad’, la necesidad de un intérprete se revela súbitamente como congénita a la naturaleza en sí del arte de los sonidos; esto significa, ni más ni menos, ‘la necesidad, en relación con la obra, de una actualización siempre nueva y de un constante renacer’1 (Fubini, 1994, p. 118). En el programa de hoy los encargados de dar vida a las obras son Javier Vinasco, en el clarinete, y Carlos Eduardo Betancur, en el piano. Dos aspectos aparecen como interrogantes iniciales: uno, ¿cuáles fueron los criterios para la selección del programa?, y dos, ¿por qué arreglos y no obras originales? Sobre el primero, explica Javier Vinasco: Los criterios con que seleccioné las obras de este programa fueron básicamente dos: por un lado, quisiera mostrar la amplia diversidad en la creación musical en torno al clarinete que hay en Latinoamérica, la cual he podido constatar a través de mi experiencia, y por otro, presentar un conjunto de obras en las que se pueden apreciar, con mayor o menor nivel de elaboración, influencias de las músicas populares, autóctonas y folclóricas de los seis diferentes países aquí representados musicalmente (Vinasco, 2022). Sobre el segundo interrogante, responde: Acostumbro incluir arreglos en mis conciertos, junto a composiciones originalmente escritas para el clarinete, porque a través de ellos puedo abordar música de grandes 1 Fubini toma las citas textuales (entre comillas) de L’interprétation créatrice, de Gisèle Brelet, 1951. 8 autores que son de mi interés musical pero que, por diferentes razones, no escribieron para este instrumento […]. La adaptación o arreglo ha sido, por demás, común en la historia de la música y practicada por grandes autores, como Beethoven, Schoenberg o Mahler, entre muchos otros. No obstante, hago una salvedad necesaria, pues, así como hay música que no pierde su valor estético y cualidades intrínsecas e inmanentes al ser interpretada en versiones diversas, hay otra que es muy específica y de escritura altamente idiomática, por lo que no permite ser transcrita, pues se iría en detrimento de su esencia musical y forma de expresión (Vinasco, 2022). Miguel del Águila (n. 1957), compositor uruguayo, inició su formación musical en su natal Montevideo, con Vicente Ascone y Baranda Reyes. Continuó su educación en el San Francisco Conservatory, en Estados Unidos, seguida por estudios de posgrado en la Universität für Musik und Darstellende Kunst y el Konservatorium der Stadt Wien en Viena, Austria. Sobre su aproximación a la composición, afirma: «Me esfuerzo por escribir música que sea sincera y que despierte emociones intensas en el intérprete y el oyente. Música que exprese mi humanidad, mi época, mi geografía y mi herencia latina» (Del Águila, s. f.). Pacific Serenade, compuesta en 1998, fue encargada y estrenada ese mismo año por Pacific Serenades Ensemble. El compositor reseña: El nombre del conjunto ayudó a inspirar este trabajo, así como su tema: una serenata romántica, destinada a ser interpretada de noche bajo las estrellas. El ‘cantante’ principal aquí es el clarinete. En general, la música es extremadamente tranquila, delicada, sensual y sentimental. La sensualidad es creada por el uso de modismos folclóricos sudamericanos, especialmente el choro brasileño, que a veces se combina con melodías de blues y armonía de jazz. (Del Águila, s. f.). En cuanto a Milonga, Javier Vinasco rememora: En 2017 decidimos, con Miguel del Águila, grabar un álbum con su música para clarinete y piano; él adaptó algunas de sus composiciones para esta combinación. Ejemplo de ello es Milonga, originalmente escrita para orquesta de cámara, como movimiento final de su suite Salón Buenos Aires (Vinasco, 2022). El compositor, en su reseña sobre la obra, afirma: Milonga [es] un baile ligero y alegre inspirado en el carácter de la primera milonga uruguaya (un baile de ritmo rápido que precedió al tango). Aquí, el ritmo de la milonga se distorsiona en patrones irregulares y en constante cambio, que impulsan la pieza hacia adelante. Hacia el final, la música parece quedar atrapada en su propio frenesí rítmico y termina con una reiteración cada vez mayor del tema (Del Águila, s. f.). 9 Diego Vega (n. 1968) es uno de los compositores colombianos más activos y más frecuentemente interpretados en los Estados Unidos, Europa y Latinoamérica. Vega se graduó como compositor de la carrera de Música en la Universidad Javeriana, en Bogotá (Colombia), y posteriormente obtuvo su maestría en Música en el University of Cincinnati College-Conservatory of Music, y su doctorado en Artes Musicales en Cornell University, en Ithaca, Nueva York. Entre sus profesores de composición se destacan Guillermo Gaviria, Ricardo Zohn-Muldoon, Joel Hoffman, Roberto Sierra y Steven Stucky. Acerca de la Sonata para piano y clarinete: […] fue compuesta en 1990, cuando Vega era estudiante de composición en la Universidad Javeriana, y estrenada en Bogotá por el clarinetista Héctor Pinzón y la pianista Radostina Petkova. La pieza se estructura en tres movimientos cuyas formas y tempos siguen la tradicional organización de las sonatas instrumentales clásicas. El primer movimiento, que se inicia con una introducción del clarinete solo, está compuesto en forma sonata y contrasta dos áreas temáticas derivadas rítmicamente del bambuco colombiano […] Como contraste, el segundo movimiento, en forma ternaria, es lento y más lírico. Todo su contenido interválico y melódico se deriva de la idea inicial introducida por el clarinete solo. Finalmente, el tercer movimiento, una especie de tocata en forma rondó, culmina la pieza con un carácter más rítmico y juguetón (Gaviria, 2007). Valeria Romero (n. 1986) es pianista, compositora y educadora argentina. Entre sus trabajos podemos encontrar obras para música de cámara, orquesta de cuerdas, orquesta sinfónica y para instrumentos solistas. Sus composiciones, en las que muestra una particular sensibilidad, han sido interpretadas en Argentina, México, Colombia, Perú, Estados Unidos, Australia, Chile y España, entre otros países. En sus palabras, «nuestro arte deja al descubierto por completo nuestro ser, y compartirlo, con todo lo que eso implica, creo yo, es un acto de valentía» (Romero, s. f.). En cuanto a Última luna, comenta Javier Vinasco: Esta breve pieza escrita en 2018 presenta la siguiente dedicatoria: ‘A la memoria de mi papá y de todos los seres queridos que permanecen en mi corazón’. Creo que ese epígrafe describe bien el carácter melancólico y doliente de la obra. La escritura, lírica para el clarinete, es altamente idiomática para el piano e incorpora una armonía tonal variada y rica en sutilezas, que bien podría etiquetarse como neorromántica (2022). Eduardo Gamboa (n. 1960), compositor mexicano, se formó con la guía de Joaquín Gutiérrez Heras y se graduó del Trinity College de Londres. Su obra incluye música de concierto, tanto de cámara como sinfónica, así como una vasta producción de música para cine y teatro. Ha recibido premios 10 y distinciones, como el Mayahuel del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, por la música de Ciudades oscuras (2002). Sobre su relación con Gamboa y su obra, Vinasco expresa: A partir de la escucha de un recital del flautista León Giraldo, en Medellín, me interesé por la música de Eduardo Gamboa. Entré en contacto con el compositor y amablemente me facilitó toda su música de cámara. Decidí pedirle que adaptara para clarinete y piano Reminiscencias y Transparencias. Reminiscencias, dedicada a Alvaro Bitrán, chelista del Cuarteto Latinoamericano, evidencia la riquísima vena melódica de Gamboa. En la simplicidad en el manejo de los elementos de la composición y la transparencia de la textura radica, quizás, su belleza; mientras que su melodía alcanza la cualidad poco frecuente de quedar resonando en el oído de quien la escucha, alargando con ello el disfrute de esta música (2022). Acerca de Transparencias: «En la versión para clarinete y piano, con autorización del compositor, adapté la parte melódica para el clarinete, y con ayuda de Carlos Betancur, se hizo más idiomática la parte del piano» (Vinasco, 2022). Gamboa habla así sobre su obra: Fue el gran flautista brasileño Tadeu Coelho, a quien conocí en Zacatecas en un festival de música de cámara [1997], quien me dijo: ¿por qué no compones una obra para flauta, violín y chelo? Él nunca había oído nada de mi música, pero hicimos tan buena química y amistad inmediata que confió en mí y entonces escribí Transparencias, que es tan vistosa, le gusta tanto a los flautistas y es la que más se toca en el mundo de todas las que he compuesto (Gobierno de México. Secretaría de Cultura, 2017). Carlos Fariñas (1934-2002), compositor y educador cubano, fue alumno de José Ardévol, Harold Gramatges y Enrique González Mantici. Cursó estudios superiores en el Berkshire Music Center (Estados Unidos) —que luego se transformaría en el Tanglewood Music Center— y, posteriormente, en el Conservatorio Estatal de Moscú P. I. Tchaikovsky. Dirigió la Escuela de Música Alejandro García Caturla y el Departamento de Música de la Biblioteca Nacional José Martí. Se reconoce en su obra una cualidad expresiva directa y sutil. La música de Fariñas es natural. Ahí está su fuerza, su poder de fascinación y acaso su victoria ante el tiempo. Toda su erudición, su dominio técnico, su conocimiento de estilos, de conceptos, no perturban nunca esa naturalidad de su música. Fariñas usa su meticuloso sentido del oficio para que esta siempre fluya, siempre se comprenda, siempre se goce, siempre nos conmueva (Corrales, 2021, p. 12). 11 Acerca de Seis sones sencillos, la memoria de Vinasco es clara, al igual que sus conceptos sobre la obra: Entré en contacto con los Sones sencillos de Carlos Fariñas, tocando bajo la batuta de Manuel de Elías un hermoso arreglo del Son sencillo No. 6, hecho por Gonzalo Romeu. Busqué la versión original de los sones y, a partir de ahí, elaboré la presente adaptación, que agrega el clarinete. Los Seis sones sencillos fueron escritos en un arco de tiempo amplio, entre 1954 y 1964, lo cual no obra en detrimento de su unidad estilística. Quizás su nombre se origine en su brevedad y simplicidad estructural, que no en la complejidad rítmica y la armonía altamente sofisticada (2022). Referencias Corrales, G. (2021). Fariñas. El Sincopado Habanero. Vol. VI. Recuperado de https://gabinete.cubava.cu/sincopadohabanero/ Del Águila, M. (s. f.) Miguel del Águila. Recuperado de https://migueldelaguila.com/ Fubini, E. (1994). Música y lenguaje en la estética contemporánea. Madrid: Alianza Gaviria, G. (28 de mayo de 2007). Notas al programa Christopher Jepperson, clarinete; Serguei Schikov, piano. Fundación Mazda. Gobierno de México. Secretaría de Cultura. (2017). Compongo lo que me nace y con bastante irresponsabilidad: Eduardo Gamboa. Recuperado de https:// www.gob.mx/cultura/prensa Perkins, R. (2010). Mulher Rendeira – A versão autentica. Rhythm and roots. Recuperado de https://rhythmandroots.wordpress.com/ Romero, V. Valeria Romero. Recuperado de https://www.valeriaromero.com.ar Vinasco, J. (4 de marzo de 2022). Re: Saludo y favor. [Entrevista por correo electrónico]. Bibliografía Brelet, Gisèle. L’interprétation créatrice. Paris: Presses Universitaires de France,1951. Impreso. 12 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Alex Alfaro Foto: Pablo Mier PULEP: KZT710 PULEP: KDG627 Jueves 2 de junio · 6:30 p.m. Miércoles 25 de mayo · 7:30 p.m. JULIÁN CAMILO LERMA (Colombia), viola Serie de los jóvenes intérpretes URPI BARCO (Colombia), cantante Música y músicos de Latinoamerica y del mundo $10.000 $6.000 $6.000 $10.000 Foto: Hans Morren Foto: Paula Castro PULEP: LJM437 PULEP: YKZ285 CAPPELLA PRATENSIS (Países Bajos), ensamble vocal JUAN PABLO COSME (Colombia), piano Domingo 5 de junio · 11:00 a.m. Jueves 26 de mayo · 6:30 p.m. Música antigua para nuestro tiempo Serie de los jóvenes intérpretes 13 Foto: Waiden Olvany Cárdenas Torres Roots Drums Photo Foto: Paola Enciso Foto: Hiscabrass PULEP: DLY327 PULEP: WBD192 PULEP: OEF282 Jueves 9 de junio · 6:30 p.m. Miércoles 8 de junio · 7:30 p.m. Jueves 16 de junio · 6:30 p.m. NOSSO DÚO (Colombia), flauta y guitarra Serie de los jóvenes intérpretes TRES PALOS ENSAMBLE (Colombia), trío de maderas Recorridos por la música de cámara HISCABRASS (Colombia), quinteto de metales Serie de los jóvenes intérpretes $10.000 $6.000 $6.000 $10.000 $6.000 Foto: Cristóbal de la Cuadra Foto: Edward Mesa PULEP: LQF789 PULEP: PAE839 BETTY GARCÉS (Colombia), soprano ANTONIA VALENTE (Italia), piano WUILMER LÓPEZ (Colombia), arpa llanera Domingo 12 de junio · 11:00 a.m. Jueves 30 de junio · 6:30 p.m. Recorridos por la música de cámara Serie de los jóvenes intérpretes 14 Betty Garcés, soprano (Colombia) · Foto. Cristóbal de la Cuadra TEMPORADA NACIONAL DE CONCIERTOS Banco de la República 2022 Consulte toda la programación en www.banrepcultural.org/actividad-musical Compre sus boletas en línea