La hipnosis es un tema controversial y estigmatizado. Las múltiples investigaciones de las últimas décadas han permitido tanto derrumbar mitos, como evidenciar sus mecanismos y aplicaciones, y cómo estos contribuyen al bienestar de las personas. El objetivo de este trabajo es describir las aplicaciones actuales de la hipnosis clínica en el contexto latinoamericano. Con este fin se realizó una revisión sistemática de la literatura en las bases de datos Lilacs y SciELo, empleando los términos “hipnosis”, “hipnosis clínica” y “Latinoamé- rica”. Se incluyeron revisiones de la literatura, artículos originales que tuvieran poblaciones latinoamericanas y presentaciones de caso, publicados entre 1990 y el 2016, escritos en español. La búsqueda inicial arrojó 202 artículos; después de eliminar replicaciones y los que no cumplían criterios de inclusión, 20 artículos fueron incluidos en la revisión. Las aplicaciones de la hipnosis descritas incluyen manejo del dolor, preparación a la cirugía, tabaquismo, problemas gastrointestinales y otras condiciones médicas, aplicaciones en niños y adolescentes, etcétera. Desafortunadamente, los estudios revisados tienen importantes falencias metodológicas, lo que dificulta extraer conclusiones sólidas. A pesar de que la hipnosis es eficaz, práctica, costo-efectiva y aplicada en una gran variedad de problemas clínicos, la evidencia que avala su uso en el contexto latinoamericano es muy limitada. Se requieren investigaciones con una metodología más rigurosa que permitan evidenciar su eficacia en este contexto.

El patrón de apego establecido en la infancia tiende a repetirse en las relaciones futuras, como en la conyugalidad, pudiendo facilitar o dificultar tal relación. En ese sentido, se investigó la relación entre el patrón de apego primario y el patrón de unión que se establece entre las parejas y su influencia en el ajuste marital por medio de un diseño transversal y comparativa con enfoque cuantitativo. Participaron 100 parejas heterosexuales que respondieron el Formulario de Contacto Primero, el Cuestionario de Vinculación con el Padre y la Madre, la Escala para evaluar la Experiencia de Relaciones Cercanas y la Escala de Ajuste Conyugal. Los resultados indicaron la asociación entre el patrón de apego primario seguro y menores niveles de evitación entre la pareja y las relaciones bien ajustadas y sin sufrimiento, mientras que los patrones preocupados y desinvestidos se relacionaron con mayores niveles de evitación y relaciones desajustadas y con sufrimiento. Los datos revelan características importantes de la dinámica conyugal, que pueden fundamentar la terapia de parejas con vistas al desarrollo de lazos de afecto que contribuyan al bienestar conyugal.

Este estudio evaluó los efectos de un programa de intervención en el miedo a conducir. El estudio incluyó la evaluación de: la función de comportamientos de participantes con miedo de conducir; la exposición a la realidad virtual; la capacidad del simulador de generar sensación de presencia y ansiedad; y el cybersickness. Participaron 6 adultos que se quejaban de miedo o fobia a conducir, con edades entre 22 y 54 años, y que poseían pase de conducción. Se utilizó un simulador de conducción de vehículo. El procedimiento consistió en un diseño línea de base múltiple no simultánea, con 11 a 14 sesiones. Los pasos incluyen: entrevista; el establecimiento de la línea base; intervención (exposición a la realidad virtual y evaluaciones funcionales); cerramiento y seguimiento después de 1 y 3 meses. Los participantes no conducían antes del programa de intervención y comenzaron a hacerlo, tanto en el ambiente virtual como en el no virtual, y reportaron una reducción de la ansiedad. Se concluyó que la exposición a la realidad virtual, en combinación con la evaluación conductual-funcional, contribuyó a que los participantes manejaran más y con menos miedo.

Concierto interpretado por el grupo Cantus Cölln. Fundado por Konrad Junghanel en 1987, el ensamble Cantus Colln rápidamente fue reconocido como uno de los grupos más destacados en el ámbito musical internacional. El grupo se ha dedicado fundamentalmente al repertorio vocal italiano y alemán del Renacimiento y el Barroco, y ha tenido una gran resonancia tanto entre la críticaespecializada como entre el público por su redescubrimiento estudio y divulgación de repertorio olvidado.

Concierto interpretado por las agrupaciones vocales Sequentia y Diálogos. El ensamble Sequentia fue fundado en 1977 por Benjamín Bagby y Barbara Thornton, es uno de lo conjuntos de música medieval más respetada e innovador en el mundo. Bajo la dirección de Benjamin Bagby cuenta con una trayectora de más de un cuarto de siglo de giras internacionales, una discografía que cubre la totalidad de la Edad Media (incluyendo la obra completa de Hildegard von Bingen), y películas y producciones de dramas medievales para el cine y la televisión. Por otro lado Díalogos, el conjunto vocal fundad por Katarina Livljanic en 1997, se especializa en repertorio medivales, en el confluyen la investigación musicológica con una vigorosa y expresiva musicalidad. Está conformado por voces femeninas y masculinas según las necesidades de programas de concierto específicos.

Concierto interpretado por The Dufay Collective. Esta agrupación nació en 1987 con el propósito de explorar la riqueza y variedad del repertorio musical de la Edad Media y el Renacimiento. Está conformado por seis miembros quienes trabajan juntos pero, como su nombre lo indica, sin director. El éxito arrollador de estos 8 años de intensa actividad ha llevado al Dufay Collective a escenarios de Francia, Alemania, Hungrra, España, Yugoslavia, Polonia, Bélgica y Dinamarca. El grupo ha participado como invitado especial en muchos festivales mundiales entre los cuales cabe mencionar los de Hong Kong, Perth, Moscú y El Cairo. En 1992 adelantó una intensa gira por los países del medio oriente.

Foto: Mauricio Arcila CAFECITO Y CAÑA música colombiana (Colombia) Jueves 5 de abril de 2018 · 3:00 p.m. Armenia, Centro de investigación y documentación musical del Quindío Cód. PULEP: BOE464 Jueves 12 de abril de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: MRM422 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Armenia, el ingreso al Centro de investigación y documentación musical del Quindío es por la puerta principal. Las primeras sillas dispuestas para el concierto son de uso preferencial para público con movilidad reducida. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 CAFECITO Y CAÑA Los integrantes del dueto Cafecito y Caña, José Fabián Fajardo y Mauricio Arcila, llegaron a la música a través de la estrategia realizada por la fundación Musicoral, creadora del Concurso Interveredal de Música Andina Colombiana Solitario Andino. Este evento abrió la posibilidad a todos los chicos del área de aprovechar su tiempo libre dedicándose a la música, el teatro, el taekwondo y la educación ambiental. Se iniciaron como el Dueto Infantil Cafecito y Caña en el año 2008, dentro del programa de la Escuela de Música de Chicoral, en el Valle del Cauca, bajo la dirección de la maestra Ángela María Moncada. Entre 2010 y 2013, a raíz del cambio de voz, se concentraron en el trabajo instrumental y conformaron, con otros cuatro músicos, la estudiantina de la Escuela de Música de Chicoral, con la que participaron en festivales en Tuluá, Cajibío, Santander de Quilichao y Sogamoso. Posteriormente conformaron el grupo vocal de la Escuela de Música de Chicoral, con el que participaron exitosamente y ganaron primeros lugares en Aguadas (2011 y 2012), Santa Fe de Antioquia (2012), Pereira (2012), CAFAM (2012), la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República (2013) y el Festival Mono Núñez (2013), en el que fueron nominados al Gran Premio. También hicieron parte del Trío Escuela de Música de Chicoral, que participó en el Primer Concurso Nacional de Tríos Juveniles; y del Trío Novel (Cali, 2013) que obtuvo el primer puesto. Participaron en el Festival Mangostino de Oro 2013 (Mariquita), en el que Fabián obtuvo el premio a mejor tiplista. En el 2013, el dueto Cafecito y Caña reinició actividades bajo la dirección del maestro Fernando Salazar Wagner y participó en los concursos de Armenia 2013, Ibagué 2014, Envigado y Floridablanca. En Colombia Canta y Encanta 2014 (Medellín) se le otorgó al dueto la distinción de ‘Joven Gestor Cultural’ por su trabajo en favor de la música andina colombiana. Participó en el Concurso de Duetos Príncipes de la Canción Ibagué 2014, 2015 y 2016 (segundo puesto), el X Concurso de Duetos Ciudad de Cajicá (primer puesto), el XXIX Concurso de Música Andina Hato Viejo–Cotrafa, en Bello (segundo puesto categoría vocal), el Concurso de Duetos Hermanos Moncada, en Armenia (primer puesto y Gran Moncada de Oro), el Concurso de Duetos Hermanos Martínez 2015, en Floridablanca, Santander (segundo puesto, y Fabián, mejor segunda voz), y el 42º Premio Mono Núñez, Ginebra, 2016 (Mejor dueto y Gran Premio Mono Núñez categoría vocal). El concierto en Armenia cuenta con el apoyo del Centro de documentación e investigación musical del Quindío y de Pregoneros de la música, Sonodisa. 2 PROGRAMA Ojos miradme (1938) ‘JOSÉ MACÍAS’ (1912-2003) Arreglo por Fernando Salazar Wagner (n. 1959) y José Fabián Fajardo (n. 1996) Tupinamba (s. f.) ADOLFO LARA OLARTE (1881-1953) Arreglo por Fernando Salazar Wagner Trocha de lágrimas (s. f.) FRANCISCO BEDOYA (1915-2004) LUIS CARLOS GONZÁLEZ MEJÍA (1908-1985) Arreglo por José Fabián Fajardo A nadie (2009) FERNANDO SALAZAR WAGNER (n. 1959) ANCÍZAR CASTRILLÓN SANTA (n. 1953) Arreglo por José Fabián Fajardo Migas de silencio (1988) LEÓN CARDONA GARCÍA (n. 1927) Arreglo por Fernando Salazar Wagner y José Fabián Fajardo La llamita (1979) GUSTAVO ADOLFO RENGIFO ROMERO (n. 1953) Arreglo por Fernando Salazar Wagner y José Fabián Fajardo La lluvia de tu amor (2012) FERNANDO SALAZAR WAGNER ANCÍZAR CASTRILLÓN SANTA Arreglo por Fernando Salazar Wagner El bambuco es así (2009) FERNANDO SALAZAR WAGNER ANCÍZAR CASTRILLÓN SANTA Arreglo por Fernando Salazar Wagner INTERMEDIO 3 Prefiero no verte (s. f.) JOSE ALEJANDRO MORALES (1913-1978) Arreglo por Fernando Salazar Wagner y David Ocampo Ciro (n. 1996) Cuando llegan las tardes (s. f.) JOSE ALEJANDRO MORALES Arreglo por Fernando Salazar Wagner y David Ocampo Ciro Copito de yerbabuena (s. f.) ‘JOSÉ MACÍAS’ Arreglo por Fernando Salazar Wagner Reproche (s. f.) LUIS URIBE BUENO (1916-2000) MARIA ISABEL RUBIO TRUJILLO (1915-1995) Arreglo por David Ocampo Ciro Todo lo amo en ti (s. f.) LUIS MARIO MORALES RIVERA (n. 1956) SONIA OBANDO DE CARVAJAL (s. f.) Arreglo por Cafecito y Caña Fuego de amor (s. f.) LUIS URIBE BUENO Arreglo por Fernando Salazar Wagner y David Ocampo Ciro Ruego (s. f.) CARLOS VIECO ORTIZ (1900-1979) ALEJANDRO MÚNERA (s. f.) Arreglo por Fernando Salazar Wagner Mi pañuelito encarnado (s. f.) ELENA CHAVARRIAGA (s. f.) Arreglo por Fernando Salazar Wagner CONCIERTO No. 16 4 NOTAS DE PROGRAMA Manuel Bernal Martínez El concierto de este día es una interesante muestra de las contradicciones en que se mueven, desde hace ya varias décadas, los intérpretes de música vocal asociados a ese imaginario común que se denomina región andina colombiana. Acostumbrados como estamos a una visión folclorizante de unas prácticas que fueron realmente urbanas, vinculadas a la industria musical y del entretenimiento, con creadores que se movieron en diferentes estilos musicales y con diversos tipos de formación, todo ello da lugar a que las fronteras entre conceptos como música tradicional y música popular sean borrosos y algo confusos. A ello contribuye, desde hace medio siglo, el espacio de festivales y concursos de nivel local, departamental o nacional, que fueron fundados desde el alarmismo fatalista de que ciertas prácticas musicales iban a desaparecer y, por lo tanto, era una obligación moral, casi que un apostolado, ‘rescatarlas’, ‘apoyarlas’ y ‘darlas a conocer a las nuevas generaciones’. Es este espacio, el de concursos y festivales, un complejo campo de discusiones y prácticas de representación. El dueto vocal que hoy nos acompaña nació como parte de un proceso social y artístico muy valioso que se desarrolla desde hace más de una década en la vereda de Chicoral, en La Cumbre, cerca de Bugalagrande y Andalucía, al norte del departamento del Valle del Cauca. La Fundación Música de Chicoral empezó con la conciencia de que en la zona no había práctica musical más o menos estructurada alrededor de los géneros de música regional, en parte porque la presencia de los medios había hecho que se pasara cada vez más de la producción de música en familia o grupos de vecinos al consumo e imitación de lo que se difunde con fines comerciales. Fue por ello que, desde el comienzo, se habló de sembrar o construir, más que de rescatar, unas prácticas alrededor de la voz y de los instrumentos de cuerda, en géneros como bambuco, pasillo, torbellino, danza o vals criollo. Para gran parte de los muchachos que iniciaron este proceso, el repertorio utilizado por los músicos que fueron vinculándose al proyecto de formación musical era prácticamente nuevo, y he allí una primera contradicción. En relación con lo anterior, uno de los integrantes del dueto comenta que este «se fundó cuando éramos niños [...] comenzamos con Ángela María Moncada, interrumpimos el trabajo por el proceso del cambio de voz y luego retomamos bajo la asesoría de Fernando Salazar». Tanto Moncada como Salazar son reconocidos intérpretes y compositores y tienen una amplia y exitosa trayectoria en festivales y concursos. «El trabajo se orientó hacia la evocación del repertorio 5 más común para el público» y fue escogido desde las posibilidades de desarrollo musical del dueto, sin darle tanta importancia a los textos en sí mismos. Puede verse allí otra contradicción, aunque en la actualidad ello es aparente. La mayoría de composiciones corresponden a las décadas centrales del siglo pasado y, por lo tanto, reflejan en sus palabras unos modelos de relaciones sociales y personales que no necesariamente se corresponden con las realidades de hoy en día. En general, podríamos afirmar que muestran una sociedad patriarcal, un vínculo nostálgico con lo rural y unas relaciones amorosas en las que la mujer no es sujeto y protagonista del amor, sino objeto del amor del hombre; se trata de unos amores difíciles, que se sufren y que fácilmente pueden llevarnos a la desdicha. José de Jesús Mazo Martínez (1912-2003), cuyo nombre artístico es ‘José Macías’, escribió en su bambuco Ojos miradme: «ojos, miradme, Dios mío, / no importa que sean fatales / y que como dos puñales / desgarren el pecho mío»; y en Copito de yerbabuena: «tú bien sabes que te quiero / y me haces padecer / porque sabes que me muero, / me muero por tu querer». Adolfo Lara Olarte (1881-1953), el ‘pote Lara’, en su danza Tupinamba manifiesta que «desde entonces yo marcho errabundo, / sin halagos ni amor por el mundo [...] no desoigas mi voz dolorida [...] y recuerda que llevo en el alma, / ¡ay!, profundo dolor». En Trocha de lágrimas, un bambuco con texto de Luis Carlos González Mejía (1908-1985) al que Francisco Bedoya Ríos (1915-2004) puso la música, dice «porque desde que te fuiste, / como espina que se arranca, / te está siguiendo mi anhelo / por una trocha de lágrimas». José Alejandro Morales López (1913-1978), en Prefiero no verte, canta que «por eso es mejor no verte / aunque me mate la pena»; y en Cuando llega la tarde, «y al mirar que no vuelves, / maldigo la vida, maldigo la muerte, / que me robó tu amor». Luis Uribe Bueno (1916-2000) puso música a un texto de María Isabel Rubio Trujillo (1915-1995) que dio origen al bambuco Reproche: «Me has dado por caridad / tus besos, pero no quiero / que, aunque adorándote muero, / me beses hoy por piedad». Por su parte, Carlos Vieco Ortiz (1900-1979) musicalizó Ruego, un poema de amores trastocados de Alejandro Múnera (s. f.), en el que «solo queda el recuerdo de tus besos / para amargar el néctar de mis penas». En esta misma senda, León Cardona García (n. 1927) compuso el pasillo Migas de silencio: «... pero no somos ya los dos, / somos solo otra gente / que vive en este mundo / a la buena de Dios». 6 Por supuesto, no todo es desgracia amorosa, porque el amor es también bálsamo sanador, refugio para las penas y motivo de regocijo. «... ora sí que’stoy contento [...] Quero que to’el mundo sepa / que vos y yo nos queremos», nos dice Elena Chavarriaga (s. f.) en Mi pañuelito encarnado. «Tus besos serán rocío / que en este fuego de amor / mitigarán el dolor / del pobre corazón mío», dice también el ya citado Uribe Bueno en su bambuco Fuego de amor. A propósito de metáforas con el fuego, el amor empieza a cambiar de sentido en el tratamiento que de él hacen algunos compositores de producción algo más reciente. El bambuco La llamita, de Gustavo Adolfo Renjifo Romero (n. 1953), además de otras cosas bellas manifiesta que «es una llama distinta / la llama de nuestra leña: / ni apaga, ni da cenizas, / ni hace marchitar la hierba». La colaboración entre Luis Mario Morales Rivera (n. 1956) y Sonia Obando de Carvajal (s. f.) dio lugar a Todo lo amo en ti, cuyo título es suficiente presentación. Más recientemente, Fernando Salazar Wagner (n. 1959) y Ancízar Castrillón Santa (n. 1953) hacen dupla para presentarnos temas como A nadie («A nadie contaré que tú me abrazas / en el etéreo mundo de mis sueños, / nadie sabrá jamás que estás presente / cual cotidiana musa de mis versos») y La lluvia de tu amor («Fuiste lavando a diario y poco a poco / el dolor pertinaz de otras heridas, / y encontré que la luz de tus ojazos / habría de iluminar las sombras mías»). Ya en otro tipo de temática, El bambuco es así le canta al nacionalismo encarnado en género musical, instrumentos y sentimientos. Volviendo al dueto, algunos críticos perciben como anacrónico el que un par de jóvenes sigan cantando un repertorio tan trajinado, aunque no por ello deje de ser representativo y bello. Al fin y al cabo, en este tipo de música popular siempre ha existido una tendencia a lo que la literatura musicológica de habla inglesa designa como revival, porque el pasado sigue estando presente en los vínculos afectivos y simbólicos, que también se heredan por diversos caminos. Los integrantes del dueto afirman que «la idea es renovar el repertorio desde el punto de vista sonoro: ampliar las armonías, hacer un manejo más rico de las segundas voces, desarrollar la sonoridad, hacer algo más juvenil». El asunto es difícil porque los espacios en que se han movido conllevan una exigencia hacia el repertorio ya consolidado y conocido por el público, como el que se acaba de describir. Vaya dilema. ¿Qué hacer? «En este momento estamos en un proceso de creación de repertorio, estamos experimentando con el formato instrumental de acompañamiento, agregando piano y bajo». Pero José Fabián y Mauricio también se dejan tocar por tendencias de la fusión o por trabajos de otros músicos, que se basan en el tratamiento académico del repertorio; incluso están buscando 7 ampliar escenarios, alternar con diferentes músicas y usar elementos digitales. La inquietud no es solamente de ellos, y el que dicha inquietud exista es un hecho importante. Hay que seguir en la búsqueda. Manuel Bernal. Candidato a Maestría en Musicología de la Universidad Nacional de Colombia. Veintiún años de experiencia como docente en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. PALO CRUZAO, música llanera (Colombia) Viernes 25 de mayo de 2018 · 7:00 p.m. Centro Cultural Metropolitano de Convenciones de Armenia Cód. PULEP: NNG829 Temporada Nacional de Conciertos 2018 Próximos conciertos en ARMENIA STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Cód. PULEP: KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Foto: Marco Borggreve Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia)

JOSÉ LUIS GALLO guitarra (Colombia) Del 22 de febrero al 20 de septiembre de 2018 Quibdó, Bogotá, Santa Marta, Ipiales, Cúcuta, San Andrés, Leticia, Riohacha, Manizales y Honda. Cód. PULEP: WUZ555. BQS454. NOM479. GRF414. HUB374. AFC587. NWV773. IBH281. PQI323. Foto: Diego Salamanca Bustamante Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA SÍGANOS EN TOME NOTA @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 JOSÉ LUIS GALLO guitarra Estudió música en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá con los profesores Sonia Díaz y Carlos Posada, y en el 2004 recibió el título de Maestro en Música con énfasis en guitarra clásica. Posteriormente viajó a Lyon (Francia) donde estudió en el Conservatorio Nacional de la Región de Lyon con el maestro Jesús Castro Balbi y, en el 2007, recibió el certificado de perfeccionamiento en guitarra de este conservatorio. En el mismo año comenzó sus estudios en el Conservatorio Regional Departamental de l’Haÿ les Roses al sur de París con la maestra Tania Chagnot y recibió en el 2009 el Diplôme d’Etudes Musicales en guitarra clásica por unanimidad y con felicitaciones del jurado. En el 2010 recibió el certificado de perfeccionamiento del mismo conservatorio. Foto: Diego Salamanca Bustamante 2 En el 2014 obtuvo el grado de máster en la Universidad Federal de Río Grande del Sur en Porto Alegre (Brasil), bajo la tutoría del profesor doctor Daniel Wolff. En paralelo a su actividad como solista y músico de cámara, Gallo es profesor en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá de las asignaturas de guitarra, ensamble de música latinoamericana, apreciación de la música, y dirige el programa ‘Recital en el hospital’. El concierto en Santa Marta cuenta con el apoyo de El concierto en Riohacha cuenta con el apoyo de El concierto en Honda cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Baião cansado (1980) MARCO PEREIRA (n. 1950) Flor das aguas (1989) Quarive (2017) Macumdé Cimarrona’o CARLOS LORA FALQUEZ (n. 1979) Estreno mundial Tres movimientos de Imaginario popular argentino (1999-2000) Pachamama Salamanca Velando al angelito MARCELO CORONEL (n. 1962) El jardín de las delicias (2017) Preludio Como un paseo en el aire El coro del lago Festejo CAMILO GIRALDO ÁNGEL (n. 1978) Estreno mundial Cantiga do sertão de la Suite brasileira No. 3 (2014) SÉRGIO ASSAD (n. 1952) Canción de cuna para Nito (2018) JOSÉ LUIS GALLO (n. 1980) Estreno mundial Zamba de la viuda GUSTAVO ‘EL CUCHI’ LEGUIZAMÓN (1917-2000) Arreglo por José Luis Gallo Amor proibido ANGENOR DE OLIVEIRA ‘CARTOLA’ (1908-1980) Arreglo por José Luis Gallo CONCIERTO No. 7 Este concierto no tiene intermedio. 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña En la actualidad, en donde las relaciones con lo ajeno se reducen a una búsqueda incansable de todas posibles diferencias, ora ideológicas ora físicas, en el programa de hoy se plantea la convivencia estética de elementos que por desgracia son entendidos, en algunos contextos, como conceptos aislados e incluso chocantes; la querella entre folclor y academia no cesa aún y parece que, en un esfuerzo por ignorar el bagaje histórico, cada vez son mayores las discrepancias irreconciliables entre vecinos geográficos. El guitarrista José Luis Gallo busca, por un lado, evidenciar los lugares de convergencia entre expresiones folclóricas de distintos lugares de Brasil, Argentina y Colombia y, por otro, dar voz a compositores nuevos. De esta manera, encontramos compositores con trabajos inmensamente concienzudos que a la fecha han sido mejor difundidos en ámbitos ajenos al de la guitarra clásica. Y es esta la intención de Gallo, insertar a estos compositores dentro del imaginario habitual del guitarrista, además de conciliar los mundos de lo popular y lo académico, ya sea con obras compuestas originalmente para el instrumento o con arreglos realizados, en este caso, por el mismo intérprete. Las obras que abren este programa pertenecen al brasilero Marco Pereira (n. 1950), profesor, musicólogo, guitarrista y compositor de formación clásica, pero permeado íntegramente por la música de su país, de otros ritmos latinoamericanos y del jazz. En sus años como estudiante realizó un trabajo académico acerca de la obra de Heitor Villa-Lobos y a la par participó en festivales de guitarra clásica y de jazz en varios países de Europa y América. Es reconocido, además, por haber participado en grabaciones con íconos de la música popular brasilera como Tom Jobim, Edu Lobo, Milton Nascimento, Gal Costa, Zélia Duncan y Paulinho da Viola, entre muchos otros. Las obras que escucharemos, Baião cansado y Flor das aguas, nos muestran dos caras del folclore brasilero: la rural y la urbana, respectivamente. De un lado, el ritmo y las armonías típicas del estilo del nordeste, el baião, son presentadas de manera muy clara y, aunque hay algunas partes que remiten directamente a un lenguaje académico del siglo xx, es difícil no imaginar el trío de zambumba, triángulo y acordeón; o al rey del baião, como es conocido Luiz Gonzaga o Gonzagão, responsable de popularizar y urbanizar este género con influencias indígenas, africanas y europeas. 5 Por otro lado, Flor das aguas remite inmediatamente al mundo de los valses o valsas compuestos e interpretados por los chorões o músicos dedicados a lo que es considerado como la primera música urbana brasilera: el choro. Este género fue muchas veces utilizado por Villa-Lobos, pero en términos más populares no se pueden escapar músicos como Jacob do Bandolim, Ernesto Nazareth, João Pernambuco y, por supuesto, Pixinguinha quienes, entre otros, llevaron este género popular a un nivel de virtuosismo instrumental que terminaría rompiendo la brecha entre dos categorías que parecen nunca reconciliarse: lo popular y lo erudito. La obra que releva la música de Marco Pereira fue escrita para José Luis Gallo por Carlos Lora Falquez (n. 1979). Se trata de la segunda colaboración entre ambos músicos, quienes ya habían coincidido en Sincretismo1. Además de tratarse de un estreno, la obra Quarive es doblemente especial pues se trata de la primera inmersión que hace el compositor en el folclore del Caribe colombiano. El título Quarive, cuenta el compositor, se refiere a la denominación que hizo Colón alguna vez de los habitantes de las islas antillanas, los quarives, a quienes también denominaba como caníbales en una carta enviada a los reyes católicos en 1493 ( Jursich, 2017). Por su parte, el primer movimiento, Macumdé, que es una cumbia, sugiere un juego de palabras entre macondo y cumbia (Falquez, 2018)2, y Cimarrona’o hace referencia a los negros cimarrones escapistas de la esclavitud, quienes cultivaron el género del bullerengue en la región caribeña en Bolívar (Falquez, 2018)3. Imaginario popular argentino de Marcelo Coronel (n. 1962) nace, en palabras del compositor, a partir de su participación en un programa radial dedicado al folclore latinoamericano (Coronel, 2000). Cuenta, en el prólogo de Imaginario popular argentino, centro y noroeste: Cinco piezas para guitarra, que para su escritura dedicó parte de su tiempo a buscar material que se refiriera a este tema y que, además de encontrar una inmensa diversidad, su asombro se debió a que la mayoría de este bagaje cultural era desconocido, sobretodo en ámbitos urbanos. En consecuencia, decidió continuar el proyecto de difusión de esta música a través de su trabajo como compositor: (…) compuse esta serie de cinco piezas para guitarra asociadas a ciertos temas del folklore no musical del centro y noroeste argentinos; las partituras 1 Ver www.youtube.com/watch?v=sBz3C2a9zBU 2 Entrevista de Daniela Peña Jaramillo al compositor (febrero de 2018). 3 Entrevista de Daniela Peña Jaramillo al compositor (febrero de 2018). 6 irían acompañadas de breves textos explicativos. Seleccioné dos deidades: La Pachamama y Coquena; una creencia supersticiosa: La Salamanca; un ser fantasmagórico: La Umita y una costumbre muy curiosa: el velorio del angelito. Cada pieza toma su título de uno de estos temas, y su forma se basa en la estructura de una danza o especie lírica vigente en la región de arraigo de la correspondiente creencia. No obstante, la serie no pretende ser una ‘descripción sonora’ de las cuestiones no musicales a las cuales está asociada (Coronel, 2000). En esta ocasión, el intérprete escogió tres movimientos: Pachamama, descrita en la partitura como Zamba sin segunda, a modo de preludio; Salamanca, que es una chacarera y Velando al angelito que es un gato. Contrario a lo esperado de un velorio, este último movimiento es de un carácter alegre y bailable, pues hace referencia a la conmovedora tradición que hay en el norte y noroeste de Argentina, en regiones rurales, de velar a los niños menores de siete años no desde la tristeza, sino a partir de festejos que incluyen bailes, cantos y bebida, con la condición de que no se derramen lágrimas pues, como lo describe el compositor, «estas mojarían las alas del angelito, entorpeciendo su subida al cielo» (Coronel, 2000,). El compositor Camilo Giraldo Ángel (n. 1978) pertenece a múltiples proyectos artísticos en donde la búsqueda por las temáticas provenientes del folclor colombiano es inminente. Sea con el trío de guitarras Trip trip trip, con su colectivo audiovisual retrovisor, con La quinta del lobo, proyecto interdisciplinario que amalgama las artes electrónicas, la danza y la música, o en su faceta como solista, el compositor indaga en ritmos, instrumentos y relatos pertenecientes a culturas indígenas, africanas y urbanas de Colombia. Títulos como Chucuchucu, Aire de cumbia y Manguaré, entre otros, dan cuenta de la poética del compositor. No obstante, la pieza que se ha incluido en el programa, El jardín de las delicias, se aleja de alguna manera de esta poética y se preocupa más por la exploración de un lenguaje idiomático de la guitarra no por medio de pasajes exageradamente virtuosos, sino a través de sonoridades propias del instrumento que dan cuenta del título de cada movimiento: Como un paseo en el aire, El coro del lago y Festejo que, sin tener un discurso narrativo, sí nos remiten de alguna manera al tríptico de El Bosco. También disfrutaremos de las obras de Sérgio Assad (n. 1952), cuyas obras son tan frecuentemente interpretadas como aquellas de compositores como Baden Powell e incluso Heitor Villa-Lobos, proviene de una familia musical; además de conformar un dúo de guitarras con su hermano Odair, realizaron un proyecto junto a sus padres, su hermana Badi, y los hijos de ambos, conformando así el quinteto Assad, que se presentó en Nueva York y 7 en Bruselas. La Suite brasileira No. 3 fue comisionada por y dedicada al joven guitarrista francés Thomas Viloteau y José Luis Gallo ha decidido interpretar el tercer movimiento, Cantiga do sertão, que es probablemente el movimiento más lírico de toda la suite y remite nuevamente a la región del nordeste de Brasil, que ya nos había presentado Marco Pereira con su Bãiao cansado. Acerca de la Canción de cuna para Nito, obra del mismo Gallo, solo puede decirse que se trata de un doble estreno; el de la obra, compuesta para la llegada del hijo del intérprete, y el del mismo José Luis Gallo bajo la figura de compositor. Un personaje que supo, tal vez más que cualquiera, angostar el abismo entre tradición y vanguardia fue Gustavo ‘El cuchi’ Leguizamón (1917- 2000), abogado penalista, diputado provincial, profesor de historia y filosofía, poeta, pianista y compositor. Llegó tarde a la vida musical profesional, pues luego de ejercer como abogado durante mucho tiempo se cansó de «vivir de la discordia humana»4 y volvió a la que había sido su compañera en su infancia y juventud: la música tradicional, clásica y de vanguardia. De él son composiciones como La Pomeña, Tristeza, Zamba de Lozano, Zamba del laurel, Lloraré, y las que se escucharán hoy: Zamba de la viuda y Corazonando, una zamba y una chacarera. Todas sus creaciones funcionan como espejos de la cultura de la provincia de Salta, al norte de Argentina, e igualmente de su interés por la música de vanguardia. Basta con atender las armonías utilizadas para saber que al mismo tiempo que la samba, la chacarera y el carnavalito, la poética del compositor se erigía, además, a partir de la admiración de artistas como Chico Buarque, Vinícius de Moraes y Duke Ellington. Gustavo Leguizamón, a pesar de dejar solamente alrededor de una veintena de composiciones y una sola grabación, fue un arduo difusor de la cultura y su pensamiento hace eco a la intención de Gallo con la construcción del programa, pues aseguraba que «los poetas, músicos y artistas, afianzan la cultura» (Giger producciones, 2001) y que, por tanto, «la única manera de luchar en contra de la crisis, es luchar en contra de la cultura» (Giger producciones, 2001). Por último, otro gran abanderado de la cultura popular, Angenor de Oliveira (1908-1980), conocido como ‘Cartola’. Habitó desde muy pequeño 4 Tomado de www.elintra.com.ar/salta/cultura/2015/9/29/gustavo-cuchi-leguizamon-genialidad- esta-cumpleanos-90372.html 8 en una de las incipientes favelas de Mangueira, en donde junto a otros sambistas fundó y se desempeñó como profesor de la Grêmio Recreativo Escola de Samba (G.R.E.S.) Estação Primeira de Mangueira, una de las más reconocidas escuelas de samba en Río de Janeiro hasta la actualidad. La samba titulada Chega de demanda fue la primera composición de Cartola para la escuela, pero no sería sino hasta el año 1974 cuando, a sus 64 años, el compositor grabó su primer álbum en donde estaría incluido el tema Amor proibido, arreglado para guitarra por José Luis Gallo e insertado en un programa que propende por la conciliación posible y necesaria, según los compositores citados, de opuestos no tan opuestos. Bibliografía Coronel, M. (2003). Imaginario popular argentino, centro y noroeste: Cinco piezas para guitarra. Rosario, Argentina: Kran7 AL09. Giger producciones. (2001). El silbador. https://www.youtube.com/ watch?v=ChX6ZZ7p3Uo Jursich, M. (27 de enero de 2017). Territorio de utopías, revoluciones e inventos: el Caribe más allá de los estereotipos. BBC MUNDO. Recuperado de http://www.bbc.com/mundo/noticias-america-latina- 38735007 Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director* Miércoles 4 de abril 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Gustavo Parra 7:30 p.m. · Concierto * Entrevista abierta con José Luis Castillo Martes 3 de abril · 6:00 p.m. Con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco del Año México-Colombia 2017-2018 STILE ANTICO, ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO, jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER, piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO, oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Foto: Balazs Borocz Cód. PULEP: CXV576. TLP832. VXU121. OLJ447. QER945. KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. CAROLINA CALVACHE CUARTETO jazz (Colombia / Estados Unidos) CAROLINA CALVACHE CUARTETO jazz (Colombia / Estados Unidos) Sábado 10 de marzo · 6:00 p.m. LA MAIN HARMONIQUE ensamble vocal (Francia) Frédéric Bétous, director Domingo 25 de marzo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Francia, la Alianza Francesa y el Institut français VOCALCONSORT BERLIN ensamble vocal (Alemania) Martes 27 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo de Goethe-Institut ENSAMBLE VILLANCICO ensamble vocal (Suecia) Peter Pontvik, director Miércoles 28 de marzo · 7:30 p.m. Con el apoyo del Consejo Nacional de Cultura de Suecia y la familia Karlsson Játiva Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia) NOTA: la Sección de Artes Musicales de la Subgerencia Cultural del Banco de la República realizó clarificación a la versión original de este programa de mano. Esta versión digital contiene la actualización del listado de obras que fueron interpretadas en el concierto —páginas 3—.

Foto: Carlos Romero MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/jazz (Portugal) Viernes 18 de mayo de 2018 · 7:00 p.m. Ibagué, Sala Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima Cód. PULEP: RCV264 Domingo 20 de mayo de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: INW719 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Ibagué, el ingreso al salón Alberto Castilla para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Conservatorio del Tolima en la Calle 9 # 1-18. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la institución. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango P Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER Unidos por una formación musical clásica, Mário Laginha y Pedro Burmester se embarcaron en diferentes carreras: Laginha, más cercano del jazz, partidario de la fusión y de la recreación de las varias músicas del mundo; Burmester, más orientado a la interpretación del repertorio clásico en sus diferentes formatos, desde el concierto solo hasta las actuaciones con grandes orquestas. Desde hace poco más de veinte años, los dos pianistas unieron sus inclinaciones musicales, experiencia y gusto por el riesgo e iniciaron una colaboración cimentada en la amistad y en la complicidad, que se ha traducido en un disco (Duets, 1994), muchos conciertos y, unos años más tarde, su participación en el proyecto 3 pianos, con Bernardo Sassetti. Mário Laginha, piano Con una carrera que inició hace más de dos décadas, Mário Laginha es habitualmente relacionado con el jazz. El universo musical que ha construido con Maria João es un tributo a las músicas que siempre lo han tocado, desde el jazz hasta la música clásica, pasando por los sonidos brasileños, indianos y africanos, el pop y el rock. A finales de la década de 1980 inició su colaboración con Pedro Burmester, dupla que sería complementada con Bernardo Sassetti en el 2007, en el proyecto 3 Pianos. Sassetti fue, hasta su inesperada desaparición, compañero de Mário Laginha en decenas de conciertos y en la grabación de dos discos. Laginha escribe para big band y orquesta y compone también para cine y teatro. Sus obras más recientes son Iridescente, con Maria João, y Mongrel, un trabajo en trío que parte de temas originales de Chopin. Pedro Burmester, piano Pedro Burmester nació en Oporto. Fue alumno de Helena Costa y terminó el Curso Superior de Piano en el Conservatorio de Oporto, con altas calificaciones. Viajó a los Estados Unidos, donde ha trabajado y recibido clases magistrales de grandes pianistas. Galardonado en varios concursos, entre los premios que ha recibido se destacan el Moreira de Sá, el segundo premio Vianna da Motta y el premio especial del jurado en el Concurso Van Cliburn, en los Estados Unidos. Foto: Carlos Romero 2 Comenzó su actividad como concertista a los diez años y ya ha realizado más de mil conciertos como solista, con orquesta y en diversas formaciones de música de cámara, en Portugal y otros países. Ha participado en grandes festivales de música y ha tocado en las más importantes salas de concierto del mundo. Se destacan sus colaboraciones con los maestros Gabriel Chmura, Muhai Tang, Lothar Zagrosek, Frans Brüggen y Georg Solti, entre otros. Mantiene, desde hace muchos años, un dúo con el pianista Mário Laginha y ha actuado con los violinistas Gerardo Ribeiro y Thomas Zehetmair, con los violonchelistas Anner Bylsma y Paulo Gaio Lima y con el clarinetista António Saiote. Su discografía incluye tres discos como solista con obras de Bach, Schumann y Schubert, un disco en dúo con Mário Laginha y tres grabaciones con la Orquesta Metropolitana de Lisboa. En 1998 editó un disco como solista con obras de Chopin. En 1999 grabó las diez sonatas para violín y piano de Beethoven con el violinista Gerardo Ribeiro. En el 2007, con Bernardo Sassetti y Mário Laginha, editó el CD y DVD 3 Pianos, grabado en vivo en el Centro Cultural de Belém. En el 2010 grabó y editó la Sonata en la mayor, D959 de Franz Schubert y los Estudios sinfónicos, Op. 13 de Robert Schumann. Actualmente, además de su actividad artística, es profesor en la Escuela Superior de Música y Artes del Espectáculo (ESMAE) en Oporto. Los concierto en Ibagué y Bogotá cuentan con el apoyo de El concierto en Ibagué cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA El gran tango (1982) ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992) Original para violonchelo y piano Arreglo para dos pianos por Mário Laginha (n. 1960) y Pedro Burmester (n. 1963) Concierto para dos pianos (2016) MÁRIO LAGINHA (n. 1960) INTERMEDIO Balada No. 1, Op. 23 (1831-1835) FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849) Interpretación de Pedro Burmester solo Interpretación de Mário Laginha solo Arreglo por Mário Laginha Prélude à l’après-midi d’un faune, L. 86 (1891-1894) CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Original para orquesta sinfónica Arreglo para dos pianos por Mário Laginha y Pedro Burmester Boléro (1928) MAURICE RAVEL (1875-1937) Original para orquesta sinfónica Arreglo para dos pianos por Mário Laginha y Pedro Burmester CONCIERTO No. 25 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Jaime Ramírez Los duetos para instrumentos de teclado iniciaron como una de las prácticas más comunes de música doméstica en el siglo xviii. Bien se podría considerar una diferenciación entre el repertorio para teclado a cuatro manos (i. e. dueto para dos intérpretes en el mismo instrumento) y el repertorio para duetos de teclados en instrumentos separados. Aunque la primera variación (dos intérpretes en el mismo instrumento) tiene un repertorio más amplio, al mismo tiempo se caracteriza por una mayor simplicidad en comparación con el despliegue virtuosístico y flexibilidad interpretativa que, por lo general, permite el tener a cada intérprete en instrumentos separados. En la pintura de Della Croce (1780) se puede ver a la itinerante familia Mozart en una pose común para la época: los hermanos al teclado con los brazos entrecruzados. El repertorio para dueto de teclados surgió de manera paralela en diferentes lugares. A mediados del siglo xvi, en Inglaterra, Farnaby compuso un dueto para dos teclados, y Couperin y Pasquini escribieron colecciones de obras para dos teclados. En Alemania, los varios hijos de Johann Sebastian Bach (Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel y Johann Christian) también escribieron para este formato, tradición que fue continuada de manera esporádica por Clementi, Mozart, Dussek, Schubert, Beethoven y Liszt. En el siglo xx, varios compositores han explorado y expandido los requerimientos técnicos y expresivos tanto de los intérpretes como de los instrumentos mismos. El programa que hoy nos convoca ofrece una propuesta renovadora en este género: a partir de obras inicialmente concebidas para otros ensambles instrumentales o para el piano como instrumento solista, los dos pianistas se complementan en sus estilos y crean una sinergia tal que la delgada línea que separa al compositor del intérprete se diluye en un proceso de creación en torno a referentes predeterminados que son, en muchos casos, cercanos y familiares para la audiencia. Familia Mozart (c. 1780) Pintura de Johann Nepomuk della Croce 5 Astor Piazzola (1921-1992), El gran tango Indudablemente, el nombre de Astor Piazzolla permanece asociado a la renovación de la tradición musical argentina a través de un lenguaje moderno y cosmopolita. La obra de Piazzolla se puede interpretar como un punto de encuentro de diversas estéticas, donde se mezclan el dinamismo cultural de su estadía en Nueva York, los años de estudio en París con Nadia Boulanger, su relación con Alberto Ginastera en Buenos Aires y la apasionada búsqueda de vigencia y desarrollo del legado musical argentino. El lenguaje musical de Piazzolla se convirtió en una influencia moderna para un vasto espectro de tendencias artísticas, influencia que permitió la absorción de elementos tradicionales aun manteniendo su lirismo característico. La concepción estilística del ‘nuevo tango’ desarrollado por Piazzolla le ayudó a expandir sus horizontes artísticos y a alcanzar el reconocimiento internacional que muy pocos compositores argentinos habían logrado antes. En la década de los ochenta, su prestigio le permitió mantener una intensa actividad musical tanto en los estudios de grabación como en diversos escenarios alrededor del mundo. En 1982 compuso El gran tango (Le Grand Tango, en francés) en París, para violonchelo y piano, dedicado al famoso chelista ruso Mstislav Rostropovich, quien lo estrenó hasta 1990 en Nueva Orleans. Escrito en un solo movimiento, pero estructurado en tres grandes secciones que aluden a los tres movimientos de un concierto o sonata de gran envergadura, en la primera sección se presenta de manera imponente el ritmo tradicional del tango, que, con sonoridades de brillo exuberante, se mezcla con fragmentos de profunda melancolía. En la sección central, aludiendo a un movimiento lento, el compositor plantea un diálogo apesadumbrado pero vibrantemente expresivo que progresivamente se oscurece para dar paso a la sección final. La obra cierra retomando una dinámica exploración de timbres y sonoridades diversos que generan una atmósfera ‘orquestal’ revitalizada por células rítmicas que, de principio a fin, mantienen viva la atención tanto de los intérpretes como de la audiencia. Mário Laginha (n. 1960), Concierto para dos pianos La primera parte del programa cierra con el Concierto para dos pianos, de Mário Laginha, compuesto a partir de su Concierto para piano y orquesta, que fue estrenado a inicios del 2009 con la Orquesta Sinfónica de Oporto. Si bien escribir un concierto para piano y orquesta parecía una tarea titánica que llevaría el lastre de una tradición congestionada con obras maestras de los más grandes músicos, para Laginha se convirtió en la oportunidad de adoptar una postura más relajada y emular los procesos creativos propios del jazz y de otros géneros populares en los que el piano mantiene un diálogo constante con ensambles más reducidos, y al mismo tiempo de proyectar una imagen personal y renovada. El Concierto para piano y orquesta se convirtió, pues, en una experimentación en la cual diversas influencias de la música clásica, el jazz y otras músicas tradicionales interactúan de manera orgánica. 6 Por su parte, la idea central del Concierto para dos pianos debía alejarse del simple hacer una reducción de la orquesta para el segundo piano; por el contrario, la adaptación requería asignar la función de solistas a los dos instrumentos, de manera compartida. Así, más que una transcripción de la obra original, se concibió como una obra de cámara con carácter concertante a través de un diálogo tejido por dos solistas. Esta nueva versión para dos pianos fue compuesta en diciembre del 2016 y estrenada en enero del 2018 en la Fundación Calouste Gulbenkian, y desde su concepción Laginha pensó en escribirla para interpretarla junto a Pedro Burmester. En armonía con todo el programa del concierto, las fortalezas idiomáticas de cada solista enriquecen y renuevan su interpretación de la obra. Frédéric Chopin (1810-1849), Balada No. 1, Op. 23 Desde muchos puntos de vista, la percepción característica del Romanticismo musical se decanta a partir de la influencia de la vida y obra de Frédéric Chopin en su entorno, así como de las transformaciones provocadas por ese mismo entorno en las generaciones posteriores. Esta confluencia de tradiciones no solo se evidenció por la influencia de diferentes estilos en la música para piano del momento, sino que —de manera particular para cada compositor— diversas artes se integraron en intensos procesos creativos y generaron formas de expresión muy personales. La relación entre la literatura y la música se cristalizó en la abundante producción de lieder por parte de Schumann, Schubert y Wolf. En el caso de Chopin también se dieron interesantes relaciones entre la literatura y la música que, si bien no desembocaron en la producción de música vocal, sí se consolidaron como parte fundamental de su repertorio pianístico. Las baladas, como género literario, se asociaron con narraciones de eventos históricos o ficticios impregnadas por lo sobrenatural y eventualmente lo violento o lo fatal. Las cuatro baladas para piano de Chopin se adaptan a este carácter narrativo: un personaje central parece transformarse a medida que la forma musical se desarrolla, siguiendo estróficamente un drama lleno de contrastes. En el concierto de hoy se realiza de forma aún más interesante esta adaptación narrativa: de la misma manera que dos artistas gráficos pueden proyectar interpretaciones contrastantes de un mismo modelo, los maestros Laginha y Burmester presentan sus propias rendiciones a partir de la misma obra propuesta por Chopin. La misma narración será representada desde dos perspectivas diferentes que permitirán a la audiencia tener una noción integral de un drama que se transformará de manera orgánica y muy personal en manos de cada artista – Burmester seguramente fiel a la partitura y al estilo romántico de la pieza y Laginha seguramente en una reinterpretación de la obra usando elementos armónicos, estructurales y rítmicos del jazz. Claude Debussy (1862-1918), Prélude à l’après-midi d’un faune, L. 86 Parece que a Claude Debussy le asaltaban sentimientos encontrados cuando veía su música calificada de ‘impresionista’. Este hecho se evidencia en una carta de 1906 7 en la que admite que el término se aplica mejor a la música que a la pintura, pero que se opone a otra, de 1908, en la cual señala a sus editores que ‘impresionista’ es una expresión pobre y que solamente personas de poco criterio la emplearían para referirse a la música. Sin embargo, y a pesar del eventual repudio del término expresado por el compositor, la palabra “impresionismo” todavía parece rescatar —de manera muy positiva— la innegable conexión entre la propuesta estética de los pintores ‘impresionistas’ y las sonoridades empleadas por Debussy, donde la funcionalidad armónica tiende a subordinarse a diferentes cambios de ‘color’. Asimismo, la ausencia de trazos claros de las obras impresionistas parece estar correspondida por una marcada libertad en la aproximación al manejo de la forma musical, la cual parece generar el mismo efecto de los escritos simbolistas de Baudelaire o Mallarmé. El término ‘impresionismo’ fue empleado por primera vez por el crítico de arte Louis Leroy en un artículo para Le Charivari, publicado el 25 de abril de 1874, con el que hacía referencia a las obras de Claude Monet que fueron presentadas en una exposición en París. Posteriormente, el término fue conscientemente adoptado Monet y otros artistas, entre ellos Degas, Pissarro y Renoir. Luego, en 1887, el secretario de la Academia de Bellas Artes en París lo empleó para criticar la adjudicación del Prix de Rome a Debussy por su obra Printemps. Fue precisamente el poema La siesta de un fauno, de Stéphane Mallarmé (1842-1898), publicado en 1876, el que inspiró a Debussy. En este se presenta a un fauno (criatura mítica con torso, cabeza y miembros superiores humanos, pero con patas, cuernos y orejas de cabra) que, al despertar de su siesta, se encuentra con dos ninfas a las cuales trata de seducir con el sonido de su flauta. Este poema fue considerado por muchos una de las obras más representativas de la literatura simbolista y uno de los más populares escritos de Mallarmé. Sobre su propia obra, Debussy señaló que no pretendía hacer una lectura programática del poema de Mallarmé: Portada de Le Charivari, publicación seriada que, entre 1832 y 1937, fue un espacio de opinión y humor gráfico sobre la realidad parisina. 8 La música de este preludio es una ilustración libre del bello poema de Mallarmé. No tiene ninguna pretensión de ser una síntesis del poema. Más bien proyecta los escenarios variables para los sueños y deseos del fauno en el calor de una tarde veraniega, quien, cansado de perseguir a las ninfas y náyades, cae en un sueño embriagante, en el cual disfruta libremente de los antojos de la naturaleza. El preludio de Debussy se desenvuelve con una mágica flexibilidad que, conducida por la sensual línea de la flauta, deja a la audiencia inmersa en sonoridades abrazadoras y sorpresivas. Con esta obra, Debussy desafió todos los preceptos formales del momento al abrir diferentes posibilidades de expresión que influenciaron fuertemente a todos los compositores de su época. Inmediatamente después de su estreno, Prélude à l’après-midi d’un faune (Preludio para la siesta de un fauno) tuvo gran aceptación por parte tanto del público como del medio artístico, y desde entonces se ha considerado una de las piedras angulares que definieron la renovación de la estética musical del siglo xx. Maurice Ravel (1875-1937), Boléro La flexibilidad estilística de Maurice Ravel podría catalogarse como un ‘nacionalismo itinerante’, en el cual el material musical logra acoplarse a diversas tradiciones sin que se pierda la perspectiva renovadora o vanguardista. A diferencia de un mal entendido nacionalismo en el que cada compositor explota o reutiliza los gestos musicales de su región cercana, Ravel se embarcó en un viaje a través del tiempo y las fronteras que le permitió llevar a sus audiencias a escenarios y culturas que antes habrían sido conocidas solo por referencias extramusicales. Algunos ejemplos de este ‘nacionalismo itinerante’ son Tzigane, en la tradición gitana; Deux mélodies hébraïques, en la tradición judía; La valse y Valses nobles et sentimentales, en la tradición austrogermánica; Chants populaires, basados en el folclor de Francia, Italia, España y Rusia, entre otras regiones; Shéhérazade, en la que explora algunas de las sonoridades y ritmos asociados al exotismo de Oriente, y también, en la tradición ibérica, su Boléro y la Rapsodie espagnole. Poco tiempo después de una exitosa temporada de conciertos como pianista y director de orquesta en Norteamérica, Ravel regresó a París para orquestar un ballet sobre temas de la obra para piano Iberia de Isaac Albéniz, el cual había prometido a la famosa bailarina Ida Rubinstein; por problemas de derechos autor, Ravel no pudo trabajar sobre la obra de Albéniz y se dio a la tarea de desarrollar un ejercicio de orquestación a partir de la repetición constante de tres breves ideas musicales muy concretas. Fue así como Boléro surgió inicialmente como este ballet prometido; el ballet fue estrenado en París en noviembre de 1928 con la coreografía de Bronislava Nijinska y el protagonismo de Rubinstein. Si bien el ballet fue bien recibido por las audiencias, la obra como pieza de concierto (bajo el mismo nombre pero sin la coreografía) ha cautivado a todo tipo de público asegurando una recurrencia constante en los diversos programas de repertorios sinfónicos alrededor del mundo. 9 Posiblemente por la sencillez de los elementos musicales que construyen la obra, Boléro desarrolla un hilo dramático fácil de seguir por el público a través de un tejido hipnótico sobre el ostinato rítmico que acompaña los dos únicos temas, que se alternan en diversos timbres y registros. Presa de una extraña fascinación melódica, Ravel entrelaza las diversas sonoridades de la orquesta para producir masas sonoras que abrazan a la audiencia de manera orgánica y permanentemente cambiante. En la interpretación que hoy cierra nuestro programa se exploran de manera novedosa las alquimias acústicas que desde los dos pianos desbordan el escenario para recrear contrastantes imágenes al incesante ritmo que parece no haber dejado de sonar en casi un siglo de programación constante. Referencias Johann Nepomuk della Croce. (1780). Familia Mozart. Recuperado de http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Croce_MozartFamilyPortrait.jpg Wikipedia. (Últ. ed. 25 mayo 2017). Masthead of Le Charivari in 1833, during its second year of publication. Recuperado de https://en.wikipedia.org/wiki/Le_ Charivari#/media/File:Le_Charivari.jpg Jaime Ramírez inició sus estudios musicales a la edad de nueve años con diversos maestros de piano de Bogotá; posteriormente ingresó a la Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del Programa Infantil y Juvenil, en donde conjugó sus estudios de piano con el contrabajo bajo la tutoría del maestro Alexandr Sanko. En 2002, como becario Fulbright, Ramírez ingresó a la Universidad de Cincinnati, donde obtuvo sus títulos de Maestría y Doctorado. Desde 2008 se reintegró a la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana y, adicionalmente, en 2009 se vinculó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional; en ambas universidades se desempeña en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto a su actividad docente, el maestro Ramírez ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Foto: Mat Hennek Cód. PULEP: VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania)

Foto: Alfonso Venegas Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES CÉSAR CAMILO CIPAGAUTA clarinete (Colombia) JESÚS DAVID PRIETO piano (Colombia) Jueves 24 de mayo de 2018 · 6:00 p.m. Tunja, Auditorio Eduardo Caballero Calderón - ICBA Cód. PULEP: EAF370 Jueves 31 de mayo de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: NYE709 TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Tunja, el acceso al Auditorio Eduardo Caballero Calderón para personas con movilidad reducida es por la entrada principal ubicada en la Carrera 10 # 19-17. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 CÉSAR CAMILO CIPAGAUTA, clarinete Inició sus estudios de clarinete en la escuela de música de Moniquirá bajo la tutoría del maestro Hernando Pinzón. Posteriormente, pasó a formar parte de la escuela superior de música de Tunja bajo la tutoría del maestro Fredy Pinzón, para luego ser admitido en el Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia en la cátedra del maestro Héctor Pinzón; actualmente cursa octavo semestre en esta institución. En el 2011 fue ganador del primer premio de la Primera Semana del Clarinete realizada en Tunja y semifinalista del concurso de clarinete Claribogotá en el año 2012. Ha tenido participación activa en festivales de clarinete como Segunda Semana del Clarinete de Tunja, realizado en el marco del Festival Internacional de la Cultura. Ha recibido clases magistrales con Guillermo Marín, Christopher Jepperson, Hernán Darío Gutiérrez, Luis Carlos Erazo, Edwin Rodríguez, Ricardo Dourado Freire, Benito Meza, Valdemar Rodríguez, Ranieri Chacón, José Franch-Ballester, Ana Catalina Ramírez, Marco Antonio Mazzini, Lenin Izaguirre, entre otros. JESÚS DAVID PRIETO, piano Comenzó sus estudios de piano a los siete años de edad. Luego de varios años de formación en clases particulares, ingresó al programa básico del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, en donde cursó con un nivel destacado las cátedras de Dilva Sánchez, María Antonieta Sarmiento y Piedad Pérez. Continuó sus estudios en el programa profesional en la misma universidad con Piedad Pérez, obteniendo la máxima calificación posible en su trabajo de grado. Participó en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en el 2011. Fue seleccionado por concurso para interpretar el Concierto No. 2 de Rachmaninov junto a la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional en el 2012. Fue pianista repetidor en las fundaciones Arte Lírico y Azury Marmolejo en el año 2013 y pianista en el montaje, conciertos y grabación del reestreno de la zarzuela El castillo misterioso realizado por la Universidad de los Andes. En el 2014 fue seleccionado por concurso para ser el pianista repetidor y acompañante del Coro Filarmónico Juvenil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Ha participado en clases magistrales con reconocidos maestros como Blanca Uribe, Harold Martina, Pilar Leyva, Janusz Olejniczak, John Milbauer, Jiaqi Li, Miguel Ángel Scebba, Bernhard Parz, Roman Zaslavsky, Juan Carlos Gutiérrez, el dúo alemán Grau-Schumacher y el Trío de Viena. Recientemente culminó sus estudios de maestría en pedagogía del piano en el Conservatorio de la Universidad Nacional. En el desarrollo de la maestría continuó su formación pianística con el maestro Mac McClure. El concierto en Tunja cuenta con el apoyo de 2 PROGRAMA Sonata para clarinete y piano (1934) Molto moderato Vivace ARNOLD BAX (1883-1953) ‘Time Pieces’ para clarinete y piano, Op. 43 (1982-1983) Allegro risoluto Andante espressivo Allegro moderato Andante molto - Allegro energico ROBERT MUCZYNSKI (1929-2010) INTERMEDIO Sonata para clarinete y piano, Op. 214 (2005) Diálogos - Cadenza Scherzo Andantino Finale presto BLAS EMILIO ATEHORTÚA (n. 1943) Bucolique (1957) EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Tema y variaciones (1974) Tema Variación 1 - Larghetto misterioso Variación 2 - Presto Variación 3 - Moderato Variación 4 - Adagio Variación 5 - Tempo di valza Variación 6 - Prestissimo JEAN FRANÇAIX (1912-1997) CONCIERTO No. 26 3 NOTAS AL PROGRAMA Guillermo Gaviria El clarinete actual es resultado de siglos de evolución en su construcción. Aunque es difícil rastrear los orígenes específicos del instrumento, los que se pueden considerar como sus antecesores se encuentran en diversos lugares del mundo, entre estos el antiguo Egipto, Grecia y el Imperio Romano. Uno de los instrumentos que se relaciona directamente con el clarinete es el llamado chalumeau, también considerado como predecesor del oboe. El clarinete, como tal, apareció alrededor del siglo XVIII, como lo menciona Eric Hoeprich en The Clarinet […] hacia 1700 la confluencia de las actividades de fabricación de instrumentos en Europa condujo a la creación de los primeros clarinetes, que eventualmente obtuvieron su lugar entre los que se encontraban ya establecidos como el oboe, la flauta y el fagot (2008:11). Johann Christoph Denner (1655-1707), constructor de instrumentos y reconocido como el inventor, en su idea de mejorar el chalumeau, construyó un nuevo instrumento que era más que una evolución. Entre sus principales cambios se mencionan la adición de dos llaves que permitieron ampliar su rango a más de dos octavas y mejorar la boquilla y la forma de la campana. El nombre del nuevo instrumento se asignó poco después y, sobre las razones para esto, hay varias teorías. Una de ellas, de acuerdo con Johann Gotfried Walther, en 1732, es que «de lejos sonaba no muy distinto a una trompeta» (Rendall, 1971:1). Clarinette (en italiano) es un diminutivo de clarine, que viene a su vez Chalumeau Clarinete de Denner Clarinete actual 4 de clarion, una especie de trompeta básica. El clarinete rápidamente reemplazó al chalumeau y para las primeras décadas del siglo XIX ya era un instrumento estándar en las orquestas. Desde entonces, el instrumento de Denner ha sido modificado y mejorado por numerosos constructores, ampliando su rango y convirtiéndolo en un instrumento muy versátil. El programa de hoy presenta dos compositores de habla inglesa en la primera parte y dos de habla francesa en la segunda, con un colombiano en medio de ellos. Se inicia con la Sonata para clarinete y piano de Arnold Edward Trevor Bax (1883-1953), quien nació en Streatham, en el sur de Londres (Inglaterra). Sus padres tenían medios económicos que le permitieron vivir y desarrollar sus intereses sin preocupaciones financieras. A los diecisiete años ingresó a la Royal Academy of Music en donde permaneció durante cinco años, recibiendo la influencia de dos reconocidos pedagogos de música: Frederick Corder (1852-1932) en la composición y Tobias Matthay (1858-1945) en el piano. Igualmente, recibió clases de clarinete de Julian Egerton (1848-1945). En sus clases de composición, Corder enfocaba sus ejemplos en las obras de Franz Liszt y Richard Wagner, quienes se convirtieron en las primeras influencias de Bax. En 1902, siendo estudiante de la Royal Academy, Bax, quien era un lector voraz, «en cada hora no dedicada a la música, leí febrilmente toda la literatura que puede encontrar, poesía y prosa, británica y continental (Hannam, 2008:11)», descubrió la poesía del irlandés William Butler Yeats (1865-1939). The Wanderings of Oisin and Other Poems, su primera lectura, es un poema épico que toma la forma de un diálogo entre Oisin, un guerrero y poeta celta, y San Patricio, patrono de Irlanda, responsable de convertirla al cristianismo. El primer libro se inicia con estos versos en donde habla San Patricio: Ustedes que están encorvados, calvos y ciegos, / Con un corazón pesado y una mente errante, / Han conocido tres siglos, los poetas cantan, / De coqueteo con una cosa demoníaca1 (Yeats, 2010. Trad. G. Gaviria). El poema de Yeats impactó de manera transcendental a Bax, quien diría, citado por William Hannam, «el celta dentro de mí se reveló». Y agregó: «En un pasaje famoso de Renan, el bretón, declaró que, “el celta se ha agotado alguna vez al confundir los sueños con la realidad”, pero yo creo, por el contrario, que el celta sabe con más claridad que los hombres de la mayoría de las razas, cuál es la diferencia entre los dos, y elige deliberadamente seguir el sueño. Sin duda hay un cazador incansable de sueños en mi propio maquillaje. Me encanta la vida. Soy un habitante que valora este mundo... sin embargo, una parte de mí no hace parte de eso»2 (Hannam, 2008:12, Trad. de G. Gaviria). 1 You who are bent, and bald, and blind, / With a heavy heart and a wandering mind, / Have known three centuries, poets sing, / Of dalliance with a demon thing. 2 “In a famous passage the Breton, Renan, declared that, ‘The Celt has ever worn himself out in mistaking dreams for reality,’ but I believe that, on the contrary, the Celt knows more clearly than the men of most races the difference between the two, and deliberately chooses to follow 5 La Sonata para clarinete y piano, está dedicada a su amigo Hugh Prew, clarinetista aficionado, quien fue compañero de cricket en el equipo Old Broughtonians en la década de 1920. El estreno ocurrió en junio de 1935, en el London Contemporary Music Centre, y estuvo a cargo del célebre clarinetista Frederick Thurston, acompañado al piano por Harriet Cohen (segunda esposa de Bax). La sonata es una muestra de sus mejores talentos: el empleo idiomático de los instrumentos y su precisión para caracterizar estados de ánimo y del alma (Payne, 1980:310). La segunda obra es ‘Time Pieces’, para clarinete y piano, Op. 43 del polaco-estadounidense Robert Muczynski (1929-2010), quien nació en Chicago (Estados Unidos). Muczynski estudió composición con Alexander Tcherepnin en la DePaul University a finales de la década de 1940, y más tarde se convirtió en profesor de composición y compositor en residencia en la Universidad de Arizona (Estados Unidos). Es principalmente conocido por sus composiciones para piano, pero tiene una amplia variedad de composiciones para clarinete, flauta, saxofón y otros instrumentos de viento. Time Pieces fue termindada en septiembre de 1983 y está dedicada al clarinetista Mitchell Lurie, a quien acompañó Muczynski en agosto de 1984 en el estreno de la pieza en el Clarinet Congress de la International Clarinet Society en Londres. De acuerdo con Muczynski […] esta composición es un conjunto de cuatro piezas contrastantes, cada una resaltando alguna característica específica del clarinete en términos de alcance, destreza técnica, color y expresividad... El título de la obra, Time Pieces, no tiene nada que ver con relojes mecánicos o relojes de pulso. No es un juego de palabras sino la conciencia de que todo existe en el tiempo: historia, nuestras vidas y... de una manera especial... música3 (Rice, 2016:138, Trad. de G. Gaviria). Albert Rice menciona que la obra interesa a intérpretes de nivel avanzado, dado que Muczynski desarrolla sus ideas con un alto grado de capacidad técnica y musical. Señala que la escritura para el clarinete es idiomática, a pesar de algunos pasajes que requieren bastante práctica. Es una prueba de resistencia que exige una muy buena coordinación entre los dos intérpretes, por su variedad amplia de contrastes dinámicos y desafíos rítmicos. La segunda parte del programa abre con la Sonata para clarinete y piano, Op. 214, del compositor colombiano Blas Emilio Atehortúa (n. 1943), nacido en Santa Helena, Antioquia. Atehortúa estudió en el Conservatorio de la Universidad the dream. There is certainly a tireless hunter of dreams in my own make-up. I love life. I am an appreciative inhabitant of this world […] yet a part of me is not of it.” 3 This composition is a suite of four contrasting pieces, each highlighting some specific characteristic of the clarinet in terms of range, technical prowess, color, and expressiveness…. The title of the work, Time Pieces, has nothing to do with mechanical clocks or watches. It is not a play on words but rather an awareness that everything exists in time: history, our lives and…in a special way…music. 6 Nacional de Colombia, en donde sus maestros más importantes fueron José Rozo Contreras, profesor de instrumentación y orquestación para banda, y Olav Roots, profesor de composición, dirección de orquesta y orquestación sinfónica, con quien entabló una muy productiva amistad. Posteriormente, en 1963, a los veinte años, viajó a Buenos Aires con una beca a estudiar al Instituto Torcuato Di Tella dirigido por el compositor Alberto Ginastera. Allí tuvo la oportunidad de contar con la guía de los compositores más destacados de Europa y los Estados Unidos. Recibió su diploma en 1964 firmado por Alberto Ginastera, Olivier Messiaen, Aaron Copland, Riccardo Malipiero, Bruno Maderna, Gilbert Chase, Pola Suárez Urtubey, José Vicente Asuar y Luigi Dallapiccola, figuras indudables de la composición de la posguerra (Friedman, 2011). La musicóloga colombiana Ellie Anne Duque, quien le ha dedicado varios de sus escritos, subraya la participación activa del compositor «en el desarrollo consciente de una identidad cultural nacional y latinoamericana con referencias internacionales» (Duque, 1999). En cuanto a la Sonata para clarinete y piano, Op. 214, Duque menciona que, en esta, el compositor «reafirma la claridad de sus procedimientos», a través de técnicas que le son familiares: El empleo de cadenzas le permite abordar las necesidades del diálogo expresivo; el scherzo es el mejor vehículo para trabajar la lúdica de su estilo, mientras el empleo de ostinati le permite armonizar aspectos muy clásicos de sus pensamiento con los paisajes sonoros más estáticos, de la música contemporánea (Duque, 2008:7). Eugène Bozza (1905-1991), nacido en Niza, Francia, fue un estudiante destacado en el Conservatorio de París, ganando primeros premios en violín en 1924, dirección en 1930 y composición en 1934. Igualmente, obtuvo el Gran Premio de Roma. Dirigió la orquesta de la Opéra Comique, en París, hasta 1948 y luego fue director del Conservatorio Valenciennes. Sus obras incluyen varias óperas, ballets y obras sinfónicas y corales. Sin embargo, su reconocimiento internacional se relaciona con sus trabajos de cámara, particularmente los compuestos para ensambles de instrumentos de viento. Paul Griffiths, en su artículo en el New Grove, afirma que las obras de Bozza muestran «en un alto nivel las cualidades características de la música de cámara francesa de mediados del siglo XX: fluidez melódica, elegancia de la estructura y una preocupación constante por las posibilidades instrumentales»4 (1980:148. Trad. G. Gaviria). Los intérpretes valoran sus obras, precisamente por las cualidades que menciona Griffiths, como se puede apreciar en el siguiente texto acerca de Bucolique: Eugène Bozza le permite al ejecutante de Bucolique mostrar la habilidad técnica y expresividad de sus habilidades como clarinetista. Esta pieza fue dedicada a Ulysse Delécluse, el décimo profesor de clarinete del Conservatorio de París. Bucolique 4 Displays at a high level the qualities characteristic of mid-20th-century French chamber music: melodic fluency, elegance of structure and a consistently sensitive concern for instrumental capabilities. 7 significa “pastoral”, y se inicia con arpegios rapsódicos de forma libre que muestran la amplia gama del clarinete. Después una breve cadencia, la sección lírica recuerda la Première Rhapsodie de Debussy. Finalmente, empujando los límites de la velocidad y la agilidad de la digitación, Bozza presenta un Scherzo a una rapidez vertiginosa, creando fuegos artificiales musicales que hacen este un final deslumbrante5 (Case-Ruchala, 2014. Trad. G. Gaviria). Jean René Désiré Françaix (1912-1997) nació en Le Mans y murió en París, Francia. Sus talentos musicales excepcionales se desarrollaron libremente, propiciados por un entorno familiar favorable: su padre era director del Conservatorio de Le Mans y su madre profesora de canto. Sus condiciones musicales eran tales, que su ilustre maestra Nadia Boulanger, a quien se confió su formación musical cuando tenía diez años, en 1922, escribió a su madre: «Señora, no sé por qué estamos perdiendo el tiempo enseñándole armonía, él conoce la armonía. No sé cómo, pero él la sabe, nació sabiéndola. Hagamos contrapunto»6 (Françaix, n.d. Trad. G. Gaviria). En la misma línea de reconocimiento de su talento, el 10 de enero de 1923, Maurice Ravel, en respuesta al padre de Jean, Alfred Françaix, reflexiona sobre lo que debe ser la educación musical de un niño (Ravel, 1990:232): Entre los dones de este niño, he observado sobre todo el más fructífero que un artista puede poseer, el de la curiosidad. De ahora en adelante, esos preciosos dones no deben ser sofocados, pues se corre el riesgo de dejar que esta sensibilidad juvenil se marchite. La técnica es esencial; pero armonía, contrapunto, fuga, los principios de la composición y el análisis de las partituras en detalle solamente pueden ser estudiados de manera útil cuando su musicalidad se haya desarrollado. En primer lugar, se debe permitir que asimile los materiales de la música instintivamente. Tema y variaciones, para clarinete y piano, fue compuesta en 1974 como respuesta a la tradicional comisión de la ‘Pièce de Concours’ del Conservatorio Superior de París, por solicitud de Ulysse Delécluse, el mismo a quien Bozza dedicó su Bucolique. El tema de las variaciones está basado en un llamado de tres notas como homenaje a O-li-vier, nieto de Françaix, a quien está dedicada la pieza. Las variaciones son de gran exigencia técnica y virtuosismo, con melodías memorables y ritmos jazzísticos. 5 Eugène Bozza allows the performer of Bucolique to show off the technical skill and expressiveness of their clarinet abilities. This piece was dedicated to Ulysse Delécluse, the 10th professor of clarinet at the Paris Conservatory. Bucolique means “pastoral”, and opens with free-form rhapsodic arpeggios that display the extensive range of the clarinet. After a short cadenza, the lyrical section is reminiscent of Debussy’s Première Rhapsodie. Finally, pushing the limits of tempi and fingers, Bozza displays a Scherzo at breakneck speed, creating musical fireworks that make this ending dazzling. 6 Madame, je ne sais pas pourquoi nous perdons du temps à lui apprendre l’harmonie, il sait l’harmonie. Je ne sais pas comment, mais il la sait, il est né la sachant. Faisons du contrepoint. 8 Bibliografía Griffiths, P. (1980). “Bozza, Èugene”, The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Macmillan Publishers, New York. Case-Ruchala, C. (2014). Treading uncharted waters. Doctoral Recital Series 2014. Arizona State University, USA. https://repository.asu.edu Duque, E. A. (1999). “Blas Emilio Atehortúa. Una obra sólida y oficio de compositor”, Revista Credencial Historia, No. 120, Bogotá. http://www.banrepcultural.org/ biblioteca-virtual/credencial-historia Duque, E. A. (2008). “Notas al programa”, El compositor y su obra, Concierto dedicado al maestro Blas Emilio Atehortúa. Sala de Conciertos, Banco de la República, Bogotá. http://quimbaya.banrep.gov.co/conciertos/documentos Françaix, J. (n. d.). Jean Françaix (1912-1997). Biographie succincte. http://www. jeanfrancaix.com Friedmann, S. (2011). “Blas Emilio Atehortúa: Tallando una vida de timbres, acentos y resonancias”. Premio de Vida y Obra, Ministerio de Cultura, Colombia. Hannam, W. B. (2008). Arnold Bax and the poetry of Tintagel (Doctoral dissertation, Kent State University). Payne, A. (1980). “Bax, Arnold”, The New Grove Dictionary of Music and Musicians. Macmillan Publishers, New York. Ravel, M., & Orenstein, A. (1990). A Ravel Reader: Correspondence, Articles, Interviews. Courier Corporation. Rendall, F. G., & Bate, P. (1971). The clarinet: some notes upon its history and construction. E. Benn. Rice, A. R. (2016). Notes for Clarinetists: A Guide to the Repertoire. Oxford University Press. Yeats, W. B. (2010). The Collected Works of W. B. Yeats Vol. I: The Poems. Simon and Schuster. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Boletas: $6.000 Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. LAUREANO QUANT, bajo barítono Jesús David Prieto, piano Jueves 12 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla XIMENA PÉREZ MEJÍA , saxofón Diego Claros, piano Cristian Guataquira, cuatro llanero Jueves 26 de julio · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Santa Marta JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 16 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta SEBASTIÁN AVENDAÑO, piano Jueves 23 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana Jueves 30 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto, San Andrés y Quibdó ALEJANDRA DÍAZ, guitarra Jueves 6 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Sincelejo, Montería e Ipiales LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: ZVL341. TBA776. FXT822. AAE126. FYV783. SVJ267. VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. Foto: María Camila Ramírez Spitia LAUREANO QUANT bajo barítono Jesús David Prieto, piano Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: VVS998. ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Mat Hennek CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania)