Laura Espinal es egresada del programa de piano clásico del Departamento de Música de la Universidad EAFIT con Rodrigo Vasco. Inició a temprana edad su acercamiento al piano, de la mano de Margarita María Velásquez. Su interés por la exploración de otras músicas la llevó a ser integrante de las agrupaciones Animales Eléctricos y La Greca. Su afición por la literatura y la filosofía (en 2014 fue ganadora de las IX Olimpiadas de Filosofía del Colegio San Ignacio de Loyola) le ha facilitado relacionar la práctica instrumental con la reflexión y la construcción de nuevas propuestas artísticas. En 2018, Espinal obtuvo el primer puesto en la categoría de música de cámara del IV Festival- Concurso Nacional Infantil y Juvenil Pianissimo, y el segundo puesto en esta misma categoría en el Concurso de Pregrado del Departamento de Música de EAFIT; dos años atrás había ocupado el segundo puesto en la categoría solistas de este último concurso. Actualmente, Laura Espinal es profesora de piano y de filosofía en el Instituto Musical Diego Echavarría; y se encuentra explorando propuestas artísticas que le permitan mostrar al público nuevas formas de experimentar la música clásica, en virtud de lo cual trabaja en la construcción de sus conciertos en torno a conceptos que rodean la vida cotidiana. Espinal cree en la necesidad de transformar y actualizar nuestro contexto cultural mediante propuestas arriesgadas que estén a la vanguardia en las artes.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 32 Estreno: miércoles 20 de octubre · 6:00 p.m. EDUARDO ROJAS piano (Colombia) Foto: Iván Aguayo RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalPopayan Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados 2 que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 Foto: Iván Aguayo SOBRE EL INTÉRPRETE EDUARDO ROJAS, piano Aclamado por el periódico Dallas Morning News como un «pianista de gran destreza y personalidad». Eduardo Rojas ha tenido una larga y célebre carrera como solista con varias orquestas de Norteamérica y Suramérica. Sus presentaciones más notables incluyen conciertos con Richmond Symphony, Great Lakes Symphony, Manitowoc Symphony Orchestra, American Wind Symphony Orchestra, Dallas Chamber Symphony, Sinfónica Nacional de Colombia, Orquesta Filarmónica de Bogotá, Orquesta Nacional de Panamá, Orquesta Sinfónica de Trujillo (Perú) y Filarmónica Joven de Colombia, entre otras agrupaciones. Rojas ha realizado con reconocidos directores de trayectoria mundial, entre los que se destacan Paolo Bartolomeoli, Chia-Hsuan Lin, Rafael Payare e importantes directores colombianos como Carlos Botero, Andrés Jaime, Felipe Aguirre y Alejandro Posada. Eduardo Rojas posee una vasta experiencia como solista y concertista de música de cámara. Ha ofrecido clases maestras en reconocidas instituciones educativas, entre las que se encuentran la Southern Methodist University, Richmond University, New Mexico State University, Fundación Van Cliburn, la National Taiwan University of Arts, Dallas International Competition y University of Birmingham. En 2006, Eduardo Rojas fue becado por la Texas Christian University, en donde cursó los estudios de Maestría en Música y Diplomado Artístico. En 2015 lanzó dos producciones discográficas, Eduardo Rojas Plays Beethoven, Vol. 1 y Regenwald - Melodies from the Rainforest, en los cuales interpreta arreglos propios de piezas latinoamericanas como El choclo y Adiós Nonino. Estos arreglos combinan los estilos musicales clásico y latino, que han cautivado a audiencias diversas en distintos lugares del mundo. Dichos arreglos fueron publicados por la compañía Texana Lovebird Music y han sido enviados a más de treinta países. 4 Conozca más acerca del artista Eduardo Rojas Sus sobresalientes habilidades artístico-musicales, junto con su pasión por la música y su visión de tener una mayor influencia en la comunidad, llevaron a Eduardo a fundar y liderar la Rojas School of Music, institución privada que busca formar a los niños y jóvenes del área metropolitana de Dallas, Texas, en donde actualmente reside. Rojas School of Music tiene sus propias instalaciones en la ciudad de Grapevine al igual que núcleos orquestales en Flower Mound. Eduardo Rojas es reconocido, además, como Artista Yamaha- Bösendorfer en los Estados Unidos. 5 Sonata para piano No. 8 en do menor, Op. 13 ‘Patética’ (1797) Grave - Allegro con moto e con brio Adagio cantabile Rondo. Allegro LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Widmung de Myrthen, Op. 25 (1840) ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Original para voz y piano Transcripción para piano de Franz Liszt (1811-1886) Gretchen am Spinnrade de Doce lieder de F. Schubert, S. 558 (1837-1838) FRANZ LISZT (1811-1886) Arreglo de Gretchen am Spinnrade, D. 118, lied de Franz Schubert (1797-1828) Sonata para piano No. 2, Op. 19 (1898) Andante Presto ALEXANDER SCRIABIN (1872-1915) Tres preludios (1926) Allegro ben ritmato e deciso Andante con moto e poco rubato Allegro ben ritmato e deciso GEORGE GERSHWIN (1898-1937) PROGRAMA 6 SOBRE EL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Cuando, en 1792, Ludwig van Beethoven (1770-1827) finalmente decidió abandonar Bonn, su ciudad natal, para radicarse en Viena, tenía en mente no solo perfeccionarse como compositor, sino triunfar en la ‘meca del piano’. La capital del Imperio austrohúngaro era un escenario en donde los pianistas más talentosos competían ante el público en concursos de improvisaciones para alcanzar así un sustento mediante el patrocinio de la aristocracia. En efecto, Beethoven logró ubicarse en la lista de los mejores pianistas de la ciudad y, prontamente, sus principales ingresos económicos fueron producto de las clases de piano dictadas y las obras encargadas. En cuanto a sus intenciones en torno a la composición, Beethoven consiguió tomar algunas clases con Haydn, y si bien las sesiones no fueron ni frecuentes ni bien estructuradas, pudo asimilar la esencia del estilo clásico de Haydn y Mozart, como también absorber las nuevas tendencias románticas tan complejas en la armonía y exigentes en el virtuosismo. Llegó a convertirse en uno de los mejores compositores del universo musical austroalemán —si no el mejor— de las primeras décadas del siglo XIX y fue figura crucial en el desarrollo del piano, el instrumento ideal del Romanticismo. Desde esta temprana época, Beethoven manifestó mucho interés en la construcción del piano, que consideraba un instrumento imperfecto, y buscó permanentemente, uno de mayor extensión, acción más pesada, tono más rico y pedales versátiles. Escribió treinta y dos sonatas para piano solo, obras de singular originalidad e inmensa sonoridad. A partir de los formatos de sus antecesores, creó un nuevo género de dimensiones prácticamente sinfónicas, pleno de dificultades técnicas, y amplios desarrollos de temas y motivos musicales. Entre 1798 y 1799 escribió una sonata en do menor a la cual le puso el título Patética. Fue un éxito inmediato. No solo el manejo de la tonalidad menor y el inicio dramático de esta sonata justifican, plenamente, su título, sino que toda ella respira un ambiente emotivo que va desde el más grave patetismo hasta la más delicada ternura. Es la primera de sus sonatas en tener una introducción lenta que se incorpora a la estructura formal. Los acordes retornan al inicio del desarrollo, frenando así la gran actividad rítmica de la exposición. En todas partes está presente el Beethoven de los grandes contrastes: indicaciones de fortissimo seguidas por piano; crescendi súbitos; sforzandi sorpresivos y acentos rítmicos naturales desplazados. 7 El Adagio cantabile presenta una melodía florida que surge de las notas de acompañamiento. Aquí, el compositor se propuso hacer cantar al instrumento. El tercer movimiento, un rondó con su característico tema recurrente, ya no es un pasaje ligero y juguetón, sino un episodio serio de gran actividad y viveza rítmicas, teñidas del ambiente y el colorido dramático de la tonalidad principal, do menor. Autor de unas setecientas composiciones (más de la mitad de ellas para piano), Franz Liszt (1811-1886) no fue un simple exponente del virtuosismo romántico, fue también un compositor innovador cuyas obras más atrevidas marcaron importantes hitos de la música del siglo XIX y preconizaron algunas concepciones armónicas características del modernismo. A mediados de siglo, Liszt era considerado ya uno de los mejores pianistas que el mundo europeo había conocido. Aunque nacido en Hungría, Liszt se había formado en el mundo musical austroalemán y supo conjugar las tendencias hacia el Nacionalismo pictórico y el Romanticismo afectivo con la escuela de corte académico del estamento musical alemán. La obra pianística de Liszt es un rico catálogo de estudios, piezas de carácter, piezas nacionales, piezas evocadoras, versiones de obras conocidas para el piano, variaciones, etc. Entre 1839 y 1847, Liszt emprendió una serie asombrosa de giras de concierto que lo llevó desde los Pirineos hasta los Urales con un número aproximado de mil presentaciones. De hecho, con esta actividad pública intensa, Liszt ayudó a crear la figura del ‘músico concertista’ del siglo XIX. Fue él quien usó por primera vez la palabra ‘recital’ para sus presentaciones en Londres e instauró la costumbre de tocar piezas de diversas épocas y diferentes compositores en sus programas. Combinaba en sus actuaciones como pianista obras de su propia inspiración con piezas tomadas del repertorio europeo desde Bach hasta Chopin. De estas memorables giras datan los comentarios célebres que hiciera Hans Christian Andersen sobre Liszt: Cuando Liszt se sentaba al piano, la primera impresión que se recibía de su personalidad venía de las fuertes pasiones marcadas sobre su rostro pálido, de tal forma que parecía un demonio atornillado al instrumento de donde fluían los tonos que salían de su sangre, de sus pensamientos; era un demonio que liberaba su alma… Vi que el rostro asumía una expresión más noble e iluminada a medida que continuaba tocando; el alma divina brillaba en sus ojos y cada facción; se tornó hermoso, como solo lo pueden hacer los adoradores del espíritu y el entusiasmo1. 1 Aparte tomado de https://creativemindsandfashion.com/2013/06/23/franz-liszt/. Traducido al español por Ellie Anne Duque. 8 En el catálogo de obras de Liszt, hay un listado extenso de adaptaciones pianísticas de obras de otros compositores que figuran como transcripciones, versiones, variaciones, fantasías, etc. Para Liszt, el pianista concertista, estas transcripciones servían para dar a conocer el repertorio de conciertos europeo en los rincones más apartados de Europa. Las sinfonías, oberturas, arias, canciones y piezas instrumentales de los colegas (vivos o muertos) de Liszt eran materiales musicales que podían ser adaptados al piano y presentados con nuevos ropajes. De Schubert y Schumann, Liszt adaptó innumerables Lieder (canciones) para piano solo. En la mayoría de los casos, se trataba de canciones que habían tenido una gran aceptación en su momento. Tal es el caso de Widmung (Dedicatoria) de Robert Schumann (1810-1856) —también conocida como Liebeslied (Canción de amor), y Gretchen am Spinnrade (Margarita en la rueca), una de las primeras canciones de Franz Schubert (1797-1828) sobre textos de Goethe y que hace alusión al estado de locura de la protagonista, Margarita, mientras hila en su rueca de giros incesantes. Entre los solistas y compositores geniales y excéntricos del siglo pasado, el ruso Alexander Scriabin (1872-1915) ocupa un destacado lugar, gracias a su ascendencia y porte aristocráticos, tendencias místicas y forma particular de entender la música y los vericuetos de la armonía. Fue alumno de Anton Rubinstein y junto con Rachmaninov, Lhévinne y Metner integra a una generación de grandes pianistas-compositores rusos. Asimiló asombrosamente el estilo de sus coetáneos y lo mezcló con las innovaciones de Chopin. Escribió cuatro sinfonías, pero sus obras más difundidas y originales fueron escritas para el piano, en especial sus obras cortas, profundamente personales. Desde sus primeras obras para piano sentó las características más prominentes de su estilo: fuerza expresiva y sensibilidad, riqueza e innovación técnicas, lirismo poético y búsqueda del colorido armónico original. Su obra posee un nivel alto de disonancia y momentos de atonalidad; a partir del Opus 53, puso en práctica sus nociones originales acerca de los modos y la armonía, y sus relaciones con los colores. Al lado de las diez sonatas para piano solo, se destacan los conjuntos de estudios agrupados como Opus 2, 8, 42 y 65, iniciados a los 15 años de edad. Para Scriabin, todo compositor era un visionario, pues el arte era una forma superior del conocimiento que revelaría la verdadera realidad para proveer así un pasaje al mundo trascendental de la divinidad. En sus obras Scriabin buscaba encontrar un estado de éxtasis mediante el medio sonoro, y no la realización de una composición musical. En su trabajo, a partir de 1901, se intuyen sus futuras propuestas ‘panarmónicas’ que lo acercaron a las teorías atonales de la escuela vienesa. 9 Construyó acordes basados en intervalos de cuartas, ya no las tradicionales terceras del sistema tonal y acuñó un acorde de seis notas llamado ‘acorde místico’. Scriabin acopló la armonía musical a una teoría del color en la que ciertas sonoridades se reflejarían en colores específicos. En 1911 organizó un concierto con juegos de colores proyectados que respondían a las armonías musicales. En el año de su muerte se encontraba componiendo una obra sacra, Mysterium, que planeaba producir en el Himalaya a lo largo de siete días y siete noches como el ‘acto de unión entre el Creador-Masculino y la Mujer-Tierra’. El mar fue la inspiración de su segunda sonata para piano, que demoró cinco años en completar. Apareció publicada con el título de Sonata-Fantasía. El mismo compositor describió la obra, así: […] el primer movimiento representa la tranquilidad de la luz del sur en la costa; el desarrollo es la agitación oscura del mar profundo. La sección media en mi bemol mayor muestra la luz lunar acariciante que aparece luego de la oscuridad inicial de la noche. El segundo movimiento, Presto, representa la expansión inmensa del océano, agitada por tormentas. Con la temprana muerte de George Gershwin (1898-1937), se perdió una figura muy especial en el desarrollo musical de la década de los treinta en Estados Unidos; hubiera sido interesante observar el alcance maduro de su talento, que se desarrolló cómodamente en el mundo del musical de Broadway, del cine de Hollywood y en el del gran repertorio orquestal. Hijo de inmigrantes rusos, Gershwin se formó como pianista de concierto y compositor de canciones populares junto con su hermano, Ira. La facilidad demostrada con el lenguaje del jazz llevó a que Paul Whitman le comisionara una obra para orquesta sinfónica en la que fueran evidentes los elementos del jazz. El concepto más generalizado acerca de la obra de Gershwin es el de que constituye una adaptación ingeniosa o una estilización orquestal del jazz. Sin embargo, un análisis paciente del estado de la música en Estados Unidos (tanto de la denominada clásica como de la popular) entre los años intermedios a las dos guerras mundiales nos demuestra que Gershwin estuvo más íntimamente ligado a la canción popular influenciada por los antecesores del jazz, como el rag y los blues que, por el fenómeno del jazz, que, durante ese período de tiempo, vio crecer figuras tan notables como las de Duke Ellington, Louis Armstrong y Charlie Parker. Esto se evidencia aún más si tenemos en cuenta que Gershwin trabajó con música escrita, dejando de lado la característica más 10 determinante del jazz de esta época: la improvisación y el swing o el manejo libre e impredecible del ritmo. George Gershwin y su hermano, Ira, aportaron obras geniales al repertorio de la comedia musical de los años veinte en Broadway. Entre sus primeros aciertos figuran Lady, Be Good (1924), ¡Oh Kay! (1926), Funny Face (1927) y Of Thee I Sing (1931). Los Tres preludios, originalmente concebidos para piano solo, son ejercicios con aspectos muy llamativos del jazz como la síncopa, las escalas con notas blue, las melodías cadenciosas, y las insinuaciones populares referenciadas al baile y la canción. Tres preludios generan un diseño ternario con dos extremos muy activos, y una sección media un poco más pausada y lírica. Entre los aspectos más interesantes a seguir están la independencia entre ritmo y melodía, la elaboración del gusto popular, el manejo del teclado, y la armonía rica y variada. Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA. Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho años fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos XIX y XX. 11 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 33 Estreno: jueves 21 de octubre · 6:00 p.m. AQ ENSAMBLE flauta y arpa (Colombia) Foto: Andrés Alba SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisÁngelArango @BanrepculturalHonda Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en 2 Foto: Andrés Alba SOBRE LA AGRUPACIÓN AQ Ensamble, flauta y arpa Cristian Álvarez, flauta y Felipe Quiroga, arpa AQ Ensamble fue creado en 2018 por sus integrantes, Cristian Álvarez en la flauta y Felipe Quiroga en el arpa, con el fin de interpretar repertorio existente para el formato de flauta y arpa, desde la música barroca, pasando por la tradición francesa para este formato, hasta las corrientes modernas y la música de nuestros días. Se trata de un ensamble versátil, con grandes posibilidades tímbricas, muy llamativo y agradable de escuchar gracias a las cualidades sonoras de estos dos instrumentos y a lo bien que pueden mezclarse. AQ Ensamble ha participado en diferentes festivales y escenarios, como en el XIII Festival de Música de Cartagena 2019 —en ese entonces en formato de trío—, y en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. El ensamble ha recibido clases de música de cámara con reconocidas arpistas, como Gwyneth Wentink y la arpista principal de la Orquesta Filarmónica de Viena, Anneleen Lenaerts. Cristian Álvarez comenzó sus estudios de música en 2010, en la Red de Escuelas de Muìsica de Medelliìn. Es egresado del ITM, donde estudió Producción Musical, y en 2018 obtuvo su título de Maestro en Flauta luego de estudiar bajo la dirección de Elizabeth Osorio y Hugo Espinosa en la Universidad de Antioquia. Se ha desempeñado como flautista en la Banda Sinfónica de la Universidad de Antioquia, la Orquesta del Estudio Polifoìnico de Medelliìn y las orquestas Filarmónica de Medellín y Filarmónica de Bogotá, y como primera flauta de la Orquesta Filarmónica Juvenil en 2018 y 2019. 3 Hizo parte del ensamble de experimentación sonora [expr] en Medellín, grupo dedicado a la investigación, creación e interpretación de las prácticas sonoras contemporáneas. En 2016, fue seleccionado para realizar un intercambio en el Conservatorio Real de Mons en Bélgica, en la clase de Marc Grauwels. Asimismo, fue seleccionado para participar como estudiante becario en las clases magistrales del XII y XIII Festival de Música de Cartagena (2018 y 2019). Cristian ha recibido clases con Vincent Lucas, Stephane Reìty, Stephanie Winker, Samuel Coles y Gaspar Hoyos, entre otros maestros. Hace parte de la Academia Filarmónica Iberoamericana Iberacademy; actualmente, se encuentra cursando su segundo año de Máster en Interpretación con Denis- Pierre Gustin en el Instituto Real Superior de Música de Namur, en Bélgica, y es profesor de flauta en el Conservatorio de Givet en Francia. Felipe Quiroga comenzó sus estudios musicales en 2007, en la Fundación Batuta. Ingresó al Programa Básico de Música del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia y actualmente hace parte de la cátedra de Bibiana Ordóñez. Ha participado como becario en las clases magistrales del Festival de Música de Cartagena (2012, 2017, 2018 y 2019) y del Festival de Música de Santa Catalina (Femusc) en 2017. Igualmente, ha sido parte de las Cátedras Salvi de arpa en sus versiones VIII, IX, X, XI, XII y XIII, recibiendo clases con Emmanuel Ceysson (Francia) y Sivan Magen (Israel). En otras clases magistrales, ha estudiado con Elizabeth Hainen (Estados Unidos), María Luisa Rayan (Argentina), Gwyneth Wentink (Holanda) y Chantal Mathieu (Francia). Felipe concursó en el México International Harp Competition and Festival 2016, donde obtuvo el tercer lugar en la categoría intermediate primera división. Fue ganador de la tercera edición del Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes de la Orquesta Sinfónica de Caldas 2017 y obtuvo mención de honor en el concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali 2018. Ha sido ganador de la convocatoria de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, en 2020 y 2022, así como de la de músicos temporales de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en 2020. 4 Sonata para violín en sol menor, BWV 1020 (1734[?]) Allegro Adagio Allegro JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Atribuido a Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) Original para violín y teclado Adaptación de AQ Ensamble para flauta y arpa Tanka (2020) DAVID GAVIRIA PIEDRAHÍTA (n. 1988) Sonata para violín o flauta, violonchelo y pianoforte en fa mayor K. 13 (1764) Allegro Andante Manuetto 1 y 2 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Adaptación de AQ Ensamble para flauta y arpa Fantasía para violín y arpa, Op. 124 (1907) CAMILLE SAINT-SAËNS (1835-1921) Adaptación de AQ Ensamble para flauta y arpa PROGRAMA 5 SOBRE EL PROGRAMA Por Daniela Peña El formato arpa y flauta tiene una tradición algo accidentada y nos evoca muchas más imágenes e historias mitológicas o fantásticas que una tradición musical académica. No existe una vasta cantidad de obras escritas para esta agrupación de instrumentos, sin embargo, los integrantes de AQ Ensamble han decidido que esto no supondría un problema; para llenar los aparentes vacíos (con respecto a otro tipo de formatos de tradición más clásica, claro está) y para no limitar sus posibilidades, han recurrido, por ejemplo, a la comisión de una obra, como en el caso de Tanka, del colombiano David Gaviria Piedrahíta. Además, haciendo honor a una larga tradición de adaptar música para las necesidades de un contexto específico, se han puesto en la tarea de traducir repertorio escrito originalmente para otro formato; a manera de ilustración está la Sonata en fa mayor K. 13 de Wolfgang Amadeus Mozart, original para flauta o violín, violonchelo y pianoforte; y la Sonata BWV 1020, atribuida tanto a Johann Sebastian Bach como a su hijo, Carl Philipp Emanuel, original para violín y teclado. El resultado de esta curaduría es un repertorio con estilos y narraciones variopintos que nos llevan hasta la Grecia clásica y nos traen de vuelta a la historia más reciente; nos habla de la cultura europea, del mismo modo que de culturas orientales, y presenta, en un mismo plano, a compositores del hall de la fama de la música académica. También nos encuentra con otros repertorios cuya reputación es más modesta, pero no por esto menos importante en los recuentos históricos. Pare empezar, hablemos de David Gaviria Piedrahíta (n. 1988), un compositor colombiano que realizó sus estudios en la Universidad de Antioquia, y se interesó principalmente en los números, el lenguaje y en la manera de generar un íntimo diálogo entre estos y la música; su deseo es el de convertir sus curiosidades e inquietudes en obras musicales. Tanka, como ya se mencionó, es una pieza que fue comisionada por los integrantes de AQ Ensamble y que Gaviria compuso en 2020; es curioso destacar que, como buenos hijos de nuestra época, todas las conversaciones realizadas entre intérpretes y compositor se realizaron por medios virtuales, demostrando que no todo es negativo en la era digital y que la música se puede beneficiar altamente de estos nuevos canales de comunicación. El nombre de la pieza 6 hace referencia a la estructura poética japonesa con el mismo nombre, en la que se alternan versos de cinco y siete sílabas, y se busca explorar las diferentes posibilidades tímbricas de los instrumentos, que pueden recordar al shakuhachi y al koto: la flauta y el arpa japoneses, respectivamente. Cuando se piensa en Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) hay tantas palabras, tantos sonidos, tantas imágenes que han inundado la historia de la música, que es difícil pretender aportar algo nuevo. La figura de genio y de niño prodigio ha sido la más esparcida y es complicado no pensar en Mozart como un compositor empedernido, dedicado enteramente a su oficio desde que era muy pequeño. Por el contrario, la historia de la pieza que tocará AQ Ensamble hoy nos trae algunos relatos que logran sacarnos de aquella narrativa, y nos presenta una imagen mucho más humana y real del compositor. Parece ser que la colección de sonatas a la que pertenece la K. 13 (K. 10-15) fue escrita en un corto periodo de enfermedad que pasó su padre durante un viaje a la isla británica, junto a toda su familia. Durante el viaje, Mozart, con nueve años de edad, deleitó a la sociedad londinense, incluidos Jorge III y Carlota, reina a quien dedicó dichas sonatas. Daines Barrington, científico y naturalista inglés, fue testigo de aquella presentación y, en 1769, narró, no sin asombro por la precocidad, su encuentro con el pequeño, exaltando las dos facetas del compositor: aquella del genio, capaz de ejecutar en el clavecín cualquier petición que solicitara el público, y la del niño, disperso, buscando juego en cualquier situación y dejándose encantar por acontecimientos aparentemente irrelevantes: Viendo que estaba inspirado, deseé que compusiera una Canción de Ira, como sería propia de los escenarios de la ópera. El niño de nuevo miró hacia atrás con una malicia juguetona y comenzó cinco o seis líneas de un recitativo apropiado para preceder una Canción de Ira (…) y en medio de ella, se había metido en el afecto a tal grado que comenzó a golpear el clavecín como una persona poseída, saltando, incluso, algunas veces de la silla (…) A pesar de ser testigo de estos hechos maravillosos, debo aceptar que no pude evitar sospechar la imposición de su padre con respecto a la verdadera edad del niño, puesto que, no solamente tenía una apariencia completamente infantil, sino también actuaba como se hace en esa época de la vida. Por ejemplo, mientras tocaba para mí, un gato entró, a lo que el niño dejó inmediatamente el clavecín y no pudimos traerlo de vuelta por un largo tiempo. Algunas veces también corría por ahí con un palo entre las piernas, como si fuera un caballo (Deutsch, 1965). Este viaje también dio como fruto el encuentro del joven compositor con Johann Christian Bach, hijo de Johann Sebastian, quien lo acogió como su alumno y con quien cultivó no solo un vínculo de aprendizaje, sino de una 7 amistad casi paternal. Johann Christian, a quien llamaban el London Bach (Bach de Londres), dedicaba buena parte de su tiempo a instruir al niño, a quien cautivó por su manera de enseñar que, por lo menos con el pequeño Wolfgang, se basaba en juegos musicales. Da fe de ello Nannerl, la hermana mayor del pequeño: El Señor Johann Christian Bach, maestro de música de la reina, lo puso sobre sus rodillas. Él tocaba algunos compases y luego [Wolfgang] continuaría. De esta manera tocaban sonatas enteras. A menos que lo vieras con tus propios ojos, podrías jurar que se trataba de una sola persona tocando (Deutsch, 1965). Años después, Mozart le escribiría a su padre, en su estilo sentido y sincero, haciendo patente el cariño y el respeto que sentía por quien fuera su maestro en Londres: «Como bien lo sabes, lo amo con todo mi corazón y lo respeto grandiosamente» (Deutsch, 1965). De Bach aprendió el estilo italiano en el que está escrita la sonata que escucharemos en este concierto. Las primeras publicaciones indican que la colección se trata de sonatas para clavecín con acompañamiento de violín o flauta y, en una publicación más tardía se daba incluso la opción de que un violonchelo acompañara la parte más grave, lo que hace pensar que estas sonatas podrían ser un prototipo del trío para piano. Se debe tener en cuenta también que las partes agudas son presentadas solamente como una opción; no son partes obligadas, es decir, que para entender la pieza bastaría la parte del clavecín, como lo indica el título: Six Sonates pour le Clavecin qui peuvent se jouer avec l’Accompagnement de Violon, ou Flaute Traversiere (Seis sonatas para el clavecín que pueden ser tocadas con el acompañamiento de un violín o un traverso). Los protagonistas de la próxima historia son otros dos miembros de la célebre familia Bach. Como es bien sabido, el padre, Johann Sebastian Bach (1685-1750), es reconocido ahora como el mayor representante de lo que se ha llamado Barroco en la historia de la música; el año de su muerte marca incluso el final de este periodo. Cierto o no, justificado o no, es un debate que nunca tendrá fin y ahora mismo no compete intentar resolverlo. Lo que sí se debe decir es que la música de este compositor presenta características importantes para entender, por lo menos, una porción del estilo de dicho periodo. Otro debate que parece que nunca verá una solución es el del caso de la pieza que escogieron los integrantes de AQ Ensamble, pues la Sonata para violín en sol menor, BWV 1020 podría llegar a tener el estatus de orfandad; Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) la atribuye a su padre; algunos historiadores la 8 atribuyen a C.P.E.; hay quienes la cambian de árbol genealógico, diciendo que podría ser de Carl Heinrich Graun y que es original para laúd; otros le dan la paternidad a su colega en la corte de Federico el Grande, el flautista Johann Joachim Quantz. En fin, ni siquiera hay un acuerdo con respecto al instrumento con el que se debería interpretar, ya que se indica que es para violín, pero parece funcionar mejor en la flauta. Lo único que es cierto es que la sonata está escrita en el estilo del concierto italiano en el que, por un lado, hay un grupo de instrumentos llamado ripieno, que en este caso sería la parte obligada del clavecín, y por otro, un instrumento solista. Estas dos fuerzas sonoras se alternan y cuando se abandona el diálogo, el ensamble de instrumentos o el instrumento de teclado ejercería el papel de acompañamiento. Claro está, no es la única sonata en este estilo, y el crítico y compositor, contemporáneo de J. S. Bach, describe este tipo de piezas como auf Concertenart, es decir, ‘en estilo de concierto’, estilo que imperaría en el siglo venidero y se haría famoso gracias a compositores como Giuseppe Torelli y, el más célebre, Arcangelo Corelli. La fantasía ha sido un género longevo, de múltiples personalidades, que ha deambulado a lo largo y ancho de la historia de la música: desde el siglo XVI cuando inundaba las páginas de los libros para laúd, vihuela y teclado, pasando por las manos de C. P. E. Bach y Georg Philipp Telemann, hasta seducir también a personajes como Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Robert Schumann, Franz Liszt y a quien nos reúne hoy: Camille Saint-Saëns (1835-1921). Imposible de reducir a una única forma, la fantasía se ha guiado por una ley: la alternancia de elementos contrastantes que, además, ha sido interpretada de múltiples maneras y ha dependido de la geografía, el tiempo, el gusto y, por supuesto, de los caprichos del compositor. Saint-Saëns era ya un veterano en 1907, año en el que escribió la pieza para las hermanas Clara y Marianne Eissler, arpista y violinista de la Casa de Sajonia-Coburgo y Gotha. Es seguro decir que su cordial amistad con el organista francés se remontó a casi diez años antes de la composición de la pieza; se sabe también que tanto Saint-Saëns, como las hermanas Eissler eran ya figuras célebres para la aristocracia victoriana, cuyos miembros pudieron presenciar el estreno el 2 de julio de aquel año, en el Aeolian Hall de Londres. El carácter de la Fantasía Op. 124 para este inusual ensamble discurre entre el pasado y el futuro; la Fantasía fue tan aclamada como criticada. Por ejemplo, el periódico The Times la reseñó como: 9 …un dueto para violín y arpa llamado ‘Fantasía’ y justificando su nombre con una falta de cohesión estilística. Por momentos es tan rapsódica como una composición ultramoderna, y en otros lugares utiliza astutamente una serie de variaciones para el violín, sobre un basso ostinato en el arpa; hay múltiples pasajes que pueden hacer pensar al oyente que no son los más apropiados para la combinación [de instrumentos] escogida. Sin embargo, al año siguiente, tras la interpretación de la Fantasía en Cannes, en donde las hermanas hacían prácticamente parte de la aristocracia, la respuesta fue mucho más benévola: Ambos instrumentos son tratados con la más alta ventaja y en cuanto a temas, a la brillantez con que es manejada y a la inagotable ingenuidad y maestría con que son utilizados los recursos, es una de las piezas más características y efectivas del autor. Un toque sorprendentemente original es el empleo del arpa a manera de un bajo ostinato, con unas deslumbrantes fantasías escritas para el violín; fue hermosamente interpretado. Lo que más conmueve…, las palabras que deberían quedar sonando, no obstante, no son las de los críticos, sino las de las hermanas Eissler, quienes agradecen, con la más inusual humildad, la pieza del compositor y su encuentro con él mismo: Mi hermana y yo le debemos uno de los éxitos más grandes en nuestra carrera. Su nombre rotundo nos trajo una sala llena de un público musical y distinguido; estábamos plenamente concentradas en nuestra tarea y, me atrevo a decir que hemos tocado bien sus divinas obras. Creo que usted habría aprobado nuestra interpretación. Habiendo tenido la oportunidad de obtener sus preciosos consejos, tenemos más confianza en nosotras y le aseguro, querido maestro, que mi hermana y yo recordamos muy bien la manera como usted deseaba que fuera interpretada. El público nos hizo ovaciones llenas de entusiasmo después de cada pieza y obtuvimos el éxito que usted tuvo la bondad de desearnos (Broome, 2018). Referencias Broome, J. &. (2018). Hommage aux demoiseles Eissler – Chamber music for harp and violin from the repertoire of Marianne and Clara Eissler. Music & Media Consulting Limited. Deutsch, O. E. (1965). Biography, Mozart: A Documentary. Stanford, Califor-nia: Stanford University Press. Retrieved from https://books.google.com. co/books?id=e8AtwaddUW4C&pg=PA98&lpg=PA98&dq=jargon+reci- 10 tative&source=bl&ots=V_ASOTvm1u&sig=ACfU3U0WRyLhAL1IeV-toVjS34JOv10OCAg& hl=es&sa=X&ved=2ahUKEwj0z6yg45foAhXxc-t8KHUSQBqYQ6AEwAHoECAUQAQ# v=onepage&q=jargon%20 recitative&f=false Piazzola, Liebermann, Shaposhnikov, & Rota (2012). 20th Century Music for Flute and Harp [Recorded by N. Shulman, & J. Loman]. Estados Unidos. Shulman, N., & Loman, J. (2012). 20th Century Music for Flute and Harp. Estados Unidos. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asigna-tura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 11 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Ataraxia es una agrupación de música contemporánea que nació a finales de 2018 como una propuesta vanguardista en el ambiente musical latinoamericano, no solo debido a su innovadora mezcla instrumental, sino también a su concepto de exploración sonora, característica que cautiva de manera inmediata al público. Está conformada por músicos estudiantes y egresados de la Universidad Nacional de Colombia que, gracias a su curiosidad y activismo, lograron crear, de la mano de nuevos compositores emergentes del país, un proyecto sólido que aporta al desarrollo musical colombiano, interpretando obras exclusivamente creadas para este formato. Gracias a una de las convocatorias más importantes en el campo musical, Ataraxia se complace en presentar su proyecto como una de las propuestas artísticas que ha despertado mayor expectativa y curiosidad entre los oyentes.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 35 Estreno: jueves 28 de octubre · 6:00 p.m. ANDRÉS FELIPE PALACIOS guitarra (Colombia) Foto: Sebastián Mejía Ocampo SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalMedellín Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. 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El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en 2 Foto: Sebastián Mejía Ocampo SOBRE EL INTÉRPRETE ANDRÉS FELIPE PALACIOS, guitarra Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez- Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. 3 Conozca más acerca del artista Andrés Felipe Palacios Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República. 4 Partita No. 2 en do menor, BWV 826 (1726) Sinfonia Allemande Courante Sarabande Rondeau Capriccio JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Original para clavecín Adaptación para guitarra de Andrés Felipe Palacios (n. 1998) Sonata (1933) Allegro moderato Minueto Pavana triste Final ANTONIO JOSÉ MARTÍNEZ (1902-1936) Guabina para un músico del sur (2013) DANIEL SABOYA (n. 1980) PROGRAMA 5 SOBRE EL PROGRAMA Por Daniela Peña Pensamos en Johann Sebastian Bach (1685-1750) y aparece esa figura seria, aquella estampa de superioridad y de genio inaccesible. Sin embargo, pocas veces pensamos que tanto este como otros de los compositores que dibujaron la historia de la música simplemente buscaban, como muchos, vivir de ella. Para esto necesitaban mostrar sus capacidades como intérpretes, creadores, profesores, arreglistas o editores. Las redes sociales habrían sido de grandísima ayuda para estos personajes, pues pasaban gran parte de su tiempo escribiendo música para llamar la atención de algún patrono o potencial jefe que pudiera interesarse lo suficiente como para contar con sus servicios creativos. No sería extraño imaginar un video en Instagram, un tuit provocando a algún posible contrincante o la promoción de su próxima producción en Spotify. De seguro, todas las plataformas habrían sido utilizadas por el compositor, así como utilizó el Leipziger Post-Zeitungen en 1726 para anunciar sus primeras publicaciones para teclado al mejor estilo de una campaña de expectativa digital1: El maestro de capilla del príncipe de Anhalt-Cöthen y director del Chori Musici Lipsiensis, señor Johann Sebastian Bach, pretende publicar un opus de suites para teclado, comenzando por la primera partita. Planea continuar pieza a pieza hasta que el opus sea completado, para que lo conozcan los amantes del teclado. Que se sepa, además, que el autor es el mismo editor de este trabajo2 (Koopman, 2011). A este grupo de piezas pertenece la Partita No. 2 en do menor, BWV 826 que Andrés Felipe Palacios arregló para guitarra. Y, ¿qué es una ‘partita’? Bach utilizó este término y el de suite indistintamente y esta última, a su vez, nos remite a la tradición surgida en el siglo XVII de agrupar danzas de carácteres distintos y velocidades contrastantes, aunque la publicación de varias danzas en secuencia fue un fenómeno en boga a lo largo del siglo XVI. 1 Las suites francesas e inglesas fueron distribuidas en manuscritos y, aunque ya había realizado publicaciones de composiciones suyas para teclado, las Partitas fueron las primeras que se hicieron bajo la iniciativa del propio compositor. 2 “The Capellmeister to the Prince of Anhalt-Cöthen and Director Chori Musici Lipsiensis, Herr Johann Sebastian Bach, intends to issue an opus of clavier suites of which he has made the beginning with the first partita. He plans to continue piece by piece until the opus is completed, such is being made known to the lovers of the clavier. Let it be known also that the author himself is the publisher of this work”. Traducción al español hecha por Daniela Peña Jaramillo. 6 Es necesario, no obstante, aclarar que es casi seguro pensar que la música que Bach basó en los ritmos y las formas de danzas como la courante, la allemande o la sarabande no fueron creadas para ser danzadas. Estas fueron extraídas de su contexto original, en donde compartían protagonismo con los movimientos que autores franceses como Pierre Beauchamp o Pierre Rameau se habían dedicado a describir y explicar para ser llevadas a la práctica del teclado (Clavierübung) y evidenciar virtuosismo tanto del compositor como del intérprete que, con toda seguridad, tenía como objetivo mostrar las capacidades del autor. En otras palabras, las suites y las partitas de Bach, y de otros tantos que incluyeron este género en su catálogo de obras, no pretendían ser bailadas, pretendían ser tocadas y, en el caso de esta colección, plausiblemente serían interpretadas por músicos amateur o por alumnos del compositor en un entorno doméstico, a juzgar por el título de la publicación ‘Clavierübung (Práctica de teclado) consiste en preludios, alemandas, courantes, sarabandas, gigas, minuetos y otras galanterías para el deleite del espíritu de los amantes de la música.’ Con las galanterías el autor se refería a los movimientos que, además de las piezas introductorias como el preludio, la sinfonía, la toccata, la fantasía, la obertura o el preambulum, no eran danzas; es el caso de la Suite en do menor, el Capriccio y el Rondeau. Galanterías eran también aquellos elementos que hacían que una pieza fuera elegante y digna representante de aquel estilo que estuvo en boga durante la primera mitad del siglo XVIII; a riesgo de caer en la redundancia: el estilo galante. Y Bach se esforzó, o por lo menos, eso dice su obra, por no hacer parte de estos entusiastas de la ligereza; por el contrario, sus obras eran consideradas excesivamente complicadas y, para algunos, como Adolph Scheibe, innecesariamente artificiosas y contrapuntísticas: He podido escuchar a este gran hombre en diversas ocasiones. Uno se asombra con su habilidad, y resulta difícil imaginar cómo es posible para él lograr tal nivel de agilidad con el entrecruzamiento de sus dedos y sus pies, las extensiones y los saltos que logra sin dar ni una sola nota falsa y sin que estos violentos movimientos alteren su cuerpo en lo más mínimo. Este gran hombre sería la admiración de naciones enteras si tuviera más gracia, si no privase de naturalidad a sus obras por su carácter recargado y confuso y no oscureciese la belleza con su excesiva artificiosidad. Al juzgar según sus dedos, hace que sus obras sean difíciles en extremo, ya que exige a cantantes e instrumentistas que realicen con su garganta o instrumento todo aquello que él es capaz de ejecutar al teclado, lo que es imposible3 (Scheibe en Hans, 1999, p. 338). 3 “I have heard this great man play on various occasions. One is amazed at his ability, and one can hardly conceive how it is possible for him to achieve such agility, with his fingers and with his feet, in 7 Sin embargo, había otros que, aunque reconocían la dificultad técnica, loaban en igual medida su belleza; un ejemplo de esto son las palabras de la poeta Luise Adelgunde Victorie Kulmus que, en una carta a su prometido aseguraba: «[…] las piezas para teclado de Bach que me enviaste son tan difíciles como hermosas. Aunque las he tocado de arriba a abajo diez veces, aún me considero una principiante» (Levit, 2014). Otro compositor que no se caracteriza por la facilidad técnica de sus creaciones fue Antonio José Martínez (1902-1936). En su corta vida solamente escribió dos obras para guitarra: Sonata y unos arreglos sobre una canción popular burgalesa; tal vez por esta razón y porque el compositor no era guitarrista, la interpretación de su música para el instrumento no suele ser una tarea fácil. Martínez, al igual que Bach, fue bastante criticado tanto por sus colegas, como por las fuerzas políticas contra las que se manifestó abiertamente; celebró de manera enfática el triunfo del Frente Popular español en 1936, justo antes de que el país se viera sumido en la tristemente célebre Guerra Civil. Afirmaba: «[…] el socialismo bien entendido y bien dirigido es cosa perfecta». Pero el mundo prefranquista no estaba hecho para artistas que quisieran hablar o, mejor, que quisieran hablar ‘al revés’. Su afinidad con la población trabajadora nunca fue un secreto y se sabe que llegó a crear un coro de obreros y campesinos; quería la educación libre para el pueblo y, además, defendió siempre y se encargó de que el folclore de Burgos, su ciudad natal, fuera rescatado. Fue fundador de la revista Burgos Gráfico, en la que se publicaban artículos que arremetían contra la cultura y la política conservadoras, y se defendían las mezclas culturales que aquellos afines con el pensamiento del general Francisco Franco buscaban silenciar. Y eso hicieron, no solo con la música, sino con la vida de Martínez; como sucedió con el poeta Federico García Lorca, amigo del compositor, la cobardía triunfó y en octubre de 1936, a los 34 años, Martínez fue ejecutado por un escuadrón de falangistas que le acusaban de profesar ideales judeo-fascistas. Su voz dejó de sonar y su música también; fue prohibida durante los cuarenta años que duró la dictadura y solo en 1980 se logró publicar un volumen con su obra. En 1981 se interpretó por primera vez, después de 47 años, la Sonata, the crossings, extensions, and extreme jumps that he manages, without mixing in a single wrong tone, or displacing his body by any violent movement. This great man would be the admiration of whole nations if he had more amenity, if he did not take away the natural element in his pieces by giving them a turgid and confused style, and if he did not darken their beauty by an excess of art. Since he judges according to his own fingers, his pieces are extremely difficult to play; for he demands that singers and instrumentalists should be able to do with their throats and instruments whatever he can play on the clavier. But this is impossible.» Traducción al español hecha por Daniela Peña Jaramillo. 8 obra para guitarra que había sido estrenada en 1934 por Regino Sainz de la Maza, a quien esta fue dedicada. La Sonata de Antonio José Martínez no es sencilla de interpretar, pero el resultado sonoro crea una ilusión de sencillez para quien la escucha. Además, está construida a partir de un motivo que va reapareciendo cada tanto en los distintos movimientos; a este recurso le han llamado ‘forma cíclica’ y ya había sido utilizado en varias ocasiones por Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Hector Berlioz, Robert Schumann, Camille Saint-Saëns, entre muchos otros; lo que genera es una sensación de regreso a casa que puede llegar a ser reconfortante para el oyente. Aunque la obra se entienda mejor siendo tocada en su totalidad, hay un movimiento que a veces es extraído e interpretado en solitario: la Pavana Triste que, al igual que hizo Bach con sus suites y partitas, simplemente es un esbozo, casi un espejismo, de aquella danza ceremoniosa que en el siglo XVI copó folios y folios, del mismo modo que salones y banquetes cortesanos. La Guabina para un músico del sur del guitarrista y compositor Daniel Saboya (n. 1980) también es una sugerencia del género que habita pacífica y simultáneamente en Boyacá y Cundinamarca, en Santander, y en Huila y Tolima. La guabina es tan propia de estos tres espacios como de la herencia española que extendió la tradición de las coplas, improvisadas o no, en octosílabos, en décimas, y que se traducen en cada región de Hispanoamérica en géneros como la trova, el gato, la payada, la pirakua, el son jarocho o el pajarillo, entre muchísimos otros. La guabina, que normalmente es cantada por dos voces femeninas, suele alternarse con momentos instrumentales correspondientes al patrón del torbellino que, a su vez, recuerda aquella práctica que en el siglo XVII fue utilizada ilimitadamente por compositores del antiguo continente y que consistía en realizar variaciones sobre un mismo esquema rítmico, melódico o armónico que se repetía varias veces: el basso ostinato, o bajo ostinado. La guabina alguna vez fue mal vista: pertenecía al pueblo y su ‘bajo’ mundo; hecha con tiples, guitarras y músicos ‘de oído’ era pobreteada frente a la música de la élite, la música europea que hablaba a través de pianos, violines y partituras: Hasta en la música se le ve la tendencia a rebajarse. Un cristiano con ese oído, con esa voz, se puso a aprender tiple y a cantar guabinas y monos, en vez de aprender peano [sic] o veolín [sic] y a cantar cosas de ópera. No sé cómo no ha entrado en La Lira o en la banda de los Paniaguas; porque, desde que sea con artesanos y con zambos está en su elemento (Carrasquilla en Urrego, 2020, p. 141). 9 Pero ahora se sabe que la guabina une; une voces, amores, tiempos, continentes… como lo hizo alguna vez Gentil Montaña con la Guabina viajera que compuso en una de sus estancias lejos del país, y como lo hace Daniel Saboya con esta guabina, que sugiere el diseño rítmico de este género, pero con un ropaje armónico y melódico completamente urbano y que bebe de la fuente de la música del siglo XXI. La guabina fue sacada de su contexto original no para alejarla de él ni para exterminar sus raíces, sino para insertarla en el mainstream de la música instrumental contemporánea; para darle un nuevo lugar. No en vano, la Guabina para un músico del sur fue ganadora del premio a Obra inédita instrumental en el Festival Hatoviejo Cotrafa de 2013 y, hablando nuevamente de uniones, fue incluida, dos años después, en el álbum Bogotá-Buenos Aires del Quinteto Leopoldo Federico. Referencias Hans T. David, Mendel, A., & Christoph Wolff (Eds.). (1999). The Bach Reader. W.W. Norton & Company. Koopman, T. (2011). Johann Sebastian Bach - Six partitas for harpsichord (Clavier Übung I) BWV 825-830 [CD]. Ámsterdam. Levit, I. (2014). Bach Partitas: BWV 825-830 [CD]. Urrego Arias, H. A. (2020). El tiple, instrumento musical acompañante. La invención de la nación, un caso de momoria visual de lo popular en Colombia, 1886-1910. Universidad Nacional de la Plata. La Plata. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el Énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clase de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 10 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 34 Estreno: miércoles 27 de octubre • 6:00 p.m. WANKARA ensamble de percusión (Colombia) Foto: Marco Roa RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalFlorencia Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados 2 que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE LA AGRUPACIÓN WANKARA, ensamble de percusión Wankara fue fundado en 2011 con el fin de desarrollar y ampliar la música de cámara en el ámbito de la percusión, siendo un grupo versátil, capaz de desenvolverse en distintos estilos musicales. Tiene, además, varios propósitos: la búsqueda de nuevas sonoridades y de obras escritas para percusión, la incursión en la música contemporánea y la música colombiana, así como la apertura del panorama profesional de la percusión, la música de cámara, y la pedagogía en el medio laboral en cooperación con otras disciplinas y en la exploración y explotación de todas las posibilidades del artista como ser íntegro. El ensamble fue ganador en varias convocatorias, entre ellas, el Concurso Ciclos de Conciertos de Música de Cámara para todos los Públicos, organizado por el Programa Distrital de Estímulos 2012 de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; la Convocatoria Jóvenes Talentos de la Música 2013, organizada por la Alianza Francesa; la Programación Artística de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño en 2013; y el I Festival de Música de Cámara, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. El ensamble obtuvo el segundo puesto en el Concurso Internacional de Ensambles de Percusión 2016, organizado por el Italy Percussive Arts Society (ITALY PAS). En el campo pedagógico, Wankara ha ofrecido clases magistrales y conciertos didácticos, siendo partícipes de las iniciativas que al respecto se han realizado en la ciudad de Bogotá, entre las cuales se destaca el proyecto Maleta Pedagógica, lanzado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá; el programa Música Itinerante, de Compensar; el ciclo de Conciertos Didácticos, organizado por la Red de Bibliotecas Públicas de Bogotá (BibloRed); múltiples conferencias en diferentes escenarios del país; y clases virtuales en el Top Show Colombo, organizado por el Centro Colombo Americano de Bogotá. Partiendo de la aproximación que cada uno de los integrantes ha tenido con las músicas tradicionales de Colombia, Wankara dio un paso significativo al consolidar un taller de música colombiana, realizado University of Minnesota en 2012, gracias al apoyo y colaboración de Fernando Meza, profesor asociado al área de percusión de la misma institución. 4 Conozca más acerca de la agrupación Wankara También, cabe resaltar la participación del ensamble en La música de Francisco Zumaqué, concierto en homenaje al compositor colombiano presentado en 2014 por el Banco de la República, así como en el IV Festival Internacional de Percusión, celebrado en Ibagué en 2015. Entre sus más recientes actividades se destaca, adicionalmente, su participación como ensamble invitado en el V Festival Internacional de Percusión, realizado en Ibagué; en el concierto de lanzamiento de la página web Wankara, que tuvo lugar en el Teatro El Parque; en la apertura del ciclo de conciertos Tairona Joven, organizado por el Centro Cultural Colombo Americano de Bogotá; y en el II Laboratorio Nacional de Percusión, organizado por la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá y la Universidad Nacional de Colombia, en el que alternó una presentación con la Katarzyna Mycka. También sobresale su incorporación a la empresa Innovative Percussion como grupo artista promotor. Recientemente, Wankara obtuvo el primer puesto en el concurso Premio Grupos de Cámara en la categoría de uno a cinco años de conformación, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Participó en el I Festival Internacional de Percusión COLPAS 2020, organizado por el Colombian Chapter Percusive Arts Society, y en varios conciertos virtuales interpretando obras como Kyoto, Lime Juice y La patasola. Wankara tyuvo presencia también en las conferencias y clases de percusión corporal y percusión no convencional del Colombo Top Show 2021, evento hecho por el Centro Cultural Colombo Americano de Bogotá. 5 Canto al Llano (2011) GUILLERMO ANDRÉS OSPINA (n. 1989) Música de la tierra (2020-2021) JUAN JACOBO RESTREPO (n. 1978) La seño Mery (2021) MELISSA PINTO (n. 1987) La patasola (2010) SERGIO MÉNDEZ SASTRE (n. 1984) Tamburo (2009) RODOLFO BADEL CASTRO (n. 1987) PROGRAMA 6 SOBRE EL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria El origen de la música se remonta al origen del hombre. Si pensamos en la voz como el instrumento básico inicial es importante analizar el control que se pueda tener sobre esta. Científicos investigadores del tema han estudiado los cráneos fosilizados y las mandíbulas de nuestros ancestros lejanos para ver si eran capaces de vocalizar y controlar el tono. Como resultado sabemos que, hace cerca de un millón de años, el ancestro común de los neandertales y los humanos modernos tenía la anatomía vocal para ‘cantar’ como nosotros, pero por supuesto, no es posible saber si lo hizo. Entra en el terreno de las hipótesis, según lo expuesto por el percusionista e historiador Jeremy Montagu (1927– 2020) en uno de sus artículos sobre el origen de la música y los instrumentos. Montagu nos recuerda que un componente fundamental de la música es el impulso rítmico, y que es muy posible que nuestros primeros antepasados ​ hayan creado música rítmica aplaudiendo y golpeando piedras o palos. No se cuenta con muestras de estos instrumentos porque seguramente fueron fabricados de materiales blandos como madera o cañas, razón por la cual no se han conservado. Los que han sobrevivido están hechos de hueso y tienen alrededor de 40.000 años (Montagu, 2017). Sin embargo, aunque los instrumentos de percusión nos han acompañado desde siempre, es solo hasta el siglo XX que en la llamada ‘música de concierto’ adquirieron pleno estatus y autonomía. Antes, eran considerados como puramente ornamentales, sin ‘significación musical intrínseca’, como lo afirma Rimski-Korsakov (1844-1908) en su conocido texto Principios de orquestación (1982, p. 36). Es dentro de este panorama que aparece la muy representativa contribución de los compositores latinoamericanos, entre des décadas de 1930 y 1960, que propicia la creación y desarrollo del ensamble de percusión instrumental. Rítmica No. 5, en tiempo de son, y Rítmica No. 6, en tiempo de rumba, compuestas ambas por Amadeo Roldán (1900-1939), entre 1929 y 1930, son las primeras obras de percusión sola pensadas para una sala de concierto y, por lo tanto, el inicio del género. Si bien es cierto que Ionisation de Edgard Varèse (1883-1965), concluida el 13 de noviembre de 1931, es señalada, generalmente, como la primera obra para ensamble u orquesta de percusión, la realidad es que fue precedida por las obras de Roldán y que Varèse 7 tuvo conocimiento previo de estas piezas. Otras dos obras latinoamericanas fundamentales en este periodo son Toccata para instrumentos de percusión (1942), compuesta por Carlos Chávez, muy bien valorada y aplaudida por audiencias internacionales, y Cantata para América mágica (1960), de Alberto Ginastera, para soprano y una orquesta que emplea 53 instrumentos de percusión. El concierto que presenta Wankara continúa dentro de la tradición de los compositores latinoamericanos de tener un interés particular por la percusión y sus posibilidades expresivas. Los compositores hacen parte de una generación joven con posibilidades de acceder a la excelente formación que ofrecen las universidades nacionales hoy en día, tanto en los niveles de pregrado como posgrado, y al contacto amplio con el contexto global y local. Las obras muestran un aprecio significativo por las músicas propias de las distintas regiones de nuestro país y exploran nuevas formas de acercamiento a sus valores musicales. Guillermo Andrés Ospina Martínez (n. 1989), uno de los percusionistas colombianos más destacados de las nuevas generaciones, comenzó sus estudios musicales a la edad de nueve años en la Fundación Nacional Batuta. En 2011 obtuvo el título de pregrado como Músico Percusionista, bajo la tutoría de Federico Demmer, en la Universidad Nacional de Colombia. Estudió con Gabriel León, Tania Mojica, Eduardo Caicedo, Diana Melo y Federico Demmer, y participó en clases magistrales con reconocidos maestros a nivel mundial como Jean Geoffroy, Juan David Forero, David Friedman, Hossam Ramzy, Zak Bond, Samuel Torres, Fernando Meza, Gwendolyn Thrasher, Keith Aleo, Pedro Carneiro, Tsuey Ying Tai y Taiko Saito. Su bagaje musical incluye elementos de la música tradicional y del jazz, influenciado por el contacto con músicos de la talla de Orlando Yépez, Gabriel Torregrosa y Juan David Castaño, en el área tradicional; y Antonio Arnedo, Vibe Trío de Ucrania, Ronald Carter, Héctor Martignon, Oscar Stagnaro, Juilliard Jazz Ensemble, en el área de jazz. Ha tenido destacadas participaciones en el ámbito musical nacional: ganador del IX Concurso Nacional de Interpretación Musical – Percusión Sinfónica en la categoría juvenil, en 2007, hizo parte de la Youth Orchestra of the Americas (YOA) en su gira 2010 y ha sido integrante de la Filarmónica Joven de Colombia (FJC) desde 2010. En 2012 fue solista en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Actualmente, se encuentra adelantando sus estudios de doctorado en la Universidad de Miami. Sobre Canto al Llano, Óscar Romero, integrante de Wankara, comenta: 8 La obra inicia con una introducción atmosférica que nos muestra un amanecer marcado por la salida del sol. Inspirado en los cantos de vaquería, aparecen el vibráfono frotado con arco, el platillo suspendido, que representa al sol, y las marimbas con los elementos melódicos. A continuación, un golpe de joropo cruzado (Pajarillo) incorpora la vitalidad del llano y conduce a un merengue venezolano, donde la obra abre un espacio improvisatorio con un solo de vibráfono y otro de maracas. Finaliza con un unísono acompañando la marimba bajo (2021). Juan Jacobo Restrepo Quintero (n. 1978), compositor y percusionista nacido en Cali, es Maestro en Interpretación Musical del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali y Magíster en Música, Énfasis en Composición, de la Pontificia Universidad Javeriana (Bogotá). Desde muy temprana edad se ha dedicado a la investigación y exploración de recursos sonoros a partir de la interpretación de la percusión popular y académica, la orquestación, la composición, la producción musical, la música electrónica y la musicología. Se desempeñó como timbalista de la Orquesta Sinfónica del Valle del Cauca, desde 1999 hasta 2001. Fue percusionista invitado de la Banda Departamental del Valle y miembro fundador del Ensamble de Percusión y el Ensamble de Percusión Autóctona del Conservatorio Antonio María Valencia. Desde 2003 forma parte de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y, recientemente, del equipo de posproducción de la serie documental sobre la misma orquesta, Contra el olvido. Debutó como compositor en 2011 con las obras Impresiones sobre un día bajo cielos grises, para cuarteto de percusión, y su primer Cuarteto de cuerdas, estrenadas por el ensamble Percanto de Medellín y el Cuarteto M4nolov. Su Cuarteto de cuerdas fue incluido en la programación del Festival de Cuartetos de Cuerda organizado por la Biblioteca Luis Ángel Arango en 2012. Fue ganador del Premio de Composición de Bogotá - Formato Sinfónico 2019 con la obra Paisaje sonoro con merengón y butifarra. Ha realizado colaboraciones como compositor y diseñador sonoro en el drama Inefable y en La Belleza de los Naufragios, del proyecto experimental de danza-teatro Dolor. Sobre Música de la tierra, el compositor manifiesta: Está dedicada a la memoria de Juan Antonio Torres Solís, ‘Gualajo’, una de las figuras más importantes de la música del litoral Pacífico colombiano, quien fue mi profesor de percusión tradicional en el Conservatorio Antonio María Valencia. La obra, inspirada en diferentes sonoridades del litoral, mezcla la música de la marimba de chonta con otros sonidos característicos del manglar: las ranas, las aves, la lluvia y los esteros (Restrepo, 2021). 9 Melissa Pinto (1987), oriunda de Cartagena de Indias, inició sus estudios musicales a los cinco años. En 2006 se trasladó a Bogotá e ingresó al Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, donde finalizó su pregrado como músico profesional. En 2018 recibió una beca de Erasmus para estudiar un año en la Universidad de Música y Artes escénicas de Graz, bajo la guía del compositor y arreglista Ed Partyka. Actualmente, culmina una maestría en Composición y Arreglos en la Universidad de Música y Danza de Köln. Desde 2012, Melissa Pinto ha iniciado su propio proyecto que explora diferentes posibilidades de integración de las músicas de los litorales colombianos con el lenguaje del jazz y le ha merecido una nutrida actividad artística y reconocimientos. Ha tocado en la HfMT Köln y en el Festival Jazz Against the Machine en Artheater en Köln. En 2015, el Melissa Pinto Quinteto fue ganador de la beca para giras nacionales - IDARTES, participando en los festivales Ajazzgo, Medejazz y Pastojazz, gira en la que abrió el concierto del pianista Danilo Pérez. En 2016, Melissa fue ganadora del Premio Peña de Mujeres, de la FUGA, y, con su cuarteto, participó en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. En 2017, junto con su agrupación, realizó una gira por diez ciudades colombianas con el apoyo del Banco de la República, en escenarios como la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, el Festival Internacional de Piano en Bucaramanga, el Teatro Adolfo Mejía en Cartagena y la Feria del Libro en Manizales. Ha grabado dos producciones discográficas: Familia caribe (2017) y Oí na’ ma (2014), esta última catalogada por la Revista Semana como uno de los mejores trabajos discográficos en Colombia del 2014. La seño Mery, su primera obra para percusión sinfónica, fue comisionada por Wankara y tendrá en este concierto su estreno mundial. Está dedicada a la madre de la compositora y tiene como fundamento el ritmo del porro palitiao. El lenguaje, la armonía y la estructura de la pieza están basadas en el jazz, incluyendo una sección de improvisación de redoblante. Sergio Méndez Sastre (n. 1984) es gestor y artista multidisciplinar. Músico multi-instrumentista, compositor, arreglista, director y productor musical. Adicionalmente, es profesor de instrumentos (como piano, guitarra, bajo y batería) y de cátedras (como historia y teoría de la música, armonía moderna, orquestación clásica y popular, e iniciación musical en todas las edades). Es actor clown y malabar; educador popular, líder de procesos artísticos y sociales con la Orquesta Aula Libre, Caída Libre Circo-Teatro y Escuela Popular de Artes. 10 Su obra, La patasola, es la primera que fue escrita para Wankara y tiene una dedicatoria que el compositor adicionó en 2015: ‘Para Wankara y el pulso de sus corazones’. Es una de las piezas de su trabajo de grado Los bambucos; Sergio dice al respecto: La Patasola es una obra que hace parte de Los Bambucos, donde se explora la diversidad de sonoridades que hacen parte de los bambucos, además de situarlos dentro de sus contextos y poblaciones. Dentro de la obra encontramos una pregunta por las posibilidades de la polimetría a su vez que un acercamiento a las características melódicas del bambuco (Méndez, 2021). Adicionalmente, Óscar Romero amplía lo anterior diciendo que «[…] la interpretación subraya la expresión del bambuco viejo» (2021). Rodolfo Alejandro Badel Castro (n. 1987) nació en Bogotá. A temprana edad se trasladó a la Costa Atlántica, donde recibió una gran influencia de la tradición musical familiar y de la región. Su idea era convertirse en instrumentista, cursó estudios de violín y guitarra clásica, pero se decidió por la composición. Obtuvo su pregrado en la Universidad Javeriana, donde se destacan, entre sus profesores de composición y teoría, Carolina Noguera, Juan Gabriel Osuna, Juan Antonio Cuéllar, Diego Vega, Guillermo Gaviria y Carlos Julio Ramírez. La calidad de su trabajo ha merecido reconocimientos como la primera mención de honor en el Concurso de composición del Ministerio de Cultura (2010) a su obra Phasis para Ensamble Pierrot. Remembranzas participó en el Segundo Festival Internacional de Cuartetos de Cuerdas organizado por el Cuarteto QArte, en 2016. Eco, para piano solo, fue estrenada en Bogotá durante la residencia del ensamble español Taller Sonoro, por el pianista Ignacio Torner, ejecución que se repitió en la temporada 2018/2019 en Sevilla (España). Abozao’, para violonchelo y piano, fue presentada en la Ópera de Lille (Francia) por el violonchelista colombiano José David Sierra y el pianista francés Alphonse Cemin. Trashumancia, escrita para la soprano Sara Badel y un ensamble de cámara, se grabó en los estudios de la Universidad Javeriana y fue estrenada en los auditorios Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional y Otto de Greiff de la Universidad Nacional, en 2019. En la actualidad, se encuentra culminando sus estudios de la Maestría en composición en la Universidad Javeriana, bajo la tutoría de la compositora Carolina Noguera Palau. Tamburo, para cinco percusionistas, fue compuesta en 2009. Recientemente, en 2021, fue revisada y dedicada a Wankara. El compositor ofrece la siguiente reseña: 11 La obra está estructurada en un sólo movimiento, con una duración total aproximada de 12 minutos. Se encuentra estructurada en cinco secciones y se desarrolla en un constante diálogo entre materiales gestuales que se transforman progresivamente, a través de procesos aditivos y patrones rítmicos de la música del caribe colombiano. Estos últimos aparecen repentinamente o también como consecuencia del proceso de transformación de los materiales gestuales (Badel, 2021). Referencias Badel, R. (2021). Información para concierto Banco de la República. [Correo electrónico]. Méndez, S. (2021). Información para concierto Banco de la República. [Correo electrónico]. Montagu, J. (2017). How music and instruments began: a brief overview of the origin and entire development of music, from its earliest stages. Frontiers in Sociology, 2, 8. Restrepo, J. (2021). Información para concierto Banco de la República. [Correo electrónico]. Rimsky-Korsakov, N. (1982). Principios de orquestación. Buenos Aires: Ricordi. Romero, O. (2021). Información para concierto Banco de la República. [Correo electrónico]. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 12 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Andrés Felipe Palacios obtuvo su título con mención de honor como Maestro en Guitarra en la Universidad de Antioquia, así como el título de Técnico en Administración Artística en la Institución Educativa Aquilino Bedoya, lugar donde inició sus estudios de música a los ocho años. Andrés ha recibido clases de guitarra con Nelson Bohórquez Castro, Diego Sánchez, Laura Velásquez, Arturo Parra, Elliot Frank, Petr Vit, Guillem Pérez- Quer, Edwin Guevara Gutiérrez, Julián Cardona Toro, Jorge Molina y León Darío Echeverri. Andrés Felipe perteneció al grupo especial de cuerdas típicas de la Institución Educativa Aquilino Bedoya; hizo parte del Semillero Escolar de Cuerdas Típicas, con énfasis en tiple y bandola, de la Universidad Tecnológica de Pereira, y fue integrante de la Orquesta de Guitarras de Cali y la Orquesta de Cuerdas Pulsadas EnPúa. Como solista, Andrés Felipe ha realizado conciertos en diferentes escenarios del país y ha participado en diversos festivales a nivel nacional e internacional como el XIX Festival del Pasillo en Aguadas, Caldas; XXII y XXIII Festival de la Feijoa de Oro; II y III Encuentro Nacional Infantil y Juvenil de Música Andina Colombiana; Tercer Encuentro Nacional de Ganadores de Concursos de Músicas Colombianas Palosanto; Sexto Convite Nacional Estudiantil de Intérpretes de Canto Andino Colombiano ‘Yuma de cristal’; Primer Encuentro Nacional Infantil de Expresión Artística ‘Elías, Cuna de la Cultura’; V Semana Cultural Gentil Montaña; VIII Festival Nacional de Música Colombiana ‘Hormiga de Oro’; XII Festival Colombia al Parque; I Festival Internacional de Orquestas de Guitarras en Cali, y IV Festival de la Guitarra del Retiro, Antioquia. Andrés Felipe ha sido ganador y merecedor de importantes reconocimientos en el marco de diversos encuentros y concursos, dentro de los que se destacan el XII Encuentro Metropolitano Intercolegiado del Bambuco; X Festival Versión Nacional Cuyabrito de Oro, en el cual obtuvo el primer puesto en la modalidad instrumental; Concurso Nacional de Música Andina Colombiana Cacique Tundama, en donde fue merecedor del primer puesto en la categoría instrumental y del gran premio a la excelencia; XXVII Festival Hatoviejo Cotrafa, en donde obtuvo mención especial; Concurso Nacional de Guitarra Clásica Conservatorio del Tolima; Festival Nacional de la Canción ‘Zue De Oro’, en donde obtuvo el primer puesto en la categoría instrumental y premio a la excelencia, y la Serie de los Jóvenes Intérpretes, para actuar en el marco de la temporada nacional de conciertos del Banco de la República.

AQ Ensamble fue creado en 2018 por sus integrantes, Cristian Álvarez en la flauta y Felipe Quiroga en el arpa, con el fin de interpretar repertorio existente para el formato de flauta y arpa, desde la música barroca, pasando por la tradición francesa para este formato, hasta las corrientes modernas y la música de nuestros días. Se trata de un ensamble versátil, con grandes posibilidades tímbricas, muy llamativo y agradable de escuchar gracias a las cualidades sonoras de estos dos instrumentos y a lo bien que pueden mezclarse. AQ Ensamble ha participado en diferentes festivales y escenarios, como en el XIII Festival de Música de Cartagena 2019 —en ese entonces en formato de trío—, y en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. El ensamble ha recibido clases de música de cámara con reconocidas arpistas, como Gwyneth Wentink y la arpista principal de la Orquesta Filarmónica de Viena, Anneleen Lenaerts. Cristian Álvarez comenzó sus estudios de música en 2010, en la Red de Escuelas de Muìsica de Medelliìn. Es egresado del ITM, donde estudió Producción Musical, y en 2018 obtuvo su título de Maestro en Flauta luego de estudiar bajo la dirección de Elizabeth Osorio y Hugo Espinosa en la Universidad de Antioquia. Se ha desempeñado como flautista en la Banda Sinfónica de la Universidad de Antioquia, la Orquesta del Estudio Polifoìnico de Medelliìn y las orquestas Filarmónica de Medellín y Filarmónica de Bogotá, y como primera flauta de la Orquesta Filarmónica Juvenil en 2018 y 2019. Hizo parte del ensamble de experimentación sonora [expr] en Medellín, grupo dedicado a la investigación, creación e interpretación de las prácticas sonoras contemporáneas. En 2016, fue seleccionado para realizar un intercambio en el Conservatorio Real de Mons en Bélgica, en la clase de Marc Grauwels. Asimismo, fue seleccionado para participar como estudiante becario en las clases magistrales del XII y XIII Festival de Música de Cartagena (2018 y 2019). Cristian ha recibido clases con Vincent Lucas, Stephane Reìty, Stephanie Winker, Samuel Coles y Gaspar Hoyos, entre otros maestros. Hace parte de la Academia Filarmónica Iberoamericana Iberacademy; actualmente, se encuentra cursando su segundo año de Máster en Interpretación con Denis- Pierre Gustin en el Instituto Real Superior de Música de Namur, en Bélgica, y es profesor de flauta en el Conservatorio de Givet en Francia. Felipe Quiroga comenzó sus estudios musicales en 2007, en la Fundación Batuta. Ingresó al Programa Básico de Música del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia y actualmente hace parte de la cátedra de Bibiana Ordóñez. Ha participado como becario en las clases magistrales del Festival de Música de Cartagena (2012, 2017, 2018 y 2019) y del Festival de Música de Santa Catalina (Femusc) en 2017. Igualmente, ha sido parte de las Cátedras Salvi de arpa en sus versiones VIII, IX, X, XI, XII y XIII, recibiendo clases con Emmanuel Ceysson (Francia) y Sivan Magen (Israel). En otras clases magistrales, ha estudiado con Elizabeth Hainen (Estados Unidos), María Luisa Rayan (Argentina), Gwyneth Wentink (Holanda) y Chantal Mathieu (Francia). Felipe concursó en el México International Harp Competition and Festival 2016, donde obtuvo el tercer lugar en la categoría intermediate primera división. Fue ganador de la tercera edición del Concurso Nacional de Jóvenes Intérpretes de la Orquesta Sinfónica de Caldas 2017 y obtuvo mención de honor en el concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali 2018. Ha sido ganador de la convocatoria de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, en 2020 y 2022, así como de la de músicos temporales de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en 2020.

Wankara fue fundado en 2011 con el fin de desarrollar y ampliar la música de cámara en el ámbito de la percusión, siendo un grupo versátil, capaz de desenvolverse en distintos estilos musicales. Tiene, además, varios propósitos: la búsqueda de nuevas sonoridades y de obras escritas para percusión, la incursión en la música contemporánea y la música colombiana, así como la apertura del panorama profesional de la percusión, la música de cámara, y la pedagogía en el medio laboral en cooperación con otras disciplinas y en la exploración y explotación de todas las posibilidades del artista como ser íntegro. El ensamble fue ganador en varias convocatorias, entre ellas, el Concurso Ciclos de Conciertos de Música de Cámara para todos los Públicos, organizado por el Programa Distrital de Estímulos 2012 de la Orquesta Filarmónica de Bogotá; la Convocatoria Jóvenes Talentos de la Música 2013, organizada por la Alianza Francesa; la Programación Artística de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño en 2013; y el I Festival de Música de Cámara, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. El ensamble obtuvo el segundo puesto en el Concurso Internacional de Ensambles de Percusión 2016, organizado por el Italy Percussive Arts Society (ITALY PAS). En el campo pedagógico, Wankara ha ofrecido clases magistrales y conciertos didácticos, siendo partícipes de las iniciativas que al respecto se han realizado en la ciudad de Bogotá, entre las cuales se destaca el proyecto Maleta Pedagógica, lanzado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá; el programa Música Itinerante, de Compensar; el ciclo de Conciertos Didácticos, organizado por la Red de Bibliotecas Públicas de Bogotá (BibloRed); múltiples conferencias en diferentes escenarios del país; y clases virtuales en el Top Show Colombo, organizado por el Centro Colombo Americano de Bogotá. Partiendo de la aproximación que cada uno de los integrantes ha tenido con las músicas tradicionales de Colombia, Wankara dio un paso significativo al consolidar un taller de música colombiana, realizado University of Minnesota en 2012, gracias al apoyo y colaboración de Fernando Meza, profesor asociado al área de percusión de la misma institución. También, cabe resaltar la participación del ensamble en La música de Francisco Zumaqué, concierto en homenaje al compositor colombiano presentado en 2014 por el Banco de la República, así como en el IV Festival Internacional de Percusión, celebrado en Ibagué en 2015. Entre sus más recientes actividades se destaca, adicionalmente, su participación como ensamble invitado en el V Festival Internacional de Percusión, realizado en Ibagué; en el concierto de lanzamiento de la página web Wankara, que tuvo lugar en el Teatro El Parque; en la apertura del ciclo de conciertos Tairona Joven, organizado por el Centro Cultural Colombo Americano de Bogotá; y en el II Laboratorio Nacional de Percusión, organizado por la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá y la Universidad Nacional de Colombia, en el que alternó una presentación con la Katarzyna Mycka. También sobresale su incorporación a la empresa Innovative Percussion como grupo artista promotor. Recientemente, Wankara obtuvo el primer puesto en el concurso Premio Grupos de Cámara en la categoría de uno a cinco años de conformación, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Participó en el I Festival Internacional de Percusión COLPAS 2020, organizado por el Colombian Chapter Percusive Arts Society, y en varios conciertos virtuales interpretando obras como Kyoto, Lime Juice y La patasola. Wankara tyuvo presencia también en las conferencias y clases de percusión corporal y percusión no convencional del Colombo Top Show 2021, evento hecho por el Centro Cultural Colombo Americano de Bogotá.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 37 Estreno: jueves 4 de noviembre · 6:00 p.m. LIZETH VEGA cantante (Colombia) Foto: Carolina Ramírez Páez SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalRiohacha Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en 2 Foto: Carolina Ramírez Páez SOBRE LA INTÉRPRETE LIZETH VEGA, cantante (Colombia) Nacida en los llanos orientales de Colombia, Lizeth Vega es cantante de música andina y llanera colombiana. Posee una amplia trayectoria y ha sido ganadora de los más importantes festivales nacionales e internacionales de interpretación. Es licenciada en música con énfasis en canto y dirección coral de la Universidad Pedagógica Nacional. Lizeth es cantautora de dos trabajos discográficos: El llano es un paraíso (2012) y Creo (2015). Entre los galardones que ha recibido recientemente como intérprete vocal se encuentran: mejor solista vocal en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana ‘Ciudad de Cajicá’, primer lugar en la categoría ‘Solista vocal’ en el Concurso Nacional del Bambuco 2020, 45° Festival de Música Andina Colombiana Mono Núñez 2019, Gran Premio Familia Bernal de La Ceja y primer lugar en la categoría solista vocal del Festival Antioquia le canta a Colombia 2018, el primer lugar en la categoría voz femenina estilizada del Torneo Internacional del Joropo 2018, ganadora en la categoría vocal del Festival Hato Viejo Cotrafa 2017, y Mejor solista vocal y Gran Moncada de Oro en el 38° Concurso Nacional de Duetos Hermanos Moncada, en Armenia, Quindío. Como compositora, Lizeth ha sido merecedora de importantes reconocimientos, como el primer lugar en la categoría ‘Obra inédita’ con su bambuco Colombia es tierra de canto y poesía en el Concurso Nacional de 3 Conozca más acerca de la artista Lizeth Vega Composición Musical ‘Jorge Villamil Cordovez’ en 2021, mejor obra inédita en el XVIII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana ‘Ciudad de Cajicá’ con su danza Limosnas, y el primer lugar en el 45º Festival Antioquia le Canta a Colombia con su obra inédita Yo no soy tu amiga en 2020. En este concierto, Lizeth actúa junto Diego Sánchez en el piano, David Ocampo en la guitarra, Julián Croswaithe en el cuatro, Lizeth Suárez en el contrabajo, y Diana Castañeda en la percusión. 4 Azul (2015) CLAUDIA GÓMEZ (n. 1962) SONIA MARTÍNEZ (n. 1930) Para voz, tiple, piano y contrabajo Fantasía de amor (2020) LIZETH VIVIANA VEGA (n. 1994) Para voz, tiple, piano y contrabajo Como luceros de abril (2020) Para voz, tiple, cuatro, maracas, piano y contrabajo Sueños de paz (2009) EDISON ELÍAS DELGADO (n. 1979) Para voz, tiple, piano y contrabajo Yo no soy tu amiga (2020) LIZETH VIVIANA VEGA Para voz, tiple, piano y contrabajo Te encontré al fin (2019) Yo no le vendo mi fundo (1995) CARLOS CÉSAR ‘EL CHACHI’ ORTEGÓN (n. 1963) Para voz, tiple, cuatro, maracas, piano y contrabajo El mentiroso (2020) LIZETH VIVIANA VEGA Para voz, tiple, piano y contrabajo Tu mezcla (2015) VÍCTOR HUGO REINA (n. 2005) Para voz, tiple, piano y contrabajo Orgullo de sueño patrio (2015) JAVIER ALDANA (n. 1970) Para voz, tiple, cuatro, maracas, piano y contrabajo PROGRAMA 5 SOBRE EL PROGRAMA Por Manuel Bernal Martínez Pareciera que para las y los músicos locales que no entran en los parámetros de la denominada ‘nueva música colombiana’ (NMC) o no hacen ‘fusión’ con algún género transnacional o son difíciles de encuadrar en la tan cacareada economía naranja, solamente quedara como espacio de ejecución el circuito de concursos y festivales que se dan a nivel municipal, departamental y nacional, además de algunos escenarios y eventos locales, así como la producción independiente de discos y videos, ambos no masivos y de circulación destinada a un público especializado. Otra realidad acá es que ese circuito se agota relativamente rápido para sostener una actividad artística de largo aliento, tanto así que hasta hay una broma al respecto de ello: «se pasa de joven promesa a vieja gloria en unos pocos años». El panorama es complejo. Se escuchan voces que llaman a la modernidad y a la interacción con el mundo, a dejar la postura estática y museística que impide tomar nuevas rutas, a transformar la mirada nostálgica, a ampliar la singularidad sonora, a romper los paradigmas tradicionales, a dialogar con otros lenguajes mediante formatos experimentales y a tener una relación dinámica con otras vertientes musicales, entre muchas otras invitaciones. Y sí, eso es necesario y afortunadamente hay mucho de ello en el quehacer sonoro del país. Pero también se escuchan otras voces que, asentadas en la práctica cotidiana, caen en la cuenta de que los discursos desde la industria, con criterios y objetivos transnacionales, y las influencias del posmodernismo —estamos en tiempos, por ejemplo, del posgénero musical— tampoco tienen presentes las particularidades de una cantidad de consumidores y practicantes de músicas que están por fuera de esa esfera de sentido. Al respecto, nos comenta Lizeth Viviana Vega: «Hay poca cabida [para ella] de las músicas ‘folclóricas’ en las músicas comerciales». Por ahora está en el circuito de festivales y concursos, espacio variopinto y contradictorio en muchos sentidos: «Los concursos son un espacio, repetitivo en ocasiones, se tiene claro qué es lo que gana y esto se vuelve una camisa de fuerza para los intérpretes. Para muchos intérpretes se trata de una etapa, de un mercado cerrado que no da muchas oportunidades de proyección». Es evidente que se 6 ha desarrollado por parte de muchos de los asistentes a estos eventos algo que podríamos denominar un ‘estilo festivalero’, que hace que lo actual suene todo muy parecido allí, pero que a veces obliga plegarse a ello si se quiere figurar en los primeros lugares y destacarse. ¡Vaya dilema!, que no es muy diferente para otras prácticas musicales y espacios de difusión. A la pregunta de qué sería lo ‘tradicional’, contesta Lizeth enfáticamente que ella lo relaciona con «sonoridades y temáticas viejas» y agrega que «la música de hoy en día es otra. Uno está tan plagado de otras sonoridades que nunca le va a sonar tradicional. Lo que hay ahora es nuevo… un nuevo tratamiento aplicado a unos elementos escogidos de lo tradicional». Por otra parte, afirma que la música está destinada a tener cambios constantemente, que el contexto es fundamental para entender lo novedoso en cualquier momento de la historia y que «es importante conocer de dónde viene lo actual; la innovación por sí misma es un riesgo alto y puede quedarse sin fundamento». Y entonces, se desvela una de las aparentes contradicciones: en todo lo que se da por fuera de la tarima y del concurso, en el transcurrir de los festivales, hay una buena oportunidad de conocer esa tradición, de compartir e interactuar con músicos de diversas procedencias y estilos. Una característica fundamental de la puesta en sonido de Lizeth Vega es la conformación de su grupo acompañante que, por lo menos para el repertorio andino, puede rastrearse en agrupaciones muy similares hasta mediados de siglo XX; baste recordar a uno de los conjuntos que actuaba en la Radio Santa Fe, conformado por Oriol Rangel, en el piano; su hermano Otton, en el contrabajo y Rodrigo Mantilla, en el tiple o la guitarra. Más recientemente tenemos al Trío Nueva Colombia, un referente importante para el arreglista de Lizeth. En el repertorio llanero este conjunto de instrumentos es inédito, en tanto el piano reemplaza al instrumento mayor o principal (arpa o bandola llanera), mientras el tiple toma una función melódica contrapuntística a semejanza tímbrica de la mandolina o el bandolón casanareño, y cuatro, maracas y contrabajo aportan la base ritmo-armónica. Los arreglos son casi totalmente escritos para el piano, mientras que para los demás instrumentos «hay un alto grado de control sobre los arreglos, se escribe completamente cada parte para que no haya cruce entre las voces». Se aprovechan a cabalidad los recursos tímbricos de cada instrumento, en una propuesta integral a la que consideran «ni moderna, ni tradicional», ya que el lenguaje se adapta al espacio cultural en el que participen. 7 Azul (2015) es un pasillo con música de la cantautora Claudia Gómez (n. 1962) y texto de Sonia Martínez (n. 1930). La carrera de Gómez es ampliamente conocida a nivel nacional e internacional, en tanto Martínez comenzó a hacerse presente con sus composiciones a la edad de 66 años, luego de estar gran parte de su vida dedicada a la enseñanza en la Corporación Cantoalegre, en donde formó a varias generaciones de artistas jóvenes en Medellín. Esto ha hecho que su reconocimiento sea más bien regional. Este pasillo le hace justicia también a su otra pasión musical, el bolero, pues se pueden apreciar en él frases y tratamientos de estilo bolerístico: «Eres el azul que soñó mi mañana gris […] arco iris, luz / presagio de un amanecer». El nariñense Edison Elías Delgado Montenegro (n. 1979) ha desarrollado su producción musical en el departamento del Huila, enfocándose principalmente en la dirección artística de agrupaciones vocales e instrumentales, además de ser docente universitario. Su bambuco Sueños de paz (2009) responde a esa necesidad sentida en todo el país, a la temática que debería convocarnos pero que tanto nos divide, debido a los sucesos, y a las decisiones políticas y sociales. A esta paz, entendida acá como un personaje externo y no precisamente como la construida por humanos, se le canta casi como a un anhelado amor: «Imaginándome sin ti / es un riesgo imposible de admitir […] Ven, vive de nuevo y sueña conmigo […] yo añorando tu presencia / en todo mi país». Nacido en Neiva e hijo de uno de los más reconocidos músicos de su región, Jesús ‘el Tuco’ Reina, a Víctor Hugo Reina Rivera (n. 2005) le correspondió continuar la tradición familiar con las músicas locales, al tiempo que se formaba más técnicamente en el conservatorio departamental y luego, en la universidad. Esta doble formación, este doble espacio de sentido, le ha permitido trasegar un amplio y exitoso recorrido por festivales y concursos formando parte de reconocidas agrupaciones, y también desarrollar su faceta de compositor popular, mientras labora en proyectos musicales con sentido social. El bambuco Tu mezcla (2015) fue merecedor del premio como obra inédita en el 28º Concurso Nacional del Bambuco, en 2019, en la voz de Lizeth Viviana. Su tema es el amor paternal, lo que inspira en el compositor su hija María de los Ángeles: «La magia que Dios me ha dado / no ha guardado proporciones / vaciando mis alegrías / con la dicha de tu vida…». Carlos César Ortegón Castro (n. 1963), conocido nacional e internacionalmente con el mote de ‘el Cachi’, también aportó a la presencia 8 del conflicto social en las músicas regionales del país cuando presentó en 1995 su tema Yo no le vendo mi fundo. En esta canción el conflicto no está relacionado con lo político, como el de los llamados ‘corridos chusmeros’ que fueron dedicados a las guerrillas liberales del llano y al personaje central de Guadalupe Salcedo, comenzando la segunda mitad del siglo XX. Se trata entonces de criticar la entrada de grandes capitales al llano porque ello cambia todas las relaciones sociales y las de las personas con el trabajo de campo y el paisaje; adicionalmente, se entronca con otra temática muy querida para el llanero, cual es la valoración infinita de sus relaciones afectivas con la gente y la llanura: […] y cambió la lambedora / la grama y la guaratara por un pasto vagabundo. / Encerró lo que era suelto, acabó las mañoseras / y revolcó los bajumbos levantó una callejuela / pa’ deja’ un solo camino en donde había tanto rumbo… […] aunque compre el resto’el llano / yo no le vendo mi fundo. […] Como le voy a vender / el cielo que me cobija o el suelo donde me paro, / en cuántos reales se fija gozar esta soledad, / sufrir este desamparo, trancar el viento en el pecho / dejando que el alma grite sobre los lomos de un charo […] ¿Quién cambia por unos pesos / la eternidad de un amparo?1 Javier Aldana es el nombre artístico del cantante y compositor Javier Martínez Aldana (n. 1970), nacido en Puerto Arimena, vereda del municipio de Puerto Gaitán, en el departamento del Meta. Como muchos intérpretes locales, su carrera comenzó en espacios informales como estaderos urbanos, luego se desarrolló en numerosos festivales y concursos para llegar posteriormente a la industria discográfica, en la que es reconocido por su voz y sus composiciones. Orgullo de suelo patrio (2015) es uno de sus temas más difundidos, una canción representativa del nativismo patriótico, esa gran corriente temática que centra la identidad, en este caso las identidades llanera y colombiana, en el territorio, sus productos, su gente y su hermosura: «Voy a pedirle un favor / a toditos mis hermanos / para que luchemos juntos / como amigos y paisanos / por este hermoso país / y por lo que hemos soñado / y así 1 Al respecto, vale la pena leer el artículo de Beatriz Valdés Correa La música llanera canta la verdad de la guerra, publicado en El Espectador el 12 de abril del 2019 y que puede consultarse en https:// bit.ly/2VkqiBh 9 gritemos al mundo / henchidos de orgullo sano / que orgullosos nos sentimos / de ser y ser colombianos». Finalmente, reseño las obras de nuestra intérprete de hoy, Lizeth Viviana Vega (n. 1994), nacida en el llano, quien entra hace poco tiempo, con respeto y cada vez más conocimiento de causa, a una labor que la apasiona y la confronta desde su doble papel de intérprete y compositora. Manifiesta sus puntos de vista, sus reflexiones y sus acciones para componer: «Me he puesto en el ejercicio de escuchar desde la composición más que desde la interpretación, cómo hacer que la música sea acorde con la prosa. Las mismas obras se escuchan con otros oídos. Hay que saber del estilo, de la sonoridad… saber cómo ser acertado». También nos dice que «[…] el intérprete puede entender otra cosa de una obra. Al componer desde cómo imagino una canción nueva en mi voz, siento que el mensaje puede ser más integral. Me puedo expresar más fácilmente». Es la primera vez que en un programa de concierto incluye cinco de sus composiciones y sobre este asunto menciona: «[…] eso me impone otro reto, aunque es bueno que uno muestre su música, su proceso como joven intérprete y compositora». La primera obra que compuso en géneros andinos fue Te encontré al fin (2019), un bambuco presentado como obra inédita en el XVII Concurso Nacional de Duetos y Música Andina Colombiana de Cajicá y que, como su título lo indica, trata del hallazgo amoroso: «Para volver a amar / de tal manera / ver la felicidad / por donde quiera […] para hacerte feliz / te encontré al fin». Otro bambuco en esta línea temática es Fantasía de amor (2020), que interpretó en el 29º Concurso Nacional del Bambuco, en el que obtuvo el primer lugar como solista vocal. Acá el amor no es una realidad tangible: «Aunque sé que te veo solo en sueños / creo que ya eres parte de mi vida / quiero que guíes mi larga travesía / todas las noches a tu dulce encuentro». Por su parte, la danza Yo no soy tu amiga (2020) es una de las composiciones que más le gusta porque es un género con el cual tiene mucha afinidad: «[…] me salen más fácil las danzas que los bambucos», comentó al respecto. El tratamiento del amor no correspondido y no confesado es el centro de la temática: «Sería una mentira / tenerte tan cerca / y obviar mi deseo». Otro género que le gusta mucho es el vals, y de El mentiroso (2020) se apresura a aclarar que es una obra no biográfica y que su estreno al público se dará en este concierto. Mantengamos la sorpresa también con su texto. 10 La única obra llanera que presenta como composición es Como luceros de abril (2020), pasaje llanero inspirado en el mes de abril, verano en el llano, con días muy calurosos, noches claras y un gran espectáculo visual «de estrellas y luceros en un cielo claro iluminado por la luna». Esa claridad y brillo los relaciona con los ojos de alguien importante en su vida, a quien quiere robar la mirada para morir en sus besos. Manuel Bernal Martínez. Candidato a Maestría en Musicología de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veintiún años de experiencia como docente en la Pon-tificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investi-gación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convoca-torias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. 11 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!