Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Banrepcultural Sala de Conciertos Concierto digital No. 25 Estreno: miércoles 22 de septiembre · 6:00 p.m. MAURICIO ARIAS-ESGUERRA piano (Colombia) Foto: Alejandro Granados RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados 2 que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE EL INTÉRPRETE MAURICIO ARIAS-ESGUERRA, piano Pianista, compositor, improvisador y músico versátil, Mauricio Arias-Esguerra es autor de la Rapsodia camaleónica para piano, trompeta y orquesta. Fue ganador del Primer Concurso Nacional de Piano Federico Chopin en Colombia y del Concurso Nacional de Piano de la UIS. Ha sido galardonado en varios concursos internacionales, como el Peabody Mason, el USASU de Bösendorfer y Yamaha, el Cervantes, Kingsville, Panamá y Schimdbauer. Estudió piano con Ludmiła Weber en la Fundación Universitaria Juan N. Corpas, y con Baruch Meir y Robert Hamilton en la Arizona State University, donde obtuvo su doctorado. Realizó estudios de composición con Rodney Rogers y Jorge Pinzón, y participó en diversos cursos dirigidos por los compositores Zygmunt Krauze, Philippe Manoury y Alessandro Solbiati. Ha sido compositor comisionado por distintas instituciones nacionales e internacionales, entre estas la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Banda Sinfónica de la Universidad de Florida y la Secretaría de Educación de Bogotá. Ha colaborado con renombrados artistas, como los cantantes Valeriano Lanchas y Betty Garcés y el trompetista Pacho Flores. Se ha presentado en varias ocasiones en el Festival Internacional de Música de Cartagena, en el el Festival de Música Religiosa de Popayán, en el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá (Teatro Mayor) y en el Festival de Spoleto, donde actuó junto a la Orquesta Filarmónica de Medellín en su gira por Italia. También se ha presentado como compositor e intérprete en el Carnegie Hall de Nueva York. Recientemente abrió la serie de conciertos 2021 del Teatro Mayor y estrenó, junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, el Concertino para piano y orquesta del brasilero Camargo Guarnieri. Actualmente, se desempeña como profesor asistente en la Universidad de los Andes. Es Foto: Herley Aguirre 4 miembro fundador del Bogotá Piano Trío. Su último álbum, La trompeta camaleónica, fue grabado junto al trompetista Randy Lee y está disponible en Naxos Music Library1 y las principales plataformas de música. En 2021, publicará el primer volumen de ¡Colombia viva! – Piano contemporáneo en Colombia. Sus partituras están publicadas y disponibles en Filarmonika.com 1 Base de datos de consulta gratuita para los socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Conozca más acerca del artista Mauricio Arias-Esguerra 5 Ancestro (s. f.) GERMÁN DARÍO PÉREZ (n. 1968) Suite Catrina (2015) Atravesando el infierno Villas Nuestra luminiscencia IAN FREDERICK (n. 1987) Toccata Bachkovsky (2013) MAURICIO ARIAS-ESGUERRA (n. 1984) Arizona Mirage (2015) Made in U.S.A (1979) Allegretto Blues Swing Lento come Passacaglia Bailable JAIME LEÓN FERRO (1921-2015) PROGRAMA 6 SOBRE EL PROGRAMA Por Jaime Ramírez El programa de este concierto surge de la búsqueda de variedad de estilos. Con una perspectiva caleidoscópica que abarca algunas de las tendencias de la literatura pianística de los últimos años, el compositor y pianista Mauricio Arias-Esguerra rescata la diversidad y riqueza de las tradiciones musicales y las comparte haciéndolas interactuar con una estética cosmopolita y flexible. La idea de variedad propuesta en el programa continúa con las selecciones de los compositores que lo integran, que también alternan con algunas de las obras del mismo Arias-Esguerra. Su lenguaje compositivo absorbe una amplia gama de influencias que se entretejen en una propuesta expresiva particularmente atractiva; sin embargo, en su obra se reconoce una postura que refleja sus impresiones y las experiencias vividas en su entorno, al tiempo que sintetiza diversas técnicas de composición a través de una escritura pianística impecable. La primera obra del programa, Toccata Bachkovsky, fue compuesta en 2013 para el fallecido escritor y musicólogo Harrison Gradwell Slater, quien comisionó a Mauricio Arias-Esguerra (n. 1984) una obra inspirada en Tchaikovsky para ser incluida en uno de sus proyectos. Así, la obra surgió como una paráfrasis improvisativa que entrecruza materiales tomados de la obra del compositor ruso. Particularmente, un fragmento de El lago de los cisnes adquiere la función de ‘tema generativo’ de toda la obra y es material que interactúa progresivamente con partes de la Sinfonía No. 5 y de El cascanueces. Mientras Arias -Esguerra componía la obra, rondaba en su cabeza la giga que cierra la Partita No. 5 para teclado, de Johann Sebastian Bach, y, sin poder escapar de ella, hizo que desembocara en ciertos pasajes de la nueva tocata. Así, pues, a medida que la obra se desenvuelve, el oyente puede reconocer elementos de obras de Bach y de Tchaikovsky que también se revisten de otras influencias más cercanas, como la música salsa de nuestros días. La segunda obra de Arias-Esguerra en este concierto, Arizona Mirage, fue compuesta en 2015 y fue comisionada por Samantha Baca, quien fuera estudiante del compositor en la Arizona School for the Arts. La pieza está concebida para un intérprete de nivel intermedio y maneja un lenguaje accesible tanto para este como para la audiencia. Arizona Mirage surge como una remembranza donde convergen las influencias del Romanticismo y el 7 Impresionismo; adicionalmente, en su parte central explora una escritura contrapuntística en la que emplea imitaciones desfasadas de un material motívico muy particular. Además de las obras de Mauricio Arias-Esguerra, el programa incluye diversas muestras de compositores colombianos que proporcionan un interesante grado de variedad e innovación en su aproximación al piano. El programa inicia con el bambuco Ancestro, de Germán Darío Pérez (n. 1968), pieza que ha gozado de gran aceptación por parte tanto de los intérpretes como de las audiencias. Gracias a Ancestro, Pérez recibió el galardón a mejor obra instrumental inédita en el Festival de Música Andina Mono Núñez de 1988, y desde entonces ha retornado repetidamente a las salas de concierto en diferentes formatos instrumentales. Para este concierto, Arias-Esguerra ha propuesto, con la aprobación del compositor, diversas libertades pianísticas en algunas secciones, las cuales resuenan de manera bastante bien adecuadas a la versatilidad estilística que caracteriza la obra de Germán Darío Pérez. La lectura de la influencia cultural a través del piano fue uno de los elementos que inspiró a Ian Frederick (n. 1987) a escribir su obra Suite Catrina, obra en tres movimientos que se inspira en la tradición mexicana de la catrina y que fue dedicada al intérprete de este concierto. En el primer movimiento, la idea musical transcurre a gran velocidad y se desarrolla a través de un ritmo incesante que desemboca en el segundo movimiento, donde el compositor evoca lugares mágicos. El movimiento final retoma la asociación tradicional de la suite con la danza, para sugerir ritmos tradicionales de la catrina, los cuales interactúan con otras tendencias modernas, como la música tecno de década de los noventa. Made in U.S.A., de Jaime León Ferro (1921-2015), es una colección de cinco preludios dedicados a la pianista colombiana Teresita Gómez, en los que el compositor retrata las influencias musicales de sus años vividos en Norteamérica. León se caracterizó por ser uno de los músicos y embajadores culturales más representativos de Colombia durante gran parte del siglo xx. Además de compositor, León fue un prolífico director que logró mantener una notable carrera internacional, y, particularmente, su vinculación al American Ballet Theater como director titular marcó un referente en su carrera profesional; esta relación, entre otras influencias, se percibe a lo largo de sus preludios, donde desarrolla diversos elementos de la cultura musical norteamericana desde su propia idiosincrasia pianística. 8 Jaime Ramírez Inició sus estudios musicales con diversos maestros de piano de Bogotá. Posteriormente ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del programa infantil y juvenil, donde combinó estudios de piano y contrabajo con la tutoría de Alexandr Sanko. En 2002, gracias a una beca Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, como discípulo de Albert Laszlo y obtuvo sus títulos de maestría y doctorado. En 2008, se reintegró a la Facultad de Artes de la Javeriana, y al año siguiente, se vinculó también al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En ambas universidades se desempeña como docente en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto con esta labor, ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se ha vinculado a varios proyectos de la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República como coordinador musical, intérprete, autor de escritos y asesor artístico para conciertos y producciones discográficas, entre otras funciones. 10 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Pianista, compositor, improvisador y músico versátil, Mauricio Arias-Esguerra es autor de la Rapsodia camaleónica para piano, trompeta y orquesta. Fue ganador del Primer Concurso Nacional de Piano Federico Chopin en Colombia y del Concurso Nacional de Piano de la UIS. Ha sido galardonado en varios concursos internacionales, como el Peabody Mason, el USASU de Bösendorfer y Yamaha, el Cervantes, Kingsville, Panamá y Schimdbauer. Estudió piano con Ludmiła Weber en la Fundación Universitaria Juan N. Corpas, y con Baruch Meir y Robert Hamilton en la Arizona State University, donde obtuvo su doctorado. Realizó estudios de composición con Rodney Rogers y Jorge Pinzón, y participó en diversos cursos dirigidos por los compositores Zygmunt Krauze, Philippe Manoury y Alessandro Solbiati. Ha sido compositor comisionado por distintas instituciones nacionales e internacionales, entre estas la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Banda Sinfónica de la Universidad de Florida y la Secretaría de Educación de Bogotá. Ha colaborado con renombrados artistas, como los cantantes Valeriano Lanchas y Betty Garcés y el trompetista Pacho Flores. Se ha presentado en varias ocasiones en el Festival Internacional de Música de Cartagena, en el el Festival de Música Religiosa de Popayán, en el Festival Internacional de Música Sacra de Bogotá (Teatro Mayor) y en el Festival de Spoleto, donde actuó junto a la Orquesta Filarmónica de Medellín en su gira por Italia. También se ha presentado como compositor e intérprete en el Carnegie Hall de Nueva York. Recientemente abrió la serie de conciertos 2021 del Teatro Mayor y estrenó, junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, el Concertino para piano y orquesta del brasilero Camargo Guarnieri. Actualmente, se desempeña como profesor asistente en la Universidad de los Andes. Es miembro fundador del Bogotá Piano Trío. Su último álbum, La trompeta camaleónica, fue grabado junto al trompetista Randy Lee y está disponible en Naxos Music Library1 y las principales plataformas de música. En 2021, publicará el primer volumen de ¡Colombia viva! – Piano contemporáneo en Colombia. Sus partituras están publicadas y disponibles en Filarmonika.com

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 26 Estreno: miércoles 29 de septiembre · 6:00 p.m. SEBASTIÁN CIFUENTES trombón (Colombia) BEATRIZ BATISTA piano (Cuba) Foto: Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalPasto Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados 2 que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE LOS INTÉRPRETES SEBASTIÁN CIFUENTES ZULUAGA, trombón Trombonista de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia (2010-2020), docente de la Universidad Javeriana y la Universidad de los Andes. Obtuvo el segundo puesto en el Concurso Internacional de Trombón realizado en Budapest, Hungría. Durante la temporada 2017-2018 fue trombón bajo de la Orquesta de la Ópera de Zürich y colaboró con la Orquesta de cámara de Zürich. La Mariinsky Orquesta de San Petesburgo, la Orquesta Sinfónica provincial de Santa Fe (Argentina) y la Statkapelle Halle (Alemania) han sido otras de las orquestas con las que Cifuentes ha hecho colaboraciones. Representó a Colombia en la Youth Orchestra of the Americas (YOA), en 2014 y 2017, y en la academia internacional Teatro del Lago en Chile. Fue el primer trombonista colombiano en ser invitado para ofrecer un recital durante el International Trombone Festival (ITF), realizado en la ciudad de Muncie, Indiana, en julio de 2019. Actualmente, Cifuentes se encuentra trabajando en su primera producción discográfica con obras de compositores colombianos, se desempeña como trombón bajo principal de la Orquesta Filarmónica de Qatar y es artista exclusivo de la compañía S. E. Shires. Foto: Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia Conozca más acerca del artista Sebastián Cifuentes 4 BEATRIZ BATISTA, piano Pianista cubana graduada de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la tutela de Mariana Posada. Inició sus primeros pasos como pianista colaborativa en el Teatro Lírico Nacional de Cuba junto con el tenor cubano Adolfo Casas. Fue ganadora del premio a mejor pianista acompañante en el importante concurso de canto de la UNEAC en el año 2011. En Colombia ha compartido escenarios con músicos de gran envergadura, tales como Federico Hoyos, Sebastián Cifuentes, Beatriz Mora, Camilo Mendoza y Gloria Casas. En varias ocasiones ha sido la pianista invitada por la Orquesta Sinfónica Nueva Filarmonía y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá. Participó en el Festival Ópera al Parque en dos ocasiones, siendo la pianista en escena de dos montajes de ópera y zarzuela. Recientemente fue ganadora del premio a mejor pianista acompañante del Premio de canto de Bogotá, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. En la actualidad, Batista es pianista repetidora en la Maestría en Dirección Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia y es integrante del trío de música de cámara contemporánea Ataraxia, agrupación seleccionada para ser parte de la Serie de los Jóvenes intérpretes del Banco de la República. 5 PROGRAMA Morceau symphonique, Op. 88 (1902) ALEXANDRE GUILMANT (1837-1911) Romanza (c. 1811-1821) CARL MARIA VON WEBER (1786-1826) Sunrise Suite (2020) Vivo Hope with Passion Free and danceable Lento with sweetness CAROLINA CALVACHE (n. 1985) Original para tuba y piano Adaptación para trombón y piano de Carolina Calvache Encuentros (2019) 6 SOBRE EL PROGRAMA Por Jaime Ramírez La historia del trombón es particularmente extensa; desde tiempos inmemoriales sus ancestros han estado acompañando diversas culturas. A lo largo de los años, el trombón ha desarrollado una especial familiaridad dentro de muchas de nuestras expresiones musicales; dicha familiaridad ha desembocado en la adaptabilidad del instrumento para acoplarse de manera efectiva a una impresionante cantidad de estilos. A pesar de su constante participación en tan amplia diversidad de géneros musicales, el repertorio del trombón por muchos años estuvo ligado a sus funciones dentro de ensambles instrumentales y el desarrollo de su repertorio solista avanzó de manera particularmente lenta. Tan solo hasta mediados del siglo XIX, con la implementación de nuevas técnicas en la fabricación de instrumentos y las innovaciones tecnológicas de la época, el repertorio del trombón pudo desarrollarse por terrenos nunca antes imaginados. El programa de este concierto muestra de manera sucinta algunos de los exponentes del desarrollo del repertorio solista para trombón a partir de la primera mitad del siglo XIX en Europa. A medida que el programa avanza, llevará a las audiencias por diversos estilos que pasan desde la escritura idiomática del virtuosismo romántico hasta llegar a las modernas sinergias estéticas del siglo XXI, cuando comulgan las tradiciones de la música latinoamericana, el jazz y la música contemporánea. Morceau symphonique, Op. 88 Alexandre Guilmant (1837-1911) fue uno de los más reconocidos organistas franceses de su época. Habiendo recibido su primera formación musical con su padre, rápidamente se convirtió en un prodigioso intérprete e improvisador del órgano. Desde 1871 Guilmant ocupó por más de treinta años el puesto de organista de la Iglesia de la Santa Trinidad en París, puesto que años más tarde tendría Olivier Messiaen; adicionalmente, Guilmant fue un estimado profesor del Conservatorio Superior de París y fundador, junto con Vincent d’Indy, de la Schola Cantorum de París. Una parte considerable del listado de composiciones de Guilmant está dedicada exclusivamente al órgano, para el cual escribió en una muy amplia diversidad de géneros; la Morceau symphonique Op. 88 (Pieza sinfónica) es una curiosa excepción que desde 7 su estreno se ha mantenido como una de las obras más representativas del repertorio para trombón. Guilmant compuso la Morceau symphonique en 1902 como una de las obras obligatorias para los exámenes anuales de trombón del Conservatorio Superior de París. La obra está dedicada al compositor Théodore Dubois, quien fue el director del conservatorio desde 1896; debido a la escasez de repertorio musicalmente novedoso y exigente para algunos instrumentos, desde 1897 Dubois instauró la tradición de comisionar a reconocidos compositores franceses obras obligatorias para los exámenes finales. En muchos casos, estas obras entraron a ser parte fundamental del repertorio representativo de estos instrumentos. En adición a la obra de Guilmant, otras de estas célebres comisiones correspondieron a Gabriel Fauré, para los exámenes de flauta de 1898; Paul Dukas, para los exámenes de corno de 1906; George Enescu, para los exámenes de trompeta de 1906; y Claude Debussy, para los exámenes de clarinete de 19101. Morceau symphonique está organizada en cuatro momentos conectados a lo largo de un solo movimiento interpolado por una cadencia a cargo del trombón. Si bien la obra fue compuesta para trombón y piano, también existen versiones de esta para trombón y órgano, así como también para trombón y orquesta. Teniendo en cuenta la cercanía del compositor con el órgano y las implicaciones señaladas en el título (Pieza sinfónica), es evidente que Guilmant buscaba una sonoridad exuberante trascendiendo el papel del piano como tímido acompañante de una obra para instrumento solista. Asimismo, la parte de trombón hace honor a los requisitos técnicos de una ‘obra de concurso’, exigiendo al solista un despliegue instrumental y expresivo lleno de contrastes tanto rítmicos, como melódicos y tímbricos. Romanza Uno de los compositores más importantes para el desarrollo de la ópera alemana a inicios del siglo XIX fue indudablemente Carl Maria von Weber (1786-1826); habiendo tenido una infancia itinerante por diversas ciudades, Weber entró en contacto con varios de los más reconocidos compositores del momento, muchos de los cuales fueron sus primeros mentores y maestros 1 En el prólogo de la edición Urtext de esta obra, Dominik Rahmer proporciona información detallada sobre las circunstancias en torno a su composición en el Conservatorio Superior de París. Ver: Alexandre Guilmant, ed. Dominik Rahmer, Morceau Symphonique Op. 88 and Morceau de Lecture for Trombone and Piano, Múnich, Alemania: G. Henle Verlag. La edición Urtext está disponible en: https://www.henle.de/en/detail/?Title=Morceau+symphonique+op.+88+and+ Morceau+de+lecture+for+Trombone+and+Piano_1090 8 de música. Rápidamente Weber consolidó su reputación como pianista y compositor, y aunque en la actualidad sus obras instrumentales han perdido cierta popularidad, estas influenciaron notablemente a compositores como Franz Liszt, Felix Mendelssohn, y Frederick Chopin. En su rol de compositor de óperas, Weber también logró reafirmarse como un referente y, hasta el día de hoy, algunas de sus óperas –Der Freischütz, Oberon y Euryanthe, por ejemplo– siguen gozando de gran aceptación y popularidad. La imagen de Weber marcó una notable influencia no solo en la música instrumental, sino en la ópera; con seguridad, su presencia en el medio habría posibilitado la adjudicación de diversas obras a su nombre por parte de compositores menos conocidos para lograr algunas ganancias. En muchas circunstancias, estas ‘atribuciones’ podrían llegar a ser consideradas ‘homenajes’ o emulaciones del estilo de un compositor en caso de llegarse a comprobar el origen apócrifo de dichas obras2. En la actualidad, aunque esta Romanza es atribuida a Weber, no hay evidencias de la autenticidad de su autoría y podría considerarse más como una evocación del estilo operático de Weber y un homenaje ora a su lirismo melódico, ora a la intensidad expresiva, propios de sus obras. El trombonista John Gavin Shanks afirma en su disertación doctoral que la obra supera los registros posibles de un trombón construido antes de 1830 (Weber murió en 1826) y que adicionalmente las indicaciones de la partitura señalan que la obra podría ser interpretada en violonchelo, fagot, trombón o eufonio. Finalmente, Shanks también menciona que en los listados oficiales de obras compuestas por Weber no figura ninguna obra para trombón y tampoco hay una titulada Romanza3. Independientemente de la enigmática autenticidad de su compositor, la Romanza es una obra cargada de un lirismo expresivo que permite al intérprete compartir con las audiencias la intensidad emocional que puede transmitir el trombón. La obra se caracteriza por sus largas líneas melódicas, por medio de las cuales el solista puede exponer magistralmente el timbre del trombón y su 2 La atribución de obras para garantizar su popularidad, gracias al reconocimiento de su supuesto compositor, ha sido un tema recurrente en distintas épocas. Algunos ejemplos memorables son el Concierto para Flauta Hob. VIIf:D1, atribuido a Haydn, pero compuesto por Leopold Hoffman (1783-1793); la mayoría de las obras atribuidas a Pergolesi y adaptadas por Stravinsky en Pulcinella fueron realmente compuestas por Domenico Gallo (1739-1768); y de seguro, el más famoso caso de falsas atribuciones corresponde a las obras que supuestamente Fritz Kreisler había encontrado en un misterioso convento al sur de Francia alrededor de 1935. Sobre esta última suplantación, el lector puede consultar: Harold C. Schonberg, Los virtuosos: los legendarios intérpretes de la música clásica. Buenos Aires: Javier Vergara, 1987 (152-6). 3 John Gavin Shanks, The Romance Attributed to Carl Maria von Weber and the Concertino of Ferdinand David: Insight and Interpretation, disertación doctoral. Universidad de Alabama, 2014. Disponible en https://ir.ua.edu/handle/123456789/1978 9 cercanía con la voz humana; además, diversos motivos melódicos se entretejen con los motivos del piano en tanto que el trombón contrapone rápidamente sus registros demostrando la versatilidad del instrumento. A medida que la obra se acerca a su final, el trombón proyecta una sonoridad sombríamente melancólica sumergiéndose en un registro reverberante profundo. Sunrise Suite y Encuentros Las últimas dos obras que cierran este concierto pertenecen a la exitosa compositora colombiana Carolina Calvache (n. 1985), quien ha consolidado progresivamente una impresionante carrera artística conjugando sus actividades como pianista y compositora, logrando importantes reconocimientos a nivel internacional. Calvache inició su formación musical a la edad de seis años en el Conservatorio Antonio María Valencia de la ciudad de Cali; posteriormente continuó sus estudios en la Universidad de North Texas en Denton (Estados Unidos) y desde 2011 está radicada en Nueva York. Como compositora, Calvache ha logrado conjugar diferentes elementos de las tradiciones musicales colombianas y latinoamericanas con una novedosa aproximación desde el lenguaje del jazz y diversas reflexiones estéticas desde la composición académica. A través de esta sinergia de eclécticas influencias, el lenguaje musical de Calvache se ha desarrollado con gran aceptación tanto por las audiencias de diversos géneros como por un medio profesional que encuentra en su propuesta compositiva una renovadora e inagotable fuente de inspiración musical. Desde 2017 Calvache ha incursionado en la composición de obras para bronces trabajando con solistas de gran reconocimiento internacional. Dentro de esta nueva línea de repertorio se destacan las obras Trombonsillo y Ethereal, escritas para Achilles Liarmakopoulos, trombonista del quinteto Canadian Brass, y KAVA, comisionada por Juan Fernando Avendaño, trompetista principal de la Orquesta Sinfónica de Colombia. Sunrise Suite y Encuentros son las últimas obras de Calvache que corresponden a este tipo de colaboraciones. Sunrise Suite fue escrita en 2020 para tuba y piano. Esta obra fue comisionada por el portugués Ricardo Carvalhoso, quien actualmente es tubista de la Orquesta Filarmónica de Múnich. A través de cuatro movimientos entrelazados, la obra evoca diversas sensaciones inspiradas en los momentos del paso del sol; sobre esta obra, la compositora proporciona la siguiente reseña: La pieza retrata el proceso antes del amanecer hasta el atardecer. En el primer movimiento, la música muestra melodías angulares que evocan confusión. En esta etapa, el sol todavía no se muestra y el cielo está oscuro y misterioso; algunas flores 10 duermen mientras otras esperan impacientes la luz del sol. El segundo movimiento es más vibrante como símbolo del amanecer inminente. El tercer movimiento es cuando sale el sol haciendo que el paisaje más hermoso esté lleno de colores azul claro, rosa y amarillo. Los pájaros que despiertan vuelan libremente, las flores florecen y nuestras almas se elevan listas para comenzar un nuevo día. En el cuarto movimiento, el crepúsculo comienza a ponerse en el horizonte, pero el sol todavía está allí. Es un símbolo de agradecimiento, por estar vivo y experimentar un paisaje magnífico que trae emociones de esperanza y paz. [La] Coda muestra un poco de melancolía. El sol se esconde por completo en el horizonte de una manera muy repentina se siente como si el sol se despidiera con la promesa de que volverá. La última obra del programa, Encuentros, fue comisionada por Sebastián Cifuentes y fue estrenada el 10 de julio de 2019 en el Festival Internacional de Trombón, celebrado en Ball State University en la ciudad de Muncie, Indiana; Cifuentes es el primer trombonista colombiano invitado como solista a esta serie de festivales4. La obra está organizada en dos secciones. La primera sección es lenta y melancólica, en esta se proyecta un aire de bambuco en tonalidad menor; la segunda sección se caracteriza por una escritura virtuosística para el trombón y desarrolla la sonoridad de un pasillo en tonalidad mayor. En el epígrafe de la obra, la compositora describe cómo se desenvuelve orgánicamente mediante sus dos secciones: «Encuentros con la soledad, nuestra voz interior y la felicidad»5. Jaime Ramírez Inició sus estudios musicales con diversos maestros de piano de Bogotá. Posteriormente ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana como uno de los primeros estudiantes del programa infantil y juvenil, donde combinó estudios de piano y contrabajo con la tutoría de Alexandr Sanko. En 2002, gracias a una beca Fulbright, ingresó a la Universidad de Cincinnati, como discípulo de Albert Laszlo y obtuvo sus títulos de maestría y doctorado. En 2008, se reintegró a la Facultad de Artes de la Javeriana, y al año siguiente, se vinculó también al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En ambas universidades se desempeña como docente en las áreas de contrabajo, música de cámara y teoría de la música. Junto con esta labor, ha mantenido una intensa actividad como contrabajista dentro y fuera del país. Adicionalmente, desde 2012, se ha vinculado a varios proyectos de la Sección de Música de la Subgerencia Cultural del Banco de la República como coordinador musical, intérprete, autor de escritos y asesor artístico para conciertos y produccines discográficas, entre otras funciones. 4 Una mayor información sobre los Festivales Internacionales de Trombón está disponible en: https://trombonefestival.net 5 La información sobre Carolina Calvache y su obra está disponible en su página: https://www. carolinacalvache.com 11 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

SEBASTIÁN CIFUENTES ZULUAGA, trombón Trombonista de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia (2010-2020), docente de la Universidad Javeriana y la Universidad de los Andes. Obtuvo el segundo puesto en el Concurso Internacional de Trombón realizado en Budapest, Hungría. Durante la temporada 2017-2018 fue trombón bajo de la Orquesta de la Ópera de Zürich y colaboró con la Orquesta de cámara de Zürich. La Mariinsky Orquesta de San Petesburgo, la Orquesta Sinfónica provincial de Santa Fe (Argentina) y la Statkapelle Halle (Alemania) han sido otras de las orquestas con las que Cifuentes ha hecho colaboraciones. Representó a Colombia en la Youth Orchestra of the Americas (YOA), en 2014 y 2017, y en la academia internacional Teatro del Lago en Chile. Fue el primer trombonista colombiano en ser invitado para ofrecer un recital durante el International Trombone Festival (ITF), realizado en la ciudad de Muncie, Indiana, en julio de 2019. Actualmente, Cifuentes se encuentra trabajando en su primera producción discográfica con obras de compositores colombianos, se desempeña como trombón bajo principal de la Orquesta Filarmónica de Qatar y es artista exclusivo de la compañía S. E. Shires. BEATRIZ BATISTA, piano Pianista cubana graduada de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la tutela de Mariana Posada. Inició sus primeros pasos como pianista colaborativa en el Teatro Lírico Nacional de Cuba junto con el tenor cubano Adolfo Casas. Fue ganadora del premio a mejor pianista acompañante en el importante concurso de canto de la UNEAC en el año 2011. En Colombia ha compartido escenarios con músicos de gran envergadura, tales como Federico Hoyos, Sebastián Cifuentes, Beatriz Mora, Camilo Mendoza y Gloria Casas. En varias ocasiones ha sido la pianista invitada por la Orquesta Sinfónica Nueva Filarmonía y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá. Participó en el Festival Ópera al Parque en dos ocasiones, siendo la pianista en escena de dos montajes de ópera y zarzuela. Recientemente fue ganadora del premio a mejor pianista acompañante del Premio de canto de Bogotá, organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá. En la actualidad, Batista es pianista repetidora en la Maestría en Dirección Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia y es integrante del trío de música de cámara contemporánea Ataraxia, agrupación seleccionada para ser parte de la Serie de los Jóvenes intérpretes del Banco de la República.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 27 Estreno: jueves 30 de septiembre · 6:00 p.m. SANTIAGO OVIEDO REINA clarinete (Colombia) Foto: Mariangela Quiroga Cantillo SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalSincelejo Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 UNA TEMPORADA INUSUAL Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Síganos en Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 2 Foto: Mariangela Quiroga Cantillo SOBRE EL INTÉRPRETE SANTIAGO OVIEDO REINA, clarinete Nacido en Ibagué, Tolima, en 1995, Santiago Oviedo es clarinetista egresado de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudió bajo la tutela de Robert John de Gennaro. En 2006 inició sus estudios musicales de clarinete en el Conservatorio de Ibagué Amina Melendro de Pulecio, bajo la tutela de Carlos Arturo Fernández Colmenares. En 2007 ingresó a la Banda Sinfónica del Conservatorio de Ibague ‘Amina Melendro de Pulecio’ dirigida por Germán Camacho Serrano, y dos años más tarde obtuvo el premio a mejor instrumentista en maderas en el Festival Nacional de Bandas Infantiles, en Villamaría, Caldas. En 2011 participó en el IX Festival de Jóvenes Clarinetistas Venezolanos en Caracas y, posteriormente, en la residencia artística de la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia, actuando como concertino durante ese año. En 2012 obtuvo el premio a mejor instrumentista en el marco del XIX Concurso Nacional de Bandas en Anapoima, Cundinamarca, e igualmente participó en el III Festival Internacional de Clarinete y en el Concurso Nacional de Clarinete Claribogotá, donde obtuvo el primer puesto en la categoría juvenil. Dos años más tarde fue ganador del concurso Jóvenes Solistas realizado por la Orquesta Filarmónica de Cali y, en 2015, fue nombrado clarinete concertino de la Banda Sinfónica de Cundinamarca. Actuó con la Filarmónica Joven de Colombia en la temporada 2018, bajo la batuta de Juan Pablo Valencia, Andrew Gourlay, Paolo Bortolameolli y Rafael 3 Payare. En 2019 ganó el Concurso de Jóvenes Solistas del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional. Santiago ha recibido clases con Yehuda Gilad, Valdemar Rodríguez, Ranieri Chacón, Marcelo González, Carlos Céspedes, Antonio Saiote, Radovan Cavallin, Rafael Damián Álvarez, Andrés Ramírez, Michel Arrignon, Romain Guyot y Mariafrancesca Latella, y ha actuado con la Banda Sinfónica de la Universidad Nacional, la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia, la Banda Sinfónica de Cundinamarca, la Orquesta Sinfónica Carmiña Gallo, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Filarmónica Joven de Colombia y Terranova Ensamble, agrupación dirigida por Francisco Javier ‘Pacho’ Casas. Actualmente, Santiago recibe clases de clarinete con Edgar David López, quien recientemente se desempeñó como Associate Principal y Clarinete Eb en Baltimore Symphony Orchestra (Estados Unidos). En este concierto, Santiago Oviedo actúa junto con la soprano Darlenne Cárdenas y el pianista Diego Claros. 4 PROGRAMA Gran dúo concertante, Op. 48 (1815-1816) Allegro con fuoco Andante con moto Rondo, Allegro CARL MARIA VON WEBER (1786-1826) Para clarinete y piano Der Hirt auf dem Felsen Op. 129, D. 965 (1828) FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Para voz, clarinete y piano Barbarita (2014-rev. 2019) JUAN DANIEL OVIEDO REINA (n. 1990) Para clarinete solo Bucolique (1949) EUGENE BOZZA (1905-1991) Para clarinete y piano Fantasía para clarinete y piano (2021) MIGUEL LEONARDO PINZÓN (n. 1995) 5 SOBRE EL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria El largo sonido purpúreo del clarinete. ¡Ese es el sonido que me ha estado inquietando!1 Luciano Berio (1925-2003) El clarinete es un instrumento de viento que se desarrolló durante el siglo XVIII. Se clasifica como un aerófono de lengüeta simple. Su antepasado más cercano es el chalumeau, un instrumento relacionado con la flauta dulce de la cual se diferenciaba en que tenía una boquilla de una sola lengüeta y dos llaves, además de orificios para los dedos. El clarinete original era esencialmente un chalumeau con una llave de registro, que permitía al intérprete elevar el tono del instrumento. Este desarrollo se ha atribuido a Johann Christoph Denner (1655-1707) o a su hijo Jacob Denner (1681-1735), fabricantes de instrumentos de la ciudad alemana de Núremberg. El clarinete original funcionaba bien en el registro medio, con un sonido que recordaba a la trompeta, de allí su nombre que deriva de clarino, la denominación en italiano de una trompeta antigua llamada clarión, en inglés. Clarinete significa ‘pequeño clarín’ o ‘pequeña trompeta’. A principios del siglo XIX, este instrumento era ya una parte integral de la orquesta. Sin embargo, un inconveniente era la falta de un ajuste hermético para las llaves. La solución a este problema permitió una serie de mejoras dramáticas. Mientras que un clarinete de la época de Mozart podría haber tenido cinco llaves, los de principios del siglo XIX podrían haber tenido trece. Se desarrollaron diferentes ‘sistemas’ para la configuración de llaves, cada uno con sus propios defensores. Incluso hoy en día no existe una configuración estándar única, por lo que el clarinete moderno tiene muchas variaciones. El programa de este concierto ofrece un repertorio en el que se integran obras de compositores europeos con obras de compositores colombianos actuales. Carl Maria Friedrich Ernst von Weber (1786-1826) nació en una familia musical y teatral. Su padre, Franz Anton, era un músico que tenía una 1 Estos versos están incluidos en Recital para Cathy. El compositor italiano Luciano Berio (1925- 2003) escribió esta obra de teatro musical para su entonces esposa, la cantante Cathy Berberian. En la pieza aparecen numerosas citas de la historia de la música en un estilo tragicómico. 6 pequeña compañía de teatro ambulante. Su madre, Genoveva, era cantante; sus tíos, tías y hermanos estaban hasta cierto punto involucrados en la música y el escenario. Constanza Weber (1762-1842), su prima, fue esposa de Mozart, con quien tuvo seis hijos. Carl Maria de niño tuvo una salud frágil y nació con una cadera enferma que le hizo cojear durante toda su vida. Cuando comenzó a mostrar signos de talento musical, su padre lo puso a trabajar con varios maestros en las ciudades visitadas por la compañía familiar con la esperanza de que pudiera resultar un niño prodigio. Entre estos instructores se encontraba Michael Haydn (1737-1806), el hermano menor del compositor Joseph Haydn (1732-1809), con quien Weber escribió y publicó su Opus 1, Sechs Fughetten (1798). Una estadía más prolongada en Hildburghausen, requerida por la grave enfermedad de la madre de Weber, en 1796, le permitió recibir una educación más estable por parte de Johann Peter Heuschkel (1773-1853), un talentoso músico local, quien sentó las bases del virtuosismo pianístico de Weber y por cuya enseñanza permaneció agradecido en los años posteriores. Una de las obras destacadas de Carl Maria fue Gran dúo concertante, Op. 48; con relación a esta, el estudioso de la vida y la obra de Weber, John Hamilton Warrack, expresa en su libro sobre el compositor: Ciertamente hay una nueva confianza en el manejo de la forma sonata en el movimiento inicial del Gran dúo concertante. Fue con este movimiento, como era usual concluido en el último momento, con el que terminó la pieza cuyos otros dos movimientos habían sido completados en julio del año anterior [1815]. El título es exacto: la obra no es una sonata para clarinete, con acompañamiento de piano, sino una obra de concierto a gran escala para dos virtuosos […] La escritura es, a través de toda la obra, en la mejor vena “brillante” de Weber; pero esto no debe opacar la extraordinaria habilidad y originalidad de una obra que basa la totalidad de su material y forma en las demandas de un virtuosismo compartido por el piano y el clarinete. Característicamente, es en la dramatización de su relación más que en la unión en un concepto en donde Weber encontró su invención más poderosamente estimulada (Warrack, 1976, p. 178). Weber murió en Londres a los 40 años. «Fue la encarnación misma del espíritu romántico que ayudó a moldear. Delgado y conmovedor, con ojos oscuros e intensos, un porte regio y aristocrático, Weber se ajustaba a la imagen popular de un héroe romántico» (Berger, 2001, p. 447). Franz Peter Schubert (1797-1828), nacido en un suburbio de Viena, mostró talento para la música desde una edad temprana. Su padre le dio sus primeras lecciones de violín y su hermano mayor, de piano. Pronto se familiarizó con la música orquestal de Haydn, Mozart y Beethoven, y continuó 7 sus estudios de composición con Antonio Salieri (1750-1825). La apreciación de su música, durante su corta vida, se vio restringida a un círculo estrecho de amigos; sin embargo, Schubert realizó contribuciones fundamentales en las áreas de la música orquestal, la música de cámara, la música para piano y, sobre todo, el Lied alemán. De acuerdo con el New Grove: La riqueza y sutileza de su lenguaje melódico y armónico, la originalidad de sus acompañamientos, su elevación de los géneros marginales y la naturaleza enigmática de su vida han invitado a un amplio abanico de lecturas, tanto del hombre como de su música, que se mantienen en debate en los círculos musicales (Brown et al., 2001). Schubert compuso Der Hirt auf dem Felsen en 1828, una de sus últimas obras, para Pauline Anna Milder-Hauptmann (1785-1835), quien tenía una reputación excelente y era la soprano que Schubert esperaba que asumiera el rol principal en su ópera Der Graf von Glieken. Milder-Hauptmann estudió con Salieri, cantó las partes de Leonore en el Fidelio de Beethoven y era bien conocida por sus roles en óperas de Luigi Cherubini (1760-1842) y Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Milder-Hauptmann estaba familiarizada con la música de Schubert y era una cantante dramática, pero con una voz muy flexible, a la que Schubert sacó ventaja en su obra. El texto de Der Hirt auf dem Felsen fue armado por Schubert, basado en poemas de los poetas Wilhelm Müller (1794-1827) y Karl August Varnhagen von Ense (1785-1858). Su propósito fue el de cumplir los requerimientos de Milder-Hauptmann, quien quería una pieza extensa con secciones contrastantes, «que le permitiera expresar una amplia gama de sentimientos» (Henken, 2018). Como resultado, la obra es más un aria operística que una canción. El poema se inicia con una atmósfera pastoral, luego se mueve hacia una de tristeza y concluye con un sentimiento de esperanza por el regreso de la primavera y, junto con ella, de la felicidad. La musicalización se estructura siguiendo estas tres partes, distribuyéndose el rol principal entre la voz y el clarinete, con el piano actuando más en función de acompañamiento. La obra fue estrenada por Milder-Hauptmann el 10 de febrero de 1830, dos años después de la muerte del compositor. Juan Daniel Oviedo Reina (n. 1990) es oriundo de Ibagué, Tolima. En 2001 inició sus estudios musicales en el antiguo Bachillerato Musical del Conservatorio del Tolima, en el área de saxofón, con Luis Ernesto García. Al mismo tiempo, recibió clases de armonía y contrapunto, dentro de su formación académico-musical, con los maestros Ricardo Vega Restrepo y Florentino Camacho, respectivamente. 8 En 2009 ingresó a la Universidad Nacional de Colombia —de donde es egresado, en donde continuó sus estudios de saxofón con Luis Eduardo Aguilar y tomó clases de composición con Libardo Saavedra y Gustavo Parra. Además, por propia motivación, ha tomado clases de composición con Victoriano Valencia, Rubén Darío Gómez, Juan Andrés Ospina y Jaime Jaramillo Arias, entre otros maestros. Su lenguaje compositivo se desarrolla basado en armonías modernas, pero sin dejar de lado los aires tradicionales colombianos, su estructura y su esencia. Sus obras y arreglos han sido interpretados en diversos escenarios, concursos y salas de concierto del país y el exterior. En la actualidad, se encuentra cursando una maestría en interpretación del saxofón en la Universidad del Sur de Misisipi en Hattiesburg, Estados Unidos. De acuerdo con la reseña del compositor (2021), la obra incluida en el programa expresa un particular sentimiento familiar: Barbarita es una danza compuesta originalmente para cuarteto de saxofones, en agosto de 2014, como homenaje a la abuela del compositor, Bárbara Tovar de Reina, quien había fallecido unas semanas atrás. Tiene una forma ABCAB y muestra tres escenarios: en la sección A presenta la dulzura de la tierna infancia junto a ella, culminando con la primera vez que su salud presentó quebrantos; la parte B muestra el proceso de recuperación y las constantes dolencias a raíz del deterioro persistente de su salud; finalmente, la sección C busca recrear su partida de este mundo terrenal con un adiós sereno y feliz, igual al que ella inspiraba a los suyos (Oviedo, 2021). Santiago Oviedo Reina comisionó en 2019 la revisión y adaptación para clarinete y piano de esta obra, con el propósito de incluirla dentro de su repertorio para el concierto que realiza para el Banco de la República como parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes. Ganador del reconocido Prix de Rome, en 1934, y nombrado Caballero de la Legión de Honor, en 1956, Eugene Bozza (1905-1991), compositor y director de orquesta francés, fue un estudiante brillante en el Conservatorio de París. Obtuvo el primer premio de violín, en 1924; dirección, en 1930; y composición, en 1934. Dirigió la Opéra-Comique de París, entre 1938 y 1948, y en 1951 fue nombrado director de la Ecole Nationale de Musique de Valenciennes, cargo que ocupó hasta su jubilación en 1975. Aunque sus obras a gran escala se han ejecutado con éxito en Francia, su reputación internacional se basa fundamentalmente en su importante producción de música de cámara para viento. Norman Heim, compositor, clarinetista y profesor emérito de la Universidad de Maryland, define con claridad dos características muy apreciadas de la música de Bozza: 9 […] es un compositor para los intérpretes, ya que su música está bien escrita para el instrumento, es un desafío para interpretar y divertida de ensayar. Es un compositor para los oyentes ya que su música siempre es interesante, y tiene una familiaridad de melodía y tonalidad que incluso el oído inexperto puede disfrutar (Hsu, 2018). El Diccionario de la Real Academia dice que el término bucólico se refiere a un género de poesía o una composición poética «que evoca de modo idealizado el campo o la vida en el campo». Bozza escribió Bucolique en 1949, gracias a la larga tradición de comisiones que se realizaban en el Conservatorio de París para los solos de concurso. La dedicó a su compañero clarinetista Ulysse Delécluse (1907-1995), quien, como ganador del primer lugar de dicho concurso en 1924, tenía la capacidad para interpretar una composición virtuosa, que despliega el rango completo del instrumento; interpretación llena de cadencias y momentos de expresividad técnica. Miguel Leonardo Pinzón (n. 1995) es egresado de la cátedra de composición de Jorge Pinzón en la Fundación Universitaria Juan N. Corpas, donde realizó de manera simultánea el programa de Área Menor en Piano, bajo la dirección de Pilar Leyva y Javier Camacho. Como pianista ha efectuado trabajos de acompañamiento y música de cámara, abarcando repertorios de diversos estilos con múltiples instrumentos y diferentes formatos. Fue ganador del concurso de composición que organizó el Cuarteto Manolov con su obra Cuarteto para cuerdas No. 1, que posteriormente fue estrenado en el Teatro Colón de Bogotá, por la misma agrupación. Actualmente, es pianista correpetidor de la Maestría en interpretación de la Universidad Nacional de Colombia y hace parte del proyecto Canta Bogotá, Canta de la Secretaría de Educación de Bogotá. Una fantasía es una obra de duración relativamente corta, sin interrupción entre sus secciones contrastantes, «en donde la imaginación del compositor tiene juego libre» (Field, 2001). La reseña de la obra subraya su estructura episódica y la búsqueda de la unidad a través del empleo de motivos rítmicos y melódicos que reaparecen en las distintas secciones. Fantasía para clarinete y piano, compuesta en el año 2021, es una obra que se desarrolla de manera episódica en su estructura general y está influenciada por géneros musicales como el neoclasicismo y el jazz. A pesar de esta división seccional, algunos motivos rítmicos y melódicos son reiterados con el fin de darle coherencia al discurso musical. En el plano armónico, podemos encontrar la utilización de diferentes escalas modales y sintéticas por parte del clarinete y de una importante utilización de 10 poliacordes y armonías compuestas por parte del piano. Adicionalmente, predomina el uso de algunas escalas octatónicas que se pueden apreciar muy claramente en la cadencia que realiza el clarinete solo, y posteriormente ambos instrumentos en el Enérgico del final de la obra (Oviedo, 2021). Referencias Berger, M. (2001). Guide to Chamber Music. Courier Corporation. Brown, M., Sams, E., y Winter, R. (2001). Schubert, Franz. Grove Music Online. Recuperado de https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/ Field, C. Phantasy. Grove Music Online. Recuperado de https://www. oxfordmusiconline.com/grovemusic Henken, J. (2018). El pastor en la roca. Franz Schubert. Notas al programa. Conciertos y eventos. La Phil. Recuperado de https://es.laphil.com/ Hsu, G. (2018). Gabrielle Hsu, bassoon. Program Notes. Student Recital Series. Arizona State University. Recuperado de https://core.ac.uk/ Oviedo, S. (2021). Barbarita. [correo electrónico] Oviedo, S. (2021). Fantasía para clarinete y piano. [correo electrónico] Warrack, J. H., y Warrack, J. (1976). Carl Maria von Weber. CUP Archive. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 11 FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Der Hirt auf dem Felsen Op. 129, D. 965 [El pastor sobre las rocas] (1828) Textos de Wilhelm Müller (1794-1827) y Karl August Varnhagen von Ense (1785-1858) Wenn auf dem höchsten Fels ich steh, Ins tiefe Tal hernieder seh, und singe; Fern aus dem tiefen dunkeln Tal; schwingt sich empor der Wiederhall der Klüfte. Je weiter meine Stimme dringt, je heller sie mir widerklingt, von unten. Mein Liebchen wohnt so weit von mir, Drum sehn’ ich mich so heiss nach ihr hinüber. In tiefem Gram verzehr’ich mich, Mir ist die Freude hin, auf Erden mir die Hoffnung wich. Ich hier so einsam bin. So sehnend klang im Wald das Lied, so sehnend klang es durch die Nacht, Die Herzen es zum Himmel zieht mit wunderbarer Macht. Der Frühling wiIl kommen, der Frühling, mein Freund, Nun mach ich mich fertig zum Wandern bereit. Cuando me encuentro en la más alta roca, miro hacia lo profundo del valle y canto, lejos desde el profundo valle oscuro, surge entonces el eco de los abismos. Mientras más desciende mi voz, tanto más clara me responde desde abajo. Mi amada vive tan lejos de mí que así mismo la añoro con igual ardor desde esta lejanía. En lo profundo me carcome una pena, mi alegría se acabó, sobre la tierra desvaneció la esperanza. ¡Me encuentro aquí tan solitario! Así mismo sonaba quejumbrosa en el bosque la canción, así mismo resonaba a través de la noche, los corazones sienten entonces un llamado al cielo con maravilloso poder. La primavera quiere llegar, la primavera, mi amiga; me apresto ahora a caminar. 12 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Nació en Ibagué, Tolima, en 1995. Santiago Oviedo es clarinetista egresado de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudió bajo la tutela de Robert John de Gennaro. En 2006 inició sus estudios musicales de clarinete en el Conservatorio de Ibagué Amina Melendro de Pulecio, bajo la tutela de Carlos Arturo Fernández Colmenares. En 2007 ingresó a la Banda Sinfónica del Conservatorio de Ibague ‘Amina Melendro de Pulecio’ dirigida por Germán Camacho Serrano, y dos años más tarde obtuvo el premio a mejor instrumentista en maderas en el Festival Nacional de Bandas Infantiles, en Villamaría, Caldas. En 2011 participó en el IX Festival de Jóvenes Clarinetistas Venezolanos en Caracas y, posteriormente, en la residencia artística de la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia, actuando como concertino durante ese año. En 2012 obtuvo el premio a mejor instrumentista en el marco del XIX Concurso Nacional de Bandas en Anapoima, Cundinamarca, e igualmente participó en el III Festival Internacional de Clarinete y en el Concurso Nacional de Clarinete Claribogotá, donde obtuvo el primer puesto en la categoría juvenil. Dos años más tarde fue ganador del concurso Jóvenes Solistas realizado por la Orquesta Filarmónica de Cali y, en 2015, fue nombrado clarinete concertino de la Banda Sinfónica de Cundinamarca. Actuó con la Filarmónica Joven de Colombia en la temporada 2018, bajo la batuta de Juan Pablo Valencia, Andrew Gourlay, Paolo Bortolameolli y Rafael Payare. En 2019 ganó el Concurso de Jóvenes Solistas del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional. Santiago ha recibido clases con Yehuda Gilad, Valdemar Rodríguez, Ranieri Chacón, Marcelo González, Carlos Céspedes, Antonio Saiote, Radovan Cavallin, Rafael Damián Álvarez, Andrés Ramírez, Michel Arrignon, Romain Guyot y Mariafrancesca Latella, y ha actuado con la Banda Sinfónica de la Universidad Nacional, la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia, la Banda Sinfónica de Cundinamarca, la Orquesta Sinfónica Carmiña Gallo, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Filarmónica Joven de Colombia y Terranova Ensamble, agrupación dirigida por Francisco Javier ‘Pacho’ Casas. Actualmente, Santiago recibe clases de clarinete con Edgar David López, quien recientemente se desempeñó como Associate Principal y Clarinete Eb en Baltimore Symphony Orchestra (Estados Unidos). En este concierto, Santiago Oviedo actúa junto con la soprano Darlenne Cárdenas y el pianista Diego Claros.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Concierto digital No. 29 Estreno: jueves 7 de octubre · 6:00 p.m. LAURA ESPINAL piano (Colombia) Foto: 0102 Producciones - David Lainez SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES @SaladeConciertosLuisAngelArango @BanrepculturalMonteria Banrepcultural TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 UNA TEMPORADA INUSUAL Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Síganos en Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 2 Foto: 0102 Producciones - David Lainez SOBRE LA INTÉRPRETE LAURA ESPINAL, piano Laura Espinal es egresada del programa de piano clásico del Departamento de Música de la Universidad EAFIT con Rodrigo Vasco. Inició a temprana edad su acercamiento al piano, de la mano de Margarita María Velásquez. Su interés por la exploración de otras músicas la llevó a ser integrante de las agrupaciones Animales Eléctricos y La Greca. Su afición por la literatura y la filosofía (en 2014 fue ganadora de las IX Olimpiadas de Filosofía del Colegio San Ignacio de Loyola) le ha facilitado relacionar la práctica instrumental con la reflexión y la construcción de nuevas propuestas artísticas. En 2018, Espinal obtuvo el primer puesto en la categoría de música de cámara del IV Festival- Concurso Nacional Infantil y Juvenil Pianissimo, y el segundo puesto en esta misma categoría en el Concurso de Pregrado del Departamento de Música de EAFIT; dos años atrás había ocupado el segundo puesto en la categoría solistas de este último concurso. Actualmente, Laura Espinal es profesora de piano y de filosofía en el Instituto Musical Diego Echavarría; y se encuentra explorando propuestas artísticas que le permitan mostrar al público nuevas formas de experimentar la música clásica, en virtud de lo cual trabaja en la construcción de sus conciertos en torno a conceptos que rodean la vida cotidiana. Espinal cree en la necesidad de transformar y actualizar nuestro contexto cultural mediante propuestas arriesgadas que estén a la vanguardia en las artes. Conozca más acerca de la artista Laura Espinal 3 Partita en do menor, BWV 826 (1726) Sinfonia Allemande Courante Sarabande Rondeau Capriccio JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Bachianas brasileiras No. 4, W264 (1930-1941) Prelúdio (Introdução) Coral (Canto do sertão) Ária (Cantiga) Dansa (Miudinho) HEITOR VILLA-LOBOS (1887-1959) PROGRAMA 4 SOBRE EL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Partita en do menor, BWV 826 El término partita, empleado en los siglos XVII y XVIII, se usó, intercambiablemente, para designar una suite o una serie de variaciones. En el sentido más estricto, denota un conjunto de variaciones y así usaron el término Frescobaldi y Pachelbel en sus obras; pero en algún instante comenzó a emplearse para hacer referencia a las suites y sus partes o secciones. La suite barroca siempre consta de varios movimientos, la mayoría de ellos, elaboraciones muy sofisticadas de danzas tradicionales (alemana, corrente, sarabanda y jiga son el esqueleto básico de casi todas las suites). Por su parte, la sonata barroca hace uso de las mismas danzas, pero si se trataba de una sonata da chiesa (para ser escuchada en la iglesia), los diversos movimientos eran descritos únicamente con su equivalente afectivo: Allegro, Adagio, Presto, etc. Suite, sonata y partita barroca son géneros enteramente emparentados. Johann Sebastian Bach (1685-1750) empleó el término ‘partita’ con el fin de referenciar las seis suites para el clave, publicadas en el Clavier-Übung de 1731, y las suites escritas para el violín solo. Bajo el título de Clavier-Übung (Klavierübung en alemán contemporáneo), Bach inició en 1731 la publicación de cuatro volúmenes con música para el teclado. El primer libro fue señalado por el compositor como su Opus 1. El título completo reza así: Klavier Übung, bestehend in Präludien, Allemanden, Couranten, Sarabanden, Giguen, Menuetten und anderen Galanterien. Si bien el título, prestado de una colección anterior de Kuhnau, indica que la intención de la colección es pedagógica, la descripción adicional de Bach de ‘galanterías’ demuestra que estaba ansioso por sacar a la luz pública sus obras para el teclado. Se trata en realidad de un conjunto imponente de piezas musicales que se inicia con seis suites (BWV 825 a 830) y procede, en el segundo volumen, con la Obertura francesa y el Concierto italiano; el tercero contiene música para órgano, preludios corales, preludio y fuga en mi bemol, y cuatro dúos; para rematar en el cuarto volumen, aparecen las merecidamente célebres Variaciones Goldberg. Las partitas ya habían sido editadas con anterioridad en Leipzig en un espacio de cuatro años; la primera en 1726 y la última en 1730. La suite (en este caso, la partita) se estaba eclipsando cuando Bach decidió dar a conocer su último conjunto de seis y la crítica fue dura con su estilo anticuado. Para el comentarista 5 Scheibe, el estilo de Bach era «[…] bombástico y de procedimientos complejos que privan sus obras de naturalidad y opacan su belleza con exceso de arte». Se salvan de estas críticas el Concierto italiano y la Obertura por obedecer a un gusto más popular. Para muchos de sus contemporáneos, el estilo complejo de Bach comenzaba a ser anacrónico, sobre todo por la variedad armónica, el uso del contrapunto y los gestos abstractos. La partita en do menor tiene tres aspectos novedosos, una introducción denominada Sinfonia y dos movimientos inusuales de cierre: Rondeau y Capriccio. Esta obra es una mezcla feliz de los estilos germanos, italiano y francés en la composición para el teclado. Tanto la Sinfonia como la Allemande y la Sarabande, una invención a dos voces, tienen tiempos más lentos y discursos complejos en lo contrapuntístico. Sin embargo, los movimientos rápidos también acusan una gran variedad de texturas imitativas. Bachianas brasileiras No. 4, W264 Heitor Villa-Lobos (1887-1959) obró un cambio radical y particularmente imaginativo en el devenir de la música brasilera moderna. No solo supo responder a las exigencias del nacionalismo como ideología cultural y materia básica de la música, sino que también participó en la generación de un lenguaje moderno para la música del siglo XX. Las obras de Heitor Villa-Lobos, junto con las del argentino Alberto Ginastera y las del mexicano Carlos Chávez, representaron los mejores logros de la música latinoamericana de la primera mitad de aquel siglo. Les correspondió demostrar el dominio de las técnicas de composición europeas mientras paralelamente indagaban acerca de un estilo nacionalista y desarrollaban un lenguaje personal. Cada uno de ellos lo hizo de diferente manera y con diversos resultados. Villa-Lobos partió de sus orígenes populares para realizar un análisis concienzudo de la música tradicional del Brasil en sus más variadas expresiones. La imaginación desbordante de Villa- Lobos, un compositor prácticamente autodidacta, lo indujo a desarrollar un estilo profundamente personal y espontáneo moldeado por las impresiones más diversas. El elemento constante en la obra de este gran músico brasilero son los sonidos tradicionales del Brasil, que conoció de primera mano como intérprete y en sus innumerables viajes por el país. A partir de 1905, Villa-Lobos se convirtió en un viajero incansable: por dos años recorrió el norte de Brasil, tocando en conjuntos que interpretaban chôros (música de salón popular del país) y estudiando las expresiones musicales locales. De regreso a Río de Janeiro, Villa-Lobos ingresó al Conservatorio para estudiar música, pero, descontento con las tendencias dodecafónicas que se 6 imponían en el momento, decidió estudiar las obras de los grandes clásicos y aprender el oficio de compositor por sí mismo. En 1907 emprendió otra gira por el país que duraría cinco años. Regresó a Río en 1912 y se dedicó de lleno a la música y a la composición. Aún en sus obras más tempranas, Villa-Lobos incorpora armonías modernas, virtuosismo instrumental y visiones imaginativas de la temática brasilera. El compositor aseguraba que existía un parentesco entre los temas y las formas empleados por Bach y la música popular brasilera. Con esta idea, entre 1930 y 1944, creó un conjunto de nueve obras (posteriores a los chôros) tituladas Bachianas Brasileiras, en las que demuestra los vínculos que para él existían entre el espíritu de la música de Bach y la música de su tierra. En estas nueve obras se encuentran diversos procesos característicos de la creación popular y citas literales que reciben un desarrollo de gusto barroco, sobre todo en el aspecto polifónico. Cada una de las Bachianas obedece a una forma preestablecida por el compositor que consta normalmente de dos movimientos (Bachianas Nos. 5, 6 y 9), tres movimientos (Bachiana No. 1) o cuatro movimientos contrastantes, cada uno, a su vez, basado en un género de canción o danza del Brasil que se transforma en formas barrocas. En el plano instrumental, las Bachianas al igual que los chôros ofrecen una notable variedad de medios: conjuntos de violonchelos, orquesta, piano, combinaciones con voces, dúo de flauta y fagot, etc. La Bachiana No. 4 fue escrita originalmente para piano y posteriormente orquestada por él mismo. Se trata de una suite en cuatro secciones. La primera de ellas parte del tema de la Ofrenda musical de Johann Sebastian Bach y construye un pasaje muy evocador teñido de añoranza. El ambiente se suaviza considerablemente en el Coral, que conserva la estructura en acordes del Barroco y la melodía sencilla del coral luterano; una nota repetida actúa como recordatorio del paisaje de Brasil, a manera de canto insistente de un ave. Retornan las saudades en la tercera sección, un aria basada en una melodía conmovedora, trabajada en variaciones de tiempo acelerado. Como toda buena suite, esta Bachiana termina con una danza animada basada en un patrón rítmico que se ejecuta, tradicionalmente, en el berimbau. Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA. Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho años fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos XIX y XX. 7 Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos. música arte La es un antigua tiempo Música para nuestro Bajo labatuta Sonidos del siglo XX música todos La para desde foso Ópera el de los instrumentos El rey voces todas Todas las Tiempos de jazz músicos Colombia Música y de música hoy La de ¡Tiempos de rock!

Concierto interpretado por la Orquesta de Cuerdas del Conservatorio de la Universidad Nacional, dirigida por Ernesto Díaz, en compañía del solista Simón Galindo. El Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia lleva a cabo una jornada artística más con la presentación de su Orquesta de Cuerdas, que en los últimos años le ha merecido altos elogios por su alto nivel interpretativo. En ella colaboran ocasionalmente varios profesores del mismo Conservatorio y destacados elementos de la Orquesta Sinfónica de Colombia, aunque la totalidad de los integrantes son miembros de esta última. Simón Glindo, quien actúa como solista, realizó estudios de Órgano en el Conservatorio de Bogotá y posteriormente en el Conservatorio Superior Nacional de París. Fue profesor de dicha asignatura y de Armonía en el Conservatorio de la Universidad Nacional.

Concierto interpretado por el grupo The International String Quartet. Fundada en 1974, esta agrupación ha logrado rápido reconocimiento como uno de los más importantes cuartetos. En el concierto de su debut, el crítico del “Cleveland Plain Dealer” predijo la fama y el éxito para ellos, lo cual ha encontrado eco y ha sido ampliado en las numerosas subsecuentes apariciones por Europa y Estados Unidos.

Concierto interpretado por el pianista Sergio Posada. Posada nació en Medellín en 1964. Realizó sus estudios de piano y teoría musical con la profesora Zulma Álvarez en el Instituto de Bellas Artes de su ciudad. En 1982 se trasladó a Viena donde cursó estudios de clavicémbalo con la profesora Marina Mauriello y de piano con el profesor Alejandro Geberovich. Ha ofrecido numerosos conciertos de música de cámara y recitales en Austria, España, Corea del Sur: Hungría, Inglaterra, Italia, Bulgaria, Grecia y Colombia. En estos dos últimos países ha realizado grabaciones para la radio y la televisión locales.