Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Disponible durante un mes en Concierto digital No. 9 Estreno: miércoles 7 de abril · 6:00 p.m. CUARTETO Q-ARTE cuarteto de cuerdas (Colombia) Foto: Gabriel Castro RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. Recuerde: los conciertos estarán disponibles en estos canales durante un mes contado a partir de su fecha de estreno ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras algunos meses de trabajo y muchas reflexiones y discusiones, durante el segundo semestre de 2020, la música de algunos jóvenes intérpretes, músicos de diferentes partes del país, del Cuarteto Arianna de Estados Unidos y del Cuarteto Q-Arte de Colombia pudo ser presentada en una programación digital creada por el Banco de la República. Este proceso, lleno de novedades y aprendizajes, ha seguido desarrollándose y evolucionando para construir sobre lo construido y seguir haciendo el trabajo de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República presenta la primera parte de su temporada digital de conciertos de 2021, la cual presentará un concierto semanal desde febrero hasta junio y que incluirá las actuaciones de artistas nacionales e internacionales grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube y bajo el perfil Sala de Conciertos Luis Ángel Arango en Facebook. Los conciertos saldrán al aire los miércoles a las 6:00 p.m. y estarán disponibles durante un mes contado a partir de la fecha de lanzamiento de cada uno. Entre los artistas que harán parte de esta temporada digital estarán los ensambles vocales Theatre of Voices y Discantus, el pianista Mauricio Arias, el guitarrista Edwin Guevara, la soprano Betty Garcés y la cantante de jazz Sofia Ribeiro. Adicionalmente, haciendo uso de las nuevas tecnologías y en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público, pero también para tratar de conquistar nuevas audiencias, continuaremos en 2021 publicando nuestro podcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El podcast puede ser escuchado 2 en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados que explican el sentido de cada selección. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos – como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Hacen falta los abrazos, hacen falta las conversaciones alrededor de una mesa, hace falta compartir con desconocidos la calurosa sensación de escuchar a un ensamble en vivo. Pero, mientras tanto, tendremos que seguir aportando nuestro mejor esfuerzo, nuestra mayor paciencia y seguir encontrando maneras de sentirnos juntos, compartiendo historias, recomendándonos libros, películas, artículos de prensa, recetas y, desde luego, conciertos. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. Ofrecemos esta temporada de conciertos digitales a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango SÍGANOS EN3 SOBRE LOS INTÉRPRETES Santiago Medina y Liz Ángela García, violines; Sandra Arango, viola; y Diego García, violonchelo. Nominado a los premios Grammy Latinos en 2020, el Cuarteto Q-Arte es aclamado como uno de los cuartetos de cuerda más destacados de Latinoamérica. Fundado en 2010, se ha concentrado en investigar, interpretar y difundir la música para cuarteto producida en el continente. Su repertorio incluye casi un centenar de obras escritas por compositores latinoamericanos, las cuales ha interpretado en diversas salas de concierto y festivales de las Américas y Europa. Ha desarrollado proyectos en colaboración con notables intérpretes como Rodolfo Mederos, Günter Haumer y el Cuarteto Latinoamericano, y con compositores como Gabriela Ortiz, Mario Lavista y Gustavo Leone. Asimismo, en el marco de la labor que ha realizado para dar difusión a la música de Colombia, se destaca su estrecha relación con el célebre compositor Blas Emilio Atehortúa, de cuya obra completa para cuarteto de cuerdas realizó ediciones críticas y grabaciones. Los miembros del Cuarteto Q-Arte, músicos colombianos formados en algunos de los principales conservatorios de Europa y Estados Unidos, son Foto: Carlos Lema4 Conozca más acerca del ensamble Cuarteto Q-Arte a su vez profesores en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de los Andes y la Universidad Sergio Arboleda. Su actividad como docentes e investigadores alimenta su quehacer artístico y permite que su trabajo mantenga un diálogo constante con la comunidad académica de las artes y la música. En este marco, el Cuarteto Q-Arte ha colaborado con instituciones como la Universidad de Chicago, Columbia College Chicago, la Universidad de Kent y el Festival Instrumenta Oaxaca, realizando clases magistrales, seminarios y sesiones de lectura de obras con compositores de distintos países. En 2014, el Cuarteto Q-Arte creó el festival internacional FestiQ-Artetos, un evento bienal con sede en Bogotá en el que profesionales, estudiantes y público general de todo el mundo se dan cita para una agenda de conciertos, talleres y charlas en torno a la música para cuarteto de cuerdas. Igualmente, en el marco del festival se realiza el Concurso Nacional de Composición para Cuartetos de Cuerda, una plataforma que permite dar difusión a la obra de compositores colombianos y generar intercambio entre creadores e intérpretes. El Cuarteto Q-Arte fue nominado en 2017 al Premio a la Innovación en Classical:NEXT en virtud de su trabajo con enfoque transdisciplinar y su interés por la experimentación desde la práctica musical. Futuros proyectos incluyen su asidua aparición en las principales salas de conciertos de Colombia, su colaboración con notables compositores y el desarrollo de programas en diálogo con otras manifestaciones artísticas y culturales. 5 PROGRAMA Suite informal (2013) Bogotango Bossa criolla Cueca altiplánica Bolero capitalino PEDRO SARMIENTO (n. 1977) Para cuarteto de cuerdas Cygnus (2015) Adagio-Andante-Adagio- Andante-Adagio-Moderato JORGE HUMBERTO PINZÓN (n. 1968) Para cuarteto de cuerdas Obra comisionada por el Banco de la República Cuarteto en do mayor (1956) Allegro moderato Scherzo Lento Animado LUIS CARLOS FIGUEROA (n. 1923) Para cuarteto de cuerdas6 SOBRE EL PROGRAMA El cuarteto de cuerdas es una agrupación instrumental que surgió en el periodo clásico y desde entonces ha tenido entre los compositores una popularidad sin igual. Trascendió la era romántica y continuó hasta nuestros días, sirviendo como expresión de diversos cambios en la estética, particularmente los numerosos y drásticos del siglo XX. Otros conjuntos musicales han sobrevivido durante este lapso, casi todos con alteraciones en su instrumentación; sin embargo, la estructura básica de dos violines, una viola y un violonchelo del cuarteto de cuerdas no ha cambiado desde su aparición a mediados del siglo XVIII. Pedro Sarmiento (n. 1977) nació en Cali. Realizó sus estudios de pregrado y maestría en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Suite informal, compuesta en 2013, está dedicada al Cuarteto Q-Arte y fue estrenada en el concierto La música de Pedro Sarmiento, en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República, en 2017. Suite informal es un homenaje a toda la música popular que escuchó el compositor gracias a su madre, que solía poner la radio muy temprano en la mañana mientras alistaba a sus hijos para ir al colegio. «Es un viaje a mi niñez», dice el compositor, y aclara que el título de ‘informal’ sugiere los espacios en los que se puede presentar, por contraste con la formalidad de una sala de concierto. La suite está compuesta por piezas en estilo popular que se relacionan con la vida del compositor, especialmente con sus viajes a Argentina, Brasil y Chile. Jorge Humberto Pinzón (n. 1968), nació en Moniquirá, Boyacá, y estudió en la Escuela Superior de Música de Tunja y en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú. Cuenta el compositor acerca de su referencia a cuerpos celestes: La idea original nació por un cuarteto que me comisionó la facultad de música de [la Universidad Juan N.] Corpas. […] Esa noche llegué a mi casa y miré al cielo buscando a la musa. Recuerdo que lo primero que vi al abrir mi ventana fue la constelación de Orión. En ese momento empezó la idea de desarrollar mi catálogo alrededor de los nombres de las constelaciones y las estrellas. El hecho de imaginarme nuestra relación con el cosmos me atrapó» (Contreras, 2019). Cygnus, comisionada por el Banco de la República y estrenada por el Cuarteto Diotima, el 1° de noviembre de 2016, en Tunja, es descrita por el compositor así:7 Cygnus pertenece al ciclo de las constelaciones, el cual tiene el propósito de simbolizar la magnificencia del universo como creador de vida y movimiento […] Los movimientos se desarrollan dentro de un lenguaje apacible y meditativo oponiéndose a otros movimientos de carácter enérgico, fugaz, jocoso y resplandeciente generando un impulso rítmico de cortas figuraciones heterogéneas que se interconectan en espiral (Ramírez, 2016). Luis Carlos Figueroa (n. 1923) es compositor, pianista y educador, nacido en Cali. Sus inicios en la música ocurrieron en casa de su tía, Angélica Sierra, quien fue como su segunda madre. En esa casa había una pianola que despertó el interés del niño Luis Carlos, quien escuchaba la pianola en acción «y veía cómo las teclas se hundían, al mismo tiempo que sonaba la música». Muy pronto en esa pianola y con la complicidad de su hermano, Luis Carlos «fue tocando e improvisando melodías en forma muy sencilla, desde luego, [pues] tenía solo cuatro años». Posteriormente, ingresó, en 1933, al entonces recién fundado Conservatorio de Cali, en donde por la calidad de su examen obtuvo una beca que mantuvo durante todos sus estudios musicales. Recuerda Figueroa el contacto en el conservatorio con quien sería su mayor influencia y guía: «en materia de piano recibí los maravillosos conocimientos del maestro Antonio María Valencia» (Mesa, 2018). El Cuarteto en do mayor de Figueroa fue compuesto en París y estrenado en Siena, Italia, el 21 de agosto de 1956, en los cursos de verano de la Accademia Musicale Chigiana. El cuarteto refleja una influencia clásica que va desde los nombres de sus movimientos, hasta, por el empleo de la forma sonata y la imitación clásica, con aportes del impresionismo francés, particularmente, en las armonías. Referencias Contreras, I. (2019). Jorge Pinzón, La música del cosmos. Contemporánea. Revista Tempo. Disponible en: https://revistatempo.co Mesa, L. G. (2018). La música de Luis Carlos Figueroa: Charla previa al concierto. Temporada Nacional de Conciertos, Banco de la República. Disponible en: https://youtu.be/PiotyFtZYhE Ramírez, J. (2016). Notas al programa, Cuarteto Diotima. Recorridos por la música de Cámara. Temporada Nacional de Conciertos, Banco de la República.8 Sarmiento, P. (2017). Notas al programa, La música de Pedro Sarmiento. Retratos de un compositor. Temporada Nacional de Conciertos, Banco de la República. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 9 Foto: Cristhian David Sastre Martínez Foto: Cristhian David Sastre Martínez Foto: Cristhian David Sastre Martínez Foto: Cristhian David Sastre Martínez Foto: Cristhian David Sastre Martínez Si no ha visto los recitales pasados de la Temporada Digital de Conciertos, visite el canal de YouTube de Banrepcultural Foto: Ariel Lanyi Recorridos por la música de cámara ARIEL LANYI, piano (Israel) Disponible hasta el viernes 16 de abril de 2021 Foto: Kaupo Kikkas Recorridos por la música de cámara Jóvenes Intérpretes OLIVIER STANKIEWICZ, oboe (Francia) ALASDAIR BEATSON, piano (Reino Unido) Disponible hasta el viernes 23 de abril de 2021 Jóvenes Intérpretes 2020, No. 2 Disponible hasta el sábado 24 de abril de 2021 Música antigua para nuestro tiempo BENJAMIN BAKER, violín (Reino Unido) DANIEL LEBHARDT, piano (Hungría) Disponible hasta el viernes 9 de abril de 2021 Foto: Kaupo Kikkas ÚLTIMOS DÍAS PRÓXIMOS CONCIERTOS Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Foto: Kaupo Kikkas TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Elizabeth Kenny, laúd (Reino Unido) Reiko Ichise, viola da gamba (Japón) Estreno: miércoles 14 de abril • 6:00 p.m. Tabea Debus es considerada una de las artistas jóvenes más prominentes de música antigua. Su carrera incluye giras por Europa, Asia, Estados Unidos y Suramérica. Elizabeth Kenny es una de las principales intérpretes de laúd europeas, quien combina el repertorio tradicional con obras actuales, y Reiko Ichise colabora permanentemente con orquestas y escuelas del Reino Unido. El repertorio de este concierto incluye obras de Bach, Telemann, Monteverdi y otros autores barrocos. Música antigua para nuestro tiempo Suscríbase aquí a nuestras diferentes listas de correos para recibir toda la información acerca de la actividad cultural del Banco de la República. Foto: Kaupo Kikkas BEN GOLDSCHEIDER, corno (Reino Unido) Savitri Grier, violín (Reino Unido) Tom Poster, piano (Reino Unido) Estreno: miércoles 28 de abril • 6:00 p.m. L. v. BEETHOVEN: Sonata para corno, Op. 17. R. SCHUMANN: Adagio y allegro, Op. 70. J. BRAHMS: Trío para corno, Op. 40. Recorridos por la música de cámara Foto: Mariangela Quiroga LA MÚSICA DE JAMES DÍAZ (Colombia) Estreno: miércoles 21 de abril • 6:00 p.m. En este concierto se presentarán algunas de las obras del compositor colombiano James Díaz, beneficiario del programa de estudios en el exterior del Banco de la República y quien actualmente adelanta su carrera entre Nueva York y Filadelfia en Estados Unidos. Díaz ha explorado en su obra las posibilidades de la electroacústica y los medios mixtos, encontrando su inspiración en formas de arte sonoro convencionales, pero también en la arquitectura y la fotografía. Fue ganador del premio de composición de la Orquesta Filarmónica de Bogotá en 2018, ha trabajado como compositor residente para la Orquesta Filarmónica de Medellín e importantes asociaciones de música le han comisionado la escritura de nuevas obras. Retratos de un compositor Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos.

Red Giant (02 min. 50 sec.) / Vargas -- Japanese Pictures (03 min. 18 sec.) / Mixon -- The Oncoming Storm (01 min. 46 sec.) / Rogers -- Lion's Gate (01 min. 57 sec.) / Sheldon -- Highland Legend (04 min. 30 sec.) / Moss -- Skylight (02 min. 09 sec.) / Hodges -- Shadow of the Longship (02 min. 37 sec.) / Rath -- The Red Cape (02 min. 12 sec.) / Meredith -- Mythos (02 min. 25 sec.) / Bernotas -- Contempo (03 min. 29 sec.) / Story -- Serengeti Dreams (02 min. 55 sec.) / Smith -- Redemption (03 min. 05 sec.) / Galante -- Magnolia Star (06 min. 07 sec.) / Danyew -- With Soul Serene (05 min. 53 sec.) / David -- Symphonic Dances: No. 3. Fiesta (07 min. 07 sec.) / Williams -- Undertow (05 min. 11 sec.) / Mackey -- II. Young Molly Bawn (02 min. 29 sec.) / Sheldon -- III. Killyburn Brae (02 min. 37 sec.) / Sheldon -- Variations on a Theme of Robert Schumann (09 min. 39 sec.) / Jager -- Toccata marziale (04 min. 42 sec.) / Vaughan Williams -- Aurora Awakes (11 min. 10 sec.) / Mackey -- Noisy Wheels of Joy (03 min. 34 sec.) / Whitacre -- To Tame the Raging Rapids (03 min. 46 sec.) / Balmages -- Serenade, Op. 2: III. Waltz: Allegro moderato - Poco più mosso - Tempo I (05 min. 57 sec.) / Karłowicz -- Concerto Grosso No. 1: IV. Fugue (06 min. 22 sec.) / Bloch

TABEA DEBUS, flauta dulce Tabea Debus ha sido merecedora de importantes reconocimientos, como el premio de solistas en el Festspiele Mecklenburg-Vorpommern en Alemania, un premio del Concert Artists Guild en Nueva York y obtuvo el primer puesto en el concurso Moeck de la Sociedad de Flautistas de Pico. The Times la describe como una persona dotada de un ‘virtuosismo carismático’. Tabea es frecuentemente demandada como solista, colaboradora, profesora y comunicadora. En 2020, Debus lanzó un disco titulado Ohrwurm para el sello Delphian en colaboración con Young Classical Artists Trust (YCAT). Fue premiada en las Audiciones Internacionales de YCAT de 2018 en Londres. Sus proyectos actuales incluyen el desarrollo de una serie de vídeos de música y marionetas para niños de primaria y la creación de un cuento-juego animado para niños, cuya financiación proviene del Premio a la Innovación 2020 CAG / Richard S. Weinert. En esta temporada, Tabea ofrecerá recitales en Estados Unidos, incluyendo escenarios como el recinto de la Phillips Collection de Washington D.C., y la Morgan Library (Nueva York), así como el ciclo de la Universidad de Chicago. Debus también participará en los festivales de Spoleto (Charleston), Bay Chamber (Maine) y San Francisco Early Music. Asimismo, Debus volverá al Wigmore Hall y al Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, y debutará en la Konzerthaus de Berlín. ELIZABETH KENNY, laúd Elizabeth Kenny tiene una extensa discografía de colaboraciones con conjuntos de cámara de toda Europa y Estados Unidos, incluido el consort de violas da gamba Phantasm. Kenny también ha colaborado con cantantes de la talla de Ian Bostridge, Mark Padmore, Robin Blaze y Nicholas Mulroy. En 2017, el disco Shakespeare Songs, en el que participó con Bostridge, ganó el Grammy al mejor recital vocal en solitario, y ese mismo año Phantasm y Kenny ganaron el premio Gramophone de Música Antigua por su grabación de Lachrime, de John Dowland. Elizabeth Kenny, además, realizó varias grabaciones como solista, aclamadas por la crítica, del libro del laúd de John Sturt, y de canciones de Lawes, Purcell y Dowland. En 2011, Kenny fue una de las tres nominadas a los premios de la Royal Philharmonic Society en la categoría de mejor instrumentista. Su más reciente trabajo como solista, Ars Longa, con el sello Linn Records, fue nominado por la BBC Music Magazine como la mejor grabación de solista instrumental del año 2019. Kenny formó su propio grupo, Theatre of the Ayre, en 2007. Gracias a sus diversas giras, Theatre of the Ayre ha logrado consolidar su reputación como un grupo con un enfoque innovador y de improvisación de la música del siglo XVII. Entre los proyectos de grabación más destacados se encuentran Venus y Adonis de John Blow (Wigmore Live, 2011), The Masque of Moments (Linn, 2017) y 17th Century Playlist, con el tenor Ed Lyon (Delphian). En veinticinco años de giras, Kenny ha actuado con muchos de los mejores grupos de instrumentos de época del mundo; se destacan, entre ellos, las largas temporadas con Les Arts Florissants y la Orchestra of the Age of Enlightenment (OAE). Kenny sigue ideando y dirigiendo programas de inspiración teatral como Le Malade Imaginaire y A Restoration Tempest, para la OAE. Formó parte del equipo de asesores artísticos del Festival de Música Antigua de York, 2011-2014, y volvió a York en 2016 con Theatre of the Ayre como jurado del Premio para Jóvenes Compositores del Centro Nacional de Música Antigua. Ha estrenado obras de James MacMillan, Benjamin Oliver, Heiner Goebbels, Rachel Stott y Nico Muhly. REIKO ICHISE, viola de gamba Reiko Ichise nació en Tokio, donde comenzó su formación musical como pianista. Estudió musicología en la Escuela Superior de Música de Kunitachi, escuela en la que empezó a tocar la viola da gamba, recibiendo clases con Yukimi Kanbe y Tetsuya Nakano. En 1991 llegó a Gran Bretaña para estudiar viola da gamba con Richard Boothby, y fue becaria del Royal College of Music, allí completó sus estudios de postgrado con distinción. Reiko se ha consolidado como una de las principales intérpretes de viola da gamba del Reino Unido; se ha presentado como intérprete de música de cámara, intérprete de orquesta y solista en reconocidas salas de concierto, como el Royal Festival Hall, el Wigmore Hall y la Royal Opera House. Ichise ha trabajado con un gran número de directores y orquestas importantes, como Sir John Eliot Gardiner y los English Baroque Soloists, Sir David Willcocks y la English Chamber Orchestra, Paul McCreesh y el Gabrieli Consort, Kurt Masur y la London Philharmonic Orchestra, y Richard Egarr y la Academy of Ancient Music. Video disponible del miércoles 14 de abril al jueves 13 de mayo de 2021 en el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y en el canal de YouTube de Banrepcultural.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Disponible durante un mes en Concierto digital No. 11 Estreno: miércoles 21 de abril · 6:00 p.m. LA MÚSICA DE JAMES DÍAZ compositor (Colombia) Foto: Mariangela Quiroga RETRATOS DE UN COMPOSITOR TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. Recuerde: los conciertos estarán disponibles en estos canales durante un mes contado a partir de su fecha de estreno ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras algunos meses de trabajo y muchas reflexiones y discusiones, durante el segundo semestre de 2020, la música de algunos jóvenes intérpretes, músicos de diferentes partes del país, del Cuarteto Arianna de Estados Unidos y del Cuarteto Q-Arte de Colombia pudo ser presentada en una programación digital creada por el Banco de la República. Este proceso, lleno de novedades y aprendizajes, ha seguido desarrollándose y evolucionando para construir sobre lo construido y seguir haciendo el trabajo de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República presenta la primera parte de su temporada digital de conciertos de 2021, la cual presentará un concierto semanal desde febrero hasta junio y que incluirá las actuaciones de artistas nacionales e internacionales grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube y bajo el perfil Sala de Conciertos Luis Ángel Arango en Facebook. Los conciertos saldrán al aire los miércoles a las 6:00 p.m. y estarán disponibles durante un mes contado a partir de la fecha de lanzamiento de cada uno. Entre los artistas que harán parte de esta temporada digital estarán los ensambles vocales Theatre of Voices y Discantus, el pianista Mauricio Arias, el guitarrista Edwin Guevara, la soprano Betty Garcés y la cantante de jazz Sofia Ribeiro. Adicionalmente, haciendo uso de las nuevas tecnologías y en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público, pero también para tratar de conquistar nuevas audiencias, continuaremos en 2021 publicando nuestro podcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El podcast puede ser escuchado 2 en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados que explican el sentido de cada selección. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos – como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Hacen falta los abrazos, hacen falta las conversaciones alrededor de una mesa, hace falta compartir con desconocidos la calurosa sensación de escuchar a un ensamble en vivo. Pero, mientras tanto, tendremos que seguir aportando nuestro mejor esfuerzo, nuestra mayor paciencia y seguir encontrando maneras de sentirnos juntos, compartiendo historias, recomendándonos libros, películas, artículos de prensa, recetas y, desde luego, conciertos. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. Ofrecemos esta temporada de conciertos digitales a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en3 SOBRE EL COMPOSITOR James Díaz, compositor James Díaz adelanta su carrera musical entre Nueva York y Filadelfia, en los Estados Unidos. Interesado en las posibilidades de los medios mixtos y la electroacústica, Dïaz ha encontrado su inspiración en el concepto de ‘psicodelia’, pero también en la abstracción de otras formas de creación, como la arquitectura, el diseño gráfico y la fotografía. En 2019, James Díaz se desempeñó como compositor residente de la Orquesta Filarmónica de Medellín, agrupación para la cual escribió su obra RETRO, para orquesta y electrónica. Asimismo, otros proyectos recientes incluyen su obra Detrás de un muro de ilusiones, para la Orchestra of St. Luke’s. James Díaz fue ganador del Premio Nacional de Música en 2015 por su concierto para trio de percusión y orquesta, Luces de Saturno. Otros reconocimientos incluyen el Premio de Composición Ciudad de Bogotá 2018 de la Orquesta Filarmónica de Bogotá - OFB, por su obra Frack[in]g; Premio Nacional de Composición para la reapertura del Teatro Colón por Eclosión, obra estrenada por la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia - OSNC, en 2014; Premio Nacional de Composición para la Jornada 40x40 de la OFB, en 2015; Premio de Composición del Festival Internacional de Campos do Jordão por su cuarteto de cuerdas Dinámicas de un meteorito, en 2013; XV Premio de Composición: Ciudad de Bogotá de la OFB por su obra Cortinas de hierros, en 2012; Segundo lugar y mención especial en el Manhattan Prize 2017; y Mención de Honor del Premio Latinoamericano de Composición Piero Bastianelli 2016. Díaz ha sido seleccionado cuatro veces por la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en su programa Plataforma 28, dónde sus obras REFERENCIA, Catarsis, Reflejos de un cielo radioactivo y Espejos en el vacío fueron interpretadas. Sus obras han sido interpretadas, comisionadas, grabadas e inclusive galardonadas por diferentes grupos, ensambles, orquestas e instituciones. Ha trabajado como compositor en residencia en varias oportunidades, más recientemente para la Orquesta Filarmónica de Medellín. Es cofundador Foto: Mariangela Quiroga4 del Colectivo de Compositores Colombianos C3. Su música de cámara es publicada por Schott PSNY. Actualmente, Díaz adelanta su PhD en composición en la Universidad de Pensilvania mediante la beca Benjamin Franklin, en donde estudia con Anna Weesner y James Prismotch. Como beneficiario del programa de Jóvenes Talentos del Banco de la Republica, obtuvo su título de maestría en composición en la Manhattan School of Music en Nueva York, estudiando con Reiko Fueting y recibiendo el Nicolas Flagello Award y el Saul Braverman Award por logros sobresalientes en teoría musical y composición, respectivamente. Inicialmente, James estudió composición con Moisès Bertran, Harold Vásquez y orquestación con Gustavo Parra en el conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia obteniendo grado de honor, en 2015. Ha tomado clases magistrales con Kate Soper, Aaron Jay Kernis, Gabriela Lena Frank, Chen Yi, Derek Bermel, Kalevi Aho, Lewis Nielson y Anna Clyne, entre otros maestros. Conozca más acerca del compositor James Díaz 5 SOBRE LOS INTÉRPRETES Tyler Neidermayer, clarinete Tyler Neidermayer es un clarinetista experimental, compositor de música electroacústica e ingeniero de sonido radicado en la ciudad de Nueva York. Frecuentemente colabora con otros compositores en la creación de nuevas obras que exploran los extremos instrumentales del clarinete. Su obras más recientes redimensionan la concepción de ‘instrumentos con electrónica’ en ‘instrumentos como electrónica’, esto mediante la manipulación instrumental para la creación de timbres complejos y ambientes sonoros de larga escala. Neidermayer ha producido grabaciones y conciertos digitales para InfraSound, Mirror Visions Ensemble, Sound Off: Music for Bail y Triceratops, su trío improvisatorio. Ha participado en grabaciones con el cantante y compositor de canciones Dovian Berube y en varios festivales, incluidos el Interference Series; el NYU Pulsing & Shaking Macro, en 2020; el Nief-Norf Summer Music, en 2019; el Oh My Ears! New Music, en 2017, y en la Chamber Music Society del Lincoln Center, con la soprano Shannyn Rinker. Foto: Anna Yatskevich6 Carolina Diazgranados, violonchelo Carolina Diazgranados es una violonchelista multifacética cuyas actividades se alternan entre la música orquestal, la música de cámara y la música para solista, y que se ha presentado en escenarios como el Mann Center, el Curtis Institute of Music, el Keswick Theater, el Fillmore y el Verizon Hall. Es la cofundadora de Bismuth Quartet, agrupación emergente que explora las posibilidades del cuarteto de cuerdas mediante un repertorio diverso y a través de colaboraciones con diferentes artistas, como Caroline Shaw, Jazmine Sullivan, Clap your Hands and Say Yeah, Whitney y Japanese Breakfast. Integrante de Arcana New Music Ensemble de Filadelfia, su interés musical intenta desafiar tanto los límites de la música del siglo xxi como las expectativas de la audiencia. Diazgranados es graduada de Temple University y University of Georgia, y trabaja como artista educadora para el Play on Philly, un sistema educativo inspirado en El Sistema de Venezuela. Foto: Ben Tran7 Julia Jung Un Suh, violín Julia Jung Un Suh es una violinista y proactiva artista de Corea del Sur, enfocada en el arte contemporáneo multidisciplinar. Colabora activamente con compositores y artistas sonoros y visuales y ha grabado música para varios proyectos audiovisuales. Forma parte de Quartet121, cuarteto de cuerdas radicado en Nueva York, que se especializa en el estreno de nuevas obras. Julia Jung Un Suh tiene una maestría en violín contemporáneo de la Manhattan School of Music y un diploma del conservatorio de San Francisco, donde estudió bajo la tutoría de Ian Swensen. Asimismo, es egresada del Oberlin Conservatory, donde estudió con Milan Vitek. Julia disfruta escuchar varios tipos de música electrónica, gusta de la pintura y la natación y, durante su tiempo libre, encuentra inspiración en la contemplación de la naturaleza y sus complejidades. Foto: Michael Yu8 Quartet121, cuarteto de cuerdas Quartet121 es un cuarteto de cuerdas radicado en la ciudad de Nueva York, especializado en el repertorio contemporáneo. Sus integrantes, Molly Germer (violín), Julia Jung Un Suh (violín), Lena Vidulich (viola) y Thea Mesirow (violonchelo), se conocieron durante sus estudios de maestría en música contemporánea de Manhattan School of Music. En su primera temporada oficial se presentaron en el Tenri Cultural Institute, la Manhattan School of Music, el Central Park Summerstage y el Brooklyn Steel, entre otros escenarios. Han ofrecido talleres para jóvenes compositores en la Universidad de Columbia y participado en el festival de cuartetos de cuerdas del Banff Centre: Evolution, en Canadá. Quartet121 recibe apoyo de la fundación Alice M. Ditson y fue beneficiario de la beca Chamber Music America’s Ensemble Forward Grant, apoyado por el New York Community Trust, reconocimiento que les permitió interpretar nuevo repertorio bajo la mentoría del renombrado cuarteto Mivos Quartet, en 2020. Foto: Michael Yu9 JAMES ANDREI DÍAZ ACOSTA (n. 1990) INFRAESTRUCTURAS (2016-2017) I II III IV Para cuarteto de cuerdas Una canción (2018) Para violín y electrónica en tiempos de voz pasiva (2019) Para violonchelo I [am] not (2019) I. Sobre todo II. Mi hermanastro es un didyeridú III. Soñé que era un redoblante IV. No quiero ser soprano V. Seguir mintiendo: eres una guitarra eléctrica VI. I [am] not Para clarinete bajo y electrónica PROGRAMA10 SOBRE EL PROGRAMA Por Rodolfo Acosta R. El presente programa combina características de dos tipos de concierto: por una parte, es un concierto monográfico del compositor James Díaz (n. 1990), y por otra, es muestra de su trabajo como becario del Banco de la República. Esto explica el hecho —atípico para un monográfico— de que las piezas sean cronológicamente tan comprimidas, pues todas fueron compuestas en tan solo cuatro años. Esta cercanía temporal y el hecho de que tres de las obras son para el mismo tipo de instrumento —arcos o cuerdas frotadas— lleva a otra cuestión infrecuente, que es el gran parecido que puede haber entre ellas. Creo que esta situación puede tomarse como una oportunidad para contemplar el proceso de consolidación de un estilo, teniendo en cuenta que el compositor se acerca a los treinta años y que, como suele considerarse, a esa edad se llega a una primera madurez. El cuarteto de cuerdas INFRAESTRUCTURAS data de 2016 y es la pieza más temprana de este programa. La música comienza con un dramático gesto introductorio que inmediatamente revela la scordatura1 de los instrumentos y la escritura microtonal2 por la cual ha optado el compositor. A partir de aquí se presentan tres ideas que reaparecerán para dar coherencia al discurso: estructuras repetitivas en los violines sobre comportamientos contrastantes en viola y violonchelo, agresivos gestos rítmicos con glissandi3 ascendentes, y tejidos repetitivos de armónicos. El segundo movimiento contrasta la tendencia episódica del primero con una textura compacta que se mece en un aparente bucle, gradualmente articulado desde su interior por arcadas en jeté4 y por glissandi. La masa sonora característica comienza muy lentamente y se acelera, para luego desacelerarse hasta llegar a una sonoridad —marcada leggero— de carácter flotante, con giros melódicos repetitivos e independientes, que se distribuyen entre los cuatro instrumentos. El tercer movimiento retoma el 1 Se utiliza el término italiano scordatura para subrayar que un compositor ha cambiado la afinación tradicional de un instrumento dado. En este caso, el cambio hace que los instrumentos suenen un poco más graves, pero, sobre todo, incrementa notablemente las posibilidades de sonidos armónicos naturales. 2 Microtonal se refiere al uso de intervalos de altura menores al semitono, en este caso incorporando cuartos de tono. 3 El término —también italiano— glissando (glissandi es su plural) describe cambios continuos de altura; esto contrasta, por ejemplo, con una escala, cuyos cambios son discontinuos. 4 El término francés jeté rotula un golpe de arco ‘rebotante’, de sonido muy característico.11 carácter del gesto dramático introductorio, pero construye paredes de sonido en trémolo que se mueven en oleadas dinámicas (es decir, de ‘volumen’) hasta llegar al clímax en un material intenso de máxima densidad e ímpetu, y de allí descender de regreso a las texturas tremoladas. El movimiento final está construido a partir de una recopilación de materiales característicos de los anteriores, comenzando con tres del movimiento inicial, pasando a aquel del clímax del tercero y mutando hacia el leggero del segundo, espacio sonoro que gira lánguidamente hasta el repentino silencio final. Así como el último movimiento de INFRASTRUCTURES retoma ideas de movimientos previos, las piezas para violín y violonchelo solistas también parecen recurrir al cuarteto a manera de cantera de materiales compositivos. A pesar de que solo han pasado algunos años desde la composición de esta obra, da la sensación de que el compositor se siente más seguro de su técnica y de sus inquietudes estéticas. Esto parece llevarlo a necesitar menos materiales, lo cual le permite concentrar más sus esfuerzos y ahondar en espacios de exploración de mayor contundencia. En estas piezas, Díaz enfrenta la dificultad de la reducción a un único instrumento (la mayoría de los compositores parecemos coincidir en que es más difícil escribir para un instrumento solo que para un grupo de cámara) y propone el uso de electrónica e inserciones para resolver el reto. En cuanto al primer recurso, la electrónica que utiliza Díaz es de dos características: por una parte, presenta materiales pregrabados que tienden a mezclarse con el instrumento solista de manera homogénea, y por otra, da un tratamiento electrónico en vivo del sonido del instrumento, lo cual crea un puente directo con el soporte fijo. El segundo recurso —las inserciones— plantea un material que debe ser repetido en bucle, pero que es complementado con gestos a ser insertados espontáneamente por el solista en cualquier momento dentro de los ciclos repetitivos. Una canción, de 2018, es una pieza para violín amplificado con electrónica, que explora extensamente el mágico mundo de los armónicos, recordándonos la escritura solista de Mario Lavista o Kaija Saariaho. No obstante, la pieza toma rumbos muy personales, sobre todo a medida que el discurso cobra mayor intensidad y se le da un rol más activo a la electrónica. Una característica que predomina en la pieza es la amplia elaboración de elementos repetitivos, que le dan un cierto sabor improvisatorio a su discurso. Tras los armónicos iniciales, el espacio sonoro parece comprimirse, llevando a una indagación casi obsesiva de los unísonos. De allí, el glissando surge como un gemido recurrente antes de que una nueva compresión lleve a la creación y exploración 12 de batimientos5 que dialogan con deliciosas distorsiones en la electrónica. Eventualmente, los materiales del inicio regresan, aunque sea de manera sutil, disipándose de forma gradual en recuerdos de gestos que paulatinamente se despojan de su vestimenta electrónica, para terminar en la dulce intimidad del sonido natural del violín. en tiempos de voz pasiva, para violonchelo amplificado, fue compuesta en 2019 y, como se ha sugerido antes, no debe sorprendernos el que Díaz recurra a muchos de los recursos técnicos de las piezas anteriores: scordatura, trémolos con armónicos, cuartos de tono, el uso estructural de gestos repetitivos, etc. En esta pieza, el timbre del instrumento es transformado en tres etapas, comenzando con el uso constante de sordina de estudio, siguiendo con la amplificación del violonchelo y, más adelante, con la adición permanente de reverberación. Otra característica destacable es la relación dialéctica que se establece entre repetición y variación, la cual cobra un rol fundamental en esta obra. Así, casi todos los giros melódico-tímbricos de la pieza nos dan la oportunidad de conocerlos y reconocerlos, sea por repeticiones inmediatas o pospuestas, pero nunca estáticas. La variedad en el discurso se crea recurriendo a cambios dinámicos o de tempo para repeticiones melódicas, así como a un amplio uso de las inserciones ya descritas, técnica de escritura de la cual esta pieza es el más rico ejemplo. Al igual que en las obras anteriores, la técnica instrumental parece ser el punto de partida para el lenguaje compositivo, y en este caso hay algunos recursos nuevos que enriquecen aun más la paleta tímbrica del compositor, tales como el spazzolato, la arcada circular6, etc. Lo importante y que debe tenerse en cuenta es que en ningún caso estamos hablando de meros ‘efectos’. Lo que encontramos es que estos elementos tímbricos son el material mismo con el que un compositor como Díaz construye un campo sintáctico y, dentro de él, crea y desarrolla los discursos particulares de sus obras. La última pieza del programa, I [am] not (No soy) presenta el principal contraste dentro del concierto, dada su instrumentación: clarinete bajo y electrónica. Teniendo en cuenta lo dicho anteriormente acerca de la profunda relación entre técnica instrumental, timbre y sintaxis, esto significa que los elementos constitutivos con los que trabaja el compositor son, de entrada, 5 Dos alturas generan otros sonidos o ‘frecuencias de combinación’, por la suma y resta de sus frecuencias; cuando una frecuencia ‘diferencial’ es muy grave, ya no la percibimos como una altura, sino como un batimiento. 6 Dos tipos de arcadas de uso frecuente en música contemporánea son el spazzolato o la frotación longitudinal (no transversal) de la cuerda, y la ‘arcada circular’ o cambio cíclico de la posición del arco sobre la cuerda, alternando continuamente entre sul tasto y sul ponticello.13 diferentes, y así mismo lo será la obra resultante. En términos de su forma, la pieza también es muy diferente a las demás, ya que plantea una seguidilla de breves movimientos tocados prácticamente sin pausa, pero muy diferenciados en sus respectivos caracteres. El primer movimiento, Sobre todo, se caracteriza por amplios giros melódicos articulados internamente por trémolos armónicos y microtonales, que recuerdan algo de la escritura para vientos de Salvatore Sciarrino. La aparición de distorsiones por sobresoplido, la realización simultánea de voz cantada y ejecución instrumental, y la irrupción de sonidos de aire van fragmentando la línea, mientras que la electrónica, con su tendencia envolvente, intenta mantener la textura. El segundo movimiento, Mi hermanastro es un didyeridú, retoma las típicas estructuras repetitivas con inserciones, mientras que obviamente imita el instrumento aborigen australiano mencionado en el título. El tercero, Soñé que era un redoblante, se concentra en los sonidos de aire que aparecieron al final de Sobre todo y los elabora abandonando casi por completo las alturas determinadas. A su vez, el cuarto, No quiero ser soprano, regresa a las alturas para explorar los extremos registrales del instrumento, en particular su sobreagudo, como lo sugiere el título. El penúltimo movimiento, Sigue mintiendo: eres una guitarra eléctrica, se concentra en uno de los recursos más apreciados del clarinete bajo: su facilidad para producir multifónicos7. Con esta técnica genera densas e intensas texturas que podrían hacer referencia a la guitarra eléctrica. Más epílogo que movimiento independiente, el brevísimo I [am] not (No soy) utiliza un único multifónico repetitivo en la electrónica para, sobre él, buscar un reposo paulatino para el instrumento. Rodolfo Acosta R. es un compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libros, enciclopedias, revistas (físicas y virtuales) y programas de mano. 7 Con la técnica de multifónicos, un solo instrumentista puede producir varios sonidos simultáneos en los aerófonos de madera (flautas, oboes, clarinetes, etc.). Más que una especie de acorde, el resultado tiende a ser un complejo sonoro.14 Foto: Cristhian David Sastre Martínez Foto: Cristhian David Sastre Martínez Foto: Cristhian David Sastre Martínez Foto: Cristhian David Sastre Martínez Foto: Cristhian David Sastre Martínez Si no ha visto los recitales pasados de la Temporada Digital de Conciertos, visite el canal de YouTube de Banrepcultural Foto: Kaupo Kikkas Recorridos por la música de cámara OLIVIER STANKIEWICZ, oboe (Francia) ALASDAIR BEATSON, piano (Reino Unido) Disponible hasta el viernes 23 de abril de 2021 Foto: Kaupo Kikkas Foto: Fundación Juan March Música antigua para nuestro tiempo Música antigua para nuestro tiempo TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemandia) Disponible hasta el jueves 13 de mayo de 2021 DISCANTUS, música antigua (Francia) Disponible hasta el viernes 30 de abril de 2021 Jóvenes Intérpretes Jóvenes Intérpretes 2020, No. 2 Disponible hasta el sábado 24 de abril de 2021 ÚLTIMOS DÍAS 15 PRÓXIMOS CONCIERTOS Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Foto: Justin Leez Foto: Kaupo Kikkas CUARTETO ARIANNA, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos)* Estreno: miércoles 5 de mayo • 6:00 p.m. Conformado en 1992, el Cuarteto Arianna ha sido merecedor de importantes reconocimientos, como el Gran Premio en el Concurso Nacional de Música de Cámara Fischoff, el Primer Premio en los Concursos de Música de Cámara Coleman y Carmel, y fue laureado en el Concurso Internacional de Cuarteto de Cuerdas de Burdeos. En este concierto digital, el ensamble interpreta el Cuarteto de cuerdas, Op. 12 de Felix Mendelssohn y el Cuarteto de cuerdas, Op. 27 de Edvard Grieg. BEN GOLDSCHEIDER, corno (Reino Unido) Savitri Grier, violín (Reino Unido) Tom Poster, piano (Reino Unido) Estreno: miércoles 28 de abril • 6:00 p.m. L. v. BEETHOVEN: Sonata para corno, Op. 17. R. SCHUMANN: Adagio y allegro, Op. 70. J. BRAHMS: Trío para corno, Op. 40. Recorridos por la música de cámara Recorridos por la música de cámara * Concierto emitido originalmente en 2020. 16 Foto: Dan Kullman CUARTETO SPEKTRAL, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Estreno: miércoles 19 de mayo • 6:00 p.m. La versatilidad es la característica más notable del Cuarteto Spektral, una agrupación proveniente de Chicago que se ha destacado por presentar obras del repertorio tradicional y otras escritas ‘en esta década, este año o esta semana’. Dos veces nominados a los premios Grammy, Spektral no teme a los riesgos, no solo ofreciendo conciertos con repertorios tan contrastantes que podrían pasar por desarticulados, sino también rompiendo tradiciones como el frío escenario elegante para acercarse a públicos diversos y sacando de contexto su música para situarla junto a otras expresiones de la cultura como la arquitectura y la gastronomía. En este concierto virtual interpretarán O Magnum Mysterium, de Tomás Luis de Victoria, el Cuarteto de cuerdas No. 1 de Eliza Brown, y Enigma de Anna Thorvaldsdottir. Recorridos por la música de cámara Foto: Kaupo Kikkas JAMAL ALIYEV, violonchelo (Turquía) WILLIAM FIELDING, piano (Reino Unido) Estreno: miércoles 12 de mayo • 6:00 p.m. F. CHOPIN: Introducción y polonesa brillante, Op. 3. D. POPPER: Rapsodia húngara, Op. 68. J. MASSENET: Meditación de Thaïs. C. FRANCK: Sonata en la mayor, , FWV 8. Recorridos por la música de cámara Suscríbase aquí a nuestras diferentes listas de correos para recibir toda la información acerca de la actividad cultural del Banco de la República. Foto: Herley Aguirre MAURICIO ARIAS, piano (Colombia) Estreno: miércoles 26 de mayo • 6:00 p.m. Mauricio Arias adelanta una exitosa carrera musical como pianista, compositor e improvisador, dentro y fuera de Colombia. Ha sido galardonado en varios concursos y festivales y concentra parte de su trabajo en dar a conocer la obra de compositores contemporáneos colombianos. En este concierto interpretará una obra de su autoría y piezas de Jaime León, Ian Frederick y Germán Darío Pérez. Recorridos por la música de cámara Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos.

James Díaz adelanta su carrera musical entre Nueva York y Filadelfia, en los Estados Unidos. Interesado en las posibilidades de los medios mixtos y la electroacústica, Dïaz ha encontrado su inspiración en el concepto de ‘psicodelia’, pero también en la abstracción de otras formas de creación, como la arquitectura, el diseño gráfico y la fotografía. En 2019, James Díaz se desempeñó como compositor residente de la Orquesta Filarmónica de Medellín, agrupación para la cual escribió su obra RETRO, para orquesta y electrónica. Asimismo, otros proyectos recientes incluyen su obra Detrás de un muro de ilusiones, para la Orchestra of St. Luke’s. James Díaz fue ganador del Premio Nacional de Música en 2015 por su concierto para trio de percusión y orquesta, Luces de Saturno. Otros reconocimientos incluyen el Premio de Composición Ciudad de Bogotá 2018 de la Orquesta Filarmónica de Bogotá - OFB, por su obra Frack[in]g; Premio Nacional de Composición para la reapertura del Teatro Colón por Eclosión, obra estrenada por la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia - OSNC, en 2014; Premio Nacional de Composición para la Jornada 40x40 de la OFB, en 2015; Premio de Composición del Festival Internacional de Campos do Jordão por su cuarteto de cuerdas Dinámicas de un meteorito, en 2013; XV Premio de Composición: Ciudad de Bogotá de la OFB por su obra Cortinas de hierros, en 2012; Segundo lugar y mención especial en el Manhattan Prize 2017; y Mención de Honor del Premio Latinoamericano de Composición Piero Bastianelli 2016. Díaz ha sido seleccionado cuatro veces por la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en su programa Plataforma 28, dónde sus obras REFERENCIA, Catarsis, Reflejos de un cielo radioactivo y Espejos en el vacío fueron interpretadas. Sus obras han sido interpretadas, comisionadas, grabadas e inclusive galardonadas por diferentes grupos, ensambles, orquestas e instituciones. Ha trabajado como compositor en residencia en varias oportunidades, más recientemente para la Orquesta Filarmónica de Medellín. Es cofundador del Colectivo de Compositores Colombianos C3. Su música de cámara es publicada por Schott PSNY. Actualmente, Díaz adelanta su PhD en composición en la Universidad de Pensilvania mediante la beca Benjamin Franklin, en donde estudia con Anna Weesner y James Prismotch. Como beneficiario del programa de Jóvenes Talentos del Banco de la Republica, obtuvo su título de maestría en composición en la Manhattan School of Music en Nueva York, estudiando con Reiko Fueting y recibiendo el Nicolas Flagello Award y el Saul Braverman Award por logros sobresalientes en teoría musical y composición, respectivamente. Inicialmente, James estudió composición con Moisès Bertran, Harold Vásquez y orquestación con Gustavo Parra en el conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia obteniendo grado de honor, en 2015. Ha tomado clases magistrales con Kate Soper, Aaron Jay Kernis, Gabriela Lena Frank, Chen Yi, Derek Bermel, Kalevi Aho, Lewis Nielson y Anna Clyne, entre otros maestros. Video disponible del miércoles 21 de abril al jueves 20 de mayo de 2021 en el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y en el canal de YouTube de Banrepcultural.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Disponible durante un mes en Concierto digital No. 13 Estreno: miércoles 5 de mayo · 6:00 p.m. CUARTETO ARIANNA cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Foto: Justin Lee RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. Recuerde: los conciertos estarán disponibles en estos canales durante un mes contado a partir de su fecha de estreno ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras algunos meses de trabajo y muchas reflexiones y discusiones, durante el segundo semestre de 2020, la música de algunos jóvenes intérpretes, músicos de diferentes partes del país, del Cuarteto Arianna de Estados Unidos y del Cuarteto Q-Arte de Colombia pudo ser presentada en una programación digital creada por el Banco de la República. Este proceso, lleno de novedades y aprendizajes, ha seguido desarrollándose y evolucionando para construir sobre lo construido y seguir haciendo el trabajo de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República presenta la primera parte de su temporada digital de conciertos de 2021, la cual presentará un concierto semanal desde febrero hasta junio y que incluirá las actuaciones de artistas nacionales e internacionales grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube y bajo el perfil Sala de Conciertos Luis Ángel Arango en Facebook. Los conciertos saldrán al aire los miércoles a las 6:00 p.m. y estarán disponibles durante un mes contado a partir de la fecha de lanzamiento de cada uno. Entre los artistas que harán parte de esta temporada digital estarán los ensambles vocales Theatre of Voices y Discantus, el pianista Mauricio Arias, el guitarrista Edwin Guevara, la soprano Betty Garcés y la cantante de jazz Sofia Ribeiro. Adicionalmente, haciendo uso de las nuevas tecnologías y en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público, pero también para tratar de conquistar nuevas audiencias, continuaremos en 2021 publicando nuestro podcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El podcast puede ser escuchado 2 en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados que explican el sentido de cada selección. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos – como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Hacen falta los abrazos, hacen falta las conversaciones alrededor de una mesa, hace falta compartir con desconocidos la calurosa sensación de escuchar a un ensamble en vivo. Pero, mientras tanto, tendremos que seguir aportando nuestro mejor esfuerzo, nuestra mayor paciencia y seguir encontrando maneras de sentirnos juntos, compartiendo historias, recomendándonos libros, películas, artículos de prensa, recetas y, desde luego, conciertos. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. Ofrecemos esta temporada de conciertos digitales a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en3 SOBRE EL ENSAMBLE Aclamado por su excepcional musicalidad, el Cuarteto Arianna se ha establecido firmemente como uno de los mejores conjuntos de cámara de los Estados Unidos. Sus presentaciones han sido elogiadas por «la calidez tonal, el equilibrio meticuloso... la vitalidad expresiva» (Chicago Tribune) y «la dedicación emotiva y el virtuosismo fluido» (Pretoria News, Sudáfrica). Formado en 1992, la agrupación despertó la atención estadounidense al ganar el Gran Premio en el Concurso Nacional de Música de Cámara de Fischoff y el Primer Puesto en los Concursos de Música de Cámara de Coleman y Carmel; también fue galardonado en el Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerda de Burdeos. El Cuarteto Arianna se ha presentado en Norteamérica, Suramérica, Europa y Asia, con frecuentes visitas a Brasil y Sudáfrica. Ha colaborado con muchos de los más reconocidos músicos del mundo, incluidos los miembros de los cuartetos Vermeer, Tokio, Cleveland y Juilliard, y sus presentaciones en directo se han escuchado en las emisiones Performance Today y Live from Music Mountain de la Radio Nacional Pública, que transmite a 125 emisoras de los Estados Unidos y a otros 35 países. El Cuarteto Arianna ha grabado para Albany Records y Urtext Digital Classics, y tiene un contrato a largo plazo con Centaur Records. Además de su aclamada grabación de los dos cuartetos de cuerda de Janáček, el ensamble también publicó recientemente grabaciones de los cuartetos de los periodos tempranos y medios de Beethoven. Desde el año 2000, los miembros del Cuarteto Arianna son profesores de cuerda de tiempo completo en la Universidad de Misuri-San Luis (UMSL) y entrenan a ensambles de estudiantes de música de cámara. En el campus de la universidad, el Cuarteto Arianna enriquece la experiencia académica de los estudiantes, visitando clases de física, negocios, historia, filosofía, arte y lenguaje para demostrar activamente las conexiones interdisciplinarias entre la música y estas áreas. En la comunidad, los integrantes del cuarteto son Foto: Justin Lee 4 embajadores de la UMSL, pues dictan alrededor de 40 clínicas de música en promedio cada año para escuelas secundarias en todo Misuri y los estados circundantes; transmiten una serie de presentaciones y conferencias en la emisora KWMU llamadas First Mondays with the ASQ, y mantienen una presencia nacional e internacional como educadores y artistas. En su última temporada, el Cuarteto Arianna se ha adaptado a una nueva vida de conciertos virtuales. Su festival anual, realizado en junio de 2020 en San Luis y conocido como el Festival de Música de Cámara Arianna, se llevó a cabo en línea este año y acogió a casi 200 músicos de todo el mundo. El Cuarteto Arianna espera completar su grabación de los últimos cuartetos de cuerda de Beethoven para Centaur Records. Conozca más acerca del ensamble Cuarteto Arianna 5 Cuarteto de cuerdas No.1, Op. 12 (1829) Adagio non troppo – Allegro non tardante Canzonetta. Allegretto Andante espressivo Molto allegro e vivace FELIX MENDELSSOHN (1809-1847) Cuarteto de cuerdas No. 1, Op. 27 (1877-1878) I II III IV EDVARD GRIEG (1843-1907) PROGRAMA6 SOBRE EL PROGRAMA Felix Mendelssohn (1809-1847) se inició en la composición a una edad temprana. Fue un niño prodigio nacido en una acomodada familia alemana de ascendencia judía, que se desenvolvió en un ambiente cultivado e intelectual. Recibió junto con sus hermanos una estricta educación no solo en música, sino en artes, literatura, humanidades y ciencias. Por influencia de sus maestros, se interesó desde muy joven en la obra de Johann Sebastian Bach (en especial, en su obra para teclado) y en los cuartetos de cuerda de Haydn y Mozart —los dos más grandes referentes de su tiempo, a quienes empezó a estudiar desde los once años—1. Su estilo fue calificado como conservador por músicos como Wagner, Liszt y Berlioz, pero a pesar de ser considerado por algunos como «el más clásico de los románticos», Mendelssohn gozó de prestigio entre los compositores de su tiempo y sus obras tuvieron éxito en Alemania e Inglaterra, donde recibió el favor de la realeza. Su Cuarteto de cuerdas No. 1, Op. 12 es el tercero de sus seis cuartetos de cuerda2 y fue escrito durante su primer viaje a Inglaterra en 1829. En aquella época, los cuartetos de cuerda de Beethoven eran considerados la cúspide de la forma, y para Mendelssohn este opus fue la ocasión de conmemorar al maestro muerto dos años antes. Mendelssohn tomó elementos del Cuarteto No. 10, Op. 74 de Beethoven para su opus 12 - por ejemplo, el inicio del primer movimiento, Adagio non troppo- Allegro non tardante. El carácter de este movimiento alterna entre lo apacible y lo dramático. El segundo movimiento, Canzonetta, Allegretto es el más conocido de los cuatro. Comienza con un primer tema scherzo con un golpe de arco corto y preciso que se abre sobre un segundo tema ágil y virtuoso. El tercer movimiento, Andante espressivo, es el más corto y lírico de todos, tiene la fuerza dramática operática de un aria. El último movimiento, Molto allegro e vivace, es enérgico y vivaz. Retoma elementos 1 Además de ser un excelente pianista, tocaba con destreza el violín y la viola. 2 Que de hecho es posterior al opus 13, escrito en 1827.7 temáticos de cada uno de los movimientos anteriores, creando una sensación de déjà vu musical. Esto es muy importante en la escritura de Mendelssohn, en la que son frecuentes los patrones cíclicos, presentes principalmente en su música de cámara y sinfónica. Las revoluciones sociales de la segunda mitad del siglo XIX influenciaron a los músicos de la generación posterior a Mendelssohn, entre ellos Edvard Grieg (1843-1907), quien fue uno de los principales representantes del nacionalismo noruego3. Grieg fue un reconocido pianista y compositor. Estudió en el conservatorio de Leipzig (fundado por Mendelssohn), donde recibió la influencia de los grandes representantes del Romanticismo. Uno de los encuentros más decisivos de su vida fue con su compatriota Rikard Nordraak (1842-1866), quien lo animó al estudio de la música nacionalista noruega. Con él fundó una sociedad musical para dar a conocer la música nacional escandinava (1871). La obra de Grieg no es muy extensa. Compuso algunas obras para piano, música incidental (la más famosa para el drama Peer Gynt), música de cámara, una sonata, un concierto, y algunas obras para voz y piano. Su Cuarteto de cuerdas No. 1, Op. 27, compuesto entre 1877 y 1878, es el segundo de los tres que escribió y el único que sobrevivió (el primero está perdido y el tercero inconcluso). En este cuarteto, Grieg retoma la melodía de su lied Spillemænd (Juglar) (No. 1 del ciclo de canciones Seis poemas de Henrik Ibsen, Op. 25) en cada uno de los cuatro movimientos. En el primero, los grandes acordes brillantes y rítmicos contrastan con la fina melodía con aires de nostalgia que se intercala entre ellos. Este es un ejemplo de escritura impresionista más que romántica que se anticipa al trabajo de Claude Debussy. El segundo movimiento comienza con una suave melodía a modo de vals interrumpida por secciones sombrías. El tercero es el que más alusiones folclóricas incorpora. Y el último es animado, virtuoso y expresivo. Este cuarteto está lleno de texturas y efectos impresionistas. Su escritura se acerca más al lenguaje orquestal que al de la música de cámara. 3 Dichas revoluciones condujeron a la búsqueda de la identidad nacional en muchos países, rescatando el folclor y las tradiciones musicales e incorporándolos a la música académica. Algunos ejemplos se encuentran en las obras de Jean Sibelius, Frederick Chopin, Béla Bartók, entre otros.8 Referencias Widstein G., R. (2008). Romantic Irony in the String Quartets of Felix Mendelssohn Bartholdy and Robert Schumann. (Tésis de doctorado) Florida State University. Recuperado de http://purl.flvc.org/fsu/fd/FSU_migr_etd-4350 (consultado el 23 de noviembre de 2020). Angélica Daza Enciso es maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente realiza las charlas previas a los conciertos que se presentan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. 9 Si no ha visto los recitales pasados de la Temporada Digital de Conciertos, visite el canal de YouTube de Banrepcultural Foto: Mariangela Quiroga Foto: Kaupo Kikkas Música antigua para nuestro tiempo TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemandia) Disponible hasta el jueves 13 de mayo de 2021 LA MÚSICA DE JAMES DÍAZ (Colombia) Disponible hasta el jueves 20 de mayo de 2021 Retratos de un compositor Foto: Kaupo Kikkas BEN GOLDSCHEIDER, corno (Reino Unido) SAVITRI GRIER, violín (Reino Unido) TOM POSTER, piano (Reino Unido) Disponible hasta el jueves 27 de mayo de 2021 Recorridos por la música de cámara 10 PRÓXIMOS CONCIERTOS Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Suscríbase aquí a nuestras diferentes listas de correos para recibir toda la información acerca de la actividad cultural del Banco de la República. Foto: Herley Aguirre Foto: Dan Kullman Foto: Kaupo Kikkas MAURICIO ARIAS, piano (Colombia) Estreno: miércoles 26 de mayo • 6:00 p.m. Mauricio Arias adelanta una exitosa carrera musical como pianista, compositor e improvisador, dentro y fuera de Colombia. Ha sido galardonado en varios concursos y festivales y concentra parte de su trabajo en dar a conocer la obra de compositores contemporáneos colombianos. En este concierto interpretará obras de los compositores colombianos Germán Darío Pérez, Ian Frederick y Jaime León, así como obras de su autoría. CUARTETO SPEKTRAL, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Estreno: miércoles 19 de mayo • 6:00 p.m. La versatilidad es la característica más notable del Cuarteto Spektral, una agrupación proveniente de Chicago que se ha destacado por presentar obras del repertorio tradicional y otras escritas ‘en esta década, este año o esta semana’. Dos veces nominados a los premios Grammy, Spektral no teme a los riesgos, rompiendo tradiciones para acercarse a públicos diversos y sacando de contexto su música para situarla junto a otras expresiones de la cultura. En este concierto virtual interpretarán O Magnum Mysterium, de Tomás Luis de Victoria, el Cuarteto de cuerdas No. 1 de Eliza Brown, y Enigma de Anna Thorvaldsdottir. JAMAL ALIYEV, violonchelo (Turquía) WILLIAM FIELDING, piano (Reino Unido) Estreno: miércoles 12 de mayo • 6:00 p.m. F. CHOPIN: Introducción y polonesa brillante, Op. 3. D. POPPER: Rapsodia húngara, Op. 68. J. MASSENET: Meditación de Thaïs. C. FRANCK: Sonata en la mayor, , FWV 8. Recorridos por la música de cámara Recorridos por la música de cámara Recorridos por la música de cámara Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos.

Aclamado por su excepcional musicalidad, el Cuarteto Arianna se ha establecido firmemente como uno de los mejores conjuntos de cámara de los Estados Unidos. Sus presentaciones han sido elogiadas por «la calidez tonal, el equilibrio meticuloso... la vitalidad expresiva» (Chicago Tribune) y «la dedicación emotiva y el virtuosismo fluido» (Pretoria News, Sudáfrica). Formado en 1992, la agrupación despertó la atención estadounidense al ganar el Gran Premio en el Concurso Nacional de Música de Cámara de Fischoff y el Primer Puesto en los Concursos de Música de Cámara de Coleman y Carmel; también fue galardonado en el Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerda de Burdeos. El Cuarteto Arianna se ha presentado en Norteamérica, Suramérica, Europa y Asia, con frecuentes visitas a Brasil y Sudáfrica. Ha colaborado con muchos de los más reconocidos músicos del mundo, incluidos los miembros de los cuartetos Vermeer, Tokio, Cleveland y Juilliard, y sus presentaciones en directo se han escuchado en las emisiones Performance Today y Live from Music Mountain de la Radio Nacional Pública, que transmite a 125 emisoras de los Estados Unidos y a otros 35 países. El Cuarteto Arianna ha grabado para Albany Records y Urtext Digital Classics, y tiene un contrato a largo plazo con Centaur Records. Además de su aclamada grabación de los dos cuartetos de cuerda de Janáček, el ensamble también publicó recientemente grabaciones de los cuartetos de los periodos tempranos y medios de Beethoven. Desde el año 2000, los miembros del Cuarteto Arianna son profesores de cuerda de tiempo completo en la Universidad de Misuri-San Luis (UMSL) y entrenan a ensambles de estudiantes de música de cámara. En el campus de la universidad, el Cuarteto Arianna enriquece la experiencia académica de los estudiantes, visitando clases de física, negocios, historia, filosofía, arte y lenguaje para demostrar activamente las conexiones interdisciplinarias entre la música y estas áreas. En la comunidad, los integrantes del cuarteto son embajadores de la UMSL, pues dictan alrededor de 40 clínicas de música en promedio cada año para escuelas secundarias en todo Misuri y los estados circundantes; transmiten una serie de presentaciones y conferencias en la emisora KWMU llamadas First Mondays with the ASQ, y mantienen una presencia nacional e internacional como educadores y artistas. En su última temporada, el Cuarteto Arianna se ha adaptado a una nueva vida de conciertos virtuales. Su festival anual, realizado en junio de 2020 en San Luis y conocido como el Festival de Música de Cámara Arianna, se llevó a cabo en línea este año y acogió a casi 200 músicos de todo el mundo. El Cuarteto Arianna espera completar su grabación de los últimos cuartetos de cuerda de Beethoven para Centaur Records. Video disponible del miércoles 5 de mayo al viernes 4 de junio de 2021 en el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y en el canal de YouTube de Banrepcultural.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Disponible durante un mes en Concierto digital No. 12 Estreno: miércoles 28 de abril · 6:00 p.m. BEN GOLDSCHEIDER corno francés (Reino Unido) SAVITRI GRIER, violín (Reino Unido) TOM POSTER, piano (Reino Unido) Foto: Kaupo Kikkas RETRATOS DE UN COMPOSITOR TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. Recuerde: los conciertos estarán disponibles en estos canales durante un mes contado a partir de su fecha de estreno ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras algunos meses de trabajo y muchas reflexiones y discusiones, durante el segundo semestre de 2020, la música de algunos jóvenes intérpretes, músicos de diferentes partes del país, del Cuarteto Arianna de Estados Unidos y del Cuarteto Q-Arte de Colombia pudo ser presentada en una programación digital creada por el Banco de la República. Este proceso, lleno de novedades y aprendizajes, ha seguido desarrollándose y evolucionando para construir sobre lo construido y seguir haciendo el trabajo de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República presenta la primera parte de su temporada digital de conciertos de 2021, la cual presentará un concierto semanal desde febrero hasta junio y que incluirá las actuaciones de artistas nacionales e internacionales grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube y bajo el perfil Sala de Conciertos Luis Ángel Arango en Facebook. Los conciertos saldrán al aire los miércoles a las 6:00 p.m. y estarán disponibles durante un mes contado a partir de la fecha de lanzamiento de cada uno. Entre los artistas que harán parte de esta temporada digital estarán los ensambles vocales Theatre of Voices y Discantus, el pianista Mauricio Arias, el guitarrista Edwin Guevara, la soprano Betty Garcés y la cantante de jazz Sofia Ribeiro. Adicionalmente, haciendo uso de las nuevas tecnologías y en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público, pero también para tratar de conquistar nuevas audiencias, continuaremos en 2021 publicando nuestro podcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El podcast puede ser escuchado 2 en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados que explican el sentido de cada selección. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos – como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Hacen falta los abrazos, hacen falta las conversaciones alrededor de una mesa, hace falta compartir con desconocidos la calurosa sensación de escuchar a un ensamble en vivo. Pero, mientras tanto, tendremos que seguir aportando nuestro mejor esfuerzo, nuestra mayor paciencia y seguir encontrando maneras de sentirnos juntos, compartiendo historias, recomendándonos libros, películas, artículos de prensa, recetas y, desde luego, conciertos. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. Ofrecemos esta temporada de conciertos digitales a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en3 SOBRE LOS INTÉRPRETES BEN GOLDSCHEIDER, corno francés Ben Goldscheider ha debutado recientemente con la Orquesta del Mozarteum en el Festival Mozartwoche (Salzburgo) y con la Royal Philharmonic Orchestra. En las temporadas 2021 y 2022, Goldscheider ofrecerá recitales en las principales salas de conciertos europeas y grabará como solista con la Philharmonia Orchestra, así como con el pianista y compositor Huw Watkins. Volverá al Wigmore Hall e interpretará Serenade de Britten, en el Queen Elizabeth Hall, y el Trío para corno, violín y piano de Ligeti, en el Pierre Boulez Saal. Ben Goldscheider es un músico de cámara comprometido. ha hecho colaboraciones con Daniel Barenboim, Martha Argerich, Sergei Babayan, Elena Bashkirova, Sunwook Kim y Michael Volle en los festivales de Verbier, Salzburgo, Jerusalén, Intonations (Berlín) y Barenboim (Buenos Aires). A los 18 años, Goldscheider fue finalista en la categoría de Concierto en el Concurso de Jóvenes Músicos de la BBC de 2016. Desde entonces, ha debutado en los Proms de la BBC y se ha presentado como solista con las orquestas Aurora, Britten Sinfonia, English Chamber Orchestra, London Mozart Players, Lucerne Symphony, Manchester Camerata, Prague Philharmonia y Sinfonie Orchester Berlin. Fue premiado en las Audiciones Internacionales de YCAT 2019. En 2018 se publicó su álbum de debut y fue seleccionado como Rising Star (estrella emergente) por la Revista de Música de la BBC y One to Watch (alguien para no perder de vista) de la Revista Gramophone. En 2020, Goldscheider también fue nominado como ECHO Rising Star (estrella emergente ECHO) por la sala de conciertos Barbican. Foto: Kaupo Kikkas Conozca más acerca del artista Ben Goldscheider4 SAVITRI GRIER, violín Savitri Grier ha debutado en el último año como solista con las orquestas Concerto Budapest y la Filarmónica de Qatar. Ha ofrecido recitales en Mumbai y conciertos por toda Europa: en el Festival Podium de Stuttgart (Alemania), en Varsovia (Polonia), en Sendesaal Bremen (Alemania), en la Chapelle Royale de Bruselas (Bélgica), en el Royal Welsh College of Music y el Festival de Música de Cambridge (Reino Unido), entre otros escenarios. Recientemente, Savitri se unió a la Orquesta del Festival de Budapest como directora invitada, y actuará como solista con la CBSO Youth Orchestra y la Royal Northern Sinfonia, ofreciendo recitales en todo el Reino Unido y Alemania. Entre los momentos más destacados de su trayectoria musical, se encuentran una colaboración con los renombrados intérpretes de sarod, Amaan Ali y Ayaan Ali Bangash, en el festival Times Swarsangam, una serie de recitales en China y una residencia en el Edinburgh Fringe Festival, interpretando todas las sonatas para violín de Beethoven. Ha dado recitales en el Wigmore Hall y en el Carnegie Hall, y se ha presentado como solista con la Royal Philharmonic Orchestra, la Bournemouth Symphony Orchestra y la English Chamber Orchestra, entre otras muchas. Savitri fue premiada en las Audiciones Internacionales de YCAT de 2015. Foto: Kaupo Kikkas Conozca más acerca de la artista Savitri Grier5 TOM POSTER, piano Tom Poster ha interpretado más de cuarenta conciertos con obras de compositoresdesde Bach hasta Ligeti, con la Orquesta Aurora, la Filarmónica de la BBC, la Sinfónica Escocesa de la BBC, la Sinfónica Nacional de China, la Orquesta Hallé, la Filarmónica Real, la Orquesta de Cámara Escocesa y la Filarmónica Estatal de San Petersburgo, colaborando con directores como Vladimir Ashkenazy, Nicholas Collon, Thierry Fischer, Robin Ticciati y Yan Pascal Tortelier. Poster actúa regularmente en BBC Radio 3 y ha hecho múltiples apariciones en los Proms de la BBC. Además, su excepcional versatilidad lo ha puesto en gran demanda en festivales de todo el mundo. Su pasión por reunir a músicos y por ofrecer una programación creativa e innovadora lo llevó a fundar el Kaleidoscope Chamber Collective, un conjunto con una formación flexible y un gran compromiso con la diversidad, con próximas residencias en el Wigmore Hall y el Festival de Cheltenham. Tom Poster es pianista del Aronowitz Ensemble (antiguo BBC New Generation Artists) y del Aronowitz Piano Trio. Tiene establecidos dúos con Alison Balsom, Guy Johnston y Elena Urioste, y también colabora con Ian Bostridge, Steven Isserlis, Matthew Rose y los cuartetos Carducci, Danés, Navarra y Skampa. Poster ha grabado para BIS Records, Champs Hill Records, Chandos, Decca Classics, Edition Classics, EMI y Warner Classics, y participa regularmente como solista en bandas sonoras de películas, incluida la partitura nominada al Oscar de The Theory of Everything (La teoría del todo). Estudió con Joan Havill en el Guildhall School of Music and Drama y en el King’s College de Cambridge. Ganó el primer puesto del Concurso Internacional de Piano de Escocia en 2007 y la categoría de teclado del Concurso de Jóvenes Músicos del Año de la BBC en 2000. Poster también es un exitoso compositor y arreglista, y un fanático de toda la vida de los animales con narices inusuales. Foto: Jason Joyce Conozca más acerca del artista Tom Poster 6 Sonata para corno en fa mayor, Op. 17 (1800) Allegro moderato Poco adagio, quasi andante Rondo. Allegro moderato LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Para corno francés y piano Adagio y Allegro en la bemol mayor, Op. 70 (1849) ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Para corno francés y piano Trío para corno en mi bemol mayor, Op. 40 (1865) Andante Scherzo. Allegro Adagio mesto Finale. Allegro con brio JOHANNES BRAHMS (1833-1897) Para corno francés, violín y piano PROGRAMA7 SOBRE EL PROGRAMA Por Guillermo Gaviria El universo, lejos de ser esférico, es cónico. Existe en forma de cuerno. Jasper Rees Los orígenes del corno como instrumento musical están, aún hoy, sujetos a numerosas controversias y debates. Es claro que cuernos de animales, caracoles marinos, fragmentos de madera o metal empleados para soplar a través de ellos y producir sonido existen desde tiempos prehistóricos; sin embargo, la primera imagen de un corno curvado en forma espiral o helicoidal nos llega del Imperio romano, en el año 113 de nuestra era. La imagen aparece en la llamada Columna de Trajano (figura 1), ubicada en el Foro de Trajano, en Roma, que se inauguró ese año para celebrar la victoria de los romanos sobre los dacios1. Figura 1. Columna de Trajano 1 Las guerras dacias de Trajano (años 101-102 y 105-106) fueron dos cortos conflictos entre el Imperio romano y Dacia que tuvieron lugar durante el mandato del emperador Trajano. Los dacios ocupaban un vasto territorio, al norte del Río Danubio, que corresponde actualmente a Rumania.8 La columna tiene 155 escenas que narran episodios de las guerras libradas por el emperador Trajano. En la escena 103, se observan cuatro músicos, tres de ellos tocando cornos helicoidales2. Estos instrumentos, bastante primitivos en su mecanismo, cumplían una función práctica dentro de las batallas, señalando, por ejemplo, movimientos de tropas, instrucciones de ataques y una variedad de indicaciones que serían muy difíciles de comunicar a través de la voz o mensajes. En cuanto al uso musical del corno, la primera referencia de su empleo aparece en 1545, en la colección Battles, Hunts, and Birdsongs de Tylman Susato (c. 1510-c. 1570), en la cual hay transcripciones de madrigales y otras obras destinadas a ser tocadas por distintos instrumentos. Se puede inferir, por la escritura de las partes para tenor y bajo, que se podrían tocar en lo que se conocía en Francia, en esa época, como trompe de chasse (Corno de caza). El corno actual es resultado de numerosas evoluciones y cambios en su construcción y técnica, incluyendo las realizadas por los hermanos Johannes y Michael Leichnambschneider, nacidos en Osterburg, Viena, a finales del siglo XVII. Los Leichnambschneider transformaron el trompe de chasse en el Waldhorn (corno del bosque), que se tocó durante la época barroca en Austria; este tenía un tono más oscuro y con más ‘cuerpo’, que se mezclaba mejor con el sonido de una orquesta, a diferencia del tono del corno de caza que era brillante y penetrante. El otro gran logro de los Leichnambschneider fue la invención de las extensiones orquestales. Estas eran tubos de diferente longitud que se insertaban en el cuerpo principal del instrumento, facilitando tocar en diversas tonalidades, al cambiar la longitud del instrumento y —con ello— su sonido fundamental (Fitzpatrick y Page, 2001). El instrumento que se toca hoy en día depende en gran medida del sistema de válvulas, una invención de principios del siglo XIX, para la precisión de la altura (nota) que se quiere tocar, la entonación y muchos otros factores de la 2 La escena es atribuida a Apolodoro de Damasco (c. 60-133), un arquitecto de la Antigua Roma de origen sirio. Figura 2. Trompe de Chasse9 interpretación. Es resultado de 100 años o más de desarrollos y cambios a lo largo del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, incluso hoy en día, el corno sigue en evolución. Ludwig van Beethoven (1770-1827) compuso la Sonata para corno en fa mayor, Op. 17 para un concierto celebrado en el Hofburgtheater de Viena, el 18 de abril de 1800, por Jan Václav Stich (1746-1803), mejor conocido como Giovanni Punto, tocando el corno, y Beethoven, el piano. La parte del corno fue escrita para darle a Punto, el intérprete de corno más famoso de su época, la oportunidad de mostrar sus grandes destrezas instrumentales en el corno natural3, poco usuales en otros cornistas. En cuanto al piano, Beethoven improvisó su parte. De acuerdo con Ferdinand Ries (1784-1838), amigo, compositor, alumno y secretario de Beethoven, «aunque el concierto se anunció con la sonata para corno y piano, está aún no se había comenzado [...] Beethoven inició su composición el día antes del concierto y estuvo lista para el estreno» (Rees, 2009, p. 78). La noche de la presentación, Beethoven improvisó el acompañamiento, basado en su hábito de realizar un bosquejo de su propia parte, y confiar en su memoria y la inspiración del momento. La sonata tuvo desde su estreno una magnífica acogida. Según el Allgemeine Muzikzeitung (Periódico general de música), en su reseña del concierto del 2 de julio, «sobresalieron y complacieron tanto que, a pesar de la nueva Ordenanza sobre el teatro, que prohíbe los aplausos fuertes y las repeticiones, los dos virtuosos se vieron obligados por fuertes aplausos a comenzar la pieza desde el principio y a tocarla de nuevo» (Rees, 2009, p. 83). Giovanni Punto nació en Bohemia, hijo de un servidor de la finca del conde Joseph Johann von Thun, y recibió formación en canto, violín y corno mientras crecía. Dado su talento, el conde Thun lo envió a perfeccionar su educación musical con maestros en Praga, Múnich y Dresde. Luego de sus estudios, Punto regresó a la finca del Conde Thun y sirvió durante cuatro años, pero adquirió reputación de alborotador. A la edad de veinte años, él y cuatro 3 Sin válvulas. Figura 3. Corno francés10 amigos abandonaron la finca para buscar una vida mejor. Thun envió soldados tras ellos con órdenes de golpear los dientes delanteros de Punto para que no pudiera volver a tocar el corno, pero los fugitivos eludieron a los soldados y escaparon a Italia, donde italianizó su nombre, cambiándolo del original, Jan Václav Stich, y convirtiéndose en Giovanni Punto. Durante sus giras como solista, tuvo ocasión de conocer a Mozart en París, en 1778, quien escribió a su padre: «Punto toca magnífico» (Rees, 2009, p. 81). Punto regresó a su tierra natal en 1801, después de treinta y tres años de vivir en el exterior. En 1802, luego de un breve viaje a París, desarrolló pleuresía, una enfermedad común en los instrumentistas de viento de la época. Estuvo enfermo durante cinco meses y finalmente falleció el 16 de febrero de 1803. Se le ofreció un magnífico funeral en la Iglesia de San Nicolás ante miles de personas. El Réquiem de Mozart se interpretó junto a su tumba, en la que aparece el siguiente epitafio, cita del Ars Poetica de Horacio: Omne tulit punctum Punto, cui Musa Bohema Ut plausit vivo, sic moriente gemit4 (Rees, 2009, p. 84). Robert Schuman (1810-1856) compuso Adagio y Allegro en la bemol mayor, Op. 70, para corno y piano, solo una semana después de haber concluido su Fantasiestücke, Op. 73, para clarinete y piano, en 1849, un periodo muy productivo de su vida compositiva, en el cual volcó su atención «a un género que había descuidado hasta entonces: obras para piano y otro instrumento» (Herttrich, 2011). En abril compuso Fünf Stücke im Volkston, Op. 102, para piano y violonchelo y, para concluir el año, compuso Drei Romanzen, Op. 94, para piano y oboe. «Uno tiene la impresión de que Schumann deliberadamente quiso probar varias combinaciones. Parece haberle expresado esta idea también a Clara, ya que, según Berthold Litzmann, se dice que ella escribió en su diario, «inmediatamente después de la finalización» del Opus 70: «cada instrumento tendrá su turno, uno tras otro»» (Herttrich, 2011). El registro que se tiene sobre las fechas exactas de composición del Op. 70, proviene de su diario casero, en donde Schumann escribió: «pieza en Ab (Romance y Allegro) para corno y piano», con la fecha del 13 de febrero de 1849 y teniendo en cuenta que el manuscrito está fechado al final «17 de febrero de 1849», se puede deducir que la obra fue concebida, elaborada y transcrita en cinco días (Herttrich, 2011). Clara Schumann (1819-1896), su esposa, compositora y pianista, ensayó la obra el 2 de marzo, con Julius Ernst 4 Punto recibió todos los aplausos. Como la ‘Musa de Bohemia’ lo aplaudió en vida, también lo lloró en la muerte.11 Schlitterlau (1844-1863), uno de los intérpretes de corno de la Orquesta de la Ópera de Dresde, quien ocasionalmente había trabajado para Schumann como copista. Clara escribió en su diario: «La pieza es espléndida, fresca y apasionada, ¡tal como a mí me gusta!» (Herttrich, 2011). El compositor le ofreció la obra, que estuvo pensada para el corno de válvulas recién introducido, al editor Kistner, a quien escribió: «recientemente hice un Adagio con un Allegro bastante sustancial y brillante para pianoforte y corno (o violonchelo), y me sentí muy complacido al escucharlo» (Herttrich, 2011). Kistner aceptó la oferta de Schumann y su solicitud de honorarios y el 19 de marzo le envió el manuscrito a Leipzig. En su carta de presentación, escribió: «le envío, junto con el formulario de publicación, el manuscrito del Adagio y Allegro para piano y corno, con partes adjuntas para violonchelo y violín. Ojalá lo ofrezca al mundo muy pronto» (Herttrich, 2011). La primera presentación pública de la obra ocurrió el 26 de enero de 1850, en Dresde, en la versión alterna para violín y piano, tocada por el violinista Franz Anton Schubert (1808-1878) y Clara Schumann en el piano. Johannes Brahms (1833-1897), además de su reconocimiento como compositor, disfrutó durante su vida de reputación como pianista destacado. Probablemente, es menos conocido que también aprendió a tocar el violonchelo y el corno en su niñez, y que su madre parece haber disfrutado mucho cuando él tocaba el corno. Fue el segundo de los tres hijos de Johanna Henrika Christiane Nissen (1789-1865) y Johann Jakob Brahms (1806-1872). Nació cuando su madre, que le llevaba diecisiete años a su padre, tenía cuarenta y cuatro años. La música se introdujo en su vida a una edad temprana, por la influencia de su padre, quien tocó varios instrumentos, logrando su mayor desarrollo en el corno y el contrabajo, llegando a ser contrabajista en la Sociedad Filarmónica de Hamburgo. En el Trío para corno en mi bemol mayor, Op. 40, la inspiración para la composición parece haber provenido de su entorno familiar. Es probable que, mientras componía la obra, Brahms haya tenido en su mente el sonido de uno de los instrumentos principales de su padre. Otra referencia familiar se relaciona con su madre, quien había fallecido en febrero del mismo año. Melvin Berger (1985) menciona que «varios biógrafos de Brahms, incluyendo a Max Kalbech y Richard Specht, escuchan evidencia en la música del efecto de este trágico evento en el compositor» y que encuentran «la escogencia del corno, más que del chelo, como un recuerdo sentimental de sus estudios de este instrumento cuando era niño en Hamburgo». Destaca que mencionan «la melancolía del Adagio mesto como una elegía a su madre, particularmente 12 el tema que se escucha en este movimiento y en el Finale, que se deriva de la canción folklórica alemana In der Weiden steht ein Haus (Hay una casa en los sauces), otra referencia a su niñez» (Berger, 1985, p. 96). El Op. 40 fue compuesto en el verano de 1865, en la casa de vacaciones de Clara Schumann, cerca de Baden-Baden en la Selva Negra (Alemania), «donde pudo encontrar la paz y la inspiración que necesitaba para componer» (Loose-Einfalt, 2017). Dos años después, llevó a su amigo Albert Dietrich (1829-1908), también compositor, al lugar donde se le ocurrió el tema del primer movimiento del Trío para corno y le comentó: «Estaba caminando una mañana y cuando llegué a este lugar el sol empezó a brillar; el tema me vino en un instante» (Loose-Einfalt, 2017). La obra se estrenó el 28 de noviembre de 1865, en la Großer Saal des Kasinos, con Brahms al piano; el violinista Friedrich Hegar y el cornista Anton Gläss interpretando un corno natural (sin válvulas). Se publicó en 1866, por Simrock, con opciones alternas para violonchelo o viola. Referencias Berger, M. (1985). Guide to chamber music. New York: Dover. Fitzpatrick, H., y Page, J. (2001). Leichnamschneider. Grove Music Online. Recuperado el 25 de febrero de 2021, de: https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic Herttrich, E. (2011). Robert Schumann: Adagio and allegro op. 70 for piano and horn. Henle. Loose-Einfalt, K. (2017). Ed. Johannes Brahms: Horn Trio E flat major op. 40. Henle. Rees, J. (2009). A Devil to Play: One Man’s Year-long Quest to Master the Orchestra’s Most Difficult Instrument. Harper Collins.13 Figuras Figura 1. Columna de Trajano, recuperada de: https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Trajan%27s_Column_-_Cichorius_Plates#/media/File:076_Conrad_Cichorius,_Die_Reliefs_der_Traianss%C3%A4ule,_Tafel_LXXVI.jpg Figura 2. Trompe de Chasse, recuperada de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Trompe_de_Chasse_in_D_MET_DP-12679-143.jpg Figura 3. Corno Francés, recuperada de: https://thumbs.dreamstime.com/z/french-horn-24608308.jpg Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986.14 Si no ha visto los recitales pasados de la Temporada Digital de Conciertos, visite el canal de YouTube de Banrepcultural Foto: Mariangela Quiroga Foto: Kaupo Kikkas Foto: Gabriel Castro Foto: Fundación Juan March Música antigua para nuestro tiempo TABEA DEBUS, flauta dulce (Alemania) Disponible hasta el jueves 13 de mayo de 2021 Recorridos por la música de cámara CUARTETO Q-ARTE, cuarteto de cuerdas (Colombia) Disponible hasta el jueves 6 de mayo de 2021 Música antigua para nuestro tiempo DISCANTUS, música antigua (Francia) Disponible hasta el viernes 30 de abril de 2021 En colaboración con el Festival de Música Religiosa de Popayán y La francophonie LA MÚSICA DE JAMES DÍAZ (Colombia) Disponible hasta el jueves 20 de mayo de 2021 Retratos de un compositor ÚLTIMOS DÍAS 15 PRÓXIMOS CONCIERTOS Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Foto: Kaupo Kikkas Foto: Justin Lee CUARTETO ARIANNA, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos)* Estreno: miércoles 5 de mayo • 6:00 p.m. Conformado en 1992, el Cuarteto Arianna ha sido merecedor de importantes reconocimientos, como el Gran Premio en el Concurso Nacional de Música de Cámara Fischoff, el Primer Premio en los Concursos de Música de Cámara Coleman y Carmel, y fue laureado en el Concurso Internacional de Cuarteto de Cuerdas de Burdeos. En este concierto digital, el ensamble interpreta el Cuarteto de cuerdas, Op. 12 de Felix Mendelssohn y el Cuarteto de cuerdas, Op. 27 de Edvard Grieg. JAMAL ALIYEV, violonchelo (Turquía) WILLIAM FIELDING, piano (Reino Unido) Estreno: miércoles 12 de mayo • 6:00 p.m. F. CHOPIN: Introducción y polonesa brillante, Op. 3. D. POPPER: Rapsodia húngara, Op. 68. J. MASSENET: Meditación de Thaïs. C. FRANCK: Sonata en la mayor, FWV 8. Recorridos por la música de cámara Recorridos por la música de cámara *Concierto emitido originalmente en 2020. 16 PRÓXIMOS CONCIERTOS Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Suscríbase aquí a nuestras diferentes listas de correos para recibir toda la información acerca de la actividad cultural del Banco de la República. Foto: Herley Aguirre Foto: Dan Kullman MAURICIO ARIAS, piano (Colombia) Estreno: miércoles 26 de mayo • 6:00 p.m. Mauricio Arias adelanta una exitosa carrera musical como pianista, compositor e improvisador, dentro y fuera de Colombia. Ha sido galardonado en varios concursos y festivales y concentra parte de su trabajo en dar a conocer la obra de compositores contemporáneos colombianos. En este concierto interpretará una obras de los compositores colombianos Germán Darío Pérez, Ian Frederick y Jaime León, así como obras de su autoría. CUARTETO SPEKTRAL, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Estreno: miércoles 19 de mayo • 6:00 p.m. La versatilidad es la característica más notable del Cuarteto Spektral, una agrupación proveniente de Chicago que se destaca por presentar obras del repertorio tradicional y otras escritas ‘en esta década, este año o esta semana’. Dos veces nominado a los premios Grammy, Spektral no teme a los riesgos, no solo ofreciendo conciertos con repertorios tan contrastantes que podrían pasar por desarticulados, sino también rompiendo tradiciones como el frío escenario elegante para acercarse a públicos diversos y sacando de contexto su música para situarla junto a otras expresiones de la cultura como la arquitectura y la gastronomía. En este concierto virtual interpretarán O Magnum Mysterium, de Tomás Luis de Victoria, el Cuarteto de cuerdas No. 1 de Eliza Brown, y Enigma de Anna Thorvaldsdottir. Recorridos por la música de cámara Recorridos por la música de cámara Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos.

Ben Goldscheider ha debutado recientemente con la Orquesta del Mozarteum en el Festival Mozartwoche (Salzburgo) y con la Royal Philharmonic Orchestra. En las temporadas 2021 y 2022, Goldscheider ofrecerá recitales en las principales salas de conciertos europeas y grabará como solista con la Philharmonia Orchestra, así como con el pianista y compositor Huw Watkins. Volverá al Wigmore Hall e interpretará Serenade de Britten, en el Queen Elizabeth Hall, y el Trío para corno, violín y piano de Ligeti, en el Pierre Boulez Saal. Ben Goldscheider es un músico de cámara comprometido. ha hecho colaboraciones con Daniel Barenboim, Martha Argerich, Sergei Babayan, Elena Bashkirova, Sunwook Kim y Michael Volle en los festivales de Verbier, Salzburgo, Jerusalén, Intonations (Berlín) y Barenboim (Buenos Aires). A los 18 años, Goldscheider fue finalista en la categoría de Concierto en el Concurso de Jóvenes Músicos de la BBC de 2016. Desde entonces, ha debutado en los Proms de la BBC y se ha presentado como solista con las orquestas Aurora, Britten Sinfonia, English Chamber Orchestra, London Mozart Players, Lucerne Symphony, Manchester Camerata, Prague Philharmonia y Sinfonie Orchester Berlin. Fue premiado en las Audiciones Internacionales de YCAT 2019. En 2018 se publicó su álbum de debut y fue seleccionado como Rising Star (estrella emergente) por la Revista de Música de la BBC y One to Watch (alguien para no perder de vista) de la Revista Gramophone. En 2020, Goldscheider también fue nominado como ECHO Rising Star (estrella emergente ECHO) por la sala de conciertos Barbican. Savitri Grier ha debutado en el último año como solista con las orquestas Concerto Budapest y la Filarmónica de Qatar. Ha ofrecido recitales en Mumbai y conciertos por toda Europa: en el Festival Podium de Stuttgart (Alemania), en Varsovia (Polonia), en Sendesaal Bremen (Alemania), en la Chapelle Royale de Bruselas (Bélgica), en el Royal Welsh College of Music y el Festival de Música de Cambridge (Reino Unido), entre otros escenarios. Recientemente, Savitri se unió a la Orquesta del Festival de Budapest como directora invitada, y actuará como solista con la CBSO Youth Orchestra y la Royal Northern Sinfonia, ofreciendo recitales en todo el Reino Unido y Alemania. Entre los momentos más destacados de su trayectoria musical, se encuentran una colaboración con los renombrados intérpretes de sarod, Amaan Ali y Ayaan Ali Bangash, en el festival Times Swarsangam, una serie de recitales en China y una residencia en el Edinburgh Fringe Festival, interpretando todas las sonatas para violín de Beethoven. Ha dado recitales en el Wigmore Hall y en el Carnegie Hall, y se ha presentado como solista con la Royal Philharmonic Orchestra, la Bournemouth Symphony Orchestra y la English Chamber Orchestra, entre otras muchas. Savitri fue premiada en las Audiciones Internacionales de YCAT de 2015. Tom Poster ha interpretado más de cuarenta conciertos con obras de compositores desde Bach hasta Ligeti, con la Orquesta Aurora, la Filarmónica de la BBC, la Sinfónica Escocesa de la BBC, la Sinfónica Nacional de China, la Orquesta Hallé, la Filarmónica Real, la Orquesta de Cámara Escocesa y la Filarmónica Estatal de San Petersburgo, colaborando con directores como Vladimir Ashkenazy, Nicholas Collon, Thierry Fischer, Robin Ticciati y Yan Pascal Tortelier. Poster actúa regularmente en BBC Radio 3 y ha hecho múltiples apariciones en los Proms de la BBC. Además, su excepcional versatilidad lo ha puesto en gran demanda en festivales de todo el mundo. Su pasión por reunir a músicos y por ofrecer una programación creativa e innovadora lo llevó a fundar el Kaleidoscope Chamber Collective, un conjunto con una formación flexible y un gran compromiso con la diversidad, con próximas residencias en el Wigmore Hall y el Festival de Cheltenham. Tom Poster es pianista del Aronowitz Ensemble (antiguo BBC New Generation Artists) y del Aronowitz Piano Trio. Tiene establecidos dúos con Alison Balsom, Guy Johnston y Elena Urioste, y también colabora con Ian Bostridge, Steven Isserlis, Matthew Rose y los cuartetos Carducci, Danés, Navarra y Skampa. Poster ha grabado para BIS Records, Champs Hill Records, Chandos, Decca Classics, Edition Classics, EMI y Warner Classics, y participa regularmente como solista en bandas sonoras de películas, incluida la partitura nominada al Oscar de The Theory of Everything (La teoría del todo). Estudió con Joan Havill en el Guildhall School of Music and Drama y en el King’s College de Cambridge. Ganó el primer puesto del Concurso Internacional de Piano de Escocia en 2007 y la categoría de teclado del Concurso de Jóvenes Músicos del Año de la BBC en 2000. Poster también es un exitoso compositor y arreglista, y un fanático de toda la vida de los animales con narices inusuales. Video disponible del miércoles 28 de abril al jueves 27 de mayo de 2021 en el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y en el canal de YouTube de Banrepcultural.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Disponible durante un mes en Concierto digital No. 14 Estreno: miércoles 12 de mayo · 6:00 p.m. JAMAL ALIYEV violonchelo (Turquía) WILLIAM FIELDING piano (Reino Unido) Foto: Kaupo Kikkas RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. Recuerde: los conciertos estarán disponibles en estos canales durante un mes contado a partir de su fecha de estreno ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras algunos meses de trabajo y muchas reflexiones y discusiones, durante el segundo semestre de 2020, la música de algunos jóvenes intérpretes, músicos de diferentes partes del país, del Cuarteto Arianna de Estados Unidos y del Cuarteto Q-Arte de Colombia pudo ser presentada en una programación digital creada por el Banco de la República. Este proceso, lleno de novedades y aprendizajes, ha seguido desarrollándose y evolucionando para construir sobre lo construido y seguir haciendo el trabajo de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República presenta la primera parte de su temporada digital de conciertos de 2021, la cual presentará un concierto semanal desde febrero hasta junio y que incluirá las actuaciones de artistas nacionales e internacionales grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube y bajo el perfil Sala de Conciertos Luis Ángel Arango en Facebook. Los conciertos saldrán al aire los miércoles a las 6:00 p.m. y estarán disponibles durante un mes contado a partir de la fecha de lanzamiento de cada uno. Entre los artistas que harán parte de esta temporada digital estarán los ensambles vocales Theatre of Voices y Discantus, el pianista Mauricio Arias, el guitarrista Edwin Guevara, la soprano Betty Garcés y la cantante de jazz Sofia Ribeiro. Adicionalmente, haciendo uso de las nuevas tecnologías y en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público, pero también para tratar de conquistar nuevas audiencias, continuaremos en 2021 publicando nuestro podcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El podcast puede ser escuchado 2 en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados que explican el sentido de cada selección. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos – como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Hacen falta los abrazos, hacen falta las conversaciones alrededor de una mesa, hace falta compartir con desconocidos la calurosa sensación de escuchar a un ensamble en vivo. Pero, mientras tanto, tendremos que seguir aportando nuestro mejor esfuerzo, nuestra mayor paciencia y seguir encontrando maneras de sentirnos juntos, compartiendo historias, recomendándonos libros, películas, artículos de prensa, recetas y, desde luego, conciertos. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. Ofrecemos esta temporada de conciertos digitales a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en3 SOBRE LOS INTÉRPRETES JAMAL ALIYEV, violonchelo En 2019, Jamal Aliyev ganó un premio del Concert Artists Guild en Nueva York. Entre sus actuaciones más destacadas del último año se encuentran su debut con la Royal Philharmonic Orchestra y presentaciones con la Tomsk Philharmonia en el Festival Transiberiano y con la BBC Scottish Symphony Orchestra en el Festival de St. Magnus, el cual fue retransmitido por Radio 3. Se presentó también en recitales en el Wigmore Hall, en los principales escenarios de Turquía con el renombrado pianista Fazil Say, y como solista con las orquestas Sinfónica Presidencial, Sinfónica de Estambul, Sinfónica de Çukurova y Sinfónica Estatal de Izmir. En esta temporada Aliyev debutará en Estados Unidos, incluyendo recitales en la Sala de Conciertos Merkin (Nueva York) y en el Weiss Center de Pensilvania. Interpretará el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Orquesta Sinfónica de Azerbaiyán, y ofrecerá recitales en el Festival de West Wicklow y en todo el Reino Unido. En 2017, Jamal Aliyev debutó en los Proms de la BBC, ganó el Arts Club-Sir Karl Jenkins Music Award y fue premiado en las Audiciones Internacionales de YCAT en Londres. Su primer álbum, Russian Masters (Maestros rusos), fue lanzado por Champs Hill Records. Foto: Kaupo Kikkas Conozca más acerca del artista Jamal Aliyev4 WILLIAM FIELDING, piano Willian Fielding nació en Preston, en 1999. Fue corista en la catedral de Blackburn antes de ingresar a la Escuela de Música de St. Mary en Edimburgo. Continuó estudiando piano y órgano en el Royal College of Music de Londres y recientemente completó un año de estudios en Toulouse, Francia, con el organista Michel Bouvard. Muy solicitado como pianista y organista colaborador, entre sus presentaciones más recientes destacan la interpretación de la Consagración de la primavera de Strainvsky (dúo de pianos) para la Escuela de Danza de Escocia, una gira por la República Checa con el violinista Joel Munday y por España con Łukasz Krupinski. Es integrantesdel Strathearn Piano Trio y trabaja frecuentemente con estudiantes y profesores del Royal College of Music, como Itzhak Rashkovsky (violín), Adam Walker (flauta) y Jamal Aliyev (violonchelo). Fielding se ha presentado como organista y pianista en escenarios como el Queen’s Hall y el Usher Hall de Edimburgo; la Catedral de St. Mary y el Royal Concert Hall de Glasgow; y el Leeds Town Hall y el Barbican de Londres. Durante sus estudios fue becario de órgano en Her Majesty’s Chapel Royal, en Hampton Court. Conozca más acerca del artista William Fielding Foto: William Fielding 5 Rapsodia húngara, Op. 68 (c. 1894) DAVID POPPER (1843-1913) Meditación de Thaïs (1894) JULES MASSENET (1842-1912) Original para violín y orquesta Transcripción para violonchelo y piano de Jules Delsart (1844-1900) Sonata en la mayor, FWV 8 (1886) Allegretto ben moderato Allegro Recitativo-Fantasia. Ben moderato - Molto lento Allegretto poco mosso CÉSAR FRANCK (1822-1890) Original para violín y piano Arreglo para violonchelo y piano de Jules Delsart (1844-1900) PROGRAMA6 SOBRE EL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Popper El ejercicio del virtuosismo instrumental es una de las características prominentes de la música del siglo XIX. Los paradigmas del mismo fueron sentados por el violinista italiano Niccolò Paganini y el pianista húngaro Franz Liszt. No solo eran brillantes en su práctica instrumental, sino que creaban sus propias obras con pasajes de inmensa dificultad técnica de ejecución para lucir plenamente sus capacidades. Aun antes de Liszt, desde Beethoven, se observa esta tendencia a combinar en un solo creador al instrumentista y al compositor brillante. A lo largo del siglo, esta tendencia continuó, pero también se especializó. En la medida en que se amplió la educación musical en torno a la ejecución de instrumentos para conformar grandes orquestas, se observó una concentración sobre el oficio del intérprete instrumentista. Por ejemplo, Joseph Joachim, considerado uno de los grandes violinistas europeos de la segunda mitad del siglo XIX, no es recordado por sus composiciones, si bien escribió un buen número de obras para su instrumento. Para mediados del siglo XX, se vuelve muy común la figura del instrumentista que no compone o la del compositor que no es intérprete virtuoso de un instrumento. Entre los últimos grandes intérpretes compositores europeos de la segunda mitad del siglo XIX figura el violonchelista checo David Popper (1843-1913), quien, al igual que Joachim, tuvo que ver con un destacado listado de compositores del siglo XIX, entre ellos, Brahms, Bruckner, Grieg, Liszt y Tchaikovsky. Su forma de tocar generó una escuela de violonchelo que sirvió de referente a varias generaciones europeas. Era consultado por los compositores para saber qué tan exigente podía ser la escritura orquestal y buscado por alumnos para aprender sus técnicas. Trabajó como violonchelista de orquesta y solista durante muchos años y realizó largas giras artísticas no solo por Europa, sino también por Estados Unidos y Rusia. A partir de 1886, inició su carrera docente en la academia de música de Budapest, fundada por Liszt. Como parte de su deseo de transmitir lo que sabía del potencial de su instrumento, escribió 65 estudios que se convirtieron en la biblia de la enseñanza del violonchelo por muchas generaciones. Hizo parte de conjuntos 7 de cámara y, en muchas ocasiones, se presentó acompañado por Brahms al piano. Las composiciones de Popper giran en torno al violonchelo y, si bien no son de amplio conocimiento público, son de estudio entre violonchelistas. La Rapsodia húngara con acompañamiento de piano, Op. 68, es una de las más conocidas. Luego de una introducción elegante y asertiva del piano, el violonchelo entra en materia: un extenso pasaje melódico de ritmo suelto que constituye el elemento rapsódico casi improvisado que da paso a una segunda sección con aire de danza que se ha convertido en un trozo muy popular a lo largo de los años. Se acelera, según la tradición de algunas danzas húngaras, para terminar con lujo de virtuosismo, no sin antes rememorar el elemento rapsódico. Massenet La Meditación de Thaïs, un breve trozo de la ópera Thaïs de Jules Massenet (1842-1912), se ha convertido en uno de los pasajes instrumentales más populares del repertorio operático. Por su carácter lírico y contemplativo, hoy en día se usa en todo tipo de ocasiones ceremoniales, desde matrimonios hasta funerales, por sus gestos evocadores y expresivos. Se toca en un sinnúmero de instrumentaciones que adaptan el original para violín y orquesta a todo tipo de sonoridades que transmiten con éxito el momento contemplativo que se pretende evocar. La Meditación es un entreacto que se escucha entre las escenas del acto segundo de la ópera. El meollo de la ópera gira en torno de la figura de Thaïs, una cortesana egipcia devota de Venus. El monje cenobita Atanael, obsesionado con ella, se propone convertirla al cristianismo y convencerla de ingresar en un convento; la joven, cansada de la vida cortesana, medita sobre las prédicas de Atanael, en el célebre pasaje de la Meditación, para luego decidirse a seguirlo por el desierto hasta el convento. No hay nada que explicar sobre la Meditación, pues su muy bien lograda melodía y el ámbito lírico en que se mueve lo dicen todo. Pero la ópera no termina con la conversión de Thaïs, sino que procede a describir lo que le sucede a Atanael, quien reconoce que está perdidamente enamorado de la cortesana conversa y decide ir tras ella para declararle su amor. La encuentra moribunda y completamente desinteresada en sus afectos, y obsesionada con su muerte y redención. El libreto está basado en la novela Thaïs de Anatole France y su temática se adaptó muy bien a la visión lírico-musical de Massenet, caracterizada por pasajes sensuales y sentimentales. En 8 su obra se mezclan muchas tendencias como la de incluir escenas de ballet en las óperas como la célebre música de ballet de El Cid, tendencias exóticas como en Thaïs y El rey de Lahore, y el uso de leitmotifs (motivos musicales recurrentes) en su ópera más conocida, Manon, en la que también experimenta con diálogos acompañados. Alcanza a acercarse al verismo del fin de siglo en su ópera de 1894, La mujer de Navarra, al tratar temas contemporáneos y cotidianos. Franck La Sonata en la mayor, FWV 8 de César Franck (1820-1899) es una obra de construcción interna compleja y, a la vez, de considerable simplicidad y belleza externas. El compositor, belga de nacimiento, la escribió a sus 68 años, habiendo perfeccionado la noción cíclica de la composición. Los cuatro movimientos de la sonata se aúnan en torno a ‘células’ de motivos, un procedimiento similar al de otra célebre obra tardía del compositor, la Sinfonía en re. Estas ideas germinales se transforman a través de variaciones sutiles o radicales para producir continuidad o contraste. Las técnicas de desarrollo se funden con las de variación para producir narrativas musicales extensas y unitarias. El original, para violín y piano, es interpretado por muchos otros instrumentos con los que se recalca el ambiente cantabile de la pieza. Una introducción algo misteriosa a cargo del piano conduce al tema principal, entonado por el violonchelo y reiterado sucesivamente en cada una de sus entradas. Esta célula se puede descubrir a lo largo de toda la obra, especialmente en el movimiento final, un rondó libre. El segundo movimiento es un Allegro ligero, interrumpido por un pasaje quasi lento, cuya tensión desemboca en el retorno del Allegro. La melodía libre, de gestos improvisados que entona la cuerda al inicio del tercer movimiento, constituye el recitativo, el cual es interrumpido por el teclado para recordarnos el tema principal. El final incluye un canon en el que los dos instrumentos se turnan el papel de líder; es el movimiento de mayor dramatismo en cuanto a cambios armónicos. En él se recapitulan ambientes escuchados en los movimientos anteriores y una coda en fortissimo nos regresa a la tonalidad original y marca el final de la sonata. Franck fue uno de los primeros compositores franceses de finales del siglo XIX en alejarse de la composición prácticamente exclusiva de música vocal y dedicarse a las obras instrumentales para desarrollar así una interesante amalgama franco-germana. A su lado, en la Sociedad Nacional de Música, laboraron figuras destacadas como las de Camille Saint-Saëns, Gabriel Fauré 9 y Henri Duparc, a quien está dedicada la Sinfonía en re. Influyó de manera decisiva en las carreras de sus alumnos Charles Bordes, Guillaume Lekeu, Guy Ropartz, Paul Dukas, Gabriel Pierné y Alexandre Guilmant. Luego de su formación en el Conservatorio de París, Franck permaneció en la capital francesa y pasó a ser el organista de la iglesia de San Juan y, posteriormente, de la de San Francisco en 1853. Cinco años más tarde, y hasta su muerte, asumió el cargo de organista de Santa Clotilde. Sucedió a su maestro de órgano, François Benoist, como profesor de órgano del Conservatorio a partir de 1872; fue allí en donde se convirtió en la figura más decisiva de las carreras de sus discípulos Vincent d'Indy, Henri Duparc y Louis Vierne, a quienes enseñó el amor por los procedimientos barrocos y clásicos. Los músicos franceses se debatían, por entonces, entre el desarrollo de un estilo nacionalista y la práctica del romanticismo, desde la perspectiva operática. Franck reconcilió las dos tendencias a través de su música para órgano y señaló el camino hacia una nueva música instrumental. En ella priman las armonizaciones cromáticas e ingeniosas, los ideales estrictos del contrapunto de Bach, las formas claras y las inspiraciones de índole poética. Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA. Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho años fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos XIX y XX.10 Foto: Justin Lee Foto: Kaupo Kikkas Si no ha visto los recitales pasados de la Temporada Digital de Conciertos, visite el canal de YouTube de Banrepcultural Foto: Mariangela Quiroga Recorridos por la música de cámara CUARTETO ARIANNA cuarteto de cuerdas (Estados Unidos)* Disponible hasta el viernes 4 de junio de 2021 Recorridos por la música de cámara BEN GOLDSCHEIDER, corno (Reino Unido) SAVITRI GRIER, violín (Reino Unido) TOM POSTER, piano (Reino Unido) Disponible hasta el jueves 27 de mayo de 2021 Retratos de un compositor LA MÚSICA DE JAMES DÍAZ (Colombia) Disponible hasta el jueves 20 de mayo de 2021 ÚLTIMOS DÍAS 11 PRÓXIMOS CONCIERTOS Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Suscríbase aquí a nuestras diferentes listas de correos para recibir toda la información acerca de la actividad cultural del Banco de la República. Foto: Herley Aguirre Foto: Dan Kullman MAURICIO ARIAS, piano (Colombia) Estreno: miércoles 26 de mayo • 6:00 p.m. Mauricio Arias adelanta una exitosa carrera musical como pianista, compositor e improvisador, dentro y fuera de Colombia. Ha sido galardonado en varios concursos y festivales y concentra parte de su trabajo en dar a conocer la obra de compositores contemporáneos colombianos. En este concierto interpretará obras de los compositores colombianos Germán Darío Pérez, Ian Frederick y Jaime León, así como obras de su autoría. CUARTETO SPEKTRAL, cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Estreno: miércoles 19 de mayo • 6:00 p.m. La versatilidad es la característica más notable del Cuarteto Spektral, una agrupación proveniente de Chicago que se ha destacado por presentar obras del repertorio tradicional y otras escritas ‘en esta década, este año o esta semana’. Dos veces nominados a los premios Grammy, Spektral no teme a los riesgos, rompiendo tradiciones para acercarse a públicos diversos y sacando de contexto su música para situarla junto a otras expresiones de la cultura. En este concierto virtual interpretarán O Magnum Mysterium, de Tomás Luis de Victoria, el Cuarteto de cuerdas No. 1 de Eliza Brown, y Enigma de Anna Thorvaldsdottir. Recorridos por la música de cámara Recorridos por la música de cámara 12 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos.