Concierto interpretado por Pascal Marsault, acompañado del Quinteto de Metales de París. Pascal ganador del Primer Premio de interpretación de órgano en el Conervatorio Nacional Superior de Mú ica de París en 2000, Pa cal Mar ault se formó como organi ta con Marie-Claire Alain, Michel Bouvard y Olivier Latry. Su interés por la música antigua lo llevó a perfeccionar su formación en el Conservatorio Sweelinck de Ámsterdam. En este concierto interpretaron obras de Eugène Gigout, César Franck, Alexandre Guilmant, Marcel Dupré, Diego Vega y Camille Saint-Saëns.

Concierto interpretado por el violonchelista Pieter Wispelwey. Nacido en Haarlem, Holanda, la sofisticada personalidad musical de Wispelwey encontró sus raíces en la formación que recibió: inició sus estudios con Dicky Boeke y Anner Bylsma en Ámsterdam, y luego continuó con Paul Katz en los Estados Unidos y William Pleeth en el Reino Unido. En 1992 se convirtió en el primer violonchelista en recibir el Premio Musical Holandés o Nederlandse Muziekprijs, el cual se le otorga al músico joven más prometedor en los Países Bajo. Este concierto también se celebró los siguientes días: - Miércoles 3 de febrero de 2016 a las 7:30 p.m. en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. - El jueves 4 de febrero de 2016 a las 7: 00 p.m. en Leticia, en la Sala Múltiple del Banco de la República.

Concierto interpretado por el cuarteto de cuerdas Q- Arte. Desde su creación, el Cuarteto Q-Arte ha mostrado gran interés en el conocimiento y difusión de la música latinoamericana escrita para cuarteto de cuerdas, enfocándose principalmente en la música de compositores colombianos contemporáneos y en la exploración de nuevas sonoridades y perfiles escénicos. Gracias al compromiso, dominio y confianza con el repertorio que interpretan, el cuarteto, integrado por profesores de reconocidas universidades colombianas, rápidamente se ha convertido en una de las agrupaciones de música de cámara más interesantes e innovadoras del país y en un embajador de la música del continente en el mundo.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Banrepcultural (Cúcuta, Colombia) Banrepcultural Disponible durante un mes en Concierto digital No. 16 Estreno: miércoles 21 de julio · 6:00 p.m. SIMÓN VLÁSOV piano (Rusia) Foto: Oleg Turinsky RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. Recuerde: los conciertos estarán disponibles en estos canales durante un mes contado a partir de su fecha de estreno ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Los conciertos saldrán al aire los miércoles a las 6:00 p.m.. Entre los artistas que participarán en este segundo semestre de 2021, se destacan ensambles como el Cuarteto Zaïde, de Francia, y el Cuarteto Spektral, de Estados Unidos; el guitarrista colombiano Edwin Guevara; y los pianistas Simón Vlásov, de Rusia, y George Harliono, de Reino Unido. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual 2 forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Hacen falta los abrazos, hacen falta las conversaciones alrededor de una mesa, hace falta compartir con desconocidos la calurosa sensación de escuchar a un ensamble en vivo. Pero, mientras tanto, tendremos que seguir aportando nuestro mejor esfuerzo, nuestra mayor paciencia y seguir encontrando maneras de sentirnos juntos, compartiendo historias, recomendándonos libros, películas, artículos de prensa, recetas y, desde luego, conciertos. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE EL INTÉRPRETE SIMÓN VLÁSOV, piano El pianista y compositor Simón Vlásov nació en la isla de Sajalín (Rusia). Su trayectoria ha sido reconocida en diferentes ámbitos: en 2013 ganó el Concurso Internacional de Piano Serguei Rachmaninov, fue galardonado en el Concurso Internacional de Piano Pietro Argento, recibió el premio Jóvenes Talentos de Rusia, del Ministerio de Cultura de ese país, participó en el Concurso Internacional Maria Yudina, en Rusia, y en el Concurso Internacional Temporada Rusa, entre otros. Obtuvo diploma summa cum laude en la Escuela Superior de Música de Sverdlovsk ‘Piotr Ilich Tchaikovsky’, se graduó con honores de la maestría y doctorado en piano del Conservatorio de Los Urales ‘Modést Mussrgsky’, con la pianista Nadezhda Atlas. Estudió con Valentina Lisitsa, Dmitri Bashkírov, Andréi Gavrílov, Mikhail Arkadiev, Alexander Sandler, Miguel Ángel Scebba, Atanas Kurtiev y Valery Shkarupa. Como solista, ha actuado con directores como Maxim Fedotov, Alexey Dorkin, Enkhbaatar Baatarzhavyn, Anton Shaburov, Leonid Shkarupa y Germán Céspedes. Ha realizado conciertos en la Federación Rusa, y en Colombia, Italia y Alemania. En 2020 inauguró como solista el Foto: Oleg Turinsky 4 XXXVII Festival Internacional de Piano de Bucaramanga - UIS. Dentro de sus producciones discográficas se encuentran Piano Works (2017) y Melodías del alma rusa y latinoamericana (2018). Su profundidad musical, brioso virtuosismo y expresividad son características que han acompañado su carrera, junto con la inclusión de un repertorio extenso y variado, dentro del cual se destaca su brillante interpretación de las composiciones tardías de Alexander Scriabin, así como sus transcripciones para piano del repertorio latinoamericano y soviético. Conozca más acerca del artista Simón Vlásov 5 Estudio No. 11, Op. 10 (1829-1832) Estudio No. 12, Op. 10 (1829-1832) Estudio No. 6, Op. 25 (1832-1836) Estudio No. 10, Op. 25 (1832-1836) FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849) Vers la Flamme, Op. 72 (1914) Estudio No. 12, Op. 8 (1894) Estudio No. 5, Op. 42 (1903) Estudio No. 3, Op. 65 (1911-1912) ALEXANDER SCRIABIN (1871-1915) Rapsodia húngara No. 11, S. 244 (1847) Rapsodia húngara No. 12, S. 244 (1847) FRANZ LISZT (1811-1886) PROGRAMA 6 SOBRE EL PROGRAMA Por Ellie Anne Duque Chopin El virtuosismo, tema recurrente en la interpretación de los instrumentos musicales, se convirtió en uno de los aspectos más importantes de la ejecución en público del repertorio del siglo XIX. Durante muchos años, el aprendizaje de un instrumento musical se realizaba mediante un repertorio adecuado y escalonado según las capacidades del alumno, con buenas dosis de repeticiones de escalas y arpegios en todas las tonalidades, y, en la mayoría de los casos, el estudio de un instrumento complementaba la formación en composición musical. Pero, en la segunda mitad del siglo XVIII, cuando hubo un boom en la impresión de partituras, los compositores comenzaron a escribir obras para ser interpretadas por instrumentistas aficionados, por el simple gusto de hacer música en casa. Se popularizó, entonces, la composición de series de ejercicios o estudios para los intérpretes, cuyo objetivo principal era solucionar determinados problemas técnicos y desarrollar paulatinamente destrezas en la ejecución del instrumento. En el aprendizaje del piano actual, aún se emplean colecciones de ejercicios de Hanon y Czerny, por mencionar los más usados, que datan de las primeras décadas del siglo XIX. Así, el estudio pianístico del siglo XIX se inició como un ejercicio para los dedos diseñado para lograr una técnica de gran virtuosismo que satisficiera las exigencias del público, ávido de admirar prodigios y celebridades. Los temas de los estudios eran algo áridos: la ejecución de escalas diversas, el desarrollo de la velocidad, el dominio de la ejecución de intervalos paralelos, el desarrollo de la mano izquierda, etc. Era usual encontrar ejercicios de pocos atractivos en lo musical y por lo tanto inservibles para los programas de concierto y, en general, se trataba de obras de poco interés musical y de gran potencial para el aburrimiento. Con Frédéric Chopin (1810-1849), se estableció la práctica de escribir obras de interés musical mediante las cuales se podían enfrentar y solucionar problemas de índole técnica. De allí que sus Estudios sean paradigmas del género y se incluyan en recitales de piano, pues, ante todo, son obras de arte y no entrenamientos gimnásticos, si bien la destreza necesaria para tocarlos deje boquiabiertos a los oyentes. 7 Chopin compuso 27 estudios y 24 de ellos fueron agrupados en dos números de Opus, el 10 y el 25. El Opus 25 fue dedicado a Marie d’Agoult, benefactora del compositor. El Opus 10 fue dedicado al compositor y pianista húngaro Franz Liszt. En el número 12 la mano izquierda debe elaborar un torrente de sonido indicado por Chopin como Allegro con fuoco, en tanto que la mano derecha marca una melodía enfática con puntillos, acordes y octavas. A esta obra en do menor se le denomina popularmente ‘Estudio revolucionario’, ya que fue escrito en Stuttgart (Alemania) con los sentimientos emotivos despertados por la noticia de la toma de Varsovia por los rusos en septiembre de 1831. La mayoría de los estudios del Opus 25 son breves, a excepción de los números 5, 7, 10 y 11 que duran más de tres minutos y contienen en su estructura secciones contrastantes. Algunos de ellos han recibido títulos descriptivos según los efectos que evocan. En general, llama la atención la riqueza melódica de los estudios y el ingenio con que el compositor construye estas pequeñas joyas en miniatura con mandatos técnicos restringidos como el Estudio No. 6, que se centra sobre las terceras paralelas y el No. 10, sobre las octavas paralelas. Scriabin Entre los solistas y compositores geniales y excéntricos del siglo pasado, el ruso Alexander Scriabin (1871-1915) ocupa un destacado lugar, gracias a su ascendencia y porte aristocráticos, tendencias místicas y forma particular de entender la música y los vericuetos de la armonía. Fue alumno de Anton Rubinstein y junto con Rachmaninov, Lhévinne y Médtner integra a una generación de grandes pianistas-compositores rusos. Asimiló asombrosamente el estilo de sus coetáneos y lo mezcló con las innovaciones de Chopin. Escribió cuatro sinfonías, pero sus obras más difundidas y originales fueron escritas para el piano, en especial sus obras cortas, las cuales son profundamente personales. Desde sus primeras obras para piano, sentó las características más prominentes de su estilo: fuerza expresiva y sensibilidad, riqueza e innovación técnicas, lirismo poético y búsqueda del colorido armónico original. Su obra posee un nivel alto de disonancia y momentos de atonalidad. A partir del Opus 53, Scriabin puso en práctica sus nociones originales acerca de los modos y la armonía, y sus relaciones con los colores. Al lado de las diez sonatas para piano 8 solo, se destacan los conjuntos de estudios agrupados como Opus 2, 8, 42 y 65, iniciados a los 15 años de edad. Al Opus 8 corresponden doce estudios, de dificultad creciente, con los cuales Scriabin se dirige a los problemas tradicionales de la ejecución del instrumento: arpegios, extensión de acordes, paralelismos y, como aporte original, ejercicios con polimetría (ritmos diferentes tocados al mismo tiempo). Son obras turbulentas y enérgicas. Los estudios del Opus 42 ofrecen inmensos contrastes entre lo misterioso, lo apasionado y la noción de apaciguamiento. El quinto de ellos es una de sus obras más conocidas y populares. En la Segunda sinfonía de Scriabin se intuyeron sus futuras propuestas ‘pan armónicas’, que lo acercaron a las teorías atonales de la escuela vienesa. Construyó acordes basados en intervalos de cuartas, ya no las tradicionales terceras del sistema tonal y acuñó un acorde de seis notas llamado ‘acorde místico’. Scriabin acopló la armonía musical a una teoría del color en la que ciertas sonoridades se reflejarían en colores específicos. En 1911 organizó un concierto con juegos de colores proyectados que respondían a las armonías. El misticismo de Scriabin crecía con cada año del transcurrir de su vida. En el año de su muerte se encontraba componiendo una obra sacra, Mysterium, que planeaba producir en los Himalayas a lo largo de siete días y siete noches como el «acto de unión entre el Creador-Masculino y la Mujer- Tierra». Esta noción estuvo precedida por Vers la flamme (Hacia la llama), obra que narra el proceso de una gran intensificación anímica y sonora cuyas armonías constan del acorde místico de seis notas, disonancias libres que van abarcando todo el teclado a medida que transcurre la contemplación que el compositor describe como una emoción naciente que crece hasta convertirse en evento brillante y luminoso. Para Scriabin, todo compositor era un visionario, pues el arte era una forma superior del conocimiento que revelaría la verdadera realidad para proveer así un pasaje al mundo trascendental de la divinidad. En sus obras Scriabin intentó encontrar un estado de éxtasis mediante el medio sonoro, y no la realización de una composición musical. Liszt Autor de unas setecientas composiciones (más de la mitad de ellas para piano), Franz Liszt (1811-1886) no fue un simple exponente del virtuosismo romántico, sino también un compositor innovador, cuyas obras más atrevidas 9 marcaron importantes hitos de la música del siglo XIX y preconizaron algunas concepciones armónicas características del modernismo. A mediados de siglo, Liszt era considerado ya uno de los mejores pianistas que el mundo europeo había conocido. Aunque nacido en Hungría, Liszt se formó en la tradición musical austro-alemana y supo conjugar las tendencias hacia el nacionalismo pictórico y el romanticismo afectivo con la escuela de corte académico del estamento musical alemán. La obra pianística de Liszt es un rico catálogo de estudios, piezas de carácter, piezas nacionales, trozos evocadores, versiones para piano de obras conocidas de otros compositores, variaciones, etc. Entre 1839 y 1847 Liszt emprendió una serie asombrosa de giras de concierto que lo llevó desde los Pirineos a los Urales con un número aproximado de mil presentaciones. De hecho, con esta actividad pública intensa, Liszt ayudó a crear la figura del ‘músico concertista’ del siglo XIX. Fue él quien usó por primera vez la palabra recital para sus presentaciones en Londres e instauró la costumbre de tocar piezas de diversas épocas y diferentes compositores en sus programas. Combinaba en sus actuaciones como pianista obras de su propia inspiración con piezas tomadas del repertorio europeo desde Bach a Chopin. De estas memorables giras datan los comentarios célebres que hiciera Hans Christian Andersen sobre Liszt: Cuando Liszt se sentaba al piano, la primera impresión que se recibía de su personalidad venía de las fuertes pasiones marcadas sobre su rostro pálido, de tal forma que parecía un demonio atornillado al instrumento de donde fluían los tonos —salían de su sangre, de sus pensamientos; era un demonio que liberaba su alma … Vi que el rostro asumía una expresión más noble e iluminada a medida que continuaba tocando; el alma divina brillaba en sus ojos y cada facción; se tornó hermoso, como sólo lo pueden hacer los adoradores del espíritu y el entusiasmo (Celenza, 2002). A partir de 1839 Liszt se interesó por la composición de una serie de piezas para piano de espíritu húngaro que no solo emplearan aspectos musicales magiares (como escalas y la fuerza expresiva manejada desde el ímpetu rítmico), sino que fueran un reto pianístico. Las dos primeras rapsodias fueron impresas en 1851 y, en 1853, aparecerían publicadas doce rapsodias adicionales. Las rapsodias que van desde el número 15 hasta el 19 son el resultado de trabajos realizados entre 1871 y el año de su muerte. Estas rapsodias de Liszt se convirtieron en modelos paradigmáticos para canalizar 10 los intereses nacionalistas europeos a mediados del siglo XIX: las músicas tradicionales sirvieron de materia prima para obras vistosas como suites y danzas sueltas, pero también jugaron un papel importante como aportes originales a formatos clásicos como la sonata y la sinfonía. Las primeras rapsodias de Liszt fueron declaraciones políticas de un artista vehemente ligado al movimiento revolucionario desatado en Europa a partir de 1845 y las más tardías fueron producto de su gran curiosidad acerca de las tradiciones de los gitanos húngaros e interpretaciones personales de aires tradicionales. Casi todas ellas se inician lentamente y se aceleran de acuerdo con la usanza de las csardas populares. El inicio pausado se denomina lassan y sus gestos laxos, llenos de expresividad, evocan improvisaciones. En una segunda sección, llamada friska, se acelera el discurso rítmico y emotivo. Liszt no desaprovechó las Rapsodias como ocasiones para desarrollar su estilo de composición y en ellas también consignó algunas de sus ideas musicales originales: uso de galas virtuosísticas, proezas técnicas y desarrollos extensos de ideas germinales. Las rapsodias Nos. 11 y 13 fueron publicadas en 1853. La No. 11, dedicada a Ferenc Orczy, evoca el sonido del tradicional cimbalón; su espíritu es íntimo. La siguiente, la Rapsodia No. 12 una de las más elaborada, está dedicada al renombrado violinista Joseph Joachim y emplea una melodía de Mark Rozsavolgyi en la primera parte y un tema gitano de Janos Bihari en la segunda, marcada como Allegro zingarese. El reconocimiento de Liszt como artista húngaro de relevancia se dio luego de residir durante un buen tiempo en su tierra natal a partir de 1870 debido a que la toma de Roma, por parte de las tropas del emperador Víctor Emanuel, impidió su regreso a su residencia en Italia. Fue designado entonces Consejero Real Húngaro del emperador Francisco José, título que le conce-dió un sueldo y el derecho a un sitio en la legislatura húngara. Además, fue nombrado director de la Academia Real de Música Húngara, en donde jugó un papel decisivo al fomentar el funcionamiento de un centro de estudio de gran calidad en el cual se formaron luego figuras tan exitosas como Bartók, Kodály y Dohnányi. A partir de este momento y hasta su muerte, Liszt viajó continuamente entre Budapest, Weimar y Roma. 11 Referencias Celenza, Anna H. (2002). The Poet, the Pianist, and the Patron: Hans Christian Andersen and Franz Liszt in Carl Alexander’s Weimar. 19th Century Music, Vol. 26, p. 133. University of California Press. Ellie Anne Duque. Musicóloga de las universidades de Indiana y UCLA. Profesora titular y emérita, e investigadora de la Universidad Nacional de Colombia. Allí se desempeñó como directora de la Dirección de Investigación, del Instituto de Investigaciones Estéticas, del Conservatorio de Música y de la Dirección de Divulgación Cultural. Durante ocho años fue editora de la revista ‘Ensayos. Historia y teoría del arte’, una publicación periódica indexada del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional. Sus investigaciones se centran en la música colombiana de los siglos XIX y XX. 12 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos.

Temporada Digital de Conciertos Banco de la República 2021 Sala de Conciertos Banrepcultural Disponible durante un mes en Concierto digital No. 15 Estreno: miércoles 14 de julio · 6:00 p.m. CUARTETO ZAÏDE cuarteto de cuerdas (Francia) Foto: Kaupo kikkas RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA Este concierto se realiza en colaboración con TOME NOTA Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. Recuerde: los conciertos estarán disponibles en estos canales durante un mes contado a partir de su fecha de estreno ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE 1 CONCIERTOS PARA EL RETORNO Una frase puede encapsular o resumir discursos, explicaciones o documentos completos; los empleados de una empresa o los integrantes de un equipo se identifican rápidamente con ella, miden todas sus acciones e iniciativas frente a esa sencilla pero exigente vara. ‘Construir sobre lo construido’ y ‘hacer público lo público’ son frases recurrentes en la subgerencia cultural del Banco de la República. Hace unos años en la sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango acuñamos la frase ‘en el Banco de la República la música se escucha … ¡en vivo!’. Y, sin embargo, llegó 2020, con una pandemia que paralizó al mundo, y la música de la temporada de conciertos tuvo que dejar de sonar en vivo por la salud y el bienestar de todos. No obstante, tras meses de trabajo, acompañados de profundas reflexiones, la música de algunos jóvenes intérpretes, de artistas de diferentes partes del país, y de algunos invitados internacionales se presenta en el marco de una temporada digital de conciertos que ofrece el Banco de la República en 2021. Este tiempo, colmado de novedades y aprendizajes, ha servido para construir sobre lo construido, y seguir llevando a cabo la labor de hacer de la cultura un bien público. El Banco de la República ofrece para el segundo semestre de 2021 una serie de conciertos virtuales en la que actúan artistas nacionales e internacionales, grabados en diferentes partes del mundo exclusivamente para el Banco de la República, así como en la emblemática Sala de conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. Los conciertos estarán disponibles en el canal Banrepcultural de YouTube, así como en los diferentes perfiles de Facebook de las sucursales y agencias culturales del Banco, incluido el de la Sala de Conciertos Luis Ángel Arango. Los conciertos saldrán al aire los miércoles a las 6:00 p.m.. Entre los artistas que participarán en este segundo semestre de 2021, se destacan ensambles como el Cuarteto Zaïde, de Francia, y el Cuarteto Spektral, de Estados Unidos; el guitarrista colombiano Edwin Guevara; y los pianistas Simón Vlásov, de Rusia, y George Harliono, de Reino Unido. Adicionalmente, en pro de encontrar nuevas maneras de acercarnos a nuestro público y conquistar nuevas audiencias, el Banco de la República continúa publicando contenidos sobre música, como el pódcast La música se habla, en el cual seguiremos entrevistando a intérpretes, directores, compositores, gestores e investigadores que son parte esencial de la escena musical de nuestro país. El pódcast puede ser escuchado en Spotify, Apple Podcasts, Podbean, Deezer, Amazon Music y Google Podcasts. De igual 2 forma, continuaremos publicando una lista de reproducción semanal bajo el perfil Banrepcultural de Spotify. Desde 2020, por medio de este proyecto, hemos puesto a disposición del público interesantísimas selecciones de rock, música vocal y jazz, entre otros géneros, acompañadas de guías especializados que explican el sentido de cada selección. Tanto el pódcast como las listas de reproducción están en el minisitio La música se habla, en el portal cultural del Banco, en donde se pueden encontrar también diversidad de contenidos en formato de audio y video. El 2021 no está libre de ansiedades. A pesar de que la ciencia moderna ha producido múltiples vacunas contra el Covid-19 en tiempo récord, el reto de producirla y llevarla ágilmente a lo ancho y largo del planeta parece ser un escollo más a superar, así como sigue siendo un reto enfrentar nuevos picos de contagio y prevenir la propagación de nuevas variantes del virus. Y, por esa razón, por el bien de todos, seguramente la vida seguirá con restricciones, distancias y sin algunos de los placeres que nos hacen sentir vivos —como escuchar un concierto en vivo. Pero esto no es razón para olvidarnos de nuestro bienestar, de la posibilidad de soñar, de la capacidad de asombro, de la ternura o violencia de una frase musical, de la apoteosis de una composición que nos sacude por cómo suena y por lo que nos hace sentir. Hacen falta los abrazos, hacen falta las conversaciones alrededor de una mesa, hace falta compartir con desconocidos la calurosa sensación de escuchar a un ensamble en vivo. Pero, mientras tanto, tendremos que seguir aportando nuestro mejor esfuerzo, nuestra mayor paciencia y seguir encontrando maneras de sentirnos juntos, compartiendo historias, recomendándonos libros, películas, artículos de prensa, recetas y, desde luego, conciertos. Esperamos ser un aliento más en este esfuerzo y un refugio más para cuidarnos. El Banco de la República continúa ofreciendo recitales virtuales en el marco de una temporada inusual, a modo de un ritual de retorno que nos prepare para ese lento pero seguro reencuentro con la calle, el parque, los amigos y con la música en vivo, en nuestra Sala de Conciertos. Bienvenidos. @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Sala de Conciertos Luis Ángel Arango Síganos en 3 SOBRE EL ENSAMBLE CUARTETO ZAÏDE, cuarteto de cuerdas (Francia) Charlotte Maclet y Leslie Boulin Raulet, violines; Sarah Chenaf, viola y Juliette Salmona, violonchelo Creado en 2009 en París, el Cuarteto Zaïde ha actuado en el Wigmore Hall de Londres; con las filarmónicas de Berlín, Colonia y París, en el Concertgebouw de Ámsterdam; en el Bozar, de Bruselas, el Théâtre des Champs-Elysées, el Théâtre des Bouffes du Nord, el auditorio del Musée d’Orsay, el KKL de Lucerna, el Koncerthuset de Estocolmo, el Musikverein y el Konzerthaus de Viena, el Jordan Hall de Boston, el Merkin Hall de Nueva York, el Teatro Colón de Bogotá, el Sesc de São Paulo, el auditorio de la Ciudad Prohibida de Pekín, la Sala de Conciertos de Xi’an y el Centro Cultural de Hong Kong. Adicionalmente, el cuarteto realiza giras con frecuencia, no solo en Francia, sino en el resto del mundo. Desde 2018, sus integrantes han asumido el papel de directores artísticos del Festival Internacional de Cuartetos de Cuerda del Luberon. Poco después de su formación, el Cuarteto Zaïde obtuvo un impresionante número de premios en concursos internacionales: ganó por unanimidad el primer puesto en el concurso Charles Hennen en 2010; el primer puesto en Foto: Kaupo kikkas 4 el concurso internacional de música de cámara BMJC de Pekín en 2011, y el primer puesto en el concurso de música de cámara Haydn en 2012. Además, el cuarteto fue ganador del concurso de la ARD de Múnich de 2012 y del premio de la prensa en el concurso internacional de Burdeos de 2010. También obtuvo el premio HSBC en 2010 y fue seleccionado para participar en el programa ECHO Rising Star en 2015. El cuarteto agradece el mecenazgo musical de la Société Générale, que le prestó un valioso apoyo en sus primeros años. Las integrantes del Cuarteto Zaïde se han beneficiado continuamente de los valiosos consejos ofrecidos por Hatto Beyerle, Johannes Meissl, Gabor Takacs-Nagy, Gordan Nicolić y Goran Gribarjevic, a quienes consideran sus mentores. En la actualidad disfrutan poder comunicar su pasión, y es por esto por lo que a menudo ofrecen clases magistrales en las ciudades donde se presentan. Conozca más acerca del ensamble Cuarteto Zaïde 5 Cuarteto de cuerdas No. 14 en sol mayor, K.387 ‘La primavera’ (1782) Allegro vivace assai Menuetto Andante cantabile Molto allegro WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Cuarteto de cuerdas en mi bemol mayor (1834) Adagio ma non troppo Allegretto Romanze Allegro molto vivace FANNY MENDELSSOHN (1805-1847) PROGRAMA 6 SOBRE EL PROGRAMA Por Angélica Daza Enciso Desde el punto de vista de la música, la segunda mitad del siglo xviii se caracterizó por el abandono progresivo del bajo continuo y de la sofisticada estética del Barroco. Bajo la influencia de los ideales de la Ilustración, el pensamiento musical se encaminó hacia la independencia del quehacer artístico, permitiéndole a los compositores buscar reconocimiento por fuera del tradicional esquema de mecenazgo bajo el cual las creaciones musicales muchas veces debían adaptarse a los deseos y necesidades de los patronos. En el periodo comprendido entre 1750 y 1820 se consolidaron formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera, y aparecieron otras, como el cuarteto de cuerdas, cuya homogeneidad tímbrica y capacidad expresiva lo convirtieron en uno de los formatos instrumentales más importantes no solo del clasicismo, sino de los periodos posteriores. La música de cámara no fue una novedad del Clasicismo. Ya desde el siglo xvii se escuchaban, en los salones de palacios y mansiones aristocráticas, conjuntos instrumentales con un número reducido de ejecutantes que interpretaban sonatas a solo o a trío, acomodándose a la intimidad del lugar. En el siglo xviii, a medida que aumentó el acceso de la burguesía a la educación y a la práctica musical, se hizo necesario ampliar el repertorio de música de cámara y, en consecuencia, estos espacios se multiplicaron, permitiéndoles a muchos presentarse en ambientes que facilitaban la ejecución de obras de distintos niveles1. Esta se convirtió en una práctica fundamental para el intercambio de ideas musicales que permitió la consolidación de géneros como el cuarteto de cuerda. Fue en alguna de estas reuniones vespertinas donde llegaron a encontrarse dos compositores a quienes hoy la historia reconoce como los más influyentes del periodo clásico: Franz Joseph Haydn (1732-1809) y Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)2. Poca información nos queda sobre las ocasiones en que se encontraron, pero se cree que tocaron juntos más de una vez. Algunos testimonios aseguran que, en uno de esos encuentros musicales con otros 1 En dichos ambientes también se presentaron algunos de los mejores intérpretes y compositores de la época, con frecuencia profesores de los organizadores de estos salones. 2 Se presume que Haydn y Mozart se habían conocido en Viena, cerca de 1783, en un viaje emprendido por el primero a la capital austriaca cuando trabajaba al servicio del príncipe Esterházy en una de sus residencias cerca de Viena. 7 compositores, Haydn tocó el primer violín y Mozart la viola. Lo cierto es que entre ambos surgió una amistad basada en la admiración mutua. Mozart veía en Haydn una figura paternal3, y en más de una ocasión Haydn supo reconocer el gran talento del joven genio de Salzburgo. Haydn es recordado como el ‘padre del cuarteto de cuerdas’4 no por haber sido el primero en escribir para este formato (Boccherini había incursionado ya en él), sino por las contribuciones que hizo a la estabilización y consolidación de la forma musical de las obras escritas para este formato instrumental. Al desaparecer el bajo continuo, fundamento de la armonía en el periodo Barroco, el equilibrio de las voces debía repartirse de una forma diferente. El cuarteto de cuerdas, con la distribución de dos voces agudas (violín), una voz media (viola) y una baja (violonchelo), respondía perfectamente a esta necesidad. Esta forma ha interesado desde entonces a los compositores por su homogeneidad tímbrica (los cuatro instrumentos tienen una calidad sonora similar) y las posibilidades de escritura que tanto Haydn como Mozart exploraron en sus distintos ciclos de cuartetos. Los cuartetos Opus 33 de Haydn5, compuestos en 1781, son para muchos la base formal de los cuartetos clásicos, pues cada uno de sus cuatro movimientos tiene una identidad y funcionalidad propia. Este ciclo de seis cuartetos impresionó tanto a Mozart que, en 1782, decidió iniciar la composición de los que serían más adelante los ‘Cuartetos Haydn’ (K. 387, 421, 428, 458, 464 y 465), publicados en Viena en 1785 como un homenaje al compositor que él mismo consideraba, según lo manifestó en la dedicatoria de esa publicación, ‘su mejor amigo’6. Cada cuarteto de este ciclo se empareja por tonalidad (o por tonalidad relativa) con alguno del Opus 33 de Haydn. En los 3 Haydn, mayor que él 24 años, era, además, amigo de su padre, Leopoldo Mozart. 4 Muchos atribuyen esta dignidad a Luigi Boccherini (1743-1805). 5 Conocidos como ‘cuartetos rusos’ por haber sido dedicados al futuro zar de Rusia. 6 «A mi querido amigo Haydn: un padre que había resuelto enviar a sus hijos al ancho mundo sintió que debía confiarlos a la protección y dirección de un hombre muy célebre entonces, quien, por suerte, era además su mejor amigo. Es así, hombre célebre y muy querido amigo, que te presento a mis seis hijos. Son, es cierto, el fruto de un largo y laborioso esfuerzo, pero la esperanza que me han dado varios amigos de verlo al menos en parte recompensado, me anima y persuade de que este alumbramiento me servirá algún día de consuelo. Tú mismo, querido amigo, en tu última estancia en esta capital, me expresaste tu satisfacción. Este sufragio tuyo es lo que más me animó, y es por esta razón que te los recomiendo, con la esperanza de que no parezcan indignos de tu favor. ¡Que te sea plácido, entonces, recibirlos con agrado y ser su padre, su guía y su amigo! A partir de este momento te cedo mis derechos sobre ellos y te imploro, en consecuencia, que mires con indulgencia las faltas que mi ojo parcial de padre me haya ocultado y que conserves, a pesar de ello, tu generosa amistad hacia aquel que tanto la aprecia. Porque soy, de todo corazón, querido amigo, tu más sincero amigo. W.A. Mozart.» (traducido al español por Angélica Daza Enciso desde una traducción francesa del original italiano). 8 ‘Cuartetos Haydn’, Mozart no busca emular el modelo original, sino proponer un paralelo, un diálogo entre las ideas del maestro y las suyas propias. Este esfuerzo no pasó desapercibido para Haydn, quien se mostró muy complacido al escucharlos, como asegura Mozart en la dedicatoria: «Tú mismo, querido amigo, en tu última estancia en esta capital, me expresaste tu satisfacción». Acerca de la personalidad de Mozart, afirma Atsushi Sakaï, violonchelista del Cuarteto Cambini-Paris: «Mozart no es ni innovador como Haydn, ni revolucionario como Beethoven. Pero ama el mundo en el que vive y sabe cómo obtener de él la más grande inspiración. Lejos de ser un elitista académico, logra asimilar el estilo de los demás y absorber lo mejor para adaptarlo a su propia sensibilidad»7. El Cuarteto de cuerdas No. 14 en sol mayor, K. 387, llamado ‘La primavera’, es el primero de la serie y corresponde por tonalidad al No. 5 del Op. 33 de Haydn. Al igual que su modelo, el Cuarteto No. 14 no fue concebido como acompañamiento de una voz en particular ni como ejemplo de armonía a cuatro voces, sino como un conjunto en el que las cuatro voces dialogan en completo equilibrio. Acerca del papel de la viola en este cuarteto, por ejemplo, asegura Frédéric Lainé: El interés de Mozart por la viola adquiere una dimensión especial en sus cuartetos y quintetos de cuerda. […]. Esta actitud está especialmente presente en la serie de seis cuartetos compuestos entre 1782 y 1785, dedicados a Haydn, esto desde el primero de ellos, K 387 en sol mayor, donde la viola juega inmediatamente un papel protagónico, convirtiéndose en un apoyo decisivo para la progresión dramática. Lejos de romper el equilibrio, la voz de la viola consolida la estructura general del cuarteto. El primer movimiento, Allegro vivace assai, es una muestra de armoniosa interacción entre las partes. De carácter alegre y decidido, es una forma sonata8 en la que Mozart expone los diferentes temas explorando las texturas tímbricas de cada instrumento. El segundo movimiento, Menuetto, conserva el carácter de danza con ciertas audacias melódicas, como las escalas cromáticas ascendentes y descendentes entre las diferentes voces. El carácter forte-piano repetido en una misma frase contribuye a generar una sensación de desequilibrio que se resuelve rápidamente en la mezcla del tejido armónico. 7 Traducido del francés por Angélica Daza Enciso. 8 La forma sonata, es una de las formas musicales más importantes del clasicismo. Está presente en casi todos los géneros instrumentales del periodo (sinfonía, concierto, cuarteto, etc.) y se caracteriza, en términos muy generales, por tener una estructura que tiene una exposición, un desarrollo y una reexposición. 9 El trio inicia con algunos compases al unísono, seguido de un diálogo entre instrumentos. El tercer movimiento, Andante cantabile, es de carácter tranquilo y contemplativo, mientras que el último, Molto allegro, es un ejemplo de la solvencia adquirida por el compositor en las técnicas del contrapunto. Inicia tranquilamente con una fuga construida sobre un tema de cuatro notas que es retomado en diferentes momentos, mezclándose con otros también tratados contrapuntísticamente. En opinión de Olga Ellen Bakulina: Mozart escribió los seis cuartetos dedicados a Joseph Haydn […] poco después de comenzar a interesarse particularmente por el contrapunto. Este interés fue impulsado por su contacto en 1782 con la música de J. S. Bach y G. F. Haendel, al asistir a las reuniones vespertinas dominicales del barón van Swieten, dedicadas a la música de estos compositores9. El ‘falso final’ con el que termina la obra y que aparenta ser la conclusión definitiva —pero que en realidad da espacio a un acorde más— recuerda el tipo de artificios o ‘bromas musicales’ usuales en la escritura de Haydn. Ludwig van Beethoven (1770-1827), aprendió de Haydn la forma clásica del cuarteto de cuerdas, pero también la llevó, en los últimos años de su vida, a la que sería una de sus primeras cúspides. En su obra se reconoce el respeto a la forma, pero también la intensidad de la expresión que caracterizó a su escritura. Ejerció una importante influencia en otros compositores de su tiempo, entre ellos una de las primeras mujeres en escribir para este formato, Fanny Mendelssohn (nacida Mendelssohn Bartholdy) (1805-1847)10. Al igual que Maria Anna (Nannerl) Mozart (1751-1829), hermana mayor de Wolfgang Amadeus, Fanny, hermana mayor de Felix Mendelssohn (1809-1847), permaneció a la sombra de su hermano menor a pesar de haber recibido la misma educación musical11. Fanny accedió a publicar algunas de sus obras bajo el nombre de su hermano, y solo recientemente se ha logrado 9 Traducido del inglés por Angélica Daza Enciso. 10 La compositora adoptó inicialmente el apellido Hensel, después de su matrimonio con el pintor Wilhelm Hensel (1794-1861) en 1829. El apellido Bartholdy había sido adoptado por la familia años atrás para evitar el antisemitismo de la sociedad alemana. 11 Los dos músicos, Wolfgang Amadeus y Félix, pedían constantemente la opinión y asesoría musical de sus hermanas mayores, pues conocían sus capacidades y experticia musical. La sociedad patriarcal en la que ambas mujeres crecieron les impedía aspirar a una carrera como intérpretes o compositoras. En el caso de Fanny, esto era consecuencia de las normas de la clase social privilegiada a la que pertenecía, en la que no era bien visto que una mujer se ocupara de una actividad profesional. Caso diferente fue el de Clara Wieck (posteriormente Clara Schumann), hija de músicos profesionales que la prepararon para convertirse en concertista, lo que, de hecho, hizo tras la muerte de su esposo. 10 restituir la verdad sobre su autoría. Aunque escribió cerca de 450 obras —la mayor parte de ellas Lieder (canciones) y pequeñas obras para piano—, la casi totalidad nunca fueron publicadas. Fanny Mendelssohn mantuvo un salón musical —antigua tradición familiar— los domingos en la tarde (Sonntagsmusiken) en su residencia en Berlín. En este exclusivo salón se presentaron músicos de la talla de Franz Liszt (1811-1886) o Clara Schumann (1819-1896). En la intimidad de este ambiente, Fanny pudo interpretar algunas de las obras que escribía sin la intención de que fueran publicadas o de que circularan fuera del ámbito familiar. Aun así, pocas fueron las veces en que se animó a interpretarlas en público, a pesar de ser reconocida como una brillante intérprete. Su marido le animó a que publicara alguna de sus obras, lo que, de hecho, hizo un año antes de su muerte. Aunque prefirió las obras vocales y el repertorio pianístico, que se creía más apropiado para una mujer, se animó a componer un trío y un cuarteto para piano, una obertura y un cuarteto de cuerdas que fue publicado 150 años después de su muerte. En 1834 compuso el Cuarteto de cuerda en mi bemol mayor a partir de una sonata para piano en mi bemol mayor que había dejado inconclusa algunos años atrás. Fue su primer y único intento en este tipo de formato, además del más ambicioso. En él, la influencia de la escritura de Beethoven es muy notoria, así como la de Johann Sebastian Bach, uno de sus compositores favoritos. El primer movimiento, Adagio ma non troppo, en vez de ser un movimiento introductorio alegre y vivaz —como era usual en el Clasicismo—, es lento y sombrío, y en este, Mendelssohn desarrolla progresivamente el tema en las distintas voces. Este ambiente contrasta con el del segundo movimiento, Allegretto, de carácter enérgico y con pasajes fugados que recuerdan el contrapunto barroco. El tercer movimiento, Romanze, es el más extenso de todos y también el más lírico. Finalmente, el Allegro molto vivace termina la obra con energía y dinamismo. Este cuarteto es uno de los pocos ejemplos de música de cámara que nos quedan de la compositora. A pesar de la desaprobación social que pudiera existir hacia una mujer que desarrollara esa labor, Fanny Mendelsohn escribió música durante toda su vida y tuvo la oportunidad no solo de tocar algunas de sus obras en público, sino también de dirigirlas en aquellos salones que organizaba. Al resguardo de la intimidad del lugar, pudo experimentar con formas más ‘atrevidas’ de composición, como es el caso de este cuarteto que, a pesar de haber recibido críticas negativas de su hermano por salirse de la norma, es considerado una pieza virtuosa y de gran inventiva. 11 Referencias Bakulina, O. (enero, 2013) The Loosening Role of Polyphony : Texture and Formal Functions in Mozart’s “Haydn” Quartets. Erudit. 32 (1–2). Recuperado de https://www.erudit.org/fr/revues/is/2012-v32-n1-2-is0829/ 1018577ar/ Lainé, F. (2010). L’alto. Paris: Mnemosis instruments, Anne Fuzeau. Quatuor Cambini-Paris. (2015). Wolfgang Amadeus Mozart, The 6 String Quartets dedicated to Haydn. Ambroisie-Naïve. Recuperado de https:// www.chandos.net/chanimages/Booklets/N90213.pdf Angélica Daza Enciso es maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente realiza las charlas previas a los conciertos que se presentan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. 12 Encuentra también los podcasts, las listas de reproducción y reseñas de discos en www.banrepcultural.org/programas/la-musica-se-habla/podcast Escucha un nuevo episodio cada sábado en Spotify Banrepcultural #LaMúsicaSeHabla El podcast sobre música de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango También disponible en Google Podcasts Amazon Podbean Deezer Music Apple Podcasts En Spotify Banrepcultural también podrás encontrar listas de reproducción y reseñas de discos elaboradas por especialistas y melómanos.

Creado en 2009 en París, el Cuarteto Zaïde ha actuado en el Wigmore Hall de Londres; con las filarmónicas de Berlín, Colonia y París, en el Concertgebouw de Ámsterdam; en el Bozar, de Bruselas, el Théâtre des Champs-Elysées, el Théâtre des Bouffes du Nord, el auditorio del Musée d’Orsay, el KKL de Lucerna, el Koncerthuset de Estocolmo, el Musikverein y el Konzerthaus de Viena, el Jordan Hall de Boston, el Merkin Hall de Nueva York, el Teatro Colón de Bogotá, el Sesc de São Paulo, el auditorio de la Ciudad Prohibida de Pekín, la Sala de Conciertos de Xi’an y el Centro Cultural de Hong Kong. Adicionalmente, el cuarteto realiza giras con frecuencia, no solo en Francia, sino en el resto del mundo. Desde 2018, sus integrantes han asumido el papel de directores artísticos del Festival Internacional de Cuartetos de Cuerda del Luberon. Poco después de su formación, el Cuarteto Zaïde obtuvo un impresionante número de premios en concursos internacionales: ganó por unanimidad el primer puesto en el concurso Charles Hennen en 2010; el primer puesto en el concurso internacional de música de cámara BMJC de Pekín en 2011, y el primer puesto en el concurso de música de cámara Haydn en 2012. Además, el cuarteto fue ganador del concurso de la ARD de Múnich de 2012 y del premio de la prensa en el concurso internacional de Burdeos de 2010. También obtuvo el premio HSBC en 2010 y fue seleccionado para participar en el programa ECHO Rising Star en 2015. El cuarteto agradece el mecenazgo musical de la Société Générale, que le prestó un valioso apoyo en sus primeros años. Las integrantes del Cuarteto Zaïde se han beneficiado continuamente de los valiosos consejos ofrecidos por Hatto Beyerle, Johannes Meissl, Gabor Takacs-Nagy, Gordan Nicolić y Goran Gribarjevic, a quienes consideran sus mentores. En la actualidad disfrutan poder comunicar su pasión, y es por esto por lo que a menudo ofrecen clases magistrales en las ciudades donde se presentan.

En 2019, George Harliono fue premiado en las Audiciones Internacionales de YCAT (Young Classical Artists Trust) y, además, fue el único pianista británico seleccionado para el Concurso Tchaikovsky. Entre sus reconocimientos, también se cuentan los máximos galardones obtenidos en el Gran Concurso de Piano de Moscú (2016), así como en los concursos Gina Bachauer (Utah 2016), Aarhus (Dinamarca) y Dinu Lipatti (Bucarest). Como solista, Harliono se ha presentado con la Orquesta Mariinsky, dirigida por Valery Gérgiev, y con las orquestas Estatal de Moscú, Nacional de Tatarstán, Sinfónica de Sochi, Filarmónica de Tyumen y New
Millenium Chicago. Ha ofrecido recitales en el ciclo Scherzo de Madrid, la Filarmónica de Berlín y el Royal Albert Hall, y ha colaborado con Lang Lang y Denis Matsuev. Entre los eventos más destacados del último año se encuentran los recitales en la Konzerthaus de Viena, el Festival Chopin en Duszniki, la Academia Rusa de las Artes y el Festival de Wimbledon. Se presentó como solista con la Orquesta Música Viva (Moscú), la Orquesta del Festival de Jurmala (Letonia) y la Orquesta Firebird (Londres). En esta temporada, Harliono vuelve al Wigmore Hall y ofrecerá recitales en el Reino Unido, Rusia, los Países Bajos y Francia. George Harliono nació en Londres. En 2017, se convirtió en el estudiante más joven en obtener una beca en el Royal College of Music.

El pianista y compositor Simón Vlásov nació en la isla de Sajalín (Rusia). Su trayectoria ha sido reconocida en diferentes ámbitos: en 2013 ganó el Concurso Internacional de Piano Serguei Rachmaninov, fue galardonado en el Concurso Internacional de Piano Pietro Argento, recibió el premio Jóvenes Talentos de Rusia, del Ministerio de Cultura de ese país, participó en el Concurso Internacional Maria Yudina, en Rusia, y en el Concurso Internacional Temporada Rusa, entre otros. Obtuvo diploma summa cum laude en la Escuela Superior de Música de Sverdlovsk ‘Piotr Ilich Tchaikovsky’, se graduó con honores de la maestría y doctorado en piano del Conservatorio de Los Urales ‘Modést Mussrgsky’, con la pianista Nadezhda Atlas. Estudió con Valentina Lisitsa, Dmitri Bashkírov, Andréi Gavrílov, Mikhail Arkadiev, Alexander Sandler, Miguel Ángel Scebba, Atanas Kurtiev y Valery Shkarupa. Como solista, ha actuado con directores como Maxim Fedotov, Alexey Dorkin, Enkhbaatar Baatarzhavyn, Anton Shaburov, Leonid Shkarupa y Germán Céspedes. Ha realizado conciertos en la Federación Rusa, y en Colombia, Italia y Alemania. En 2020 inauguró como solista el XXXVII Festival Internacional de Piano de Bucaramanga - UIS. Dentro de sus producciones discográficas se encuentran Piano Works (2017) y Melodías del alma rusa y latinoamericana (2018). Su profundidad musical, brioso virtuosismo y expresividad son características que han acompañado su carrera, junto con la inclusión de un repertorio extenso y variado, dentro del cual se destaca su brillante interpretación de las composiciones tardías de Alexander Scriabin, así como sus transcripciones para piano del repertorio latinoamericano y soviético.

Serie de los jóvenes intérpretes ¡CONÉCTESE AL CONCIERTO, DESCONÉCTESE DE LO DEMÁS! TOME NOTA… UNA TEMPORADA INUSUAL TEMPORADA DIGITAL DE CONCIERTOS BANCO DE LA REPÚBLICA Concierto No. 18 Estreno: miércoles 4 de agosto de 2021 · 6:00 p.m. Disponible en línea hasta el viernes 3 de septiembre de 2021 Desde 1985, varios jóvenes músicos colombianos aspiran a ser seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. El proceso de selección incluye dos rondas de audiciones evaluadas por jurados escogidos según el instrumento o el género musical. A lo largo de los años, la convocatoria se ha convertido en un espacio para que los jóvenes músicos midan sus capacidades artísticas, pongan a prueba su proceso de preparación y adquieran experiencia. El diseño original de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República 2020 incluía veintiocho conciertos de jóvenes intérpretes en diferentes ciudades del país y veinticuatro en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. La suspensión de todas las actividades de las artes escénicas abiertas al público como consecuencia de las medidas de prevención por la propagación del COVID-19 obligó a la cancelación de los conciertos en vivo - cancelación que continúa en 2021. No obstante, el Banco de la República es consciente de la importancia que tiene, en este contexto, brindarle al público espacios de apreciación, esparcimiento y acercamiento a diferentes expresiones musicales. De igual forma, es consciente de que un evento como esta pandemia no debe tener como respuesta la parálisis sino la adaptación y la absoluta convicción en los principios que rigen su labor cultural, incluida la de acercar al público a nuevos talentos musicales colombianos. La temporada digital de los jóvenes intérpretes es una muestra del talento que hay en nuestro país, así como un mensaje que llega de las manos de nuestras jóvenes promesas: a pesar de la distancia física que dicta la prudencia frente a la actual pandemia, hay maneras de estar cerca de la música, de compartir experiencias con amigos, familia, público y artistas, y de construir espacios para estos encuentros. Esperamos que los conciertos digitales que presentaremos en 2021 se conviertan en un espacio para compartir en familia, para escuchar y descubrir música y para darnos cuenta de que la distancia es tan solo física y que, gradualmente, si todos ponemos de nuestra parte, nos volveremos a encontrar en la calle, en el trabajo, como familia y, desde luego, en nuestros teatros, auditorios y salas de concierto. ¡Bienvenidos! Sala de Conciertos Banrepcultural Foto: Felipe Carrero Foto: Pablo Stredel Foto: Jhon Álvarez Foto: Rocio Hernández - Matawa producciones Foto: Mariangela Quiroga Cantillo DÚO LEBENSFREUDE (Ibagué) violín y guitarra ANDRÉS FELIPE ÚSUGA, piano JOSHUA DAVID SIERRA, piano MARÍA CAMILA FLÓREZ, violín María Camila Barbosa, piano SANTIAGO OVIEDO REINA, clarinete Diego Claros, piano Para conectarse a los recitales que hacen parte de la Temporada Digital de Conciertos del Banco de la República 2021, siga el perfil de Facebook de la Sala de Conciertos y el canal de YouTube Banrepcultural. Recuerde: los conciertos estarán disponibles en estos canales durante un mes contado a partir de su fecha de estreno ¡Prográmese y no se los pierda! Aproveche este espacio para disfrutar la música desde de su casa. Solo o en familia, organice un espacio que le permita apreciar al máximo esta experiencia, prepare la tecnología que tenga a la mano para visualizar el concierto, revise los parlantes o auriculares, y escoja un rincón de su casa en el que se sienta cómodo para vivir el concierto. Al igual que un concierto en vivo, la experiencia de asistir a uno virtual será mejor aprovechada si se vale de un ambiente silencioso. Libérese de otras actividades, apague el teléfono, entréguese a la música y, ¡disfrute del momento! Aproveche que está en casa, prepárese antes del concierto una bebida, caliente o fría, y, si tiene frío o calor, no está mal usar una cobija o un ventilador. Asegúrese de tener a la mano los elementos que necesita o con los que se siente cómodo, evite las distracciones y entréguese a la experiencia. A lo largo de este programa de mano encontrará hipervínculos que le permitirán conocer más de cerca a los artistas, así como acceder más fácilmente a contenidos relacionados con el concierto o con la programación musical del Banco. Lo invitamos a navegar a través de estos enlaces. Respetemos juntos los derechos de autor de los compositores e intérpretes. Le agradecemos no grabar los conciertos, tanto la imagen de los artistas como la obra y su interpretación están sujetos a licencias y autorizaciones de emisión. Siga conectado a las la programación musical virtual que ofrece el Banco de la República. Ingrese a www.banrepcultural.org y entérese de las actividades programadas. Crecemos y mejoramos gracias a sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción. Para comunicarse con nosotros haga uso de los recursos virtuales de atención al ciudadano, puede ser a través del portal de servicio al ciudadano del Banco de la República o del correo electrónico [email protected] CONÉCTESE RODÉESE DE SILENCIO CONOZCA MÁS PROGRÁMESE OPINE PÓNGASE CÓMODO PROTEJA A LOS ARTISTAS PREPÁRESE SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango CONOZCA NUESTRA PROGRAMACIÓN EN www.banrepcultural.org/actividad-musical Uno de los compositores e intérpretes que dieron inicio al paradigma del virtuoso romántico del siglo XIX fue indudablemente Niccolò Paganini (1782- 1840); su fama e influencia sobre otros músicos fue impactante. Compositores como Schumann y Liszt, entre otros, manifestaron su admiración hacia Paganini emulando su estilo brillante o readaptando algunas de sus obras al piano y a otros formatos instrumentales. Por otro lado, si bien el nombre de Paganini ha mantenido su asociación hacia una reveladora ‘pirotecnia violinística’, la obra que abre nuestro programa nos acerca a otra faceta del compositor: a través de la música de cámara Paganini manejó un lenguaje sobrio, sofisticado y equilibradamente conservador. Paganini interpretaba la guitarra desde sus años de infancia y logró dominar este instrumento con notable maestría. Escribió una gran cantidad de obras cortas para guitarra sola y aproximadamente treinta duetos para guitarra y violín. La Sonata concertata, MS. 2 es la primera de sus sonatas para guitarra y violín. Compuesta en 1803 y dedicada a la esposa de uno de los mecenas de Paganini en Génova, esta obra está organizada en tres movimientos que se adaptan más claramente al recato y balance propios de finales del Clasicismo. El primer movimiento es una forma sonata donde ambos instrumentos alternan sus funciones como protagonistas y acompañantes, el segundo movimiento presenta un lirismo íntimo y melancólico para desembocar el movimiento final caracterizado por una sonoridad descomplicada y vivaz. La discusión histórica acerca del género denominado ‘bambuco’ ha estado plagada de tendencias, contradicciones y equívocos, pero, sobre todo, de anacronismos. Es por eso que, a una de las primeras obras escritas para piano en este género, a mediados del siglo XIX, El bambuco, Op. 14 de Manuel María Párraga (c. 1826-c. 1895), se le achacan errores de escritura, de forma y de estilo, como si debiera responder a los modelos de un siglo después. En esta obra son evidentes los elementos que hoy llamamos ‘académicos’: una introducción, puentes entre secciones y final de carácter grandilocuente, además de un tratamiento de variación, por aumentación y por ornamentación, sobre los temas principales de las secciones. También están los elementos de lo que hoy llamaríamos ‘tradicional’: presentación de motivos ritmo-melódicos característicos, un persistente esquema de acompañamiento ritmo-armónico en la mano izquierda, el planteamiento de dos secciones en tonalidades menor y paralela mayor, y la no coincidencia temporal de las resoluciones melódicas y armónicas. Ganador del celebrado Prix de Rome, de la Legión de Honor y director de la Ópera Comique de París, Eugène Bozza (1905-1991) es reconocido actualmente por su música para vientos. Bozza escribió Bucolique en 1949 gracias a la larga tradición de comisiones que se realizaban en el Conservatorio de París para el Concours annuel y la dedicó a su compañero clarinetista Ulysse Delécluse, quien, al haber ganado el primer lugar de dicho concurso en 1924, sería capaz de sostener la evidente construcción virtuosa, llena de cadencias y momentos de expresividad técnica. Frédéric Chopin (1810-1849) fue uno de los primeros compositores en darle voz propia al scherzo (juego, en italiano), género que, en el siglo XIX, significó un espacio para mostrar la individualidad interpretativa y técnica. Se trataba de explorar cómo el piano era capaz de brindar a su público el espectáculo de virtuosismo esperado y, en el caso del Scherzo No. 2, Op. 31, de poder expresar, de manera muy sutil, lo que el compositor denominó como un ‘llamado sin respuesta a la morada de los muertos’. Considerado por Robert Schumann como un relato digno de Lord Byron, las primeras tres notas de este scherzo y sus continuos llamados de atención nos invitan sí a un juego, pero a un juego macabro. El compositor colombiano Jorge Humberto Pinzón (n. 1968) describe Andrómeda, su rapsodia para violín y piano, de la siguiente manera: Andrómeda pertenece al Ciclo de las constelaciones, el cual tiene el propósito de simbolizar la magnificencia del Universo como creador de vida y movimiento, de formas, colores y estructuras prodigiosas que preservan grandes enigmas y consecuentemente se relacionan con los sistemas musicales, gracias al aporte infinito de representaciones geométricas, materia, tiempo y espacio. Referencias Gvetadze, N. (2017). Ghosts – Frédéric Chopin. Challenge Classics. Jaime Ramírez / Manuel Bernal / Daniela Peña SOBRE LOS INTÉRPRETES SOBRE EL REPERTORIO Dúo Lebensfreude está conformado por Gustavo Adolfo Peña Arbeláez en el violín y Juan Pablo Barrero Junco en la guitarra, quienes cursaron el programa de música en el Conservatorio del Tolima. Peña y Barrero han sido ganadores de diferentes concursos como el ciclo de conciertos Beethoven 7.30 2018, en Cali; el Festival de Música Sacra, en Ibagué; el ciclo de conciertos universitarios 2018 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en Bogotá y la convocatoria para ser parte de la Serie de los Jóvenes intérpretes del Banco de la República en 2020. Joshua David Sierra nació en Bogotá y, a los 16 años, ingresó al nivel básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En 2016 realizó un curso de verano como becario en Hotchkiss School of Music y ganó la convocatoria de solistas de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional. Santiago José Oviedo Reina es egresado de la Universidad Nacional de Colombia. En 2012 obtuvo el premio a mejor instrumentista en el marco del XIX Concurso Nacional de Bandas en Anapoima (Cundinamarca) y participó en el III Festival Internacional de Clarinete y Concurso Nacional de Clarinete Claribogotá, donde obtuvo el primer puesto en la categoría juvenil. En 2019 ganó el Concurso de Jóvenes Solistas del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente pertenece al Ensamble Terranova y es clarinete supernumerario de las agrupaciones juveniles de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Andrés Felipe Úsuga ingresó en 2007 al Programa de Música en los cursos de extensión de la Universidad de Antioquia y, en 2013, al Preparatorio de Música de la misma universidad. Al año siguiente inició estudios de pregrado en música allí mismo, y en 2019 obtuvo su título de maestro en piano. Fue el ganador del primer lugar en la quinta versión del Concurso Jóvenes Solistas Homenaje a Johann Sebastian Bach y obtuvo el primer lugar en el Festival Concurso Pianissimo 2018, en la categoría jóvenes intérpretes. María Camila Flórez es egresada de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas. Se ha desempeñado como músico de orquesta en diferentes instituciones, entre ellas la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara de Bogotá, Iberacademy y la Orquesta Sinfónica de Caldas. Fue becaria de la Fundación Salvi en el XI Festival Internacional de Música de Cartagena y en el programa de Jóvenes Artistas del II y III Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Ecuador). DÚO LEBENSFREUDE, violín y guitarra Sonata concertata, MS. 2 (1803) Allegro spiritoso Adagio assai espressivo Allegretto con brio, scherzando NICCOLÒ PAGANINI (1782-1840) JOSHUA DAVID SIERRA, piano El bambuco, Op. 14 (s. f.) MANUEL MARÍA PÁRRAGA (c. 1826-c. 1895) SANTIAGO OVIEDO REINA, clarinete Diego Claros, piano Bucolique (1949) EUGÈNE BOZZA (1905-1991) Para clarinete y piano ANDRÉS FELIPE ÚSUGA, piano Scherzo No. 2, Op. 31 (1837) FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849) Para piano solo MARÍA CAMILA FLÓREZ, violín María Camila Barbosa, piano Andrómeda (2007) JORGE HUMBERTO PINZÓN (n. 1968) Para violín y piano

Dúo Lebensfreude está conformado por Gustavo Adolfo Peña Arbeláez en el violín y Juan Pablo Barrero Junco en la guitarra, quienes cursaron el programa de música en el Conservatorio del Tolima. Peña y Barrero han sido ganadores de diferentes concursos como el ciclo de conciertos Beethoven 7.30 2018, en Cali; el Festival de Música Sacra, en Ibagué; el ciclo de conciertos universitarios 2018 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en Bogotá y la convocatoria para ser parte de la Serie de los Jóvenes intérpretes del Banco de la República en 2020. Santiago José Oviedo Reina es egresado de la Universidad Nacional de Colombia. En 2012 obtuvo el premio a mejor instrumentista en el marco del XIX Concurso Nacional de Bandas en Anapoima (Cundinamarca) y participó en el III Festival Internacional de Clarinete y Concurso Nacional de Clarinete Claribogotá, donde obtuvo el primer puesto en la categoría juvenil. En 2019 ganó el Concurso de Jóvenes Solistas del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente pertenece al Ensamble Terranova y es clarinete supernumerario de las agrupaciones juveniles de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Andrés Felipe Úsuga ingresó en 2007 al Programa de Música en los cursos de extensión de la Universidad de Antioquia y, en 2013, al Preparatorio de Música de la misma universidad. Al año siguiente inició estudios de pregrado en música allí mismo, y en 2019 obtuvo su título de maestro en piano. Fue el ganador del primer lugar en la quinta versión del Concurso Jóvenes Solistas Homenaje a Johann Sebastian Bach y obtuvo el primer lugar en el Festival Concurso Pianissimo 2018, en la categoría jóvenes intérpretes. María Camila Flórez es egresada de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas. Se ha desempeñado como músico de orquesta en diferentes instituciones, entre ellas la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara de Bogotá, Iberacademy y la Orquesta Sinfónica de Caldas. Fue becaria de la Fundación Salvi en el XI Festival Internacional de Música de Cartagena y en el programa de Jóvenes Artistas del II y III Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Ecuador). Joshua David Sierra nació en Bogotá y, a los 16 años, ingresó al nivel básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. En 2016 realizó un curso de verano como becario en Hotchkiss School of Music y ganó la convocatoria de solistas de la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional.