Foto: Leonardo Santos Jueves 20 de septiembre de 2018 · 7:00 p.m. Ibagué, Sala Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima Cód. PULEP: LIZ408 Jueves 27 de septiembre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: ABZ650 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES CAMILO ZAMUDIO percusión (Colombia) TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Ibagué, el ingreso a la Sala Alberto Castilla para personas con movilidad reducida es por la entrada principal del Conservatorio del Tolima en la Calle 9 # 1-18. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la institución. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 CAMILO ZAMUDIO percusión Camilo Zamudio es un músico apasionado por los nuevos sonidos y las músicas populares tradicionales colombianas. La percusión es para él una forma de comunicación y expresión íntima que conecta al oyente con su mundo sonoro. Como percusionista, expone diversos estilos y lenguajes procedentes del contacto y la exploración continua de diferentes géneros musicales, adoptando de esta forma una identidad única presente en su propuesta musical. Ha sido partícipe de múltiples festivales, entre los que se destacan el Festival Internacional de Percusión de Ibagué, el Stage de Marimba y Percusión de Medellín, y el Laboratorio Nacional de Percusión FOSBO. Obtuvo el primer lugar en el Concurso Latinoamericano de Percusión Rafael Zambrano, llevado a cabo en la ciudad de Bogotá en el año 2017. Estudió en la Universidad Autónoma Nacional de México bajo la tutoría de Alfredo Bringas e hizo parte del Ensamble de Música Contemporánea de la Escuela Nacional de Música de México. En México presentó recitales en importantes auditorios como el Museo de Arte Contemporáneo MUAC y la Sala Xochipilli. Ha recibido clases de reconocidos percusionistas como Nebojša Jovan Živković, Katarzyna Myćka, Iván Manzanilla, Fernando Meza y Evelyn Glennie. ÁNGELA MARÍA LARA CABRERA, percusión Inició su formación musical en la Red de Escuelas de Formación Musical de Pasto en el 2006, recibiendo clases de percusión. En el 2013, fue ganadora del premio a mejor instrumentista en el Concurso Nacional de Bandas. Participó en diferentes festivales, entre los que se destacan el VIII Encuentro de Orquestas Infanto-juveniles, realizado en Buenos Aires (Argentina) y el proyecto Laboramusic en Alicante (España). Fue integrante de la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia y miembro de la Filarmónica Joven de Colombia por dos temporadas. Recibió clases magistrales con Alejandro Ruiz, Katarzyna Mycka, Fernando Meza, Martin Piechota, Eriko Minami, Foto: Leonardo Santos 2 entre otros percusionistas. En la actualidad, adelanta sus estudios en percusión sinfónica en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia con el maestro Mario Sarmiento. JUAN FELIPE GALVIS BARRIOS, percusión Músico percusionista egresado de la Universidad Nacional de Colombia. Ha sido miembro de la Filarmónica Joven de Colombia en las temporadas 2017- 2018 y estudiante de los maestros Gabriel Galvis, Mario Sarmiento, Juan David Forero y Federico Demmer. Ha participado como percusionista en festivales dentro y fuera del país, como el Laboratorio de percusión (2016) junto a Katarzyna Mycka y Krystina Marcoux; Festival Internacional de percusión de Ibagué (2015, 2016 y 2018) como músico invitado; y Festival de Música de Santa Catarina en Brasil en el 2016. MICHAEL STEVEN ROMERO GÓMEZ, percusión Inició sus estudios musicales en la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil bajo la dirección de Juan David Forero y David Cantoni; hizo parte de la orquesta sinfónica de esta institución durante cuatro años. Posteriormente, ingresó a la Universidad Pedagógica Nacional bajo la tutoría de Gabriel Galvis; en dicha institución, integró la banda sinfónica con la que participó en diferentes concursos nacionales. En el 2015, ingresó a la cátedra de percusión de la Universidad Nacional de Colombia, bajo la enseñanza de Mario Sarmiento y Federico Demmer. Ha participado en diferentes festivales y concursos a nivel nacional y ha sido parte de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia en calidad de músico supernumerario. Ha recibido clases de reconocidos percusionistas como Katarzyna Mycka, Tupac Mantilla y Krystina Marcoux. El concierto en Ibagué cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Bem-vindo, Op. 16 (1988) NEY ROSAURO (n. 1952) Para vibráfono solo Cadenza (1992) PETER SADLO (1962-2016) Para seis timbales Side by Side (1989) MICHIO KITAZUME (n. 1948) Para multipercusión Ilijaš (1995) NEBOJŠA JOVAN ŽIVKOVIĆ (n. 1962) Para marimba sola INTERMEDIO Meditation No. 1 (2011) CASEY CANGELOSI (n. 1982) Para tambor solo Blues for Gilbert (1982) MARK GLENTWORTH (n. 1960) Para vibráfono solo Tres pequeñas piezas para marimba (2010) JOSÉ GUILLERMO MARTÍNEZ (n. 1983) Pegasus (2005)* BEN WAHLUND (n. 1977) Para tambor solo y ensamble de percusión CONCIERTO No. 42 *Ensamble acompañante: Ángela María Lara Cabrera, Juan Felipe Galvis Barrios y Michael Steven Romero Gómez 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Los instrumentos de percusión utilizados en la tradición académica occidental sorprenden tanto por la variedad en sus formas, timbres, técnicas y los repertorios dedicados a ellos, como por las vastas y variopintas historias que sostienen sus génesis, usos e itinerarios históricos. Aunque la escritura para timbales, redoblante, marimba, xilófono o vibráfono es reciente, la presencia de estos instrumentos en la historia de la música ha sido modesta con respecto al pensamiento del instrumentista virtuoso, pero contundente. Al parecer, desde que el ser humano pensó en términos musicales, la percusión ha cumplido el papel de fiel acompañante en rituales religiosos, banquetes cortesanos, conciertos públicos y círculos intelectuales. El siglo XX, cuna de las vanguardias que produjeron nuevos discursos a partir de la organización no convencional de los elementos musicales, fue también catalizador de nuevos protagonistas; no solamente fue el momento en que vieron la luz nuevos instrumentos musicales, también fue el tiempo en el que se empezó a dar voz a instrumentos que otrora tenían un papel subsidiario, ciertamente relegado en la pirámide social musical. Por esto, no es de extrañar que un concierto que dedique su repertorio a la percusión contenga obras escritas entre la segunda mitad del siglo pasado y los primeros años del que está en curso. Ney Rosauro, Mark Glentworth, Nebojša Jovan Živković, José Guillermo Martínez, Casey Cangelosi, Ben Wahlund, Michio Kitazume y Peter Sadlo son nombres que, a pesar de no hacer parte de ese grupo de compositores que no necesita introducción al interior de públicos acostumbrados a un repertorio conformado por instrumentos más tradicionales –en el mundo académico occidental–, suponen un vastísimo aporte en relación a la técnica y la expansión de las posibilidades de los instrumentos de percusión ya citados; instrumentos que se perciben como protagonistas de narrativas musicales antiguamente dedicadas a cierto tipo de timbres, y de novedosos discursos melódicos, armónicos y rítmicos. El concierto abre con Bem-vindo, Op. 16 (en español, Bienvenido), escrita para uno de los instrumentos más jóvenes que se escucharán hoy: el vibráfono. Creado en la primera década del siglo XX en Estados Unidos, se diferencia de instrumentos con similares medios de ejecución como la marimba, el xilófono 5 y el glockenspiel en tener una especie de turbina por debajo de las placas de metal, que, al ser accionada por medio de un motor, produce un sonido con vibrato. Inicialmente se le llamó vibraharp y sus primeras apariciones como protagonista se dieron gracias a intérpretes de jazz de los años treinta y cuarenta como Lionel Hampton y Milt Jackson, quienes pertenecieron a las bandas de Benny Goodman y Dizzy Gillespie, respectivamente. Su función es tanto armónica como melódica y, por lo general, se toca con cuatro baquetas, dos en cada mano. No obstante, Ney Rosauro (n. 1952), en la obra citada, requiere la utilización de una quinta baqueta y, además, pide alternar entre la cabeza de la baqueta y la parte de madera para generar distintos timbres. La obra fue compuesta en 1988 para celebrar el nacimiento de Ricardo, el hijo del compositor: […] esta pieza requiere un muy alto nivel de madurez técnica y musical para su interpretación y además introduce la técnica de tocar con cinco baquetas. El primer tema que se presenta en la sección introductoria se desarrolla a partir de numerosas variaciones a lo largo de la pieza y está acompañado usualmente de un ostinato rítmico y politonal1. En la sección final, dos pequeños motivos nuevos aparecen junto al mismo ostinato rítmico: el primero en el estilo de las Bachianas Brasileiras del compositor Heitor Villa-Lobos, y el segundo es una cita de una melodía de los gauchos del sur de Brasil, haciendo referencia al lugar de nacimiento de Ricardo2. Para el vibráfono también fue escrita Blues for Gilbert de Mark Glentworth (n. 1960); una de las piezas más tempranas del percusionista, que da cuenta del sonido histórico del instrumento en el contexto de las bandas de jazz y blues urbano comercial a partir de la construcción de melodías con un carácter improvisativo muy evidente que recuerda a los grandes pianistas del siglo XX como Count Basie, Bill Evans o Thelonious Monk, entre otros. La marimba es un instrumento similar en ejecución al ya citado vibráfono, pero cuya historia excede considerablemente en tiempo al instrumento norteamericano. Sus orígenes se pueden encontrar en África que, de alguna 1 El concepto de ‘politonalidad’ se refiere a un recurso muy utilizado por compositores del siglo XX en el que dos o más tonalidades se presentan de manera simultánea (horizontal). Por otro lado, el concepto de ‘ostinato’ se refiere, en este caso, a un patrón rítmico-melódico repetitivo. 2 […] “this piece requires a very high level of technical and musical maturity for its interpretation and introduces the technique of playing with five mallets. The first theme that is presented in the opening section is developed in several variations throughout the piece and is usually accompanied by a rhythmic, polytonal ostinato. In the final section, two other small motives appear with the same rhythmic, polytonal ostinato: the first in the style of the Bachianas Brasileiras from Brazilian composer Heitor Villa Lobos, and the second is a quote of a melody from the gauchos of Southern Brazil, referring to the birthplace of Ricardo”. (Berrido, E.) (Traducción al español por Daniela Peña) 6 manera, sirvió en los siglos XVI y XVII como exportador del instrumento hacia tierras de lo que hoy se conoce como América Latina; no obstante, su adopción como instrumento del repertorio académico occidental tardaría hasta el siglo XX. Al igual que el vibráfono, la marimba es utilizada como un instrumento melódico y armónico y se ejecuta normalmente con cuatro baquetas, pero, a diferencia del primero, las placas que se percuten son de madera y no existe ningún mecanismo que afecte la naturaleza de su sonido. Para este instrumento, el compositor Nebojša Jovan Živković (n. 1962) compuso en 1995 la pieza titulada Ilijaš, que evoca la utilización de instrumentos melódicos de percusión por los pueblos gitanos del este de Europa, además del lenguaje pianístico del virtuoso decimonónico Franz Liszt: Es una composición rapsódica, titulada a partir de un pequeño pueblo en la antigua República de Bosnia en Yugoslavia. Tiene claras relaciones con melodías populares de la pintoresca región de los Balcanes, así como ritmos y escalas cuyas raíces se pueden encontrar incluso en el lejano oriente. En la introducción de la pieza, Živković utiliza una técnica muy inusual para la marimba, produciendo sonidos que nos recuerdan al gran sonido del piano asociado a Franz Liszt3. Y para terminar con los instrumentos melódicos de percusión, se escucharán las Tres pequeñas piezas para marimba del compositor y percusionista caleño José Guillermo Martínez (n. 1983) quien, gracias a su ecléctico bagaje musical, como baterista de heavy metal y percusionista de salsa, por ejemplo, expresa un lenguaje muy versátil que da cuenta tanto del acervo musical colombiano y latinoamericano, como de aquel proveniente de las vanguardias del siglo XX e incluso del rock progresivo. Las tres piezas que hoy nos reúnen, a pesar de sus títulos, quieren evocar el espíritu de tres mascotas: dos gatos y un perro. En palabras del compositor: Escribí estas tres cortas piezas, para honrar las mascotas de mi[s] amigo[s]: dos gatos y un perro. El primer movimiento trata sobre una elegante, inteligente e igualmente impredecible gata. El segundo movimiento es un in memoriam, movimiento para el perro que acompañó a mi amiga por más de diez años, era sabia y fiel (sic). El tercer movimiento es sobre otro gato, un gato joven que es simplemente un dolor 3 […] “is a rhapsodic composition, titled after a small town in the former Yugoslav republic of Bosnia. It has a clear associations with folk tunes of that picturesque Balkan area, as well as mixed rhythms and tonal scales whose roots could be found even further East. In the introduction of the piece, Živković calls for a very unusual marimba technique that produces sounds that remind us of a Franz Liszt grand piano sound” (Živković, N.) (Traducción al español por Daniela Peña) 7 de cabeza… Saben a lo que me refiero, aquel gato que rasguña, salta, juega con tus medias, destruye tus baquetas y rompe cosas por donde pasa4. Los tambores, o membranófonos, han sido parte de la historia occidental y, como ya se mencionó, han pertenecido a diversos contextos acompañando y apoyando rituales, batallas, bailes y espectáculos cortesanos. Su uso más documentado es el de instrumento militar; por ejemplo, Thoinaut Arbeau, en su tratado de danza titulado Orchesotraphy (1586), menciona que los tambores proporcionaban las claves para que los soldados franceses supieran en qué momento debían avanzar o retirarse; sin las fórmulas o patrones rítmicos que codificaban determinados movimientos, estos marcharían erráticamente y no tendrían éxito en las batallas. El autor, además, describe la estructura del instrumento, la manera de sujetarlo y menciona que por lo general estaba acompañado por instrumentos de viento como flautas, cornos o cornetas. Figura 1. Orchesography (Arbeau, 1586, f. 7r, Langres) Aunque ya lejos de un contexto militar, la composición de Casey Cangelosi (n. 1982), Meditation No. 1, utiliza también patrones rítmicos asociados a timbres determinados para la construcción de su discurso. Si bien podría pensarse como un estudio, en realidad es una pieza que busca desarrollar el sonido a partir de la exploración de distintos timbres en un único instrumento y con patrones rítmicos repetitivos. Utiliza principalmente golpes 4 “I wrote these three short pieces, to honor my friend’s pets: two cats and a dog. The first movement is about an elegant, smart, and at the same time unpredictable female cat. Second movement is an “in memoriam” movement for this dog that accompanied my friend for over 10 years, she was wise and faithful. Third movement, is about that other cat, a young cat that is just a pain in the butt… you know what I mean, the one that scratches, jumps, plays with your socks, destroys your mallets, and breaks stuff all over the place…” (Martínez, J.) (Traducción al español por Daniela Peña). al caso del tambor, golpes entre las baquetas y golpes al parche, tanto con las baquetas como con la mano; y es justamente la asociación de determinados patrones con timbres definidos lo que hace que la arquitectura de la pieza sea clara para el oyente. Por su parte, Pegasus presenta al redoblante acompañado, ya no de instrumentos de viento, sino de otros instrumentos de percusión como la marimba, el glockenspiel, el xilófono y la pandereta. A partir del contraste entre momentos polimétricos y polirrítmicos con momentos completamente regulares, que incluso recuerdan a las batucadas brasileras, el percusionista, compositor y docente Ben Wahlund (n. 1977), quien expresa sus creencias religiosas abiertamente, busca representar el balance entre opuestos para llegar al paraíso. Comisionada por el Sr. Rich Ford en el verano de 2005, Pegasus busca comunicar algunos de los sentimientos que hemos compartido Rich y yo a lo largo de mis estudios en la universidad. Ambos hemos sido criados en familias musicales y, habiendo mantenido los principios de la cristiandad muy cerca de nuestros corazones, nos hemos encontrado con retos en los aspectos religiosos y musicales de la vida (…) Me lo imagino [a Rich Ford] diariamente preparándose para una carrera con las distracciones de la vida en sus hombros, y desembarazándose de ellas mientras corre, y encontrando el precioso balance cuando la actividad y el descanso se encuentran en un extraño y hermoso equilibrio5. Tanto la pieza del japonés Michio Kitazume (n. 1948) como la del alemán Peter Sadlo (1962-2016) dan cuenta de la posibilidad de tocar varios instrumentos a la vez, ora de naturalezas idénticas, como en Cadenza para seis timbales, ora de diversas naturalezas como en Side by Side para multipercusión. Ambas piezas, aunque a partir de búsquedas diferentes, logran proyectar una experiencia que trasciende las construcciones meramente rítmicas; la pieza de Kitazume se preocupa principalmente de la adición de células rítmicas a un patrón inicialmente estable y muy sencillo para generar un efecto de expansión en la duración del mismo, muy similar a lo planteado por el pensamiento minimalista en los años sesenta. Por otro lado, Sadlo se preocupa mucho más por las posibilidades melódicas que proporcionan los timbales, utilizando el 5 “Commissioned by Mr. Rich Ford in the summer of 2005, Pegasus aims to communicate some of the feelings that have been shared between Rich and myself over the course of my study at university. Both of us having been raised in musical families and coming to hold the tenets of Christianity dear to our hearts, we have often found ourselves challenged both in religious and musical aspects of life (…) I picture him daily setting out on a run with life’s distractions on his shoulders, only to shake them off as he keeps running and finding that precious balance when activity and rest are at a strange, beautiful equilibrium”. (Wahlund, B.) (Traducción al español por Daniela Peña). recurso del pedal de manera recurrente. A pesar de la disparidad en génesis de cada discurso, los resultados sonoros de los mismos, encarnan una narrativa visual, lograda a partir de un efecto coreográfico intrínseco, propio casi de manera exclusiva de la poética de formatos semejantes. Bibliografía Arbeau, T. (1586). Orchesography, Langres. Berrido, E. (s. f.). Bem-vindo (5 mallets). Disponible en: http://neyrosauro. com/works/bem-vindo Martínez, J. (s. f.). Three Short Pieces for Marimba: Dedicated to Gabriela Rojas. Disponible en: https://josemartinezcomposer.com/works/solo/ three-short-pieces-for-marimba/ Wahlund, B. (s. f.). Pegasus. Disponible en: http://www.blackdogmusicstudio. com/notes/pegasusnotes.pdf Zivkovic, N. (s. f.). Program notes. Disponible en: http://www.zivkovic.de/p-notes. htm Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos Cód. PULEP: MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira Boletas: $10.000 Foto: cortesía familia Figueroa Foto: Stefan Schweigers Foto: Manolo Yllera SON DE MADERA son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m.

Foto: Martin Just Roberts Jueves 13 de septiembre de 2018 · 7:00 p.m. Villavicencio, Biblioteca Germán Arciniegas Cód. PULEP: NKW993 Jueves 20 de septiembre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: GMN600 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JUAN SEBASTIÁN VELASCO oboe (Colombia) Diego Claros, piano (Colombia) TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Villavicencio, el acceso al auditorio de la Biblioteca Germán Arciniegas para personas con movilidad reducida es por la entrada principal situada en la Carrera 45A # 8-16. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 Foto: Martin Just Roberts JUAN SEBASTIÁN VELASCO oboe Nació en Bogotá en 1992. A los seis años empezó a estudiar música y a los nueve recibió una beca para estudiar oboe en la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia, donde se formó musicalmente hasta los dieciséis años. En el 2008 fue aceptado en el programa básico de Estudios Musicales del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudió bajo la tutela de los maestros Andreas Schneider y Carlos Villanueva, para obtener su grado de músico oboísta seis años más tarde. En el 2017 terminó sus estudios de maestría en la Hochschule für Musik Trossingen (Alemania) con el maestro inglés Nicholas Daniel, y actualmente cursa una maestría de música de cámara en la Hochschule für Musik Karlsruhe, teniendo como profesor a Thomas Indermühle. Ha participado en distintos festivales orquestales de música de cámara y oboe en Colombia, Alemania, Reino Unido y Brasil, como el Mattheiser Sommer-Akademie, Young Euro Classic, Rheingau Musik Festival, Norddeutsche Oboentage, Bogotá es Mozart, Cartagena Festival Internacional de Música, British Isles Music Festival y FEMUSC (Festival de Música de Santa Catarina). En dichos festivales tuvo la oportunidad de recibir clases magistrales con David Walter, Jacques Tys, Christian Schmitt, Jean-Louis Capezzali, Nancy Ambrose King, Tom Owen, Gordon Hunt, David Theodore, Jorge Andrés Pinzón, Nick Deustch, Alex Klein y Luis Carlos Justi. Desde el 2011 es integrante de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, con la que ha realizado giras por Colombia, Estados Unidos, Alemania y Austria. En el 2016 fue seleccionado por la Youth Orchestra of the Americas (YOA) para ser parte del Nordic-Baltic Legacy Tour, que llegó a Estonia, Lituania, Letonia, Polonia, Suecia, Dinamarca y Alemania. Con estas dos orquestas trabajó de la mano de los directores Andrés Orozco Estrada, Carlos Miguel Prieto y Benjamin Zander. Fue primer oboe de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá —cargo que obtuvo por concurso— desde la fecha de su fundación hasta el 2015. 2 DIEGO CLAROS piano Músico, pianista y magíster en pedagogía del piano de la Universidad Nacional de Colombia, donde obtuvo la más alta calificación en sus recitales de grado en pregrado y maestría. Su trayectoria como pianista acompañante ha sido ampliamente reconocida en el ámbito musical. Se ha desempeñado como pianista para el Concurso Nacional de Clarinetes Claribogotá, como pianista acompañante en las universidades Javeriana, Andes y Nacional y como profesor de piano y pianista del coro en la Universidad de La Sabana. Actualmente es codirector musical y correpetidor en el taller de ópera del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. El concierto en Villavicencio cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Sonata para oboe y piano (1947) HENRI DUTILLEUX (1916-2013) Trío sonata en re menor, BWV 527 (1727-1731) Andante Adagio e dolce Vivace JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Original para órgano Adagio y allegro, Op. 70 (1849) ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Original para corno y piano INTERMEDIO Cavatina para oboe y piano (1987-2014) GUSTAVO PARRA (n. 1963) Concierto sobre temas de la ópera ‘La favorita’ de Gaetano Donizetti (1870-1890) ANTONIO PASCULLI (1842-1924) Original para oboe y orquesta Adaptación para oboe y piano por James Ledward (s. f.) CONCIERTO No. 40 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Cinco compositores, cinco géneros, cinco regiones geográficas, cinco aproximaciones estéticas distintas. El oboísta Juan Sebastián Velasco presenta un programa que encarna la versatilidad de su instrumento, tanto desde su propio idiomatismo, con las obras de Antonio Pasculli, Henri Dutilleux y Gustavo Parra, como desde el préstamo de lenguajes ajenos, con las obras de Johann Sebastian Bach y Robert Schumann; versatilidad que parece una analogía de la formación integral de dichas figuras que, además de trabajar como compositores, se embarcaron, no tímidamente, en los campos de la dirección, la interpretación, la docencia y la creación literaria. Henri Dutilleux (1916-2013) Este longevo compositor recibió a los 89 años un reconocimiento a su poética con el Premio de Música Ernst von Siemens y se convirtió así en el tercer francés en ser elegido por la Academia Bávara de Música, después de Olivier Messiaen y Pierre Boulez; también, solo un año antes de su muerte, la Filarmónica de Nueva York le otorgó el premio Marie-Josée Kravis. Su biografía no conoció la monotonía, y de su legado resaltan, por ejemplo, su trabajo en la Radio Francesa como encargado de producciones musicales; su figura como pianista, arreglista y tutor vocal; su trabajo docente en el conservatorio y en la École Normale de Musique de Paris; la obtención del Grand Prix de Rome en 1938 por su obra L’anneau du roi y, lamentablemente, como se puede contar de muchos compositores que vivieron las dos grandes guerras, su servicio en la Drôle de Guerre o ‘Guerra Falsa’, entre 1939 y 1940. A pesar de no ser principalmente conocido por sus trabajos para vientos, ya que sus obras más celebradas son las orquestales, su técnica compositiva se deja entrever en aquellos. Por ejemplo, en la Sonata para oboe y piano (1947) se hace evidente el resultado de su estricta educación teórica en el Conservatorio de París, pues, ya desde el primer movimiento, la arquitectura contrapuntística y la claridad formal delatan no solo el paso del compositor por las cátedras de profesores como Victor Gallois, Henri Büsser y Philippe Gaubert, entre otros, sino una búsqueda neoclásica del discurso musical. Por otra parte, la admiración de Dutilleux por el lenguaje armónico, casi simbolista, de maestros franceses como Claude Debussy, César Franck, Paul Dukas y Maurice Ravel es diáfanamente representada, no sin manifestar también una curiosidad por la música no académica, como había hecho el grupo de compositores denominados Les Six1 unos veinte años antes. Además, la exigencia técnica de esta obra no es un secreto, y en su génesis se encuentra la razón: la sonata, junto con las obras para fagot, trombón y flauta, le fueron encargadas por Claude Delvincourt, 1 Grupo de compositores integrado por Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud, Francis Poulenc, Germaine Tailleferre, Jean Cocteau y Erik Satie. 5 director del Conservatorio de París, para desarrollar las habilidades técnicas de los estudiantes a partir del estudio de música nueva. Johann Sebastian Bach (1685-1750) Es sabido que Bach nunca vivió fuera de lo que hoy se conoce como Alemania, aspecto que, sin embargo, no puso límites a la vastedad de sus conocimientos sobre la música extranjera. Su manera de incorporarse al lenguaje de compositores como Girolamo Frescobaldi, Antonio Vivaldi y Arcangelo Corelli consistía en hacer copias de sus trabajos, ora como ejercicio pedagógico, ora como ejercicio compositivo, tomando sus temas como base o haciéndoles arreglos para otros formatos. Son conocidas sus transcripciones para órgano de algunos conciertos de Vivaldi; además, no se puede negar que, por ejemplo, en los seis Conciertos de Brandemburgo, la idea de concatenar dos tipos de conciertos: grosso y solo, en una sola estructura formal y con instrumentaciones no tradicionales, fue una de las tantas maneras como Bach se apropió de los procedimientos compositivos foráneos. Las seis sonatas en trío, a las cuales pertenece la BWV 527 en re menor, son otro ejemplo de esta apropiación. A primera lectura se pensaría en que una pieza cuyo título es Trío sonata se referiría a una composición para un ensamble con tres o más instrumentos, uno por cada línea, y la posibilidad de que dos o más instrumentos ejecuten la línea del bajo. Esta era la convención en el siglo xviii. Sin embargo, al referirse a piezas escritas para órgano —que en las manos adecuadas podría, en cierta medida, llegar a equipararse a un ensamble de varios instrumentos—, Bach utiliza la indicación ‘a deux clav. e pedale’, es decir, ‘para dos manuales [de órgano] y pedal’. Para ser más específicos, lo que normalmente ejecutarían tres o más individuos, lo tendría que realizar una sola persona haciendo uso de sus cuatro extremidades: cada mano para una línea melódica y los pies para el pedal. Escritas para su hijo Willhelm Friedemann, se cree que pudieron haber sido creadas por Bach entre su estancia en Weimar y Leipzig. A propósito de su importancia, el biógrafo Johann Nicolaus Forkel hace, en 1802, una descripción de las piezas: Bach compuso [los tríos] para su hijo mayor, Wilhelm Friedemann, quien, practicándolos, debía prepararse para convertirse en el gran organista que luego fue. Es imposible decir suficientes cosas sobre su belleza. Fueron compuestos cuando el autor estaba en su mayor madurez y pueden considerarse como su principal trabajo de tales características2. Además, su hijo Carl Philipp Emanuel, quien ya se encontraba inmerso en un pensamiento estético contrastante con el de su padre, reconoce el carácter sempiterno 2 “Bach composed [the trios] for his eldest son, Wilhelm Friedemann, who, by practicing them, had to prepare himself to become the great performer on the organ that he afterward was. It is impossible to say enough of their beauty. They were composed when the author was in his most mature age and may be considered as his chief work of this description”. (Traducción al español realizada por Daniela Peña Jaramillo). 6 de las sonatas al asegurar que estas «fueron escritas en un estilo tan galante que aun suenan bastante bien, y nunca parecerán anticuadas, sino que, por el contrario, sobrevivirán a todas las revoluciones de las modas musicales» (Yearsley, p. 9, 2014). Robert Schumann (1810-1856) En una época previa al psicoanálisis, a la terapia psicológica dirigida y a los tratamientos químicos para la depresión, la única herramienta que pudo utilizar Robert Schumann para combatir la melancolía fue la relación —tan orgánica como explosiva— que desarrolló con la música desde sus primeras clases de piano, a muy corta edad, hasta los episodios más tardíos de delirio, en los que la imposibilidad del silencio generaba un estado de composición involuntaria e indeseada. Esta relación lo llevó a conocer a su esposa, Clara Wieck, y a su apadrinado Johannes Brahms. Su carrera como pianista se vio mermada debido a los excesos de juventud; ya fuera por el misterioso aparato que utilizaba para fortalecer los dedos de sus manos, o ya por los efectos del tratamiento con mercurio para la sífilis, su retiro prematuro de la vida como concertista refleja la persona del compositor. Introspectivo y abierto a la vez; racional y explosivo; calmo y agresivo, este concierto de personalidades conformaba la agotadora psique del compositor. El Adagio y allegro, Op. 70, titulado Romance y Allegro en su primera versión, da cuenta perfecta de esta querella inconsciente y pareciera una materialización musical de los personajes literarios creados por él mismo: Eusebio y Florestán, la manifestación de su lucha interna. Iniciando con un estilo propio de sus lieder, la obra, original para corno y piano, parece una canción o romance sin palabras (Eusebio), que luego introduce un tema enérgico (Florestán), propio del idiomatismo del corno, que hasta no hace mucho tiempo había sido considerado un instrumento de guerra. De igual manera, su estructura se erige como un atenuante para el antagonismo entre el pensamiento clásico y el romántico: una forma rondó, propia del primero, es el cimiento de un desarrollo armónico arriesgado, propio del segundo. Gustavo Parra (n. 1963) Nacido en Ipiales (Nariño), Parra encaminó su experiencia académica inicialmente hacia la dirección de orquesta, que ha ejercido a la par con su aclamada carrera compositiva y docente, aunque la composición no fue un objetivo al comenzar sus estudios musicales profesionales. En una entrevista realizada por María Isabel Quintero en la Biblioteca Luis Ángel Arango, Parra cuenta de manera descomplicada —como una analogía a la génesis y desarrollo de su catálogo— que sus primeras composiciones las firmaba con el nombre artístico Jerry Lee Davies, pues Gustavo Parra resultaba muy poco atractivo y, por el contrario, el nombre norteamericano se presentaba como una ventana más plausible hacia el reconocimiento del medio compositivo. Narra también que, justamente, gracias a que su foco no se encontraba en la composición, las licencias para componer fuera de los tecnicismos académicos y las categorizaciones estilísticas 7 llegaron a él de manera muy fácil puesto que, en palabras del mismo Parra, él no era un ‘compositor legalizado’ —no tenía que ceñirse a las reglas o a las tendencias técnicas que los estudiantes de composición sí debían seguir—. Los títulos de sus piezas dan cuenta de este alejamiento, e incluso parecerían respuestas al pseudointelectualismo, que puede llegar a ser una afección importante en la composición académica. Algunos títulos destacables son Ñerunfen Gorsóbico Nos. 1, 2 y 3, Piriñonfla extrema, Ñánfiras, Fat Swing, Ganache y Demi Glace, entre otros. Sin embargo, el alejamiento del mundo académico no ha sido completo ni tajante, pues a lo largo de su carrera musical ha participado como director en las orquestas Sinfónica Nacional de Colombia, Sinfónica Juvenil del Perú, Orquesta de Cámara de Caracas, Orquesta de Cámara de Quito, Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, Sinfónica Nacional Batuta y Sinfónica Batuta Bogotá. La Cavatina para oboe y piano escapa al estilo excéntrico de nomenclatura pues, como lo menciona el compositor en la misma entrevista, no todas las piezas se dejan nombrar de cualquier manera y él responde siempre a lo que éstas le piden. Haciendo una interpretación libre de la obra y teniendo en cuenta que el compositor nunca ha querido adherirse a ninguna categoría academicista, se puede decir que hay cierta influencia de aquel grupo de compositores ya citados, a quien Jean Cocteau denominó como Les Six; la utilización de melodías sencillas y de un carácter cantábile, como respuesta a las construcciones meramente intelectuales que se estaban dando en otros lugares de Europa en la primera década del siglo pasado, era una de las principales búsquedas de compositores como Erik Satie (quien no pertenecía al grupo pero suponía una figura ‘paternal’ para los seis compositores), Darius Milhaud y Francis Poulenc. La pieza escrita por Gustavo Parra da cuenta de esta búsqueda y, sin que se presente como una obra técnicamente sencilla para ninguno de los dos instrumentos, expresa una claridad estructural, armónica y melódica que podrían emparentarla con el pensamiento de los compositores franceses, especialmente con el de Francis Poulenc, quien en su catálogo incluye varias obras para maderas (flauta, fagot, clarinete, oboe) y dedica un grandísimo porcentaje de este a la música vocal. Al ser una cavatina, la obra nos remite inmediatamente a una arquitectura vocal pues este término se utilizó durante los siglos XVIII y XIX para designar, bien un aria corta, o bien una estructurada en dos partes contrastantes en carácter y velocidad, respectivamente. Dichas características no aparecen tímidamente en la Cavatina para oboe y piano; en esta se tratan melodías con un carácter vocal muy evidente, además de una estructura formal que se turna entre una primera y tercera parte en un estilo de barcarolle, berceuse o canción de cuna, y una segunda parte con un carácter mucho más agitado que recuerda a la música de cabaret o vaudeville, que estuvo también en la mira de Les Six. Antonio Pasculli (1842-1924) Además de un virtuoso del oboe, Pasculli, nacido en Palermo (Italia), fue también profesor en el conservatorio y director de la banda municipal de dicha ciudad. Es de resaltar que, bajo su mando, los integrantes de la banda debían tocar no solo los instrumentos de viento, sino también instrumentos de cuerda, lo que permitía que su repertorio fuera mucho más extenso que el de una agrupación convencional de este tipo. Por ejemplo, interpretaban adaptaciones de partes de óperas, lo cual constituía una tradición casi ininterrumpida desde la segunda mitad del siglo xviii, cuando el emperador José II fundó en Austria la primera Harmonie, una agrupación conformada por virtuosos instrumentistas de vientos. Al ser una agrupación no convencional para el entorno cortesano de cámara, el repertorio era casi inexistente, y por ello los integrantes del grupo hacían arreglos de partes de óperas de moda para el ensamble. Fue a partir de esta práctica de adaptación de material preexistente que el palermitano elaboró sus composiciones sobre temas de Gaetano Donizetti, quien desarrolló un pensamiento instrumental complejo a partir de la concepción, más psicológica que meramente virtuosa, de los personajes de sus óperas. En el Concierto sobre temas de la ópera ‘La favorita’ de Gaetano Donizetti, Pasculli toma algunas arias de esta obra, estrenada en 1840, como Silenzio, silenzio, del Acto I; Spirito gentil, y Dolce zeffiro, il seconda, que es desarrollado como un tema con variaciones, en un procedimiento que desde el siglo xvi había sido utilizado por los compositores para dar cuenta de los diferentes recursos compositivos posibles, además de una búsqueda de la escritura idiomática virtuosa. Bibliografía Quintero, M. I. (2018). Entrevista abierta con Gustavo Parra – Compositor (Colombia). Bogotá: Biblioteca Luis Ángel Arango. Disponible en https://www.youtube. com/watch?v=pdh8Pk-r91w Yearsley, D. (2014). Johann Sebastian Bach: Six Trio sonatas, BWV 525-530; Preludes & Fugues, BWV 548 & 552. [CD]. U.S.A.: Musica Omnia. Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Leonardo Cáceres, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. FXT822 Foto: Leonardo Santos CAMILO ZAMUDIO Boletas: $6.000* percusión Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. CUARTETO LATINOAMERICANO Boletas: $10.000 cuarteto de cuerdas (México) Foto: Sergio Yazbek

Foto: Merwyn Betancourth Martes 31 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Sincelejo, Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí Cód. PULEP: XWV860 Miércoles 1° de agosto de 2018 · 6:30 p.m. Montería, Auditorio Iraca de la Corporación Autónoma Regional de los Valles del Sinú y del San Jorge Cód. PULEP: JHJ788 Jueves 30 de agosto de 2018 · 7:30 p.m. Ipiales, Auditorio de la Agencia Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: ITQ656 Jueves 6 de septiembre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: SVJ267 ALEJANDRA DÍAZ guitarra (Colombia) Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Sincelejo, el Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí ubicado en Boston (Zona Rosa) cuenta con accesos para personas con movilidad reducida tanto por las entradas principal y del primer nivel como por el sótano (parqueaderos). En Montería, el ingreso al Auditorio Iraca para personas con movilidad reducida es por la entrada principal de la Corporación Autónoma Regional de los Valles del Sinú y San Jorge ubicada en la Carrera 6 # 61-25, Barrio Los Bongos. Es necesario dar aviso al personal de seguridad para que el ingreso sea habilitado. En Ipiales, el ingreso al Auditorio para personas con movilidad reducida es por la Calle 17 # 7-82. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Agencia Cultural para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https:// atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico atencionalciudadano@ banrep.gov.co, comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 Foto: Merwyn Betancourth ALEJANDRA DÍAZ guitarra Alejandra Díaz nació en 1994. Desde pequeña, la música ha sido objeto de su completo interés. Muestra de esto es su paso por diferentes instrumentos y géneros musicales que enriquecieron y desarrollaron su gusto, especialmente por la guitarra, con la que participó en proyectos de música colombiana y bandas de rock. En el 2009 ingresó al programa intensivo de estudios de música en la Academia Luis A. Calvo bajo la tutoría de los maestros Betina Morgante, Juan Carlos Guío y Reinaldo Monroy. Allí hizo sus primeros acercamientos a la guitarra clásica y, con esto, al conocimiento de diferentes estilos musicales en el ámbito académico. En el 2012 ingresó a la Universidad Pedagógica Nacional donde estudió con el maestro Edwin Guevara Gutiérrez. En el ámbito artístico nacional ha participado en el Concurso y Festival Nacional de Guitarra Clásica ‘El Nogal’ en sus versiones iv, v y vi (en esta última fue finalista) y en el Tercer Seminario Internacional y Primer Concurso Nacional de Guitarra de Cali, en el que fue semifinalista. A nivel internacional, participó en el undécimo Seminario Internacional de Guitarra de Uruguay, en el Concurso Internacional de Guitarra de Uruguay ‘Raúl Sánchez Clagett’ y en el I Encuentro Internacional de Guitarristas Clásicos realizado por el Conservatorio de Música Dan Avilés, en la región de la Araucanía, en Chile. En este último tuvo una presentación como solista de concierto y varias en agrupación. Además, participó como maestra activa dictando clases magistrales a jóvenes y adultos del conservatorio y de colegios de la región. En el 2016 recibió una clase magistral del maestro Guillém Pérez-Quer (España) en el Encuentro Internacional de Guitarra Clásica de la Universidad Sergio Arboleda, en el que fue seleccionada para participar en un corto recital. También ha tomado clases magistrales con Roland Dyens (Francia), Iván Reséndiz (México/Estados Unidos), Zoran Dukić (Croacia), Fabio Zanon (Brasil), Luis Orlandini (Chile), Rodrigo Benítez (Paraguay), Camilo Sauvalle (Chile), Carlos Pérez (Chile), Thomas Dunford (Francia) y Kostas Amaxopoulos (Grecia). 2 Es exintegrante de Pratten Guitar Duo, grupo de cámara de guitarra clásica que recibió clases magistrales con el trío de guitarras Trip, Trip, Trip y con el Cuarteto Europeo de Guitarras en la VII Semana de la Guitarra de la Biblioteca Luis Ángel Arango. Como solista ha ofrecido recitales en el auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional y la Sala de la Cultura María Isabel Reyes de la Universidad Pedagógica Nacional. Su búsqueda de diferentes sonoridades se evidencia en la ejecución de diversos estilos y en la incorporación de un tratamiento muy personal del instrumento; de ahí que la intimidad en la ejecución y la exploración que pretende en cada obra resulten atractivas para el público y se hagan evidentes en la interpretación de géneros musicales de todos los tiempos. El concierto en Sincelejo cuenta con el apoyo de El concierto en Montería cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Suite en mi menor para laúd, BWV 996 (1712-1717) Preludio-presto Allemande Courante Sarabande Bourrée Giga JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Adaptación para guitarra por Frank Koonce (s. f.) Vals No. 4, Op. 8 (1923) AGUSTÍN BARRIOS ‘MANGORÉ’ (1885-1944) Grand solo, Op. 14 (1810-18) FERNANDO SOR (1778-1839) INTERMEDIO Seis miniaturas balcánicas (1991) Jutarnje Kolo (Danza de la mañana) Žalopojka (Lamento) Vranjanka (Danza de Vranje) Makedonsko Kolo (Danza de Macedonia) Široko - Wide Song (Canción amplia) Sitni Vez - Tiny-Knit Dance (Danza de tejido pequeño) DUŠAN BOGDANOVIĆ (n. 1955) Fantasía No. 1 (s. f.) Fantasía No. 2 (s. f.) Fantasía No. 3 (s. f.) GENTIL MONTAÑA (1942-2011) Las cumbias de José Barros (2006) El pescador Navidad negra GENTIL MONTAÑA Improvisación para guitarra sobre dos cumbias de José Barros Transcripción por Jorge Vargas (s. f.) CONCIERTO No. 37 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Jaramillo Los compositores que conforman el programa que ofrece la guitarrista Alejandra Díaz cuentan ya con el reconocimiento total del gremio guitarrístico y no de manera infundada. Sus aportes no se quedan en la pirotecnia tan anhelada por la mayoría de los intérpretes, sino que, con su música, han logrado también permear y alimentar las esferas teórica e histórica, erigiéndose así como faros en la periodización musical; todos ellos han dado cuenta, ora estética, ora políticamente, de una búsqueda de identidad nacional, enriquecida, en el caso de la mayoría, por el conocimiento de realidades geográficas diferentes a las de sus tierras natales. Aunque no reconocidos primordialmente por esto, las figuras de Fernando Sor (1778-1839) y Dušan Bogdanović (n. 1955) hablan de los conflictos bélicos ocurridos en la península Ibérica en el siglo xix y en la antigua Yugoslavia a finales del siglo xx, respectivamente. Al hablar de Agustín Barrios ‘Mangoré’ (1885-1944) y de Gentil Montaña (1942-2011) es imposible no pensar en la música popular de Paraguay, Colombia y Latinoamérica en general. Finalmente, aunque Johann Sebastian Bach (1685-1750) no haya referido expresamente su música a conflictos políticos o a una búsqueda nacionalista, esta se ha plantado como un referente de la sonoridad germana, que logró reivindicar el lenguaje polifónico, uniéndolo a un lenguaje armónico ciertamente complejo, para sembrar el germen que compositores de los siglos sucesivos utilizarían para distinguirse de las sonoridades de otras geografías. La pieza que abrirá el concierto es la Suite en mi menor para laúd, BWV 996 de J. S. Bach que, aunque utilizada en el siglo xviii, pertenece a un género que tuvo su génesis doscientos años atrás, cuando se refería a una agrupación de branles, un tipo de danza que hacía parte de la cultura cortesana en Francia. Ya en los siglos xvii y xviii, courante, bourrée, allemande, gavotte, sarabande y gigue eran las danzas más utilizadas en las suites, aunque también se incluía esporádicamente al loure, la polonaise, el minuet, e incluso alguna fuga, como en el caso de la Suite BWV 997, probablemente porque para el siglo xviii la suite no tenía ya el único objetivo de ser bailada, sino de mostrar las posibilidades técnicas de los instrumentos solistas, a partir de la abstracción de los patrones rítmicos propios de las danzas mencionadas. La singularidad de esta pieza no radica en su constitución sino en el hecho de que, en uno de los manuscritos que la contienen, figura una inscripción junto al preludio: «aufs Lauten Werck» (en el Lauten Werck), que se refiere al clave-laúd, también llamado arpicordio leutato, Laute-Clavier, Lauten-Clavessin o Lautenclavicymbel. Se trata de un instrumento descrito en varias fuentes, algunas anteriores y otras contemporáneas a Bach, en que el sonido se produce a partir del mismo mecanismo del clavecín o clavicémbalo (pulsación de cuerdas por medio de un plectro, a partir de la pulsación de las teclas), pero cuyas cuerdas no eran de metal sino, en su mayoría, de tripa. 5 El debate aún está abierto con respecto a si el compositor pretendía que la pieza fuera ejecutada en dicho instrumento, pero lo que sí se sabe es que, aunque no hay ningún manuscrito autógrafo, la fuente en la que se encuentra aquella indicación pertenecía a Ludwig Krebs, alumno de Bach. Además, se conoce que el compositor contaba con al menos uno de estos instrumentos, ya que en la lista de sus posesiones, realizada después de su muerte, se encuentran dos Lauten Werck[e]. Por otro lado, es sabido igualmente que un primo segundo de Bach, Johann Nicolaus Bach, construyó varios de estos instrumentos, así que algunos autores se inclinan por pensar que es probable que Johann Sebastian haya tenido contacto con estos. Agustín Barrios ‘Mangoré’ —o Nitsuga (Agustín al revés) Mangoré, como se hizo llamar en algún momento— fue un compositor que se preocupó principalmente por la cultura latinoamericana y cultivó una visión decimonónica del nacionalismo musical. Aunque los aires de la música brasilera, argentina y paraguaya se asoman no modestamente en sus piezas, su admiración por compositores como Robert Schumann y Frédéric Chopin nunca fue ocultada y tiene tanto protagonismo como «todas las voces vírgenes de la naturaleza de América», como se refiere al espíritu latinoamericano en su Profesión de fe. Los Valses Op. 8 son una muestra diáfana del sincretismo entre los ritmos y el virtuosismo provenientes de la cultura europea y el lenguaje melódico y armónico común a la gran mayoría de la música tradicional del Nuevo Continente. Es difícil imaginar que el compositor, a pesar de ser ahora reconocido como un exponente esencial del repertorio de la guitarra clásica, hubiera sido, en su momento, no muy apreciado por sus contemporáneos e incluso rechazado por algunos públicos. ¿La razón? Su conocimiento de la música de la tradición europea no mermó nunca las ganas de incorporar el lenguaje de la música latinoamericana en su repertorio, como concertista y compositor. De esta manera, un público acostumbrado a ser receptor de programas que incluyeran a Joaquín Turina, Manuel María Ponce, Federico Moreno Torroba, y yendo más atrás, a Dionisio Aguado o Fernando Sor, no estaría dispuesto a cambiar a dichos templos de la música por sonoridades más ‘vulgares’ y propias de escenarios menos refinados. Lejos de cohibir su afán por reivindicar el espíritu musical latinoamericano, el rechazo del público impulsó al compositor a adoptar una personalidad ficticia, llamada Nitsuga Mangoré (un jefe del pueblo guaraní), que exponía, al inicio de sus conciertos, una especie de mitología propia sobre sus inicios en la música; además, escribió su Profesión de fe, en la que relata su génesis artística: Tupá, el Espíritu Supremo y protector de mi raza, encontrome un día en medio del bosque florecido. Y me dijo: “Toma esta caja misteriosa y descubre sus secretos”. Y encerrando en ella todas las avecillas canoras de la floresta y el alma resignada de los vegetales, la abandonó en mis manos. Tomela obedeciendo el mandato de Tupá, 6 y poniéndola bien junto al corazón, abrazado a ella pasé muchas lunas al borde de una fuente. Y una noche, Jasy retratada en el líquido cristal, sintiendo la tristeza de mi alma india, diome seis rayos de plata para con ellos descubrir sus arcanos secretos. Y el milagro se operó: desde el fondo de la caja misteriosa brotó la sinfonía maravillosa de todas las voces vírgenes de la naturaleza de América1. Como ya se dijo, la figura de Fernando Sor hace referencia directa a los conflictos sucedidos en la Guerra de la Independencia española, en el marco de las guerras napoleónicas. Y aunque cueste identificar con escenas bélicas al creador de uno de los métodos para guitarra más pormenorizados del siglo xix, la verdad es que la existencia del compositor catalán estuvo siempre dirigida hacia la vida militar (llegó a ser teniente en el corregimiento de Vilafranca). Por esto, no es de sorprender que su primera migración hacia otra cultura haya sido por cuestiones políticas: debido a la mutua simpatía entre el barcelonés y las tropas de Napoleón, y luego de que estas fueran derrotadas en 1813, Sor fue exiliado de España, lo que resultó en su llegada a París, donde la fiebre de la guitarra, la guitaromanie, estaba en desarrollo. Sería en esta ciudad en donde, luego de algunas temporadas en Londres, Berlín, Varsovia y Moscú, el compositor se dedicaría por completo a la guitarra, como intérprete, compositor y profesor, fruto de lo cual será el celebrado Méthode pour la guitare, publicado en 1830. Vale la pena notar que la Sonata Prima Op. 14 (como fue titulada en su primera publicación) data del periodo español del compositor, pues fue publicada por primera vez en 1810, tres años antes de su exilio a París. Su éxito se hizo evidente en el hecho de que en 1822 fue publicada una segunda edición con algunas modificaciones, probablemente pensadas para guitarristas con habilidades más modestas; además, su contemporáneo Dionisio Aguado hizo también su propia versión de la obra. En esta pieza, conocida actualmente como Grand solo, Op. 14 y que consta de un único movimiento, la búsqueda de una narrativa a partir de formas claras y de un lenguaje armónico sencillo y evidente, tan propia del pensamiento ilustrado, no se ve opacada en ningún momento por la necesidad del compositor de expresar una escritura polifónica igualmente clara y compleja. La exploración armónica, que saca al intérprete de la comodidad técnica, y la conciliación que se logra entre el idiomatismo guitarrístico y los lenguajes sinfónico y vocal, se explican a través del entendimiento de la compleja figura de Fernando Sor, no solo como un guitarrista 1 Poema de Agustín Barros incluido en la referencia realizada por Manuel Matarrita. Recuperado de http://www.filomusica.com/filo71/abarrios.html 7 que escribió para su instrumento, sino como un compositor, conocedor, además, de instrumentos como el violín, el piano y la voz, que decidió dedicar sus últimos años a este instrumento emergente. La última década del siglo xx vio el nacimiento de varias naciones que algunos años antes habían compartido, además de rasgos culturales, una misma nacionalidad; la desintegración de Yugoslavia fue el resultado de varias guerras de independencia que marcaron un capítulo ciertamente sangriento en la historia de la península balcánica. Compuestas en 1991, año en que Croacia y Macedonia declararon su independencia, las Seis miniaturas balcánicas de Dušan Bogdanović, dedicadas a la paz mundial, lejos de separar, llaman a la integración a través de un trabajo de síntesis cultural en el que el compositor propone, en tono nostálgico e idealizado, una tregua, como mínimo, estética: Estos días de turbulencia política en Europa del Este encuentran su centro especialmente en Yugoslavia, el corazón de los Balcanes y mi patria. Es igualmente trágico e irónico ver la desintegración de la tierra y el pueblo mientras se es consciente del sello cultural que abarca toda el área. Así, puede ser que el arte, entre otras tentativas humanas, aún nos enseñe una manera de armonizar y sintetizar los más diversos elementos que provienen de una misma fuente. Es dentro de este espíritu que dedico esta música a la paz mundial. Las seis miniaturas comparten dos características: métrica flexible y armonía basada en lo modal. En general, las formas son simples y se basan en la repetición de frases en contextos armónicos distintos. Las danzas (Jutarnje Kolo, Makedonsko Kolo, Široko) están todas interrelacionadas temática y armónicamente. Las dos canciones presentan un contraste en el afecto y el sentimiento. De todas las miniaturas, Vranjanka es la única que se basa en una danza tradicional, mientras que todas las demás están compuestas a partir de una síntesis de variedad. La última miniatura hace alusión a los ágiles dedos de los ejecutantes de acordeón o frula (flauta), que frecuentemente se encuentran en las bodas y festividades de los pueblos (Bogdanović, 1991, 2)2. 2 These days of political turmoil in Eastern Europe find their focus especially in Yugoslavia, the heart of the Balkans, and my homeland. It is both tragic and ironic to see the further disintegration of the land and the people, while being aware of the unique cultural stamp of the whole area. So, it might be that the art among other universal human endeavors, still shows us a way of harmonizing and synthesizing the most diverse elements coming from the same source. It is in this spirit that I dedicate this music to World Peace. All the six miniatures share characteristics of modally based harmony and flexible odd-meter. Overall, the forms are simple, based on repetition of phrases, often in different harmonic contexts. The Morning, Macedonian, and Tiny-knit Dances are all interrelated thematically and harmonically. The two songs present contrast in feeling and mood. Of all miniatures, Vranjanka is the only one based on an actual traditional dance, whereas all the others are composed in a variety of synthesis. The Tiny-knit Dance alludes to the nimble fingers of “obligatory” accordeon or frulla (flute) players, one often hears in village weddings and other festivities. (Traducción al español realizada por Daniela Peña Jaramillo). 8 Las piezas del compositor tolimense Gentil Montaña presentes en el programa de hoy se mueven entre la creación y la adopción de lenguajes ajenos. Las Fantasías Nos. 1, 2 y 3 dan cuenta de la creación de un lenguaje idiomático para la guitarra clásica a partir de la adaptación de lenguajes variopintos provenientes de un lugar común: el folclor colombiano. Por su parte, las transcripciones de las cumbias de José Barros funcionan como una especie de espejo artístico, ya que, siendo el propio Gentil Montaña pionero en la creación de un lenguaje nacional en el ámbito de la guitarra clásica, este toma prestado el lenguaje de quien reivindicó, en su momento, la música popular colombiana; la ‘desvulgarizó’ e inmortalizó con títulos como La piragua, Las pilanderas y las que se escucharán hoy: El pescador y Navidad negra. Como la mayoría de los compositores mencionados, el maestro Gentil Montaña tuvo la oportunidad de estudiar y de presentarse en Colombia y en Europa, logrando el sincretismo entre el lenguaje de la música académica europea, la música popular colombiana e incluso el jazz. En palabras del compositor, «A pesar de que me formé oyendo los clásicos de la primera mitad del siglo xx, las influencias externas me han permeado y por eso me catalogan como un guitarrista de música popular ‘fusión’» (Montaña, s. f.). Referencias Bogdanović, D. (1991). Six Balkan Miniatures. Matarrita, M. (s. f.). Hacia un redescubrimiento de la música de Agustín Barrios: Transcripciones al piano de sus obras para guitarra. Recuperado de http://www. filomusica.com/filo71/abarrios.html Redacción El Tiempo. (Publicación del 29 de septiembre del 2011). Gentil Montaña: “La música andina colombiana es de uno”. El Tiempo. Recuperado de: http://www. eltiempo.com/archivo/documento/CMS-10462665 Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. 9 *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. FXT822. Foto: Kike Barona LAURA CHAPARRO música colombiana Boletas: $6.000* y latinoamericana Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Pasto, Medellin, Cúcuta, Manizales, Leticia y Bucaramanga LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Francisco Carranza CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana Boletas: $10.000 (Colombia)

Foto: Luz Angélica Ballesteros Varela Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES XIMENA PÉREZ MEJÍA saxofón (Colombia) DIEGO CLAROS piano (Colombia) CRISTIAN GUATAQUIRA cuatro llanero (Colombia) Martes 17 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Santa Marta, Quinta de San Pedro Alejandrino Cód. PULEP: AQS122 Jueves 26 de julio de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: TBA776 TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Santa Marta, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada principal de la Quinta de San Pedro Alejandrino – Mamatoco. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 XIMENA PÉREZ MEJÍA saxofón Nació en Bogotá. Inició sus estudios musicales en la Fundación Nacional Batuta con la maestra Angélica Vanegas y los continuó en la Academia Superior de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas donde posteriormente emprendió sus estudios de pregrado con énfasis en saxofón clásico con el maestro cubano Juan Felipe Tartabull. Posteriormente realizó un diplomado en pedagogía musical en el Ministerio de Cultura de Colombia. Ha pertenecido a diferentes agrupaciones musicales, entre estas la Banda Sinfónica Municipal de Soacha, la Banda Sinfónica de la Facultad de Artes de la Universidad Distrital y la Banda Sinfónica Juvenil de Cundinamarca. Ha sido supernumeraria de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia bajo la batuta de directores nacionales e internacionales y con presentaciones en diferentes escenarios a nivel distrital y nacional. Ha recibido clases magistrales con los maestros Philippe Portejoie (Francia), Dilson Florêncio (Brasil), Preston Duncan (Estados Unidos), Esnéider Valencia (Colombia), y Javier Ocampo (Colombia). Ha participado en diferentes encuentros de música nacionales e internacionales, entre estos el Festival de Saxofones de Cali CALISAX-2016 (Colombia), el Festival de Música de Santa Catarina FEMUSC (Brasil) en las ediciones 2014, 2015 y 2016, y el Encuentro Universitario Internacional de Saxofón UNAM-2016 (Ciudad de México). Se ha presentado como solista en el auditorio de Bienestar universitario de la Universidad de la Sabana, el Auditorio Samuel Bedoya de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital y el Auditorio Teresa Cuervo del Museo Nacional. Fue ganadora de un premio del programa de estímulos del Ministerio de Cultura de Colombia (2017) con el que participó en una pasantía con la Banda Sinfónica de la Comunidad Valenciana, en Valencia (España). Ha trabajado en proyectos de formación musical para población vulnerable en el municipio de Soacha (Colombia). Actualmente se desempeña como saxofonista en la Banda Sinfónica Juvenil de Cundinamarca, a la que pertenece desde el 2013. Diego Claros, piano Músico, pianista y magíster en pedagogía del piano por la Universidad Nacional de Colombia, obtuvo la más alta calificación en sus recitales de grado en pregrado y maestría. Su trayectoria como pianista acompañante ha sido ampliamente reconocida en el ámbito musical. Foto: Luz Angélica Ballesteros Varela 2 Se ha desempeñado como pianista para el Concurso Nacional de Clarinetes Claribogotá, como pianista acompañante en las universidades Javeriana, Andes y Nacional, y como profesor de piano y pianista del coro de la Universidad de La Sabana. Actualmente es codirector musical y correpetidor en el taller de ópera del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. Cristian Guataquira, cuatro Cuatrista, compositor, arreglista y docente. Su formación musical empezó a muy temprana edad cuando asistía a diferentes festivales infantiles dentro de la ciudad. A la edad de nueve años se vinculó a la Academia Llano y Joropo. Tomó clases de cuatro solista con los maestros David Bedoya y Juan Carlos Contreras. En el 2007 ingresó a la Academia Luis A. Calvo, donde adelantó estudios de gramática y armonía y recibió clases magistrales con los maestros Cheo Hurtado, Luis Pino, Jorge Glem y Leonardo Lozano. En el 2014 obtuvo el diploma en Guitarra popular en la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Francisco José de Caldas. Recientemente obtuvo su título de maestro en artes musicales con énfasis en arreglos y composición de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Fue ganador del Festival Colombia al Parque en las versiones del 2010 y 2012. Obtuvo el premio a la mejor propuesta en formato libre de joropo en el Torneo Internacional del Joropo de Villavicencio 2012. Fue ganador de la convocatoria Premio Nacional Ciclo de Conciertos ‘Música con Tempo Colombiano’ y seleccionado para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República como cuatrista solista, en el 2012. Se ha presentado en diferentes escenarios del país, y en importantes salas de Costa Rica, Estados Unidos, Holanda y España. Actualmente se desempeña como artista formador en el Instituto Distrital de las Artes, IDARTES, donde imparte clases de cuatro llanero a niños y jóvenes. El concierto en Santa Marta cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Sonata Op. 19 para saxofón alto y piano (1939) With vigor With tranquility With gaiety PAUL CRESTON (1906-1985) Fantasía sobre un tema original para saxofón y piano (1860) JULES DEMERSSEMAN (1833-1866) Tango estudio No. 3 (1987) ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992) Original para flauta traversa INTERMEDIO Sonata para saxofón soprano (1988) Allegro Andante Allegro molto ANDRÉS ALÉN RODRÍGUEZ (n. 1950) Monólogo en tiempo de joropo (2008) La Vaquería Registro Pajarillo CARLOS GONZALO GUZMÁN (n. 1972) Para saxofón alto solo Nadie como tú (1970) ABSALÓN CLAVIJO (1920-2017) Original para saxofón y banda Versión para saxofón y piano por Absalón Clavijo Resuena un joropo* (2010) LUIS EDUARDO AGUILAR (n. 1951) Original para saxofón soprano o clarinete y piano Arreglo para saxofón y cuatro por Cristian Guataquira (n. 1987) *Acompañante en el cuatro: Cristian Guataquira CONCIERTO No. 30 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Daniela Peña Con una historia harto reciente, el saxofón es reconocido principalmente por el papel que ha desempeñado en escenarios más populares que clásicos. En la primera mitad del siglo pasado, fue protagonista, en manos de personajes como Sidney Bechet, Lester Young, Coleman Hawkins, Sonny Rollins y el legendario Charlie Parker, del auge de las big bands, del nacimiento del bebop y, hacia finales de los años 50, de la inserción de la cuota de vanguardia que proveería Ornette Coleman con el free jazz. Por otro lado, su introducción paulatina en música de corte más comercial, en la década de los 70, fue llevando al instrumento a un complejo de sonoridades que terminarían por ‘limitar’ su papel a ciertos contextos, entrañados por muchos, pero asimismo despreciados e incluso befados por la gran mayoría en la comunidad académica. El programa que hoy presenta Ximena Pérez se aparta de los clichés que empañan la labor de este instrumento —o, si se quiere, familia de instrumentos— y da cuenta de su evolución, desde su creación, con la obra de Jules Demersseman (1833-1866), hasta las décadas más recientes, con el compositor colombiano Carlos Gonzalo Guzmán (n. 1972). El saxofón es de los pocos instrumentos cuyo origen tiene nombre y apellido: fue fruto de la invención del belga Adolphe Sax, quien, además de tener educación musical, representaba —y no tímidamente— el oficio de su padre, que se dedicaba a la construcción de instrumentos de viento, principalmente. Sax, imbuido del espíritu decimonónico, se adhirió a la búsqueda del perfeccionamiento tímbrico que realizaban tanto compositores como constructores, y, alrededor de 1840, empezó a dar a conocer su nueva creación, pensada inicialmente para ser introducida en el mundo orquestal y en el militar (Rauemberg y Ventzke, 2001). El nombre saxophone viene a significar ‘el sonido de Sax’ y fue utilizado de manera generalizada a partir de 1842, luego de que el compositor francés Hector Berlioz se refiriera al instrumento de esa manera (Rauemberg y Ventzke, 2001). Seguido de una serie de modificaciones que resultaron en la creación de un sistema o familia de instrumentos, la patente que le otorgaba el monopolio en la construcción a Adolphe Sax llegó en 1846, momento a partir del cual el saxofón empezó a abrirse camino en contextos académicos como el Conservatorio de París y también en las academias militares francesas. Desde ese momento, la creación de Sax empezó a ganar prestigio gracias a la voz de compositores como Gioachino Rossini, Giacomo Meyerbeer y Hector Berlioz, quien, en un artículo publicado en 1842 en el Journal des débats, titulado Les 5 instruments de musique de Monsieur Sax (Los instrumentos de música del señor Sax), asegura lo siguiente: «Los compositores le deberán mucho al señor Sax cuando sus instrumentos alcancen un uso general. Que persevere; no le faltarán los estímulos de los amigos del arte» (Villafruela, 2001). Fruto del ascenso del instrumento de Sax hacia ámbitos académicos, su creador fue el encargado de inaugurar las cátedras de saxofón en el conservatorio de París, que trajeron consigo, a su vez, la necesidad de un repertorio propio. Es aquí donde la figura de Jules Demersseman (1833-1866) entra en juego, ya que su Fantasía sobre un tema original para saxofón y piano, fue compuesta en 1860 a petición del propio Adolphe, con el fin de ser interpretada por los aspirantes en las pruebas de ingreso a la incipiente cátedra.1 La Sonata Op. 19 para saxofón alto y piano, del norteamericano Paul Creston (1906-1985) da cuenta del momento en que el instrumento pisaba fuerte lejos de Europa. Luego de haber acompañado el transcurrir de la Primera Guerra Mundial como protagonista de la música de vodevil y de ver el nacimiento de la ‘era del jazz’ en la década de los veinte en Norteamérica, la creación de Adolphe Sax, durante los años de la Gran Depresión, volvió a su contexto original, el académico. Encargada por Cecil Leeson, uno de los pioneros del saxofón ‘clásico’ en los Estados Unidos de América, a quien el organista y pianista Creston acompañaba en el contexto de la National Music League (Liga Musical Nacional), la sonata que escucharemos, no solo evidencia un discurso propio del lenguaje de la música académica del siglo xx, 1 Imagen de dominio público, tomada de http://www.selmer.fr/histzoom.php?id=6 Patente de la familia de ocho saxofones, realizada por Adolphe Sax en marzo de 18461. 6 sino que utiliza también elementos armónicos y melódicos que refieren más bien a los contextos populares en los que se desarrolló el instrumento. El empleo de un formato y un género propios de la tradición europea (sonata para instrumento solista y piano), las construcciones rítmicas complejas y la exploración de las posibilidades técnicas del instrumento se unen a melodías cantábiles y giros armónicos que recuerdan, por momentos, a las big bands que, bajo la batuta de Duke Ellington, Count Basie y Fletcher Henderson, estaban introduciendo al saxofón en su formato. Las obras de Astor Piazzolla, Andrés Alén Rodríguez, Carlos Gonzalo Guzmán, Absalón Clavijo y Luis Eduardo Aguilar nos envían directamente a un concepto que se desarrolla en el momento en que el nuevo instrumento de Sax fue creado: siglo xix, el Nacionalismo. Y aunque tal concepto se puede encontrar en la sonata de Creston, no es tan evidente como en las obras de los compositores citados, quienes utilizan el folclor como germen de creación. El Tango estudio No. 3, escrito originalmente para flauta traversa, se muestra como el punto álgido de la creación nacionalista del bandoneonista argentino Astor Piazzolla (1921-1992), quien, luego de una temporada bajo la tutoría de la renombrada Nadia Boulanger, decidió seguir su consejo y dejar de parecerse a los grandes compositores para buscar su voz en el tango, tal como lo cita Morrison (2012): Cuando la conocí [Piazzola a Boulanger], le enseñé mis kilos de sinfonías y sonatas. Ella empezó a leerlas y, de repente, salió con una horrible frase: “Está muy bien escrito”. […] Luego de un largo rato, dijo: “Aquí eres como Stravinsky, como Bartók, como Ravel, pero ¿sabes qué sucede? No encuentro a Piazzolla”. Luego de haberle revelado que tocaba el bandoneón y de haber interpretado uno de sus tangos, ella exclamó: “¡Idiota, eso es Piazzolla!” Y finaliza Piazzolla: “Así que tomé la música que compuse, diez años de mi vida, y lo mandé todo al infierno en dos segundos”2. De las obras que siguen, en las que se identifica el concepto de Nacionalismo, el Monólogo en tiempo de joropo, del colombiano Carlos Gonzalo Guzmán (n. 1972), es tal vez la pieza a través de la cual se explica mejor dicho concepto, puesto que no solamente utiliza elementos técnicos del folclor —es decir, ritmos, armonías y formas, entre otros— sino que todo su discurso está creado a partir del comportamiento, tanto musical como ritual del folclor. Así lo declara el autor en la explicación de la obra: «Monólogo en tiempo de joropo es una obra que refleja parte de la tradición del canto monódico de los llanos colombo-venezolanos; es la lectura 2 “When I met her, I showed her my kilos of symphonies and sonatas. She started to read them and suddenly came out with a horrible sentence: “it’s very well written.” (…) After a long while, she said: ‘Here you are like Stravinsky, like Bartók, like Ravel, but you know what happens? I can’t find Piazzolla in this.” After revealing that he played the bandoneón and performing one of his tangos, she exclaimed, “You idiot, that’s Piazzolla!” Piazzolla concludes, “And I took all the music I composed, ten years of my life, and sent it to hell in two seconds” (Traducción de Daniela Peña Jaramillo). 7 y la percepción del hombre de sabana; Monólogo es la poética misma del ser llanero» (Guzmán, 2008). Y continúa: Se divide en tres momentos; el primero —La vaquería— hace una remembranza del amanecer en los Llanos Orientales, del trabajo del campesino y, sobre todo, de la relación del hombre con la tierra llana. El canto deviene en la vida del campesino llanero, y así aparecen, entonces, los “cantos de trabajo”; La vaquería es uno de estos cantos y consiste en cantarle al ganado una serie de tonadas con las que se le pide al animal el “favor”, con mucho cariño, de dejarse ordeñar mientras la cría es separada de su lado. Este canto es monódico, con una serie de glissandos y vibratos que se asemejan e imitan los sonidos del ganado vacuno (Guzmán, 2008). En el caso del pasillo Nadie como tú, del caldense Absalón Clavijo (1920-2017), la aproximación al elemento folclórico es mucho más sencilla que en la pieza anterior, y se apela no tanto a una visión antropológica como a una individual, muy en el ánimo del nacionalismo decimonónico, en el que los compositores acomodaban los elementos técnicos de la música tradicional a sus conocimientos y su contexto emocional. En una entrevista realizada por María del Pilar Bustamante en el 2014, el autor revela de dónde surge el pasillo que Ximena Pérez interpretará: A partir de ese momento me dediqué a aprender más de los instrumentos, de su extensión, su afinación, de cómo hacer la distribución para los arreglos en la banda... y de nuevo comencé a trabajar en la banda de La Unión, Valle, donde escribí tres pasillos para saxofón alto: Nadie como tú, Encantos de mujer y Hermanos Grajales; el primero, dedicado a mi esposa, Mariela Marín de Clavijo, mi compañera de toda la vida […] Son piezas llenas de sentimientos y de pensamientos lúgubres que en ese entonces me acompañaban; guardan similitud en su primera parte, mientras que en la segunda tienen un poco de movimiento, pues fueron pensadas en momentos más alegres. La forma para estas piezas fueron [sic] concebidas a mi manera de sentir; quería darle un cambio de estilo a la forma tradicional usada para el pasillo; quería darle aire de obra más serio, por lo cual escribí esas cadencias en la introducción, para luego llegar a la parte rápida con exigencia técnica para el intérprete, que debe lucir cada una de las frases allí pensadas. Esa fue la idea con la que concebí estas piezas para saxofón (Bustamante, Clavijo, 2015, p. 16) Si bien las obras del cubano Andrés Alén Rodríguez (n. 1950) y del colombiano Luis Eduardo Aguilar (n. 1951) presentan visos de la exaltación del folclor nacional, su principal objetivo no es hacer una exposición antropológica, como en el caso de Guzmán, ni tampoco una exploración individual, como es el caso de Clavijo: lo que se presenta es una búsqueda de las posibilidades técnicas del instrumento, una indagación en la potencialidad virtuosa del intérprete, lo cual, epilogando el discurso del programa, nos da cuenta, también, del momento histórico del génesis del instrumento que sintetizó ‘el sonido de Sax’. 8 Bibliografía Bustamante, M.P. (2015). “Nadie como tú” pasillo inédito para saxofón y banda de Absalón Clavijo Hernández. (Tesis de Maestría). Tomado de: https://repository. eafit.edu.co/handle/10784/8046 Guzmán, C.G. (2008). Monólogo en tiempo de Joropo. Joropo colombiano para saxofón alto solista. Tomado de: http://imslp.org/wiki/Monologo_en_Tiempo_de_ Joropo_(Guzmán-Muñoz%2C_Carlos_Gonzalo) Hristova, B. 2012. Bella Unaccompained [CD]. Reno: Tanglewood Productions. Raumberger, C., & Ventzke, K. (2001). Saxophone. Grove Music Online. Revisado: 4 May. 2018, desde http://www.oxfordmusiconline.com/ grovemusic/view/10.1093/gmo/9781561592630.001.0001/omo- 9781561592630-e-0000024670 Villafruela, M. (2001). El saxofón: Una mirada a su historia y su presencia en la creación contemporánea en Chile. Tomado de: http://www.villafruela.scd.cl/sax.htm Daniela Peña es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En el 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 16 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta SEBASTIÁN AVENDAÑO, piano Jueves 23 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana Jueves 30 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto, San Andrés y Quibdó ALEJANDRA DÍAZ, guitarra Jueves 6 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Sincelejo, Montería e Ipiales LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: FXT822. AAE126. FYV783. SVJ267. VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. Foto: Cristhian Sastre JHONNIER ADOLFO BUITRAGO trombón Mari Boletas: $6.000* Kagehira, piano (Japón) Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Mat Hennek STEFAN TEMMINGH flauta dulce (Sur África / Alemania) Boletas: $10.000

Foto: Juan Pablo Rozo Jueves 9 de agosto de 2018 · 7:15 p.m. Bucaramanga, Auditorio Luis A. Calvo de la Universidad Industrial de Santander Cód. PULEP: CIJ942 Jueves 23 de agosto de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: AAE126 SEBASTIÁN AVENDAÑO piano (Colombia) Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Bucaramanga, el ingreso al Auditorio Luis A Calvo de la Universidad Industrial de Santander para personas con movilidad reducida, mujeres embarazadas y adultos mayores es por la entrada de platea, ubicada en el costado sur. Es necesario dar aviso al personal logístico del auditorio para que el ingreso sea habilitado. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 Foto: Juan Pablo Rozo SEBASTIÁN AVENDAÑO piano Magíster en pedagogía del piano de la Universidad Nacional de Colombia. Actualmente adelanta sus estudios de maestría en interpretación con la profesora Lori Sims en Western Michigan University, Estados Unidos. Fue ganador del primer premio como pianista acompañante otorgado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá en el Concurso Nacional de Canto 2015 y ganador del Jacqueline Avent Concerto Competition 2015 (Estados Unidos), donde interpretó el Concierto para piano No. 2 de Dmitri Shostakovich con la Sewanee Symphony Orchestra bajo la batuta de Mei-Ann Chen. Fue el pianista invitado para participar del proyecto orquestal de la Vancouver Symphony Orchestra at Whistler (Canadá) en el verano del 2015, y también seleccionado como becario del Sewanee Summer Music Festival (Estados Unidos). Ganó el Concurso de Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Cali en el 2015 y fue seleccionado para actuar en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en 2017 y 2018. Inició sus estudios musicales bajo la tutoría del maestro Emer Montaño en el colegio Centro Don Bosco en Bogotá. En el 2007 ingresó al programa básico de estudios musicales de la Universidad Nacional de Colombia. Fue merecedor del primer premio en la modalidad solista del Festival Artístico Salesiano FAS 2008 y 2009. Ha tomado clases magistrales con Blanca Uribe, Ricardo Castro, Albert Guinovart, Valentina Lisitsa, Harold Martina y Hugues Leclère. Participó en las ediciones 2012, 2013, 2014 y 2016 de festivales de música clásica en Brasil, recibiendo clases con los maestros Alexandre Dossin y Fany Solter. Durante estos festivales, ofreció varios recitales como solista y de música de cámara en la serie Piano Masters. En el 2013 fue el pianista invitado por la Orquesta Filarmónica de Jaraguá do Sul para participar en la apertura del Festival de Música de Santa Catarina (Brasil). Fue seleccionado como becario en el Festival Internacional de Música de Cartagena en las ediciones 2014 y 2015. Fue, además, el pianista invitado por la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia para su gira de verano 2014 - Petrushka. Es integrante de Quintango, quinteto con el que ha ganado importantes concursos de música de cámara en el país tales como el II y el III Festival de Música 2 de Cámara organizado por la Orquesta Filarmónica de Bogotá y el Teatro Libre, la convocatoria Beethoven 7.30 (Cali) y el Concurso de Música de Cámara organizado por el Auditorio Fabio Lozano (Bogotá). Ha colaborado como pianista supernumerario con la Orquesta Filarmónica de Bogotá, Coro Filarmónico Juvenil, Coro de la Corporación Carmiña Gallo, Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá, Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá (FOSBO) en los conciertos de año nuevo transmitidos por CityTv, y ha trabajado como pianista acompañante en la Universidad Nacional de Colombia, Universidad de los Andes, Pontificia Universidad Javeriana, y Universidad Pedagógica y Tecnológica de Colombia –UPTC–. Actualmente es el pianista principal del Opera Workshop en Western Michigan University. El concierto en Bucaramanga cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Sonata para piano No. 13 en si bemol mayor, K.333 (1783) Allegro Andante cantabile Allegretto grazioso WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Nocturno No. 2 en si mayor, Op. 33/2 (c. 1880) GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Improvisación No. 15 en do menor, FP 176 ‘Homenaje a Edith Piaf’ (1959) FRANCIS POULENC (1899-1963) INTERMEDIO Ancestro (1988) GERMAN DARÍO PÉREZ (n. 1969) Sonata No. 2 en re menor, Op. 14 (1912) Allegro ma non troppo Scherzo Andante Vivace SERGÉI PROKÓFIEV (1891-1953) CONCIERTO No. 34 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza Cuando a comienzos del siglo XVIII Bartolomeo Cristofori (1655-1731) ideó el mecanismo que le permitió reemplazar las púas de metal del clavicordio por pequeños martillos que percutieran las cuerdas del instrumento, seguramente no imaginó la importancia que tendría en los siglos por venir este descubrimiento. El instrumento naciente recibió el nombre de cimbalo di piano e forte (clavicordio con sonidos suaves y fuertes) siendo esta su principal cualidad: la de producir matices antes imposibles en sus predecesores, el clavecín y el clavicordio. Hoy lo conocemos como pianoforte1, instrumento que luego de numerosos cambios llegaría a transformarse en el piano moderno, fundamental en la música desde el clasicismo hasta hoy. Fue precisamente en un pianoforte que Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) aprendió a tocar y a componer a una edad muy temprana, llegando a ser además de un niño prodigio, un brillante compositor e intérprete. El ingenio del músico austriaco contribuyó a la popularidad del instrumento, aportando fantasías, variaciones, conciertos y sonatas al repertorio de esta ‘nueva invención’. De las dieciocho sonatas para piano solo, hoy escucharemos la Sonata para piano No. 13 en si bemol mayor, K.333 compuesta en 1783 en Linz. A los 27 años, Mozart se encontraba ya en su etapa de madurez como compositor, oficio que alternaba con una intensa vida de concertista en la ciudad de Viena. Su estilo compositivo fue el punto medio entre el Barroco y el Romanticismo, entre el manejo preciso del contrapunto, y la audacia tonal y formal que se desarrollarían en el siglo XIX. Las sonatas de Mozart constan de tres movimientos (rápido-lento-rápido) y esconden, tras una aparente sencillez, complejidades rítmicas y armónicas que desafían aun a intérpretes experimentados. El primer movimiento Allegro es un ejemplo de ‘forma sonata’ (exposición, desarrollo, re-exposición) con temas que se mueven por varias tonalidades; el segundo movimiento Andante cantabile es lento, lírico, con un rico tejido de tonalidades entre mayores y menores, característica que se mantiene en el tercer movimiento Allegretto grazioso que contrasta rítmicamente con el segundo retomando temas del primer movimiento en una forma similar al rondó. Esta sonata es una demostración de virtuosismo y audacia armónica reveladora del genio compositivo de Mozart. El piano moderno apareció en el siglo XIX. Un mayor tamaño, mayor número de cuerdas y mecanismos más complejos le dieron una sonoridad imponente y 1 El instrumento tenía cinco octavas en vez de siete y medio como hoy. Además la tensión de las cuerdas era menor y estas eran más delgadas. El material que recubría los martillos no era fieltro como ahora, sino cuero y esto influía en el sonido, mucho menos sonoro que el de los pianos modernos. Poseía igualmente un mecanismo similar a un pedal que se accionaba con la rodilla. 5 mejoraron su capacidad de generar contrastes. Este fue el instrumento preferido de Gabriel Fauré (1845-1924), quien a pesar de ser organista de profesión, compuso con especial esmero nocturnos, barcarolas, impromptus, valses y caprichos para el piano. El estilo compositivo de Fauré fue apreciado por sus contemporáneos gracias a una extrema complejidad que no venía de un virtuosismo demostrativo, sino del empleo del lenguaje musical y la influencia del órgano en su escritura. Jean Chantavoine escribió en el periódico musical francés Le Menestrel el 14 de noviembre de 1924, diez días después de la muerte de Fauré: «La práctica del órgano puede, sin duda, desarrollar no sé qué dogmatismo o formalismo. Por otra parte, invita a soñar, a meditar» (Chantavoine, 1924)2. Y en cuanto a la escritura para piano del compositor, agrega: «sus obras para piano solo van a veces a la exageración y esta exageración se manifiesta en el abuso que Gabriel Fauré suele hacer del arpegio en su escritura pianística» (Chantavoine, 1924)3. De los trece nocturnos que compuso entre 1875 y 1921, escucharemos el Nocturno No. 2 en si mayor, Op. 33/2 (c. 1880). En el estilo de sus nocturnos se siente la influencia de Chopin y Schumann no solo en la forma sino en el carácter. Esta obra se basa en una forma libre en la que destacan una introducción expresiva que contrasta con una sección media agitada y tempestuosa en un ritmo ostinato, cerrando con una sección lírica y luminosa. En este nocturno, la contraposición de pasajes sombríos y luminosos resalta el carácter ensoñador y reflexivo a la manera de los nocturnos que hiciera tan populares Chopin. El audaz manejo de la armonía que hace Fauré incrementa la intensidad expresiva del nocturno. En la primera mitad del siglo XX, París era una ciudad de vanguardias artísticas, cuna y refugio de intelectuales. En este ambiente de riqueza cultural en el que convivían el jazz, el cine, la música clásica y el music hall se formó Francis Poulenc (1899-1963) en un mundo en permanente transformación. Se relacionó con el piano desde su primera infancia y a pesar de la variedad de sus obras (canciones, ópera, oratorio, ballet), este tuvo un lugar importante en sus composiciones. De las quince improvisaciones para piano que compuso entre 1932 y 1959, escucharemos la última Improvisación No. 15 en do menor, FP 176 ‘Homenaje a Edith Piaf’. En esa época la cantante Edith Piaf (1915-1963) era ya reconocida como una de las voces más importantes de Francia. No existe prueba de que se hayan conocido a pesar de tener en común la amistad de Jean Cocteau, cineasta francés cercano al grupo de ‘Los seis’4 2 “La pratique de l’orgue peut, sans doute, développer je ne sais quel dogmatisme ou formalisme. En revanche, elle invite à la rêverie, à la méditation” (Traducción al español por Angélica Daza). 3 “Ses oeuvres pour piano seul vont parfois à l’exagérer et cette exagération se manifeste par l’abus que Gabriel Fauré fait souvent de l’arpège dans son écriture pianistique” (Traducción al español por Angélica Daza). 4 Poulenc junto con Georges Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Germaine Tailleferre se pronunciaron en contra del Impresionismo y de la música wagneriana, inspirándose en el trabajo de Erik Satie. 6 (fundado por Poulenc unos años antes). El pianista Antonio Pompa-Baldi declaró en una entrevista en 2013: «Poulenc sabía mucho sobre las canciones de Piaf y las amaba. Sé esto gracias a un amigo, un gran pianista, Gabriel Tacchino, que fue el único alumno de Poulenc» (Pompa-Baldi en Huizenga, 2013)5. Las improvisaciones fueron formas libres y cortas escritas en distintos momentos de su vida. La Improvisación No. 15 no es una paráfrasis de alguna melodía de la cantante, sino un homenaje al estilo de la música de cabaret en la que se demuestra que el gusto musical del compositor no se limitaba a las formas clásicas. Poulenc fue, además, un reconocido melodista, virtud que quedó plasmada en esta improvisación impregnada de la nostalgia de las melodías populares. Otro compositor que vivió el influjo de París en el siglo XX fue el ruso Sergéi Prokófiev (1891-1953), quien entró en contacto con el trabajo de Los seis en su paso por la capital francesa (Poulenc dedicó su Sonata para oboe y piano, FP 185 a la memoria del compositor ruso en 1962). Prokófiev vivió el rigor de la primera guerra mundial y de la revolución Bolchevique, momento en el que decidió exiliarse. Regresó a su país veinte años más tarde, debiendo acomodar inevitablemente su estilo al régimen comunista. En esta ocasión, escucharemos la Sonata No. 2 en re menor, Op. 14, escrita en 1912, unos años antes de que se graduara del conservatorio de San Petersburgo. Esta obra de juventud sigue la estructura de la sonata romántica en cuatro movimientos (allegro, andante, minueto y allegro –o rondó–) respetando la forma básica, pero aportando ciertas modificaciones. De las nueve sonatas que compuso, la No. 2 es la más extensa; en palabras del interprete «es quizás una de las sonatas que presenta mayor cantidad de contraste en su trabajo con la forma sonata, contrastes que van desde un lirismo romántico hasta un lenguaje agresivo totalmente opuesto» (Avendaño, 2016, p. 19). El primer movimiento Allegro ma non troppo se caracteriza por sus contrastes temáticos; el segundo movimiento Scherzo es descrito por algún crítico como diabólico y audazmente rítmico; el tercero Andante contrasta con el anterior más tranquilo y misterioso, lírico y expresivo para terminar con un cuarto movimiento Vivace que retoma los temas principales en un ostinato rítmico. En esta sonata, Prókofiev respeta la forma romántica pero propone con audacia un nuevo lenguaje. Por su parte, el compositor colombiano Germán Darío Pérez (n. 1969) ha trabajado por más de treinta años en la composición de música colombiana, mezclando los ritmos tradicionales con nuevas sonoridades. El resultado ha sido aplaudido y premiado en repetidas ocasiones. Además de una reconocida carrera de pianista, ha creado varios conjuntos en los que se ha desempeñado como director y arreglista. Entre ellos el Trío Nueva Colombia y, más recientemente, Síncopa Cinco. El reto de llevar ritmos tradicionales a las salas de concierto implica adaptar 5 “Poulenc knew a lot of Piaf songs well, and loved them. I know this thanks to a friend, and great pianist, Gabriel Tacchino, who was the only pupil of Poulenc” (Traducción al español por Angélica Daza). 7 y explorar las posibilidades del lenguaje musical más allá de lo ‘popular’. Explica el compositor en una entrevista con el periódico El Tiempo en 2017: «Tenemos profundo conocimiento de la tradición. No se puede pretender innovar si no conoces las raíces de las cuales provienes». Hoy, escucharemos un clásico de su repertorio, el bambuco Ancestro, premiado como mejor obra inédita instrumental en el Festival Nacional Mono Núñez en 1988, momento desde el cual ha recorrido las salas de concierto del país adaptada a diversos formatos. El tradicional ritmo de bambuco aparece después de una breve introducción con su ritmo característico seguido de una melodía de gran lirismo sin abandonar la fuerza rítmica que la asocia a la tradición. Referencias Avendaño, J. S., (2016). Contextualización de la Sonata No. 2 Op. 14 en re menor de Sergéi Prokófiev (tesis de maestría). Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, Colombia. Recuperado de http://bdigital.unal.edu.co/54260/1/10 14240063 Chantavoine, J. (14 de noviembre de 1924). Gabriel Fauré, Le Menestrel, año 86. No. 46, p. 469. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k56164444/f4.item.r=oeuvre%20 pianistique%20de%20gabriel%20faur%C3%A9.zoom El Tiempo (22 de abril de 2017). Germán Darío Pérez, el ‘Piazzolla’ del bambuco. Recuperado de http://www.eltiempo.com/cultura/musica-y-libros/german-dario- perez-el-piazzolla-del-bambuco-80472 Huizenga, T. (25 de septiembre de 2013). The Pianist Who Plays ‘The Rascal And The Sparrow’. Entrevista al pianista Antonio Pompa-Baldi. NPR Classical. Recuperado de https://www.npr.org/sections/deceptivecadence/2013/09/25/225784532/ the-pianist-who-plays-the-rascal-and-the-sparrow Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. CUARTETO DE SAXOFONES 234 música latinoamericana Jueves 30 de agosto · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Pasto, San Andrés y Quibdó ALEJANDRA DÍAZ, guitarra Jueves 6 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Sincelejo, Montería e Ipiales LAURA CHAPARRO música colombiana y latinoamericana Jueves 13 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Riohacha JUAN SEBASTIÁN VELASCO, oboe Diego Claros, piano Jueves 20 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Villavicencio CAMILO ZAMUDIO, percusión Jueves 27 de septiembre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Ibagué JUAN MENDOZA DÍAZ, viola Daniel Muñoz, piano Jueves 4 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Girardot y Pereira NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Francis Díaz, piano; Ángeles Hoyos, violín Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. nueva fecha Este concierto también se presenta en Cúcuta PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie de los Jóvenes Intérpretes Cód. PULEP: FYV783. SVJ267. VYX222. GMN600. ABZ650. PIJ929. THX139. DDF689. Foto: Rodrigo Velásquez CUARTETO DE SAXOFONES 234 Boletas: $6.000* música latinoamericana Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Montería, Sincelejo y Quibdó CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Pasto, Medellin, Cúcuta, Manizales, Leticia y Bucaramanga LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Kaupo Kikkas CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Boletas: $10.000

CEPROMUSIC música contemporánea (México) José Luis Castillo, director Miércoles 4 de abril de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango Foto: Gabriel Ramos - Isoptica · Código PULEP: QER945 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República • 2018 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA TOME NOTA El ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto, con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo 1 COMISIÓN DE OBRAS DEL BANCO DE LA REPÚBLICA Por medio del programa de comisión de obras –proyecto que inició en 1965 con motivo de la inauguración de la Sala de Conciertos en 1966– el Banco de la República busca dinamizar la creación de nueva música, estimular el intercambio de Colombia con el mundo y generar el encuentro del público con el ingenio e inspiración de compositores e intérpretes. En 2018, el ensamble CEPROMUSIC, dirigido por José Luis Castillo, estrena Aspic, obra comisionada al compositor nariñense Gustavo Parra (n. 1963) que quedará plasmada en un volumen de la serie Compositores de nuestro tiempo. Con Aspic, el Banco de la República completa un total de dieciséis comisiones que engrosan el patrimonio inmaterial colombiano. Obras comisionadas • Fabio González Zuleta (1920-2011). Obertura de inauguración, para órgano solo. Comisionada en 1965. Estreno el 25 de febrero de 1966 a cargo del organista Carl Weinrich (Estados Unidos).* • Luis Antonio Escobar (1925-1993). Segunda suite de Bambuquerías para piano. Comisionada en 1980. Estreno el 10 de diciembre de 1980 a cargo del pianista Regis Benoit (Estados Unidos).* • Luis Antonio Escobar (1925-1993). Concierto para clarinete y orquesta. Comisionada en 1980. Estreno el 26 de noviembre de 1997 en Manizales a cargo del clarinetista Christopher Jepperson (Estados Unidos) y la Orquesta Sinfónica de Colombia dirigida por Dimitri Manolov (Bulgaria). • Germán Borda Camacho (n. 1935). Concerto grosso. Comisionada en 1981. Estreno el 30 de noviembre de 1983 a cargo de la Orquesta de Cámara de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, dirigida por Georgi Notev.* • Blas Emilio Atehortúa (n. 1943). Cuarteto para cuerdas No. 5, Op. 198. Comisionada en 1997. Estreno el 3 de junio de 1998 a cargo del Cuarteto Latinoamericano (México).* • Alba Lucía Potes (n. 1954). Entre arrullos y madrigales, con textos de Aurelio Arturo. Comisionada en 2001. Estreno el 11 de septiembre de 2002 a cargo del New York New Music Ensemble (Estados Unidos) y la soprano Susan Narucki (Estados Unidos).* • Sergio Mesa (n. 1943). Cuarteto de cuerdas. Comisionada en 2003. Estreno el 14 de abril de 2004 a cargo del Cuarteto Latinoamericano (México).* 2 • Jesús Pinzón Urrea (1928-2016). Visiones, para soprano, piano y percusión. Comisionada en 2005. Estreno el 20 de septiembre de 2006 a cargo del pianista Sergei Sichkov (Rusia), el percusionista Ricardo Gallardo (México) y la soprano Beatriz Elena Martínez (Colombia).* • Amparo Ángel (n. 1942). Trío, Op. 32, para violín, violonchelo y piano. Comisionada en 2007. Estreno el 25 de septiembre de 2009 en Popayán a cargo de Swiss Piano Trio (Suiza). • Diego Vega (n. 1968). Sinfoniae Profanae, para órgano y quinteto de cobres. Comisionada en 2009. Estreno el 19 de julio de 2010 en Medellín, a cargo de Pascal Marsault y Collectiv Cuivres (Francia). • Guillermo Carbó (n. 1963). ADAS, para cuarteto de cuerdas. Comisionada en 2011. Estreno el 22 de octubre de 2013 a cargo del Cuarteto Amernet (Estados Unidos).* • Andrés Posada (n. 1954). Oración. Tres canciones para soprano y piano, sobre poemas de Piedad Bonnett. Comisionada en 2012. Estreno el 18 de julio de 2014 en Santa Marta a cargo de Juanita Lascarro y José Alejandro Roca (Colombia). • Juan Antonio Cuéllar (n. 1966). En conversaciones. Variaciones para violín, violonchelo y piano, Op. 32. Comisionada en 2014. Estreno el 12 de agosto de 2015 a cargo de Lincoln Trio (Estados Unidos).* • Jorge Humberto Pinzón (n. 1968). Cygnus, para cuarteto de cuerdas. Comisionada en 2015. Estreno en Tunja el 1º de noviembre de 2016 a cargo del Cuarteto Diotima (Francia). • Juan Pablo Carreño (n. 1978). Pasillo Emilio, para cuarteto de cuerdas. Comisionada en 2016. Estreno en Bucaramanga el 10 de mayo de 2017 a cargo del Cuarteto Tana (Francia). • Gustavo Parra (n. 1963). Aspic, para ensamble de cámara. Comisionada en 2017. Estreno en Bogotá el 4 de abril de 2018 a cargo del ensamble Cepromusic (México) bajo la dirección de José Luis Castillo (México).* *Estrenada en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. 3 CEPROMUSIC Con el objetivo de estimular el desarrollo de la música contemporánea en México a través del fomento, experimentación, producción, difusión y formación en la creación musical actual, CONACULTA, INBA y FONCA fundaron en el 2012 el CEPROMUSIC (Centro de experimentación y producción de música contemporánea), cuyas actividades artísticas se iniciaron con la presentación de su ensamble permanente, que interpretó Tlachtli, de Manuel Enríquez, y el Kammerkonzert de György Ligeti. Bajo la dirección artística de José Luis Castillo, CEPROMUSIC es un espacio en el que convergen actividades artísticas y académicas en favor de la creación y difusión de la música contemporánea. En ese sentido, el ensamble es uno de los instrumentos que permiten llevar a cabo los objetivos del centro. Así pues, desde noviembre del 2012 ha ejecutado 105 conciertos con un total de 335 obras, de las cuales 113 han sido estrenos. Además de sus temporadas regulares en el Palacio de Bellas Artes, el ensamble CEPROMUSIC ha realizado residencias en México y Estados Unidos; y colabora habitualmente con otras disciplinas, como el vídeo, el cine silente, el teatro, la danza y la multimedia. El ensamble ha realizado cinco exitosas giras internacionales: en el 2014 se presentó en los Estados Unidos en el Center for New Music, la Boston University y la Americas Society de Nueva York; en el 2015 lo hizo en el Huddersfield Contemporary Music Festival de Inglaterra; en el 2016, en el Dundee Rep Theatre, sede de la compañía Scottish Dance Theatre, en Escocia; en el 2017, de nuevo en Estados Unidos en el Multicultural Education and Counseling through the Arts, MECA, en Houston, y ese mismo año se presentó en la Universidad de Alcalá de Henares, el Projecte Rafel Festival y el XXXVIII Encontre Internacional de Compositors, Madrid-Valencia-Mallorca, en España. Su producción discográfica incluye la integral para ensamble de Manuel Enríquez y Denudatio perfecta, con obras de nueve creadores mexicanos a partir de una propuesta plástica de Sandra Pani. El repertorio del CEPROMUSIC trata de convocar lo más amplio de la escena actual: desde la nueva complejidad hasta la improvisación y desde el macrotimbre hasta el código en tiempo real; todo esto con el fin de promover y difundir la creación contemporánea mexicana. Integrantes Diego Morabito, flauta Rolando Cantú, oboe Diego Cajas, clarinete Luis Alfonso Mora, clarinete bajo Ventsislav Spirov, fagot Jeffrey Rogers, corno francés Rafael Ancheta, trompeta Carlos Lot y Aladro, violín Carla Benítez, violín Alena Stryuchkova, viola Roxana Mendoza, violonchelo Juan José García, contrabajo Gonzalo Gutiérrez, piano Juan Gabriel Hernández, percusión 4 José Luis Castillo, director Director artístico de CEPROMUSIC y de su ensamble, José Luis Castillo estudió composición, análisis y dirección de orquesta en Valencia, Salzburgo, Luxemburgo y París, con Manuel Galduf y Alexander Müllenbach. Su doble faceta, de director y compositor, le ha valido el ser considerado músico especializado en el repertorio moderno y contemporáneo. Ha dirigido los estrenos mundiales de más de ciento cincuenta obras, además de las primeras audiciones en Latinoamérica de algunos de los principales compositores de finales del siglo xx. Actualmente dirige la Orquesta de Cámara de Bellas Artes. Se ha presentado en más de veinte países y con frecuencia es requerido para dirigir óperas, espectáculos multimedia, danza y la musicalización de películas silentes. Sus obras han sido interpretadas en prestigiosos festivales y foros de música contemporánea de Europa, Asia y América. Con una discografía de nueve títulos, ha recibido premios y distinciones en Italia, Luxemburgo y Holanda. Ha sido merecedor, en dos ocasiones, del premio de la Unión Mexicana de Críticos de Teatro y Música. Este concierto cuenta con el apoyo de la Embajada de México en Colombia en el marco el Año México-Colombia 2017-2018. Foto: Lorena Alcaraz Minor 5 PROGRAMA Planos (1934) SILVESTRE REVUELTAS (1899-1940) Para clarinete, fagot, trompeta, piano, dos violines, violonchelo y contrabajo Aspic (2017) GUSTAVO PARRA ARÉVALO (n. 1963) Para clarinete, trompeta, piano, percusión, violín, violonchelo y contrabajo Estreno absoluto Ãtman (2017) LUIS MIGUEL DELGADO GRANDE (n. 1990) Para flauta, oboe, clarinete, fagot, corno francés, percusión, piano, dos violines, viola, violonchelo y contrabajo Estreno en Colombia INTERMEDIO Los crisantemos se incorporan etéreos tras el chubasco (2002) JORGE TORRES SÁENZ (n. 1968) Para flauta, clarinete, piano, violín y violonchelo La química del agua (2015) VÍCTOR IBARRA (n. 1978) Para flauta, clarinete, piano, violín y violonchelo CONCIERTO No. 15 6 NOTAS AL PROGRAMA Por Rodolfo Acosta Introducción México y Colombia son países que de diferentes maneras han mantenido nutridos diálogos a lo largo de los años y a través de un amplio abanico de expresiones culturales. Sea por el arraigo del mariachi en ciudades como Bogotá y aquel de la cumbia o el vallenato en el norte de México, sea por el vaivén constante de telenovelas producidas en ambos países o sea por la lejana similitud de tortilla y arepa en nuestras respectivas cocinas, muchos hemos visitado el otro país para encontrar una curiosa familiaridad en medio de un mar de incontables contrastes. Reuniendo compositores nacidos en los dos países y pertenecientes a diferentes generaciones, el programa que nos ofrece el ensamble del CEPROMUSIC se enmarca claramente en el llamado Año dual México- Colombia. Esta selección mínima de entre la miríada de compositores de nuestros dos países aporta al intercambio regional —siempre necesario y Foto: Mariangela Quiroga Cantillo P A R R A (Ipiales, 1963) 7 bienvenido— que desde hace años se viene dando en el rico campo de nuestras músicas académicas. El diálogo seguirá desarrollándose de diversas maneras en meses siguientes, con eventos como el concierto monográfico del gran Mario Lavista —el cual se celebrará en esta misma sala— o las visitas que Víctor Ibarra estará haciendo a Colombia con el fin de componer una obra para el Ensamble CG, agrupación local dedicada al repertorio contemporáneo. Estamos convencidos de que todas estas estrategias de intercambio llevarán a reflexiones que permitan un aprendizaje mutuo. Desde la perspectiva colombiana, los músicos académicos esperamos que nuestros entes públicos por fin entiendan, gracias el ejemplo mexicano, la necesidad de establecer políticas comparables al Sistema Nacional de Creadores de Arte de México o al apoyo estatal de ensambles como el que hoy escuchamos. Si no es para aprender, ¿entonces para qué dialogar? El programa Silvestre Revueltas (1899-1940), para muchos el más memorable compositor que haya tenido México, nació en Santiago Papasquiaro, un pequeño pueblo del estado de Durango. Realizó estudios de composición con Rafael J. Tello en el Conservatorio Nacional de México antes de partir hacia los Estados Unidos, 1980 Inició sus estudios de música en el Conservatorio Nacional de Música de Ecuador. Ingresó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia para continuar con sus estudios de música. 8 en donde estudió en varios sitios y culminó su formación como violinista y compositor en el Musical College de Chicago, hacia 1920. Para 1928 o 29, aquel otro estandarte de la música mexicana, Carlos Chávez (1899-1978), convenció a Revueltas de que regresase a México y asumiese labores como profesor en el conservatorio y director asistente de la Orquesta Sinfónica de México. Estimulado por esta situación, Revueltas comenzó una intensa producción compositiva que lo llevó, en apenas un lustro, de reconocer tan solo una pieza previa (Batik, de 1926) a haber completado para 1934, año de composición de Planos, unas veinticinco obras. Al igual que Chávez, Revueltas supo conciliar dos necesidades históricas para su contexto: aquella de un modernismo que cuestionase el anquilosamiento del consumo cultural de la época y, por otra parte, aquella de un nacionalismo que el estado posrevolucionario mexicano parecía exigir. Así, en la obra de estos y otros creadores notables en la década de 1930 —como los cubanos Amadeo Roldán (1900-1939) y Alejandro García Caturla (1906-1940)— encontramos una curiosa especie de nacionalismo vanguardista que reta la supuesta oposición inherente a los dos conceptos. En el caso de Revueltas, aunque los elementos populares pueden resultar más explícitos en obras como Caminos (1934) o el 1987 Se estrenó su obra Fantasía para trombón en el I Festival Internacional de Música Contemporánea, en Bogotá. 1989 Se estrenó su obra Ambulando en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. 9 Homenaje a Federico García Lorca (1936), la verdad es que lo que encontramos en Planos (1934) no constituye una negación, sino la máxima abstracción que el compositor lograría de estos elementos. Difícilmente pasaríamos por alto las referencias a mariachi que podemos oír en algunos tramos de violines o en frases solistas de la trompeta. No obstante, lo que predomina en esta pieza es la experimentación armónica, un replanteamiento de los conceptos tradicionales de orquestación y, sobre todo, una sofisticada exploración de la relación entre ritmo, métrica y tempo, este último como elemento de estructuración. Planos es un brillante noneto, contraparte directa y esencialmente idéntica de la obra orquestal Danza geométrica. Su música comienza con unos enigmáticos acordes secúndicos en el piano, contrapuestos a las cuerdas pulsadas (que parecen sugerir guitarrones) y a otras ideas fragmentarias que se asoman y esconden en un errático flujo musical. Eventualmente, un motivo repetitivo en la trompeta inicia el cuerpo principal de la pieza, yuxtaponiendo y superponiendo fragmentos de sugerencia modal o tonal a elementos atonales u otros de rasgos politonales. Un segundo tramo, dominado por el sonido del violín, da paso al violonchelo antes de que la trompeta vuelva a ser el centro de atención. La música se acelera y se hace más tensa antes de que los elementos iniciales retornen y lleven a una brevísima coda. Ganó el premio para la elaboración del tema de identificación de la emisora de la Universidad Nacional de Colombia. Se vinculó a la Universidad de los Andes como profesor de las cátedras de contrapunto, fuga y orquestación. Se estrenó su obra para orquesta Satup en el II Festival Internacional de Música Contemporánea, en Bogotá. 1992 Ganó la beca Francisco de Paula Santander de Colcultura para la composición de su obra Sotúe. Grabó su obra Satup con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia. 10 El compositor y director de orquesta colombiano Gustavo Parra Arévalo (n. 1963) nació en Ipiales, departamento de Nariño. Se formó en el Conservatorio de Quito (Ecuador) con Cesar Ramón y Mario Baeza y culminó sus estudios de dirección en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia (Bogotá), bajo la guía de Gustavo Yepes. Ha obtenido varias distinciones como compositor, y sus obras han sido interpretadas en Latinoamérica, Europa y los Estados Unidos. Su música es publicada desde 1999 por Seesaw Music Corporation New York (una división de Subito Music Corporation New Jersey) y su propia Gapa Music Publishers. En la actualidad es profesor titular de dedicación exclusiva en la Universidad Nacional de Colombia, en donde dicta las cátedras de composición, orquestación y film scoring. Aspic, para siete instrumentos, fue comisionada por el Banco de la República de Colombia, y esta presentación constituye su estreno absoluto. La pieza comienza con una dramática introducción lenta, cuyos profundos acordes presentan el material armónico del cual surgirá de manera sorpresiva la siguiente sección. De marcadas reminiscencias minimalistas, esta nueva parte se edifica sobre un tempo ágil en el cual la relación entre el pulso escrito y el pulso escuchado resulta engañosa, pero da pistas acerca de la estructuración temporal que parece sostener la pieza. Aunque algunas operaciones minimalistas 1994 Se estrenó su obra Abejas con la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez en el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez de Ciudad de México. Ganó el Premio Nacional de Composición con su obra Abejas, para orquesta sinfónica. Se vinculó como profesor a la Universidad Pedagógica Nacional. Asumió la dirección del Centro Orquestal Batuta, Plaza de las Américas. 1995 Asumió la dirección nacional de la Fundación Batuta. 11 tradicionales aparecen ocasionalmente, en general toman más fuerza los cambios neotonales a los cuales se somete la melodía. De manera repentina regresa la calma del tempo inicial, y con este, la acumulación armónica de los mismos intervalos que caracterizaban al tema anterior. Esta vez, los gestos sonoros recurrentes se ven transformados por microtonos ornamentales de intención expresiva. El segundo tempo reaparece para definir una cuarta sección en la que la velocidad se entiende más por un contrapunto imitativo crecientemente activo. Eventualmente reaparece la percusión —ausente desde hace rato— para activar la textura, llevándonos a unos breves pasajes homorrítmicos que anuncian el regreso de la textura minimalista, la cual contrapondrá esta vez trompeta y percusión al quinteto restante. Unos paréntesis rítmicos anuncian lo que será una larga sección climática en la que se establece la equivalencia entre la relación melodía/armonía y aquella de sucesión/superposición de velocidades diferentes. Reminiscente de Stravinski o del mismo Revueltas, este tramo acumulará con creciente ímpetu los materiales musicales, cerrando Aspic en una inescapable cima expresiva. El también colombiano Luis Miguel Delgado Grande (n. 1990) nació en Girón, Santander. Realizó estudios musicales en la Universidad Industrial de Santander y, de forma particular, con Blas Emilio Atehortúa; en el 2014 inició una 1997 Ganó por segunda vez el Premio Nacional de Composición, en la modalidad orquesta sinfónica, con su obra Geilon. 1998 Realizó una pasantía con la Orquesta Filarmónica Montpellier, en Francia. Se vinculó a la Pontificia Universidad Javeriana como profesor de las cátedras de orquestación, composición y producción. 12 maestría en composición instrumental contemporánea en el Centro Superior Katarina Gurska y el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, teniendo como tutores de composición a Alberto Posadas y José Luis Torá. Actualmente reside en Bucaramanga y es docente en la Universidad Industrial de Santander. En el 2017, Delgado fue premiado por el Ministerio de Cultura de Colombia y su Programa Nacional de Estímulos —junto con el Centro de Experimentación y Producción de Música Contemporánea de México— para llevar a cabo una residencia artística en la cual se estrenó su obra Ãtman en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México. El mismo compositor nos dice que Ãtman es «el alma espiritual, el fuego brillante brahmánico, esa energía en la que nos convertiremos según el hinduismo» y busca representar aquella esencia orgánica vivencial con un planteamiento en el cual el timbre y su transformación generan el discurso musical. Escrita para un ensamble de trece instrumentistas, la pieza comienza con una breve introducción, lenta y de carácter magmático, en la que se presentan los materiales iniciales: complejos sonoros en los cuales los elementos inarmónicos, sonidos de aire, etc. son predominantes. Tras un silencio general, los materiales se retoman y comienzan a ser desarrollados incorporando cada vez más vitalidad Ganó por tercera vez el Premio Nacional de Composición, modalidad orquesta sinfónica, con su obra Bámbaros. Firmó contrato con Seesaw Music Corporation para la publicación y administración de sus obras. Participó como compositor invitado en el Golden Silents en el Lincoln Center, Nueva York, con la obra Merry Frolics of Satan. 13 dinámica, actividad rítmica y el glissando como gesto emblemático. Aunque la textura inicial era un tutti, las características de sus materiales sonoros impedían una alta intensidad; ahora, en cambio, el filtraje en la instrumentación y la transformación tímbrica permiten una intensidad paradójicamente creciente. Tras una breve aceleración y un nuevo silencio, llegamos a una textura mínima de tan solo clarinete bajo, percusión y contrabajo. Este respiro sirve para retomar fuerzas, y desde allí la música se acelera de nuevo, engrosándose hasta un breve tutti desde el cual ya todo se diluirá hacia un final lento y tenue en las cuerdas graves. El compositor mexicano Jorge Torres Sáenz (n. 1968), quien fuera discípulo de Jacques Charpentier en París, es maestro en Estudios de Arte y doctor en Filosofía. Su música abarca los principales géneros tradicionales y se interpreta con frecuencia en América, Oceanía, Asia y Europa, habiendo sido, por ejemplo, compositor huésped del Festival del Otoño de París en el 2011. Junto a su labor musical desarrolla una intensa actividad académica en la Escuela Superior de Música del Instituto Nacional de Bellas Artes de México y en la Facultad de Música de la UNAM. Torres forma parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México y desde el 2015 es miembro del Colegio de Saberes. 2001 Ganó el concurso para ser profesor del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Realizó un concierto monográfico en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango en el que se interpretaron algunas de sus obras de cámara. La Orquesta Sinfónica de Venezuela interpretó su obra Satup en el Festival de música contemporánea en Venezuela. 14 En una nota que el mismo compositor escribe para Los crisantemos se incorporan etéreos tras el chubasco, nos dice: La traducción que propone Antonio Cabezas del haiku de Matsu Basho conserva dos principios fundamentales de esa forma poética japonesa: la austeridad y un claro efecto de resonancia. Musicalmente, ambos se activan en esta pieza como dispositivos que, tras la escucha interior del propio haiku, producen un acontecimiento sonoro. Empero, este no actualiza más que una de las infinitas reverberaciones posibles que el propio poema conserva en su potencia viva e inagotable. Compuesta en el 2002, la pieza utiliza lo que habitualmente llamamos un ‘quinteto Pierrot’ (hace referencia a la obra maestra de Arnold Schoenberg [Austria, 1874-1951], Pierrot Lunaire [1912]). La obra de Torres nace con un largo tramo inicial, pleno de sonoridades destellantes y de una tersa armonía de reminiscencias afrancesadas. Latiendo orgánicamente, la música se hincha y contrae, a veces desequilibrada por explosiones intempestivas. Eventualmente llegamos a un solo flautístico de profunda expresividad, que pone en evidencia las jerarquías internas de la pieza. Expansivas curvas sonoras se despliegan de manera inesperada, con la flauta —siempre baja, por cierto— guiando de cerca a 2005 Creó la editora GAPA Music Publishers. Firmó contrato con Subito Music Corporation para la publicación de su música. 2007 Creó ‘GAPA, el taller de la música’ para la formación de músicos en Bogotá. 15 su cuarteto acompañante. Un último solo lleva a una oleada de sonido de la cual surge con naturalidad la tranquilidad final. El compositor mexicano Víctor Ibarra (n. 1978), que se formó bajo la guía de los maestros Hebert Vázquez, José Luis Castillo, Edith Lejet, Daniel D’Adamo y Michael Jarrell, estudió en su país natal, en Suiza y en Francia, donde recientemente obtuvo su título de Maestro en Composición en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de Lyon. Desde el 2014 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México. Como parte de su interés por explorar relaciones entre las artes visuales y la música, Ibarra estableció un diálogo con el fotógrafo Guillaume Lemarchal, a partir del cual surgieron conceptos recurrentes en el trabajo del francés: la memoria en el interior del paisaje, el fracaso del sueño, las fronteras y el límite, las ambigüedades de lectura o el encuentro y la resistencia. Estas ideas han sido abordadas por el compositor como estímulos para el acto creador y, de hecho, algunas son traídas a colación en la partitura de Química del agua. La pieza comienza con un material que Ibarra rotula como ‘misterioso, nervioso, preciso’, en el que se establece una tensión germinal entre elementos microtonales en 2008 Participó en el Encuentro internacional de compositores ‘Música Nueva, Málaga Internacional’, en España, con la obra Ñerunfen gorsóbico 2. La Universidad Nacional de Colombia le concedió la distinción ‘Docencia meritoria’ por su labor. El Instituto Distrital de Cultura de Bogotá le comisionó la obra El Pregón para la conmemoración del bicentenario de la independencia. 16 los vientos y arcos, en contraste con las sonoridades semitonales del piano. A medida que estos materiales comienzan a desarrollarse, llegamos a una primera articulación formal que porta el íncipit Memoria al interior del paisaje. Aquí comienzan unas secuencias de microsecciones repetitivas que permiten una velocidad independiente de los instrumentos y, así, unos procesos de fase/ desfase sumamente ricos y dúctiles. Estas secciones estimulan la masa sonora, haciéndola cada vez más frenética y caótica, hasta llegar a un estado febril en torno a un cuasiunísono. El grado extremo de tensión alcanzado es despedazado por agresivos ataques con los puños en el teclado del piano hasta que un respiro se hace necesario. Una nueva sección, caracterizada por la aspereza de arcos presionados y el mundo sonoro astillado de multifónicos en vientos, nos lleva a un nuevo íncipit: El fracaso del sueño. Aquí encontramos islotes delicados de largas sonoridades, estáticas y tranquilas, que parecen detener el flujo del tiempo. Más aun, en este punto exactamente intermedio volvemos atrás, a las ideas iniciales, para tomar otro rumbo, guiados por las fantasmagóricas sonoridades del ‘piano de cuerdas’. Aunque los sonidos son igualmente complejos, ahora se sienten relajados en vez de tensos; pacíficos en vez de violentos. Así llegamos a Espacio de encuentro 2011 Publicó un disco con música de cámara titulado Gustavo Parra, música de cámara. 2014 Compuso la música para la película colombiana Chamán, el último guerrero. 17 y resistencia, desde donde oleadas irregularmente repetitivas traen consigo un inesperado solo de violín. Este arrastra lentamente a los demás instrumentos hasta una siguiente articulación, Nublar la escucha, de brutales explosiones yuxtapuestas a inquietantes pausas. El delicado cierre de la pieza, Paisaje en bruma, se construye sobre tenues elementos repetitivos en las cuerdas y un sutil gesto cadencial en los vientos. La química del agua está dedicada a los ensambles Ónix, de México, y Taller Sonoro, de Sevilla, el cual estará en Bogotá en abril, como ensamble en residencia de las Jornadas de Música Contemporánea CCMC. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa de mano, medio que lleva cultivando dos décadas ininterrumpidas. Fue nombrado profesor titular del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Fue nominado a los Premios Macondo por la banda sonora de la película Chamán, el último guerrero. Escribió la obra obligada para el II Concurso latinoamericano de trompeta-Eric Aubier. 2018 Aspic, obra comisionada por el Banco de la República, se estrena en el mes de abril en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango. El concierto es ofrecido por el ensamble Cepromusic de México. Compositores de nuestro tiempo 2 Obras comisionadas por el Banco de la República El disco se constituye en un testimonio sonoro del éxito e impacto que el programa de comisión de obras del Banco de la República ha tenido en algunos de los más destacados creadores colombianos. En esta grabación se presentan tres obras: el Trío Op. 32 de la compositora payanesa Amparo Ángel, interpretado por el Trío Suizo (violín, violonchelo y piano), Oración del compositor antioqueño Andrés Posada, una obra escrita a partir de textos de la escritora Piedad Bonnett e interpretada por la soprano Juanita Lascarro y el pianista Alejandro Roca; y ADAS del compositor barranquillero Guillermo Carbó. ¿EN DÓNDE ADQUIRIRLOS? Valor venta $ 40.000 Valor venta $ 20.000 Si las paredes hablaran: 50 años de música en la Biblioteca Luis Ángel Arango Los textos contenidos en el libro dan cuenta del trabajo musical que adelanta el Banco de la República a través de su Subgerencia Cultural desde hace 50 años, una labor desarrollada de manera sosegada, cuidadosa y con entusiasmo, que ha mantenido en funcionamiento una sala con excelentes especificaciones acústicas y arquitectónicas, una dotación de instrumentos apreciada por los artistas que la visitan, y programas orientados a promover la práctica y la apreciación musical con criterios de excelencia artística. ART BOOKS Librería Biblioteca Luis Ángel Arango Bogotá, Calle 11 No. 4-14 Teléfono: 286 95 41 www.artbookslibreria.com Tango Discos En cualquiera de los puntos de venta en Bogotá www.tangodiscos.com.co STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Domingo 15 de abril · 11:00 a.m. RICARDO GALLO CUARTETO jazz (Colombia) Domingo 22 de abril · 11:00 a.m. JOSEPH-MAURICE WEDER piano (Suiza) Miércoles 25 de abril · 7:30 p.m. Con el apoyo de la Embajada de Suiza y Pro Helvetia VIVIANA SALCEDO oboe/corno inglés (Colombia) RAÚL MESA, piano (Colombia) Domingo 6 de mayo · 11:00 a.m. MÁRIO LAGINHA Y PEDRO BURMESTER dúo de pianos clásico/ jazz (Portugal) Domingo 20 de mayo · 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Portugal y el Instituto Camões CUARTETO FAURÉ cuarteto con piano (Alemania) Jueves 7 de junio · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Primer semestre Cód. PULEP: KLV575. VMH840. IUP477. QMS654. INW719. VVS988. STILE ANTICO ensamble vocal (Reino Unido) Foto: Marco Borggreve Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Boletas: Síganos en Serie profesional: $10.000 Serie de los Jóvenes Intérpretes: $6.000 Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace y suscríbase a la lista de correos www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo VÄSEN, música tradicional sueca (Suecia) Domingo 8 de julio · 11:00 a.m. STEFAN TEMMINGH, flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ, clavecín (Alemania) Domingo 29 de julio · 11:00 a.m. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Segundo semestre Foto: Sarah Thorén Cód. PULEP: ZET522. NCV733. BDT871. VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. VÄSEN música tradicional sueca (Suecia)

Foto: Jonathan Chiquiza Ariza Jueves 20 de septiembre de 2018 · 7:00 p.m. Girardot, Auditorio del Banco de la República Cód. PULEP: AGD183 Jueves 27 de septiembre de 2018 · 7:00 p.m. Pereira, Sala múltiple del Banco de la República Cód. PULEP: NZG360 Jueves 4 de octubre de 2018 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: PIJ929 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JUAN MENDOZA DÍAZ viola (Colombia) Leonardo Cáceres, piano (Colombia) TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Girardot, el ingreso al Auditorio del Banco de la República para personas con movilidad reducida es por la carrera 12, calle 17, esquina. Es necesario dar aviso al personal de seguridad para que el ingreso por las plataformas mecánicas sea habilitado. En Pereira, el ingreso a la Sala Múltiple para personas con movilidad reducida es por la entrada principal en la Calle 18 Bis # 9-37 con acceso al ascensor hasta el Piso 3. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. 1 Foto: Jonathan Chiquiza Ariza JUAN MENDOZA DÍAZ viola Nació en Sincelejo (Sucre, Colombia) en 1995 e inició sus estudios musicales a los quince años en la Fundación Batuta, donde eligió como instrumento principal la viola, y estudió bajo la tutoría del maestro Yovanny Morales Trujillo. En el 2011 pasó a formar parte del grupo de cámara de Batuta Sincelejo, ganador en el Festival de Música de Cámara de la Universidad del Norte, en Barranquilla. En el 2013 participó en la séptima versión del Festival de Música FEMUSC, en Brasil, y en el 2016 lo hizo con la Orquesta de Cámara Tutta Forza en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República; con esta agrupación ofreció varios conciertos en los auditorios más importantes del país. Ese mismo año participó como joven becario en la décima versión del Festival Internacional de Música de Cartagena. Ha tocado en algunas de las orquestas más representativas del país, como la Sinfónica Nacional de Colombia, la Fundación Orquesta Filarmónica de Bogotá (FOSBO), la Orquesta Sinfónica Javeriana y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá. Ha recibido clases magistrales con Craig Mumm, Emerson Di Biaggi, Scott Lee, Richard Young, Georg Hamann, Jutta Puchhammer, Adrián Chamorro, Aníbal Dos Santos, Hsin-Yun Huang, Delphine Tissot, Irina Sopova y Hélène Barre, entre otros. Desde el 2012 pertenece a la Filarmónica Joven de Colombia, orquesta que le ha permitido crear estrechos vínculos con músicos invitados de diferentes orquestas del mundo, como la Filarmónica de Viena, la Filarmónica de Berlín, la Orquesta de los Champs Élysées, la Orquesta Les Siècles, la Mahler Chamber Orchestra y la Sinfónica de Houston. Actualmente cursa estudios de pregrado en la Pontificia Universidad Javeriana bajo la tutoría la maestra Sandra Arango. 2 LEONARDO CÁCERES piano Docente de piano, pianista acompañante y repetidor de la escuela de música de la Fundación Universitaria Juan N. Corpas. Realizó sus primeros estudios musicales en la Escuela Superior de Música de Tunja con Jorge Zorro. A los doce años recibió el premio nacional de Colcultura y fue solista con la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección de Jaime León. Después de cuatro años de estudios con Pilar Leyva, viajó a la antigua Unión Soviética como ganador del Primer Premio Nacional Convenio ICETEX-URSS (1988); allí terminó estudios de docencia en piano y de solista e intérprete de música de cámara en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, con Natalia Suslova, Galina Miceroba y Tatiana Golik. Representó a Colombia en el VIII Festival Internacional de Música Contemporánea en Quito (Ecuador). Desde su regreso al país, desarrolla una extensa labor como docente y acompañante en diferentes salas de concierto tanto en el ámbito nacional como en el internacional. 3 PROGRAMA Sonata para viola No. 1 en do menor, Op. 18 (1905) Allegro moderato Poco lento e cantabile Finale. Presto – Allegro molto YORK BOWEN (1884-1961) Suite No. 4 para violonchelo solo en mi bemol mayor, BWV 1010 (1723) Prélude Allemande Courante Sarabande Bourrée Gigue JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Adaptación para viola por Simon Rowland-Jones (n. 1950) INTERMEDIO Sonata para viola y piano, Op. 36 (1860) Maestoso Barcarolla (Andante con moto) Finale scherzando (Allegretto) HENRI VIEUXTEMPS (1820-1881) CONCIERTO No. 43 4 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza De todos los instrumentos de la orquesta, aquel cuyas excelentes cualidades han tardado más en ser reconocidas, es la viola.1 Héctor Berlioz Cuando Héctor Berlioz (1803-1869) publicó por primera vez su Gran tratado de instrumentación y orquestación moderna en 1844 (segunda edición 1855), reservó estas palabras para describir al instrumento intermedio de la familia del violín: « […] Su timbre, en general de una melancolía profunda, difiere del de los demás instrumentos de arco»2 (Berlioz, 1855, p. 34). Berlioz fue uno de los pocos que, en la época, se atrevió a pronunciarse para defender al instrumento, que lamentablemente no gozaba de la fama y el respeto que sí inspiraba desde hacía siglos su hermano el violín: Varias causas contribuyeron al injusto servilismo de este noble instrumento. […] era desgraciadamente imposible escribir entonces para las violas algo difícil que exigiera un talento mínimo de ejecución. Los violistas se escogían siempre entre los peores violinistas. Cuando un músico era incapaz de asumir convenientemente el papel de violinista, se le asignaba el de la viola, resultando en que los violistas no sabían tocar ni viola ni violín. Debo confesar que, en nuestros días, este prejuicio contra las partes de viola se encuentra aún en vigencia […] (Berlioz, 1855, p. 34)3. Más allá de tratarse simplemente de un violín grande, la viola es un instrumento que por mucho tiempo ha reclamado respeto, atención y ser reconocido como miembro importante de la familia de las cuerdas, dejando de lado el rol de acompañante al que la historia lo ha tenido relegado. 1 “De tous les instruments de l’orchestre, celui dont les excellentes qualités ont été le plus longtemps méconnues, c’est l’alto”. (Traducción al español por Angélica Daza). 2 “ […] son timbre en général d’une mélancolie profonde, diffère de celui des autres instruments à archet”. (Traducción al español por Angélica Daza). 3 “Il y a plusieurs causes à l’injuste servage de ce noble instrument. […] il était malheureusement impossible d’écrire alors pour les altos des choses saillantes exigeant un talent ordinaire d’exécution. Les joueurs de viole, (ancien nom de l’alto) étaient toujours pris dans les rebuts des violonistes. Quand un musicien se trouvait incapable de remplir convenablement une place de violon, il se mettait à l’alto. D’où il résultait que les violistes ne savaient jouer ni du violon ni de la viole. Je dois même avouer que de notre temps, ce préjugé contre la partie d’alto n’est pas entièrement détruit [...]”. (Traducción al español por Angélica Daza). 5 La maldición de la viola La familia de los violines vio la luz durante el Renacimiento —época dorada de la polifonía vocal— en el momento en que empezaba a desarrollarse la escritura instrumental. En un comienzo, el papel de los instrumentos fue doblar las voces del coro, en lo cual correspondió a la viola las voces medias (contraltos y tenores)4; sin embargo, con la llegada del Barroco se desarrollaron las voces extremas (violines y violonchelos) en detrimento de las voces del medio, que fueron relegadas a un papel de relleno armónico5. Muy rara vez se interesaron los compositores en dar protagonismo a las violas, tal como lo expresa Berlioz en su publicación: « […] La mayor parte de los compositores del siglo pasado, que rara vez escribían cuatro partes reales, no sabían en qué emplear la viola»6 (Berlioz, 1855, p. 34), y fue esta la razón por la que la escritura y la pedagogía del instrumento vivieron un notable retraso en comparación con el violín y el violonchelo. El desarrollo de la música de cámara durante el Clasicismo, en especial el desarrollo del cuarteto de cuerdas, permitió que empezara a surgir un nuevo interés por la viola: fue uno de los instrumentos preferidos de Mozart, e incluso Beethoven, al comienzo de su carrera, la tocó. Figuras como Carl Stamitz (1745-1801), Anton Hoffmeister (1754-1812) o Alessandro Rolla (1757- 1841) fueron fundamentales para darla a conocer. Durante el Romanticismo y gracias al trabajo de Héctor Berlioz, entre otros músicos, las cualidades sonoras de la viola empezaron a llamar la atención de los compositores y del público. A este periodo perteneció Chrétien Urhan (1790-1845), uno de los más grandes violistas del siglo xix. A pesar de que la viola como instrumento solista empezaba a ocupar un lugar en la escena musical, aún no encontraba 4 Al instrumento se le conoció desde el comienzo con distintos nombres: violeta, contralto, viola, taille, quinte, viola da braccio o simplemente braccio; razón que explica los distintos nombres con los que hoy se le conoce: alto, en francés, o bratsche (de braccio), en alemán, que recuerdan su origen. Con el tamaño pasa algo similar: a lo largo de la historia, e incluso hoy, se ha declinado el instrumento en distintas tallas, como fue el caso de la orquesta francesa “Los 24 violines del Rey” (que funcionó entre 1577 y 1761) y que llegó a tener hasta tres tipos de violas: hautes-contres, tailles y quintes, cuya única diferencia radicaba en el tamaño. A lo largo de la historia, el instrumento ha variado su tamaño, desde los más pequeños, de alrededor de 38 cm (populares a comienzos del silgo xix), hasta algunos ejemplares como ‘la viola alta’ de Hermann Ritter (1849-1926), de 48 cm. Hoy en día, su tamaño oscila normalmente entre 39 cm y 43 cm (medida de la caja de resonancia). 5 Un ejemplo concreto de ello es el desarrollo de la sonata a trío (dos voces agudas y un bajo). 6 “ […] La plupart des maîtres du siècle dernier, dessinant rarement quatre parties réelles, ne savaient qu’en faire”. (Traducción al español por Angélica Daza). 6 su propia voz, pues su técnica y enseñanza estaban calcadas de las del violín. En el conservatorio de París, por ejemplo, solo hasta 1894 se abrió una clase exclusivamente dedicada a la viola (independiente de la de violín). Durante el siglo xx y gracias al ejemplo de grandes figuras como Lionel Tertis (1876- 1975) o Paul Hindemith (1895-1963), entre otras, la viola empezó un verdadero proceso de emancipación. Un ejemplo de las obras que inspiró durante este periodo el virtuoso violinista Lionel Tertis —quien dedicó sus esfuerzos a promover la viola y fue llamado por ello el “padre de la viola moderna”— es la Sonata para viola No. 1 en do menor, Op. 18, escrita en 1905 por el compositor británico York Bowen (1884-1961). Pianista de profesión (sus contemporáneos lo llamaron ‘el Rachmaninov inglés’), Bowen estudió corno y viola, y su estilo compositivo estuvo fuertemente influido por el romanticismo de Brahms, Chopin, Dvořák y Tchaikovsky. Con solo 21 años de edad, logró proponer en esta obra un lenguaje novedoso al explorar las posibilidades sonoras de un instrumento que, en la época, tenía problemas para convencer al público de sus capacidades para desarrollarse como solista. En el año de publicación de la sonata (1907), Bowen y Tertis ofrecieron un concierto en Berlín en el que la obra fue acogida con mucho entusiasmo por el público, muestra del creciente interés de la sociedad musical en el sonido del instrumento. La obra, al estilo de una sonata romántica, consta de tres movimientos. En el primero, Allegro moderato, expone un tema lírico y vibrante que explora toda la belleza de la voz de la viola en su registro medio. En el segundo, Poco lento e cantabile, oímos la voz del instrumento cantar dialogando con su acompañamiento en una sección contrastante y fuertemente expresiva. El último movimiento, Presto–Allegro molto, es contrastantemente rítmico y demostrativo, sin perder el lirismo del primer tema, que se encuentra ocasionalmente parafraseado en la voz principal. Podemos decir que esta sonata sirvió de modelo para muchos compositores que, animados por el trabajo de Tertis, buscaron explorar el sonido de la viola en sus composiciones. La expresividad y melancolía de su voz están bien representadas por la escritura de Bowen. Si bien es cierto que durante el Barroco la viola no tuvo prácticamente ningún protagonismo, sabemos por Frédéric Lainé, en su libro L’alto, que en una carta dirigida a J. N. Forkel, uno de los hijos de Johann Sebastian Bach (1685-1750), Carl Philipp Emanuel, dijo a propósito de su padre: «El instrumento que prefería tocar, con sus fuerzas y sus debilidades, era la viola, 7 por ser un conocedor de la armonía»7 (Lainé, 2010, p. 41). Por esto, no es imposible creer que las suites para violonchelo solo, compuestas alrededor de 1720 durante su periodo en Cöthen (1717-1723), hayan sido interpretadas en la viola o en el violoncello piccolo o en la viola pomposa y no únicamente en el violonchelo8. No existe, por lo demás, certeza alguna de cuándo fueron compuestas. Solo sabemos que hoy estas suites forman parte del repertorio obligado de violonchelistas y violistas que han encontrado en estas —que durante mucho tiempo fueron consideradas ‘estudios’— una fuente única de exploración técnica y expresiva del Barroco. El redescubrimiento de estas suites en el siglo xx se debe al violonchelista Pablo Casals (1876-1973), quien fue el primero en grabarlas en 1939, y a la violista Lilian Fuchs (1901-1995), que las grabó por primera vez con la viola en 1950 a partir de una transcripción efectuada en 1916 por su profesor, Louis Svećenski (1862-1926). De las seis suites para violonchelo escucharemos esta noche la Suite No. 4 para violonchelo solo en mi bemol mayor, BWV 1010, en una adaptación para viola realizada por Simon Rowland-Jones. La obra consta de seis movimientos de danza contrastantes, cada uno en forma da capo: prélude, allemande, courante, sarabande, bourrée y gigue. El prélude, de carácter improvisatorio, establece la tonalidad encadenando arpegios ascendentes y descendentes de forma similar al preludio de la primera suite. Los demás movimientos alternan ritmos ternarios y binarios en una secuencia de danzas de diferentes caracteres. Esta suite es más densa armónica y rítmicamente que las tres primeras, y su interpretación —y la de todas las suites en general— representa un reto por la falta de precisiones en los manuscritos y porque simbolizan un hito en el estudio de los instrumentos de cuerda, por su dificultad y misterioso carácter. Otro virtuoso violinista que cultivó el estudio de la viola en el siglo xix fue el belga Henri Vieuxtemps (1820-1881). Estudió en París y en Bélgica y se convirtió en el mayor representante de la escuela franco-belga de violín. Vivió y enseñó en Francia, Bélgica, Rusia, Argelia y Estados Unidos, con lo que desarrolló una exitosa carrera internacional que le valió la comparación con Paganini. En su aspecto de compositor, vivió la influencia de románticos como Beethoven y Mendelssohn. Además de sus siete conciertos para violín, 7 “L’instrument qu’il préférait jouer, avec ses forces et ses faiblesses était l’alto, car il était un spécialiste et un connaisseur de l’harmonie”. (Traducciónal español por Angélica Daza). 8 Un primer manuscrito nombra a la viola da basso antes que al violonchelo. Además, la Suite No. 6 propone el uso de un instrumento de cinco cuerdas; por ello, tampoco es posible saber con exactitud para qué instrumento fueron pensadas. Por otro lado, la intercambiabilidad instrumental en el Barroco era un hecho. escribió pequeñas obras para viola (instrumento que interpretaba con brío) además de la Sonata para viola y piano, Op. 36, compuesta en 1860 y publicada en 18629. En su libro L’alto, Frédéric Lainé describió así la sonata: «La Sonata Op. 36 muestra una perfecta comprensión de la viola, alternando la nobleza, lirismo, melancolía (sobre todo en el segundo movimiento, Barcarolla) y ligereza con una escritura pianística adaptada, al mismo tiempo muy activa y perfectamente dosificada en relación con el registro y potencia del instrumento de cuerda»10 (Lainé, 2010, p. 136). En el primer movimiento, Maestoso, la melodía principal que explora el registro más grave del instrumento contrasta con pasajes virtuosos de intensidad creciente. El segundo movimiento, Barcarolla (melodía asociada al estilo de los gondoleros y frecuentemente retomada en la ópera de la época), es melancólico y expresivo. Cierra la obra un Finale scherzando, el más corto de los tres movimientos, en el que reluce el virtuosismo de los intérpretes. Referencias Berlioz, H. (1855) Grand traité d’instrumentation et d’orchestration modernes. Paris: Schonenberger. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/ bpt6k11698456/f31.image Consultado: 7 de agosto 2018. Lainé, F. (2010). L’alto. París: Mnemosis instruments, Anne Fuzeau. Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. 9 En 1863 fue publicada una versión para violonchelo a petición de su editor. 10 “La Sonate Op. 36 montre un parfaite compréhension de l’alto alternant la noblesse, lyrisme, mélancolie (notamment dans le second mouvement, Barcarolle) et légèreté avec une écriture pianistique adaptée, à la fois très active et parfaitement dosée par rapport au registre et à la puissance de l’instrument à cordes”. (Traducción al español por Angélica Daza). Foto: Cristhian Sastre Foto: Karina Parra Foto: Diana Mejía Malagón NIKOLÁS RODRÍGUEZ ORJUELA flauta traversa Ángeles Hoyos, violín Francis Díaz, piano Jueves 11 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Popayán Cód. PULEP: THX139 SERGIO NICOLÁS AGUIRRE, arpa llanera Jueves 18 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Leticia Cód. PULEP: DDF689 NUEVA FECHA JHONNIER ADOLFO BUITRAGO, trombón Mari Kagehira, piano (Japón) Jueves 25 de octubre · 7:30 p.m. Este concierto también se presenta en Cúcuta Cód. PULEP: FXT822 *Entrada libre con boleta a conciertos de la Serie de los Jóvenes Intérpretes para socios de la Red de Bibliotecas del Banco de la República. Se entrega una boleta por carné. SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES Próximos conciertos Boletas: $6.000 Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. SERIE PROFESIONAL Próximos conciertos Boletas: $10.000 Foto: cortesía familia Figueroa Foto: Stefan Schweigers SON DE MADERA son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva Cód. PULEP: DMZ248 JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. Cód. PULEP: AQV550 LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. Cód. PULEP: WQT383 VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presenta en Manizales y Pereira Cód. PULEP: MVZ555 Foto: Manolo Yllera

Foto: Harald Hoffmann Miércoles 25 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Cali, Auditorio Nelson Garcés Vernaza del Centro Cultural Comfandi Cód. PULEP: HKR711 Viernes 27 de julio de 2018 · 7:00 p.m. Buenaventura, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Cód. PULEP: SSQ195 Domingo 29 de julio de 2018 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Cód. PULEP: NCV733 Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2018 MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO STEFAN TEMMINGH flauta dulce (Sur África / Alemania) WIEBKE WEIDANZ clavecín (Alemania) TOME NOTA En Bogotá, el ingreso a la Sala de Conciertos para personas con movilidad reducida es por la entrada Ramírez Villamizar de la Biblioteca Luis Ángel Arango ubicada en la Calle 11 # 4-84. Es necesario dar aviso al personal de seguridad de la Biblioteca para que el ingreso sea habilitado. En Cali, la entrada al Centro Cultural Comfandi para todos los usuarios que se desplazan caminando es por la calle 8 donde se encuentran gradas y rampa de acceso. El personal de seguridad y logística están atentos a prestar la ayuda a las personas con movilidad reducida o con discapacidad. En Buenaventura, las personas con movilidad reducida podrán ingresar al Centro Cultural haciendo uso de las rampas ubicadas en la entrada principal. El acceso al auditorio será a través de sus puertas principales, usando el ascensor hasta el segundo piso. En Bogotá, el servicio de parqueadero para asistentes a los conciertos tiene un costo de $3.300 pesos y cubre 4 horas contadas a partir del ingreso del vehículo. El tiempo adicional a las 4 horas se cobra con la tarifa plena. El pago por el servicio se realiza a la salida y para acceder a la tarifa de descuento se debe presentar la boleta del concierto. Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto este ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Durante el transcurso del concierto por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Esto ayuda a crear un ambiente propicio para disfrutar la música. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/siac/ess.do, escribir al correo electrónico [email protected], comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745, o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. P SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. 1 STEFAN TEMMINGH flauta dulce Stefan Temmingh nació en Ciudad del Cabo y proviene de una familia holandesa-sudafricana de músicos. Hoy vive en Múnich, ciudad donde tuvo la oportunidad de estudiar con Markus Zahnhausen y con el profesor Michael Schneider en Fráncfort. En el 2008 recibió una beca de música contemporánea otorgada por la Ciudad de Múnich. Desde el 2010 trabaja como profesor en la Escuela Superior de Música y Teatro de Múnich. Temmingh fue ganador del premio alemán ECHO Klassik. Su segundo álbum The Gentleman’s Flute (La flauta del caballero) fue nominado a los Premios Internacionales de Música Clásica 2011 (Conocidos anteriormente como los Premios MIDEM). En el 2014, bajo el sello SONY/dhm, lanzó el álbum Inspired by Song (Inspirado en la canción), en el que lo acompañó la soprano Dorothee Mields y su ensamble The Gentleman’s Band. Esta grabación se posicionó entre los diez mejores álbumes del 2014 según un sondeo de la crítica en FONO FORUM, revista alemana de música. Gracias a su segundo proyecto discográfico con Dorothee Mields, titulado Birds (Aves), —también bajo el sello SONY/dhm—, Temmingh recibió el Premio ECHO Klassik 2016 como Instrumentalista del Año (Flauta). En el 2017, Stefan Temmingh grabó los conciertos para flauta completos de Antonio Vivaldi. Dada su especialización en música antigua, el repertorio de Stefan Temmingh incluye la literatura original completa para flauta. Se ha presentado en escenarios internacionales con diferentes ensambles de música de cámara y con su propio ensamble barroco en eventos como el Festival de Bach de Leipzig, el Festival de Música de Mosel, las Semanas de Bach de Turingia, el Festival de Händel de Halle, el Festival Oude Muziek de Utrecht, y en varios festivales de música antigua y series de conciertos clásicos en toda Europa, Asia y África. Como solista, ha actuado con orquestas barrocas, de cámara y sinfónicas como la Deutsche Radiophilharmonie Saarbrücken-Kaiserslautern, la Orquesta Sinfónica Nacional de Estonia, la Orquesta Sinfónica de Bochum, la Orquesta de Cámara de Stuttgart, la Orquesta de Cámara de Heilbronn (Wurttemberg), la Sinfonietta de Hong Kong, la Orquesta Filarmónica de Ciudad del Cabo en Sudáfrica y en el Festival de Ludwigsburg. Foto: Harald Hoffmann 2 WIEBKE WEIDANZ clavecín Weidanz fue ganadora del reconocido concurso Johann Sebastian Bach (Leipzig, 2002). Ha actuado en conciertos alrededor de Europa, en los Estados Unidos, en Japón y China, y ha participado en varios álbumes y producciones transmitidas por televisión. Como solista y como intérprete de continuo, a menudo es invitada a tocar con las principales orquestas barrocas y sinfónicas como la Orquesta Barroca de Friburgo, la Academia de Música Antigua de Berlín –AKAMUS– y Concerto Köln. Durante muchos años, ha trabajado en el cargo de asistente de música de René Jacobs en producciones operáticas internacionales, incluyendo presentaciones en Berlín, Viena, Ámsterdam, Bruselas y Aix-en-Provence. Hasta 2003, Wiebke Weidanz trabajó como profesora en la Escuela Superior de Música y Teatro de Leipzig; y hasta 2009, en la Escuela Superior de Música y Teatro de Fráncfort. Desde el 2014 trabaja como profesora de clavecín en la Escuela Superior de Música y Teatro de Núremberg. El concierto en Cali se realiza en el marco de y cuenta con el apoyo de Foto: Harald Hoffmann 3 PROGRAMA Sonata en la mayor, Op. 5 No. 9 (1700) Preludio Giga Adagio Tempo di Gavotta ARCANGELO CORELLI (1653-1713) Original para violín Adaptación para flauta dulce por Stefan Temmingh (n. 1978) Fantasía No. 10 en fa sostenido menor, TWV 40:11 (c. 1733) A tempo giusto Presto Moderato GEORG PHILIPP TELEMANN (1681-1756) Para flauta solista Sonata en mi mayor, RV 806 (c. 1716-1717) Andante Allegro Largo Allegro ANTONIO VIVALDI (1678-1741) Para flauta y bajo continuo Sonata en fa mayor, Op. 5 No. 10, (1700) Preludio Allemanda Sarabanda Giga Gavotta ARCANGELO CORELLI Original para violín Adaptación para flauta dulce por Stefan Temmingh INTERMEDIO 4 Fantasía No. 1 en la mayor, TWV 40:2 (c. 1733) Vivace Allegro GEORG PHILIPP TELEMANN Para flauta solista Sonata en do mayor, Op. 1 No. 7 HWV 365 (s. f.) Larghetto Allegro Larghetto A tempo di Gavotti Allegro GEORG FRIEDRICH HÄNDEL (1685-1759) Sonata en mi bemol mayor, K. 474 (s. f.) DOMENICO SCARLATTI (1685-1757) Para clavecín solo Sonata en mi bemol mayor, K. 475 (s. f.) Sonata ‘Folía’, Op. 5 No. 12 (1700) ARCANGELO CORELLI Original para violín Adaptación para flauta dulce por Stefan Temmingh basada en la versión de Francesco Veracini (1690-1768) CONCIERTO No. 31 5 NOTAS AL PROGRAMA Por Angélica Daza El origen del instrumento que hoy conocemos como ‘flauta dulce’ se remonta a la Edad Media, pero su auge comenzó en el Renacimiento. Durante este periodo se escribieron importantes tratados para el instrumento como Musica Getutscht de Sebastian Virdung (1511), La Fontegara de Sylvestro Ganassi (1535) o el Epitome musical de Philibert Jambe de Fer (1556). Gracias a estos disponemos de importante información acerca del instrumento como descripciones acerca de su interpretación, técnica y escritura. Ya desde entonces la flauta dulce recibía varios nombres como flûte à neufs trous, flûte d’Angleterre, flauto dolce, blockflöten, recorder, flûte à bec o flauta de pico, para diferenciarla de la flauta traversa con la que compartía la escena musical. Al igual que las violas de gamba, adoptó varios tamaños, según lo descrito en los tratados de Ganassi y Virdung. Durante el siglo XVI solo cuatro tamaños están documentados: discanto (o petite flûte), alto (o cantus), tenor y bajo (clasificación inspirada en el cuarteto de voces). Ya en el siglo XVII, en su tratado Syntagma musicum, Michael Praetorius (1618-1619) propone dividir el cuerpo del instrumento para mejorar su afinación, adelantándose a los cambios efectuados unos años más tarde1. Estos cambios quedaron registrados en las palabras de Joachim Quantz en su tratado Versuch einer Anweisung die flöte traversiere zu spielen (Ensayo de un método para aprender a tocar la flauta traversa) de 1752. No puedo decidir en qué momento se realizó esta mejora, y quién es su autor, aunque me he dado todas las dificultades posibles para instruirme en ello. A todas luces, aún no ha pasado un siglo desde que emprendimos esta mejora2 (Quantz, 1752, p. 24). Como resultado, la flauta dulce barroca es distinta de la renacentista: además de tener un cuerpo separable en partes (dos o tres), tiene una extensión de dos octavas (a veces un poco más para obras más virtuosas), y sus nueve huecos le permiten alcanzar notas cromáticas. Todas las flautas de esa familia tienen una afinación fija, en do o fa generalmente3, de la más aguda a la más grave4 y la dulzura de su sonido se adaptaba perfectamente a un repertorio solista. Ya en el siglo XVI Ganazzi, autor del primer 1 Según L. Pottier en su conferencia Evolution de la flûte à bec à travers les traités (Evolución de la flauta de pico a través de los tratados). 2 “Je ne saurois decider, dans quel tems on y a fait cette amelioration et qui en est l’auteur, quoique je me sois donné toutes les peines possibles pour m’en instruire. Selon toute apparence, il n’y a pas encore un siècle, qu’on a entrepris cette amélioration” (Traducción por Angélica Daza desde la version francesa). 3 Ocasionalmente se encuentran ejemplares en re. 4 Esta es la razón por la que en un concierto un intérprete puede cambiar varias veces de instrumento porque además de las diferencias de afinación, están las de fabricación que influyen en el sonido deseado para cada obra. 6 método para este instrumento decía que « (…) el objetivo del flautista es el de imitar lo más fielmente posible todas las capacidades de la voz humana»5 resumiendo su capacidad de expresión (Ganazzi, 1535, pág. 9). Fueron estas características las que inspiraron a autores como Bach, Händel, Telemann y Vivaldi a escribir para la flauta dulce en el siglo XVIII. Los avances en la construcción de los instrumentos de la época llevaron al subsecuente perfeccionamiento de la técnica de ejecución. La aparición del bajo continuo dio libertad interpretativa y creativa al intérprete, propició el desarrollo del repertorio solista y creó un nuevo modo de expresión, lejano al ambiente vocal del Renacimiento y con una retórica musical propia. Las diversas posibilidades de ornamentación rara vez escritas pero confiadas al buen juicio de los intérpretes familiarizados con esta práctica, caracterizaban el estilo de interpretación del Barroco. Nuevas formas instrumentales florecieron en Europa sentando las bases del Clasicismo y Romanticismo posteriores, entre ellas el concerto, la suite, la obertura y la sinfonía se cuentan entre las más importantes. Y en la música solista se destacaron la invención, la fantasía y sobretodo la sonata. La sonata a solo del Barroco en oposición a la toccata (para un instrumento solista de tecla) y la cantata (para conjunto de voces y acompañamiento) era una forma instrumental con dos o más movimientos escrita para un instrumento solista (flauta o violín principalmente6) con acompañamiento de bajo continuo. Dos formas de sonata fueron populares en la época la Sonata da chiesa (para acompañar los servicios litúrgicos)7 y la Sonata da camera (música secular)8. Aun así, cabe anotar que la forma fue adoptada con mucha libertad por los compositores. Corelli y compañía En el concierto de hoy escucharemos obras escritas o adaptadas para flauta dulce y clavecín de cinco autores de finales del siglo XVII y comienzos del XVIII. El primero de ellos Arcangelo Corelli (1653-1713) fue un virtuoso violinista Italiano que perfeccionó el estilo de composición del concerto grosso. Sus avances en la ejecución del violín fueron difundidos por sus alumnos, entre ellos Geminiani, el más famoso, sentando las bases de la escuela violinística de hoy. Su obra fue exclusivamente instrumental –-una rareza para la época– y está recopilada en seis opus. Trabajó como intérprete, compuso y enseñó en Roma por más de treinta años y, a su muerte, gozaba ya del gran renombre con que se le conoce actualmente. 5 “(…) the aim of the recorder player is to imitate as closely as possible all the capabilities of the human voice» (Traducción al inglés de Dorothy Swaison, y al español por Angélica Daza). 6 También fue frecuente la adaptación entre ambos instrumentos, a pesar de las diferencias idiomáticas entre ellos. 7 Compuesta por una introducción lenta, un allegro (posiblemente una fuga), un andante y un final enérgico y acompañada en el continuo por un órgano o laúd. 8 Compuesta por distintos movimientos de danzas (similar a la suite) y acompañada principalmente por el clavecín. 7 De las doce sonatas que componen el Opus 5 ‘Sonate a violino e violone o cembalo (…)’, escucharemos tres en estilo da camera. La primera, No. 9 en la mayor, está compuesta por cuatro movimientos contrastantes: Preludio (largo), Giga (allegro), Adagio y tempo di Gavota (allegro)9. La segunda, No. 10 en fa mayor, está compuesta por cinco movimientos igualmente contrastantes: Preludio (adagio), Allemanda (allegro), Sarabanda (largo), Gavotta (allegro) y Giga (allegro). En ambas se reconoce la estructura clásica de la sonata da camera. La obra que cierra el concierto es una de las más conocidas y virtuosas de Corelli, la No. 12 en sol menor, también del Op. 5 que, aunque clasificada como sonata, está compuesta por veintitrés variaciones sobre el tema de la folía10, muy popular durante el Barroco11. Uno de los más importantes sucesores de Corelli fue Antonio Vivaldi (1678- 1741), el ‘prete rosso’ (cura rojo) como se le llamaba por el color de su cabello. Fue sacerdote y violinista. Compuso cerca de 800 obras, entre las cuales más de la mitad fueron conciertos, género del que fue uno de los mayores exponentes. Trabajó la mayor parte de su vida en el orfelinato Ospedale della Pietà donde conoció a numerosos intérpretes de flauta y oboe, para los cuales compuso buena parte de su música para solista. Este parece ser el caso de la obra que escucharemos en esta ocasión, la Sonata en mi mayor, RV 806 que, según el musicólogo Federico Sardelli, fue descubierta recientemente (año 2000) en los archivos de la academia de canto de Berlín y puesta a disposición del público en 2007. Esta obra pudo ser escrita entre 1716 y 1717. El descubrimiento de esta sonata permitió identificar que la Sonata para violín, RV810 —hasta ese momento desconocida y atribuida erróneamente a otro autor— pertenecía a Vivaldi, pues es claro que la RV 806 es una adaptación para flauta dulce de la RV 810 para violín (la música es idéntica solo está transpuesta una cuarta sobre la original). Se adapta bien a la flauta a pesar de su origen violinístico pues en la original (en re mayor) el violín nunca toca la cuarta cuerda, por lo tanto es posible interpretarla en la flauta12. La sonata barroca en manos de Domenico Scarlatti (1685-1757) estilís-ticamente dio un paso hacia el clasicismo. Este compositor italiano, radicado en España, compuso cerca de 500 sonatas para clavecín, con una forma bipartita13 nada 9 Es importante saber que las indicaciones de estos movimientos no son indicaciones de tempo (allegro, andante, adagio) como las conocemos hoy (el metrónomo aún no se había inventado) sino más bien indicaciones de carácter que buscan mover los afectos del alma (teoría de los afectos). 10 Que significa ‘locura’, quizá por el carácter rápido de esta danza probablemente de origen portugués. 11 Buen nombre de compositores la emplearon, entre ellos Vivaldi, Bach, Scarlatti y Marais. 12 Según las notas del musicólogo Federico María Sardelli miembro del instituto Vivaldi y responsable del catálogo Vivaldi (RV) en las notas del disco Sonate à flauto solo de Lorenzo Cavasanti (2013). 13 La estructura básica de todas las sonatas de Scarlatti consiste en un solo movimiento que se divide en dos partes que se repiten. 8 similares a las de sus contemporáneos. De Scarlatti se dice que cimentó las bases de la escuela pianística del siglo XIX. En sus composiciones se conjugan la influencia de la música folclórica española con la exploración de recursos técnicos (saltos de octavas, escalas, arpegios e intercambio de manos) que convierten estas obras en un ejemplo de virtuosismo e innovación estilística. La única obra que publicó en vida fueron los Essercizi per gravicembalo (1739). Aunque sus obras llevan el nombre de sonatas, el autor las considera ejercicios, evidenciando una intención lúdica. En este concierto escucharemos dos sonatas para clavecín solista: la Sonata en mi bemol mayor, K. 474 de carácter libre e improvisado y la Sonata en mi bemol mayor, K. 475 contrastantemente alegre y virtuosa. Hoy se las interpreta mayoritariamente en piano y en guitarra. Otro compositor cuya obra tuvo características del comienzo del Clasicismo fue Georg Philipp Telemann (1681-1756) aunque también recibió la influencia de Corelli y de sus contemporáneos barrocos. Fue un prolífico compositor de música instrumental y un ejemplo de ello son las fantasías para instrumento solista (violín, flauta, clavecín y viola da gamba), verdaderas joyas de su repertorio. Hoy escucharemos dos fantasías del catálogo TWV 40 que lleva el título Doce fantasías para flauta solista sin bajo. Cada una está compuesta en una tonalidad diferente, desde la mayor a sol menor, evitando las tonalidades difíciles para la flauta14. José Rico, en la introducción del artículo de la flautista Rachel Brown, opina que: «En estas fantasías se contemplan en miniatura casi la totalidad de las formas instrumentales de la época» (Rico, 2015, p.14)15. Por esta razón, en la Fantasía No. 1 en la mayor, TWV 40:2 y en la Fantasía No. 10 en fa sostenido menor, TWV 40:11 que escucharemos hoy, pueden identificarse formas como toccata, fuga, minueto y corrente16. La voz de la flauta asume varios roles, dando la ilusión de un auténtico contrapunto por medio de saltos melódicos y efectos rítmicos. El músico alemán Georg Friedrich Händel (1685-1759) fue un auténtico cosmopolita y en su obra supo sintetizar diversos estilos. Autor de numerosas óperas y oratorios, pero también de música instrumental, escribió obras da camera para los músicos profesionales de su compañía de ópera. El Op. 1 publicado en 1727 bajo el título Sonates pour un traversière un violon ou hautbois con basso continuo es una recopilación de sonatas para violin, oboe y flauta (dulce de acuerdo con los manuscritos aunque en la edición de 1727 se le mencione como traversa) con acompañamiento de bajo continuo. Entre las sonatas escritas para flauta escucharemos la Sonata en do mayor, Op. 1 No. 7 HWV 365 en la que se puede reconocer la estructura básica de una sonata da Chiesa (alternancia de cuatro movimientos contrastantes) 14 Telemann, avezado flautista, conocía bien el instrumento. 15 Introducción del artículo Las fantasías de Telemann, una proeza de ingenio e inspiración por Rachel Brown, traducidas por José Ramón Rico en www.afeflauta.org. 16 Según la Tabla de resumen de las formas musicales empleadas en cada fantasía. Rico José, op. cit. 9 con la adición de un quinto movimiento tempo di Gavotti clara alusión a la danza, que le agrega un elemento de ligereza frecuentemente repetido en otros movimientos de la obra. Referencias Brown, R. (2008, abril). Las fantasías de Telemann, una proeza de ingenio e inspiración. Revista de flauta Pan, Vol.27 No. 3 (septiembre 2008) pp. 24-36. Recuperado de http://www.rachelbrownflute.com/assets/fantasias-de-telemann. tf-12-espa%C3%B1ol.pdf Ganassi, S. (1956) Fontegara. Traducción de Dorothy Swaison. Ed. Robert Lieunau musikverlag. (1959) Recuperado de http://ks.petruccimusiclibrary.org/ files/imglnks/usimg/8/81/IMSLP365568-PMLP46423-ganassi_fontegara_ ingles2.pdf Pottier, L. (2010) Evolution de la flûte à bec à travers les traités. Conferencia en Recife, Brasil. Recuperado de https://www.flutes-a-bec.com/evolution-de-la-flute-a-bec- a-travers-les-traites/ Quantz, J.J, (1752). Essaie d’une méthode pour apprendre à jouer de la flute traversière. Berlin: Chrétien Frédéric Voss. Recuperado de http://imslp.org/wiki/Versuch_ einer_Anweisung_die_Fl%C3%B6te_traversiere_zu_spielen_(Quantz%2C_ Johann_Joachim) Sardelli, F. M. (2013) Sonate à flauto solo. Notas del disco de Lorenzo Cavasanti. Recuperado de https://issuu.com/elvanden/docs/a_366_booklet Angélica Daza Enciso. Maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente colabora en la biblioteca de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, y la Biblioteca Luis Ángel Arango realizando charlas sobre los conciertos que se realizan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Sala de Conciertos @Banrepcultural Luis Ángel Arango Síganos en Aplican descuentos Mayor información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. BILIANA VOUTCHKOVA, violín (Bulgaria/Alemania) ROY CARROLL, electrónica (Irlanda/Alemania) Domingo 12 de agosto · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Armenia y Tunja CUARTETO CASTALIAN cuarteto de cuerdas (Reino Unido) Domingo 26 de agosto · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Montería, Sincelejo y Quibdó CUARTETO COLOMBIANO música tradicional colombiana (Colombia) Domingo 9 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Pasto, Medellin, Cúcuta, Leticia y Manizales LA MÚSICA DE MARIO LAVISTA (México) Miércoles 19 de septiembre 6:00 p.m. · Entrevista abierta con Mario Lavista 7:30 p.m. · Concierto CUARTETO LATINOAMERICANO cuarteto de cuerdas (México) Domingo 23 de septiembre · 11:00 a.m. VÍCTOR Y LUIS DEL VALLE dúo de pianos (España) Domingo 7 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Manizales y Pereira SON DE MADERA, son xarocho (México) Domingo 21 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga, Honda, Ipiales y Neiva JAMES JOHNSTONE clavecín/órgano (Reino Unido) Domingo 28 de octubre · 11:00 a.m. LA MÚSICA DE LUIS CARLOS FIGUEROA (Colombia) Miércoles 31 de octubre · 7:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Serie profesional Cód. PULEP: BDT871, VJN178. ICN251. TYQ183. WPO779. MVZ555. DMZ248. AQV550. WQT383. Foto: Boriana Pandora BILIANA VOUTCHKOVA violín (Bulgaria/Alemania) Boletas: $10.000

Concierto interpretado por Camerata Cristancho fue fundada en 1984 por el maestro Mauricio Cristancho H, con el ánimo de compartir sus experiencias como violinista solista e integrante de muy diversas agrupaciones de música de cámara, nacionales e internacionales, y con el propósito de divulgar la música escrita para grupos de cámara, desde el dúo hasta la orquesta completa, por compositores colombianos y universales. En este concierto se interpretaron obras de Miguel Sierra, Raúl Sánchez N, Ricardo Acevedo Bernal, Lucho Bermúdez, Francisco Cristancho C, Luis E. Nieto y Bonifacio Bautista. El mismo repertorio fue interpretado a las 4 p.m.

Concierto interpretado por Ricardo Cobo en la Segunda semana de la guitarra (Banco de la República) año 2007. Es reconocido como uno de los grandes guitarristas de su generación, fue el primer colombiano en ganar el prestigioso Concurso Internacional "Alirio Díaz" en Caracas, Venezuela, y el primer latinoamericano en ganar el codiciado Premio Internacional de la "Guitar Foundation of America" en Arizona, Estados Unidos. Esta impecable trayectoria le ha llevado a presentarse en numerosos escenarios internacionales, incluyendo España, Suiza, Alemania, Estados Unidos, Canadá, Colombia y Costa Rica obteniendo los más altos elogios de la crítica. En este concierto interpretó obras de Ignacio “El Indio” Figueredo, Napoleon Coste, Dilermadro Reis, Roland Dyens entre otros.