Se encontraron 2685 resultados en recursos de contenido

Foto: Daniel Machado Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 DUETO IDILIO música tradicional colombiana (Colombia) Miércoles 11 de marzo de 2020 · 7:00 p.m. Buenaventura, Auditorio Centro Cultural del Banco de la República PULEP: HTP697 Viernes 13 de marzo de 2020 · 6:30 p.m. Quibdó, Auditorio del Banco de la República PULEP: WLA743 Jueves 19 de marzo de 2020 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 15 PULEP: KAT129 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 DUETO IDILIO, música tradicional colombiana Juanita Sossa y Laura Chaparro, voz Jefferson Jerez, tiple Julián Nieves, guitarra El Dueto Idilio se conformó en 2017 con la intención de difundir la tradición de la música andina colombiana en las nuevas generaciones. Con Juanita Sossa en la primera voz, Laura Chaparro en la segunda voz, Jefferson Jerez en el tiple y Julián Nieves en la guitarra, la agrupación logra una sonoridad fresca y original en cada uno de sus arreglos colectivos. Han participado en importantes festivales de música andina colombiana del país. En 2017 participó en el Festival de Música Colombiana, Andina y Sacra de la ciudad de San Gil y en el Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas, Caldas, donde fueron finalistas. En 2018, en el Festival de Música Andina Colombiana Tradición, en Pitalito, Huila, donde obtuvieron el primer puesto, y en el Concurso Nacional de Duetos Ciudad de Cajicá donde también fueron finalistas. En 2019, ganaron este último concurso y fueron seleccionados para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en 2020. Foto: Daniel Machado 2 PROGRAMA Camino real (s. f.) JOSÉ IGNACIO TOVAR (1922-2007) Mis canas (s. f.) CARLOS ALBERTO ROZO MANRIQUE (1928-2007) El regreso (s. f.) EFRAÍN OROZCO (1898-1975) A bordo de tu voz (c. 2006) LUZ MARINA POSADA (n. 1974) Ojos miradme (1938) JOSÉ DE JESÚS MAZO MARTÍNEZ (1912-2003) El torbellino soy (c. 2000) CLARA CALDERÓN (n. 1957) El guaro (s. f.) ANÓNIMO INTERMEDIO Mi huella (s. f.) GRACIELA ARANGO DE TOBÓN (1931-2000) Tiplecito viejo (s. f.) JOSÉ ALEJANDRO MORALES (1913-1978) Caminantes (c. 2001) LUZ MARINA POSADA Sigo pensando en ti (s. f.) ÁLVARO CHAPARRO BERMÚDEZ (1917-1999) Pescador, lucero y río (s. f.) JOSÉ ALEJANDRO MORALES Y deja (c. 1951) GIRALDO PILOTO (1929-1967) ALBERTO VERA (1929-1996) El tambo (c. 1926) EMILIO MURILLO CHAPUL (1880-1942) Idilio (s. f.) ALBERTO AMADEO RIVERA (1903-1968) 3 NOTAS AL PROGRAMA Esquiva y polisémica palabra es el adjetivo ‘tradicional’, especialmente cuando se le adjudica a algún tipo de elemento de la música. En sana ley, no habría manifestación musical alguna que no fuera tradicional, en tanto forma parte de una práctica de producción de sentido de un grupo humano mediante los sonidos, unidos al movimiento corporal, al texto, a la imaginación... en fin, a tantos elementos que son denominados, erróneamente, como extramusicales. Incluso la vanguardia, como una actitud creativa, es un tipo de práctica tradicional. Nos acostumbramos desde hace pocas centurias a una amañada división entre música escrita (llamada también clásica, docta, culta, hecha por profesionales) y música oral (tradicional, folclórica, hecha por empíricos), tanto así que todavía mucho músico popular afirma cosas como que no ‘sabe de música’ solamente porque no conoce o no utiliza el código escrito de origen occidental. Esta postura también niega la inmensa carga de oralidad que tiene la música escrita: todo lo que la grafía no puede recoger e indicar. La aparición de la fijación del sonido, y el desarrollo de las industrias culturales y del entretenimiento impusieron y siguen imponiendo enormes cambios en la vida pública y privada, tanto así que emerge el campo de la música popular (también llamada masiva), ya no ligada a la grafía sino a esos procesos industriales de producción, circulación y consumo. Y es en este punto, en eso que se da en llamar música andina colombiana, que se crea una inmensa confusión, tanto por las evidentes intersecciones entre prácticas musicales, como por la asignación de un discurso identitario y de categorías folclóricas a una música hecha fundamentalmente para el entretenimiento. Es claro: músicos de la industria posan de campesinos, y continúan con una narrativa romántica y bucólica de lo rural, mientras simultáneamente músicas populares urbanas (la rumba criolla, por ejemplo) son folclorizadas. En paralelo a las grandes marcas fonográficas, con toda su visibilidad en los medios, se da una muy poco conocida producción de ‘música campesina’ en sellos pequeños de poco tiraje. Es apenas parte del encanto. ¿A qué viene lo anterior? Para los integrantes de la agrupación que hoy nos acompaña, el asunto de la escogencia del repertorio, de la manera de tratarlo y de cómo presentarlo en escena pasa por esta reflexión y por la toma de decisiones a partir de esto. Para la muestra un botón: el conocido bambuco canción El regreso, del músico caucano Efraín Orozco Morales (1898- 4 1975), tiene una introducción y un interludio originales muy bellos, además de un texto ligeramente diferente que, sin embargo, no fueron grabados así por el dueto Garzón y Collazos, cuyos productores tomaron la decisión de usar como introducción una sección de la melodía de la parte en tonalidad menor, como interludio la melodía inicial de la parte mayor y cambiar algo del texto. Se ganó en recordación del público, por supuesto, con un criterio empresarial1. ¿Qué decisión se toma?, pues interpretar la versión canonizada, la ‘tradicional’, la que está en el recuerdo de cierta parte del público, a cuya ampliación le apuntan. Tiene todo el sentido. En realidad, nos movemos en un tipo de música multitemporal, que es tanto vieja por su composición y textos, como nueva por su re-presentación y re-elaboración por parte de los intérpretes, quienes están convencidos de que todavía tiene mucho qué decir a las nuevas generaciones. A propósito de lo ‘tradicional’, uno de los grandes aciertos del Dueto Idilio es, sin lugar a dudas, el contar con un acompañamiento muy rico (tanto de riqueza como de ricura), en el que tiple y guitarra están en un constante diálogo entre ellos y con las voces, con múltiples posibilidades dentro de una textura general homofónica. Es especialmente destacable la recuperación creativa e implementación de un manejo de la guitarra, característica de las décadas centrales del siglo XX, en el que la conducción melódica de los bajos es un elemento importante, que aporta movimiento e interés, además del que aporta la acórdica y el uso de la armonía. Nos dice Laura, una de sus integrantes: «Hemos trabajado mucho en el ensamble. Todos hemos llegado de maneras muy diferentes a la música andina. Juana aporta la lúdica de su trabajo con niños, Julián trae elementos de la guitarra eléctrica en música popular no tradicional (chucu-chucu, salsa, son), Jefferson trae tanto el tiple como el requinto. Todo el grupo fluye: la comunicación es la base de todo». La puesta en escena es otro elemento destacable, pero no tanto por la vestimenta u otros elementos externos, como por la actitud lúdica, desparpajada y comprometida en escenario, en donde se hace evidente que el goce musical no es una impostura sustentada solamente en sonrisas y movimientos estudiados, y cuidadosamente soltados en el momento oportuno, sino que es el carácter de cada obra y la conciencia que se tiene de ello, lo que conduce el discurso musical y escénico. «Queremos disfrutar la música, para hacer disfrutar al público». Han tenido que trabajar mucho para el ensamble general y de las voces, y, si bien reconocen algunos referentes 1 Puede escucharse la versión original del compositor, voz y guitarra, en el sitio https://youtu.be/ aknHopApcTA. 5 e influencias, le apuestan a una construcción del dueto desde el grupo, de manera experimental, en cada ensayo y en cada tema. Es así como la mayor parte del repertorio escogido para este concierto es de tradición popular urbana, perteneciente a músicos ya fallecidos y conocidos por su figuración en las décadas centrales del siglo pasado. Según los integrantes del grupo, se busca mostrar «versiones vistas desde nuestros ojos y oídos actuales, trabajadas desde lo que es el grupo: se trata de ofrecer frescura en una música que ha sido presentada desde unos clichés interpretativos que nos interesa renovar». Por este origen, la inmensa mayoría son compositores de género masculino, con canciones que presentan un tipo de amor patriarcal, en cuyos textos la mujer es objeto del amor/deseo/recuerdo masculino y no un sujeto activo de su amor en pareja. Es frecuente tanto el reclamo por el abandono amoroso como la descripción de las características que mueven al amor, tópicos que son compartidos por numerosos géneros latinoamericanos. Es así como Álvaro Chaparro Bermúdez (1917-1999), conocido con el nombre artístico ‘Álvaro Dalmar’, nos dice en el pasillo Sigo pensando en ti: «Dónde estás, cariño mío, dónde estás / presiento que ya nunca volverás / no sé si en otros brazos te hallarás / feliz, mientras te espero yo». Carlos Alberto Rozo Manrique (1928-2007) se lamenta en el bambuco Mis canas, porque identifica la llegada de la vejez y llora «de saber que ya me muero / y no te podré cantar». Por su parte, José Ignacio Tovar Medina (1922- 2007), en Camino real, describe todas las labores domésticas de su ‘negrita’, que lo espera en el rancho para quitarle las penas, mientras José de Jesús Mazo Martínez (1912-2003), ‘José Macías’, toma otra temática común, la del amor como sufrimiento que roba la calma, cuando afirma: «Ojos miradme, Dios mío / no importa que sean fatales / y que como dos puñales / desgarren el pecho mío», en Ojos miradme. De José Alejandro Morales López (1913- 1978), nos presentan en Pescador, lucero y río una muerte por amor, mediante la metáfora de algún elemento de la naturaleza que obedece a las pasiones humanas «porque de celos / se desbordó aquel río / entró al bohío / y se robó el lucero». Por otra parte, Tiplecito viejo le hace un homenaje a dicho instrumento, al que compara de entrada con Jesús de Nazareth y en el que se supone residen elementos identitarios, paisajísticos y culturales. Las compositoras que nos presenta el Dueto Idilio son tres, con tratamientos distintos de géneros populares o de base campesina. Clara Calderón M. (n. 1957), por su cercanía con los planteamientos del grupo Nueva Cultura, es quien más se acerca a las características del género rural en El torbellino soy, conservando la estructura del texto en coplas agrupadas 6 temáticamente en grupos de dos. De Luz Marina Posada Montoya (n. 1974), nos presentan dos temas: La guabina A bordo de tu voz, un género urbano al que le hacen una introducción de canto guabinero campesino e interludios en torbellino, lo que le da un marco especial a una bella canción contemporánea que le canta al amor a través del conocimiento del otro; y el bambuco Caminantes, que es un doloroso testimonio del desplazamiento: «para no perder la vida / hay que abandonar el campo / pero la vida se queda allá / se quedan los sueños / se queda la libertad». La tercera compositora es Graciela Arango de Tobón (1931-2000) con su vals Mi huella, un canto en otra temática de despecho presente en tantos géneros populares latinoamericanos: «aunque pretendas negarlo, mi amor y mi cuerpo te marcaron». La agrupación nos trae dos canciones festivas y parranderas que son muy poco comunes en el repertorio más usual de los duetos vocales. La primera de ellas es un pasillo anónimo conocido como El guaro, que le canta al popular aguardiente alternando coplas con un estribillo que dice: «Tú eres la que me decía / que nunca me olvidaría / vámonos a emborracharnos ¡qué caramba! / hasta que amanezca el día». La segunda es otro pasillo, conocido como Satanás por su versión cantada, y que tiene diversas atribuciones de autoría. La primera grabación de este tema, exclusivamente instrumental, se hizo en marzo de 1926 bajo el título de El tambo, atribuida a Emilio Murillo Chapul (1880-1942). Bien vale la pena recordar acá que este compositor registró y grabó bajo su nombre unas cuantas piezas musicales de origen popular y compositor desconocido, que circularon a finales del siglo XIX y comienzos del XX, a las que les hacía arreglos de diverso tipo. Sin que esté claro el proceso, la obra comienza a ser llamada y grabada bajo el título más conocido, Satanás, atribuyéndose la autoría al pianista y compositor cienaguero Juan Abarca Rovira (1904-1974). Finalmente, el cantante y compositor de música parrandera Francisco Antonio González Zapata 'el mono' (1908-s. f.), nacido en Titiribí (Antioquia), afirmó haberle colocado letra al pasillo ya en la década de 1940, reconociendo que su autor era Abarca2. Haciendo honor a su carácter, escucharemos una versión muy divertida y llena de sorpresas: «Satanás es un negro / yo lo conozco, yo lo conozco...» Finalmente, hay dos canciones de origen caribeño. El portorriqueño Alberto ‘Tití’ Amadeo Rivera (1903-1968), lutier, guitarrista y director de agrupaciones, es el compositor de Idilio, canción cuya referencia más conocida fue grabada en el álbum Hecho en Puerto Rico, de 1993, en la magistral 2 Ver BURGOS HERRERA, Alberto. (2000) La música parrandera paisa. Medellín: Editorial Lealon, p. 169. 7 interpretación de Willie Colón y Ángel ‘Cucco’ Peña, razón por la cual se le atribuye la autoría a Colón. En esta ocasión escucharemos una versión bambuquera, con algún breve llamado al merengue venezolano y un final caribeño con improvisaciones instrumentales sobre el coro vocal. Con la otra canción de este origen, Y deja, sucede algo parecido: en algunas fuentes se le atribuye a Alberto Vera Morúa (1929-1996), compositor cubano de boleros que tuviera un dueto muy exitoso con Giraldo Piloto (1929-1967), y en otras fuentes aparece de autoría de Rubén Blades Bellido de Luna (n. 1948), quien sin duda la hizo famosa al lado de Willie Colón en una versión con toques brasileños. Nos comentaron que en «el grupo hay un gusto especial por la salsa y lo caribeño [...] Igual nos encanta la versión de C4 Trío como danza zuliana [...] se incluyó por eso, porque es interesante y muy bonita». El camino, tal parece, es uno: mostrar que tradición y modernidad no conforman una dicotomía, que no son puntos de vista (y de escucha) antagónicos, sino que hay una especie de continuo entre ellos. Se puede ser profundamente moderno al insertarse en una tradición centenaria y también se puede ‘envejecer’ lo moderno, dependiendo del tratamiento musical por el que se opte. Bien vale la pena apreciar el trabajo del Dueto Idilio, de la agrupación que son cuatro; se trata, en sus palabras, de «un concierto que los va a contagiar de alegría, al que le hemos puesto el corazón completo y las ganas de compartir algo que sentimos nuestro, que puede seguir sonando y puede seguir representándonos». Manuel Bernal Martínez. Candidato a Maestría en Musicología de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veintiún años de experiencia como docente en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Ha sido jurado en concursos de música regional colombiana y en convocatorias de investigación nacionales y distritales. Diseñó y desarrolló la familia instrumental de la bandola andina. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ PULEP: JNY980. XPD926. MIB570. RIV835. UOI212 . FKB414. VIB160. CLW869. XWK440. LJP457. ITO923. Estos conciertos cuentan con el apoyo de Foto: Kaupo Kikkas Foto: Fotostudio Balsereit Foto: Fundación Juan March Foto: Andrés Garzón Forero Foto: Christine de Lanoë Foto: Cristóbal de la Cuadra Foto: Nathaniel Huard Foto: Kaupo Kikkas OLIVIER STANKIEWICZ oboe (Francia) Domingo 31 de mayo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín y Villavicencio VINCENT HEITZER órgano (Alemania) Domingo 29 de marzo 11:00 a.m. DISCANTUS ensamble vocal (Francia) Domingo 23 de agosto 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga e Ipiales Foto: Mariana Reyes URPI BARCO jazz (Colombia) Domingo 12 de julio 11:00 a.m. LAS ÁÑEZ nueva música latinoamericana (Colombia) Miércoles 13 de mayo 7:30 p.m. KAMIL PACHOLEC piano (Polonia) Domingo 3 de mayo 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Polonia MUZA RUBACKYTE piano (Lituania) Domingo 26 de abril 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ibagué BETTY GARCÉS soprano (Colombia) Domingo 30 de agosto 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta y Girardot ENSAMBLE SAYR música tradicional persa (Irán) Domingo 2 de agosto 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Honda, Quibdó y San Andrés ALEXANDER ULLMAN piano (Reino Unido) Domingo 17 de mayo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Pasto y Tunja Foto: Mauro Araújo CHORO LIVRE música tradicional brasileña (Brasil) Domingo 26 de julio 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Armenia, Riohacha y Valledupar NUEVA FECHA Serie profesional · $10.000 NUEVO CONCIERTO Serie de los jóvenes intérpretes · $6.000 Nuevo horario: jueves 6:30 p.m. Boletas disponibles en Foto: Paola Enciso Foto: C Foto: Jhon Álvarez arolina Ramírez Páez Foto: Felipe Carrero Foto: Edgar Fernando Parra CUARTETO DE CLARINETES CAÑABRAVA Jueves 28 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar LIZETH VEGA cantante Jueves 26 de marzo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ANDRÉS FELIPE ÚSUGA piano Jueves 25 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta Foto: Pablo Stredel MARÍA CAMILA FLÓREZ violín Jueves 4 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín CARLOS MATEO PÁEZ guitarra Jueves 7 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva JOSHUA DAVID SIERRA piano Jueves 2 de julio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán Foto: 01:02 Producciones - David Lainez Foto: Celia Alejandra Hurtado Acosta Foto: Alex Alfaro LAURA ESPINAL piano Jueves 14 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JUAN SEBASTIÁN CARREÑO CÁRDENAS trombón Jueves 18 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JULIÁN CAMILO LERMA viola Jueves 21 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué Foto: Sebastián Mejía Ocampo ANDRÉS FELIPE PALACIOS R. guitarra Jueves 11 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cartagena Foto: Julián Camilo Lerma JIMMY DANIEL SIERRA guitarra Jueves 9 de julio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ipiales PULEP: WPY197. TCD894. CZG221. BJC195. ZPK474. PBX636. BKR126. WYZ758. JOV823. QIR952. FCB257 Próximos conciertos en Buenaventura Auditorio Centro Cultural del Banco de la República Próximos conciertos en Quibdó Auditorio del Banco de la República Foto: R Foto: Paola Enciso Foto: Nathaniel Huard odrigo Alberto Matta LA PERCUMOTORA (Colombia) Jueves 23 de abril de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: PTD829 Con el apoyo de la Universidad del Valle, sede Pacífico ENSAMBLE SAYR, música persa (Irán) Miércoles 29 de julio de 2020 · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Bogotá, San Andrés y Honda PULEP: VGN368 TRES PALOS ENSAMBLE oboe, clarinete y fagot (Colombia) Martes 8 de septiembre de 2020 · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia, Bogotá, Bucaramanga, Cali, Leticia, Medellín, Pereira y Popayán PULEP: QKW153

Foto: Silvia Ospina Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 SOFIA RIBEIRO jazz (Portugal) Jueves 12 de marzo de 2020 · 7:00 p.m. Santa Marta, Auditorio Banco de la República PULEP: YIH655 Viernes 13 de marzo de 2020 · 6:30 p.m. Barranquilla, Plazoleta de la Universidad del Norte PULEP: AAS835 Domingo 15 de marzo de 2020 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 13 PULEP: UZS572 MÚSICA Y MÚSICOS DE LATINOAMÉRICA Y DEL MUNDO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Silvia Ospina SOFIA RIBEIRO, jazz La cantante y compositora portuguesa Sofia Ribeiro es hoy en día una de las más reconocidas voces del jazz y de la música popular contemporánea de Europa. Con diez álbumes y galardonada en múltiples ocasiones, Ribeiro ha tenido una vertiginosa carrera en los últimos quince años, que la ha llevado a conquistar buena parte de los más reputados escenarios en América y Europa. Con su voz versátil, su tono profundo, poderoso y tremendamente expresivo, la artista tiene una especial capacidad de transmitir diferentes emociones, y de transportar a la audiencia a su muy único y personal universo sonoro. Ribeiro canta en portugués, en español, en inglés, en un idioma inventado y canta como si fuera un instrumento. Cuenta historias sobre las canciones, improvisa e invita al público a cantar. Sofia Ribeiro ha sido ganadora en varias competencias internacionales, entre las cuales se destacan la Voicingers (Polonia, 2008), la Crest Jazz Vocal (Francia, 2010) y la International Young Singers Competition (Bélgica, 2005); en 2008 fue seleccionada para participar en el prestigioso seminario Betty Carter’s Jazz Ahead en el Kennedy Center (Washington, Estados Unidos). Realizó sus estudios de canto jazz en la Escola Superior de Música e Artes do Espectáculo do Porto (ESMAE) y cursó un año de intercambio en la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC) en Barcelona, donde obtuvo la clasificación final en canto de jazz de ‘matrícula d’honor’. Posteriormente, obtuvo una beca para estudiar en la prestigiosa Berklee College of Music (Boston, Estados Unidos), lugar en el que tuvo entre sus maestros a Bob Stoloff y donde fue premiada con la ‘Oliver Wagmann Memorial Scholarship’. En 2007 fue aceptada para realizar una maestría en el Koninklijk Conservatorium de Bruselas y cursó el segundo año de la maestría en el prestigioso Conservatoire National Supérieur de París mediante una beca ERASMUS; finalmente, culminó su maestría con honores en 2009. 2 En los últimos cuatro años, Sofia Ribeiro ha vivido en Nueva York, ciudad en la que fue artista residente en el Carnegie Hall y profesora en el curso de Circle Songs de Bobby McFerrin en el Instituto Omega (Estados Unidos). Recientemente, dio una TED Talk en el CESA (Bogotá, Colombia). Después de siete años cautivando audiencias en todo el mundo, y continuando el camino que iniciaron con el álbum Ar en 2012 y con Mar sonoro en 2016, Sofia Ribeiro y su cuarteto lanzan su tercer álbum: Lunga. Nuevamente bajo la brillante producción del pianista colombiano Juan Andrés Ospina, Lunga presenta un repertorio dinámico e intenso en el que se mimetizan elementos del jazz, el fado y la música brasilera. Entrelazados con los temas originales aparece un fado portugués, una canción cubana y dos poemas musicalizados, uno del portugués Eugénio de Andrade y el otro de la americana Ellen Bass, quienes, de la mano de Ribeiro, el pianista Juan Andrés Ospina, el contrabajista griego Petros Klampanis, el percusionista argentino Marcelo Woloski y unos invitados de lujo, acompañarán al oyente en un emocionante y profundo viaje sonoro. La canción que da nombre al disco, Lunga, posee un idioma inventado. Sofia escribió la melodía hace algunos años en medio de una crisis personal: en una mañana de cielo gris, entendió que cambiar el color de ese cielo solo dependía de ella misma. Intentó escribir su letra en portugués, pero como ninguna frase la convencía, finalmente decidió inventar un léxico propio para dicha canción; en Lunga el oyente está libre de interpretar lo que siente y de crear su propio significado a partir de la letra. Juan Andrés Ospina, piano Marcelo Woloski, percusión Petros Klampanis, contrabajo El concierto en Barranquilla cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA O meu chão é um tapete (s. f.) SOFIA RIBEIRO (n. 1978) Voa (s. f.) SOFIA RIBEIRO JUAN ANDRÉS OSPINA (n. 1979) Flor silvestre (s. f.) SOFIA RIBEIRO Letra: Maria José Ribeiro Lunga (s. f.) SOFIA RIBEIRO Sotaque (s. f.) SOFIA RIBEIRO JUAN ANDRÉS OSPINA La tarde (c. 1906) SINDO GARAY (1867-1968) Arreglo: Juan Andrés Ospina Bom dia (s. f.) SOFIA RIBEIRO Adiante (s. f.) SOFIA RIBEIRO JUAN ANDRÉS OSPINA Há uma música do povo (c. 2006) MÁRIO PACHECO (n. 1953) Letra: Fernando Pessoa (1888-1935) Havemos de ir a Viana (c. 1969) ALAIN OULMAN (1928-1990) Letra: Pedro Homem De Mello (1904-1984) Este seu olhar (1959) ANTÔNIO CARLOS JOBIM (1927-1994) Maria das Mercedes (1976) DJAVAN CAETANO VIANA ‘DJAVAN’ (n. 1949) Este concierto no tiene intermedio. Una vez iniciado el concierto, se dará ingreso a la sala de acuerdo con las indicaciones que para ello brinde el ensamble. 4 NOTAS AL PROGRAMA SOFIA RIBEIRO EN PRIMERA PERSONA De la serie de complejas influencias que han transformado el arte del canto en el jazz es inevitable desligarse del blues y del folk, dos fuentes profanas que, a partir de la década de los años treinta, se colaron en las operetas de éxito presentadas en Broadway y en los famosos cancioneros de Tin Pan Alley. En suma, a lo largo de su historia, el jazz vocal se ha nutrido de una gran variedad de aportes externos a la tradición afroamericana que constituyen sus manifestaciones más contemporáneas: desde el calipso hasta la samba, ritmos raizales africanos, cumbia, bullerengue, fado y tango. De la tríada clásica representada por Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Billie Holiday queda una nostalgia perpetuada en la pureza de la dicción y los ornamentos, todo esto en beneficio de una interpretación muy ligada a la melodía y a las formas clásicas del jazz como el swing y el be-bop. El caso es que el esplendor del canto jazz vivido desde la década de los años cincuenta del siglo pasado hasta los setenta decayó de manera dramática por la repetición excesiva de patrones formales y de cierto apego a la tradición afroamericana que marcaba barreras rígidas entre lo que los críticos suponían que era jazz y la música popular. A partir de la irrupción del free en la década de los años sesenta, estas barreras se empezaron a diluir. Otras fuentes musicales inesperadas y la experimentación entraron en juego. Vale la pena mencionar, entonces, nombres como el de la brasileña Flora Purim, la portuguesa Maria João, la noruega Karin Krog, la controvertida estadounidense Meredith Monk o el alemán Theo Bleckmann, entre muchos otros artistas vocales que, desde diferentes ámbitos estilísticos, lograron abrir puertas que durante décadas estuvieron cerradas. Bien entrada la década de los noventa, muchas cantantes se han valido de la elasticidad del jazz para explorar territorios de músicas populares y raizales: en Colombia encontramos a Claudia Gómez, Lucía Pulido, Victoria Sur, Marta Gómez, Las Áñez y Urpi Barco; en Argentina, a Liliana Herrero; en México, a Jaramar Soto; en Perú, a Susana Baca; y en Portugal, a Sofia Ribeiro. En el punto equidistante en el que el jazz se convierte en una nueva forma de canción, la lisboeta nacida en 1978 recoge la tradición clásica del género y 5 entabla lazos naturales con el fado portugués y con músicas latinoamericanas como el landó, el samba argentino o el danzón cubano. Dejemos que sea ella, en primera persona, quien nos cuente los avatares de su historia y los pormenores del repertorio que escucharemos en esta ocasión. Vinilos, errores y decisiones Los primeros recuerdos que tengo de la música están asociados a los vinilos de mi padre, quien tenía una gran colección de música clásica. Cuando por alguna circunstancia me alcanzaba la tristeza, ponía en el tocadiscos el Adagio para cuerdas de Barber. Me acostaba en el sofá y lloraba. Me acuerdo, también, de la emoción de mi papá mientras escuchaba esa música elevada. La primera vez que me subí a un escenario a cantar como solista fue en un viaje a Suiza del coro infantil al cual yo pertenecía desde los doce años. Cuando llegó el momento de mi estrofa, algo pasó y no canté la melodía original sino algo diferente. No recuerdo qué fue lo que canté ni tengo una grabación de ese momento, pero sí está presente la sensación de haber perdido el control y de haber cantado algo que yo interpreté como un error. Al término de la presentación comenté que había sido un desastre y que de ninguna manera me volvería a subir a un escenario. Yo era muy tímida, exigente y perfeccionista. Sin embargo, las oportunidades para cantar me siguieron llegando. A pesar de la resistencia a convertirme en un ‘centro de atracción’, yo aceptaba esas invitaciones porque, simplemente, me encantaba la música. Empecé a convencerme de que tenía algo que compartir a través de mi voz. A los veintitrés años, después de haber terminado un diploma en Terapia ocupacional, finalmente entendí que la música no era solamente un pasatiempo: era el oficio al que me quería dedicar completamente. Influencias A decir verdad, mis principales referencias musicales no han sido exclusivamente portuguesas: ¡Cuando era adolecente, escuchaba a Mariah Carey, Whitney Houston y Celine Dion! Lo que sí me influenció profundamente fue escuchar a mi hermana cantando fado. Siempre me encantó su simplicidad e intensidad para interpretar esas canciones tan tristes de la famosa Amália Rodrigues, que era su cantante de fado preferida. Por ella adopté el gusto hacía Amália, que a la postre se convirtió en un gran referente para mí. Hace más o menos quince años empecé a interesarme mucho más en las músicas populares portuguesas. De allí surge un proyecto sobre la música de ‘Zeca’ Afonso, un revolucionario cantautor que tuvo una importancia muy 6 grande en el final de la dictadura de Portugal en 1974. Recomiendo mucho escuchar su música. Es original, profunda y tiene unos mensajes que son muy actuales, teniendo en cuenta el estado del mundo. Cantar: viajar a través del sonido Cantar y hacer canciones es contar historias, expresar emociones e invitar a la gente a ‘viajar’ a través del sonido. Se conectan asuntos muy íntimos de una misma con los del público por medio de melodías, ritmos y palabras: este asunto no deja de ser profundo, misterioso e intenso. Cantar es abrir el corazón. Hacer canciones es crear realidades. ACERCA DEL REPERTORIO O meu chão é um tapete (Sofia Ribeiro): en esta canción yo cuento que mi piso es una alfombra mágica que me lleva de viaje por el mundo. A veces tengo ganas de parar, pero sigo disfrutando ‘vivir en el cielo’, que no tiene límites. El arreglo musical lo hicimos entre los cuatro miembros del grupo durante una gira por Europa. Cada vez que teníamos una prueba de sonido, le trabajábamos de a pocos. Juan Andrés, el pianista, escribió un interludio que me encanta. Flor silvestre (Sofia Ribeiro): esta canción contiene un poema escrito por mi mamá (Maria José Ribeiro). Habla de una flor silvestre que disfruta cada detalle de vivir en la naturaleza. El poema termina con una frase que, según la flor, es el secreto de la felicidad: hay que oír con el corazón y vivir en la simplicidad. Cuando leí el poema por primera vez, de inmediato supe que tenía que ponerle música. La compuse y la canté en Nueva York con mi banda. Luego se la envié a mamá en el día de su cumpleaños. En Flor silvestre se mezclan elementos del jazz, el fado y la música latino-americana. El ritmo es una samba argentina. Con la melodía y la armonía quise representar el mundo simple de la flor que en la noche se duerme mientras espera la aparición de la luna y, luego, se despierta con el rocío de la mañana. Voa (Sofia Ribeiro, Juan Andrés Ospina): un día escribí un fragmento de una melodía que me gustaba mucho, pero no sabía cómo desarrollarla. Probé muchas opciones de letras para la melodía pero ninguna me convenció. ¡Estaba atorada! Se la mostré a Juan Andrés, quien resolvió el dilema. Entonces la tocó en el piano y yo la grabé en el celular. Escuché varias veces el audio y me puse a hacer un ejercicio que hago mucho: escribir en una hoja de papel en blanco todo lo que se me venía a la cabeza, sin parar, analizar o juzgar. Al final me di cuenta de que el flujo de palabras giraba alrededor del vuelo. Por eso, la letra trata de un pájaro que, para sobrevivir, tiene que abandonar el nido. 7 Lunga (Sofia Ribeiro): es la canción que da nombre a mi más reciente grabación. La letra es un idioma inventado, no existe. Escribí la melodía hace algunos años, en medio de una crisis personal: una mañana de cielo gris, entendí que cambiar el color de ese día solo dependía de mí misma. Intenté escribir la letra en portugués, pero como ninguna frase me convencía, finalmente decidí inventar un léxico propio para la canción. En Lunga cada uno está libre de crear su propio significado a partir de la letra. Adiante (Sofia Ribeiro, Juan Andrés Ospina): es una canción cuya letra, que me costó bastante terminarla, me identifica plenamente. El final dice: «sacudiendo cada miedo, no solamente marcho, sino que danzo en cadencia con el viento, mecida por el tiempo. Voy y canto, y confío, voy en frente y conmigo llevo el brillo de la luna y del sol». Sotaque (Sofia Ribeiro, Juan Andrés Ospina): un día compuse una melodía que me estaba dando vueltas en la cabeza. Al momento de ponerle letra me sonó raro mi acento portugués pues la melodía me sonaba algo brasilera. Entré en un dilema: ¿escribo la letra con el acento de mi país o con el brasilero? Lo comenté con Juan Andrés, quien me sugirió escribir una letra que hablara, precisamente, de la diferencia entre los dos acentos. Fue muy divertido. La letra empieza con la pregunta: «¿será que me puedes prestar tu acento para esta canción?». La tarde (Sindo Garay): la primera vez que oí esta canción fue en la voz de la cantante portuguesa Maria João y del piano de Mário Laginha. Me encantó la melodía y me dieron muchas ganas de cantarla. Empezamos por tocarla de forma improvisada en los conciertos a la manera de un danzón. Al final de los conciertos me preguntaban muchas veces en qué disco estaba incluida. Terminamos grabándola en el disco Lunga con un arreglo muy original de Juan Andrés. Bom dia (Sofia Ribeiro): habla de un personaje que se va por las calles saludando a toda la gente que ve por el camino. La letra cuenta la reacción de diferentes personas que intentan explicar por qué dice ‘buen día’ a toda la gente y el por qué de su particular alegría. Há uma música do povo (Mário Pacheco): es seguramente mi fado favorito. La melodía, la armonía y el poema —del gran Fernando Pessoa— me encantan. El momento de cantarla siempre es uno de los más emocionantes e intensos del concierto. Lo hacemos en trío con el piano y el contrabajo, sin percusión. Acá canto como una ‘fadista’ aunque a mi manera... 8 Havemos de ir a Viana (Alain Oulman, letra de Pedro Homem de Mello): este es un fado tradicional que una vez, mientras estábamos en una caminata, Juan Andrés y yo empezamos a cantar espontáneamente. Yo cantaba la melodía y Juan cantaba los bajos. Nos pareció que sonaba entretenido y decidimos hacerlo en vivo. El público reaccionó con mucho entusiasmo. Se volvió uno de los momentos más aplaudidos de nuestros conciertos. Este seu olhar (Antônio Carlos Jobim): es una canción de Tom Jobin, uno de mis compositores favoritos y a quien admiro montones. No es de sus composiciones más conocidas. Cada vez que la tocamos pasan cosas diferentes. Es muy apropiada para la improvisación. ¡Nunca nos sale igual! Maria das Mercedes (Djavan): ¡es la canción que más hemos tocado en vivo los cuatro! Aunque tenga un arreglo definido, siempre la interpretamos de manera diferente. Habla de ‘Maria das Mercedes’, una mujer que vive en el interior de Brasil y que envía una carta a su novio, quien se fue a vivir a una ciudad grande. La carta dice: «mi negro, estoy intacta, pura, vuelve por favor». Y él dice que cuando tenga por ahí cuarenta años, volverá. Dice también que le quiso escribir una carta, contándole todo lo que ha conocido de la ciudad grande, pero como fue infame, se olvidó de su apellido. AUDICIONES RECOMENDADAS Sofía Ribeiro (2019) Lunga. Edición de la autora. Sofía Ribeiro (2016) Mar sonoro. Edición de la autora. Sofia Ribeiro (2012) Ar. Edición de la autora. Luis Daniel Vega. Periodista. Ha sido productor radial en Javeriana Estéreo, UN Radio, Radio Nacional de Colombia y Cámara F.M. de Medellín. Actualmente es el director de Señal Cumbia, emisora digital de la Radio Nacional de Colombia. Ha sido colaborador en Rolling Stone, Arcadia, Bacánika, Noisey, Semana y fue bloguero del portal En Órbita. Escribe notas de los programas de mano de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango desde 2012. Es el productor artístico del sello Festina Lente Discos. Hace parte de Redpem (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica). En 2009 ganó el Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar en la categoría Mejor Programa Cultural en Radio. Próximos conciertos en Santa Marta Auditorio Banco de la República MAURICIO ARIAS, piano · Foto: Herley Aguirre MAURICIO ARIAS, piano (Colombia) Martes 9 de junio de 2020 · 7:00 p.m. ANTONIO ARNEDO Y SAM FARLEY saxofón y piano (Colombia / Estados Unidos) Jueves 6 de agosto de 2020 · 7:00 p.m. STEVEN REMOLINA, fagot (Colombia) Jueves 27 de agosto de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: WYE112. FEL394. YPU115 Serie de los jóvenes intérpretes · $6.000 Nuevo horario: jueves, 6:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Boletas disponibles en DUETO IDILIO, música colombiana Jueves 19 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Quibdó LIZETH VEGA, cantante Jueves 26 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra Jueves 7 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva LAURA ESPINAL, piano Jueves 14 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JULIÁN CAMILO LERMA, viola Jueves 21 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué DUETO IDILIO, música colombiana · Foto: Daniel Machado PULEP: KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Serie profesional · $10.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Lanzamiento de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 18 de marzo · 7:30 p.m. PROGRAMA J. PINZÓN: Cygnus. F. ROA: Un lugar en el viento. G. PARRA: Aspic. PULEP: JNY980. XPD926. MIB570. RIV835. UOI212 . FKB414. VIB160. CLW869. XWK440. LJP457. * Estos conciertos cuentan con el apoyo de OLIVIER STANKIEWICZ* oboe (Francia) Domingo 31 de mayo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín y Villavicencio VINCENT HEITZER órgano (Alemania) Domingo 29 de marzo 11:00 a.m. nuevo concierto KAMIL PACHOLEC piano (Polonia) Domingo 3 de mayo 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Polonia MUZA RUBACKYTE piano (Lituania) Domingo 26 de abril 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ibagué LAS ÁÑEZ nueva música latinoamericana (Colombia) Miércoles 13 de mayo 7:30 p.m. ALEXANDER ULLMAN piano (Reino Unido) Domingo 17 de mayo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Pasto y Tunja URPI BARCO jazz (Colombia) Domingo 12 de julio 11:00 a.m. nueva fecha CHORO LIVRE música tradicional brasileña (Brasil) Domingo 26 de julio 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Armenia, Riohacha y Valledupar DISCANTUS* ensamble vocal (Francia) Domingo 23 de agosto 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga e Ipiales ENSAMBLE SAYR música tradicional persa (Irán) Domingo 2 de agosto 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Honda, Quibdó y San Andrés

Foto: Kike Barona Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 CORO FILARMÓNICO INFANTIL ensamble vocal (Colombia) Sandra Patricia Rodríguez, directora (Colombia) Domingo 1° de marzo de 2020 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 8 PULEP: SPX202 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 CORO FILARMÓNICO INFANTIL El Coro Filarmónico Infantil (CoFI) fue creado en mayo de 2014 como parte del Proyecto Educativo OFB: ‘La Filarmónica en la escuela y la ciudad’. Está conformado por 150 coristas de colegios distritales del Proyecto Filarmónico Escolar (ProFE) y de los Centros Filarmónicos Locales (CeFis), ambos de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB). El CoFI busca promover los valores y potencialidades artísticas de cada integrante por medio de la enseñanza de la música, el movimiento corporal y el desarrollo de la voz como instrumento. Realiza un trabajo con rigor y excelencia, en un ambiente de amor y disciplina, lo que conlleva un resultado de alto nivel. Entre los eventos en los que ha participado están el Festival Ópera al Parque (ediciones, 2018 y 2019), los Conciertos navideños OFB, el Festival Distrital de Coros de la OFB (ediciones 2015, 2016, 2017, 2018 y 2019) y los Conciertos Distritales ‘Vamos a la Filarmónica’ (2016, 2017, 2018, 2019), con repertorio en varios idiomas, incluyendo montajes sinfónicos corales con el Coro Prejuvenil OFB y la Orquesta Filarmónica Infantil (OFI). Foto: Kike Barona 2 El coro ha participado en distintos montajes sinfónico-corales con la OFB, entre ellos: el Réquiem de guerra de Benjamin Britten, con Leonardo Marulanda; Carmina Burana de Carl Orff, con Kent Nagano; Las siete trompetas del Apocalipsis de Óscar Navarro; la Tercera sinfonía de Gustav Malher, con Francisco Rettig; la ópera El caballero de la rosa de Strauss; la ópera infantil La princesa y la arveja de Luis Antonio Escobar; la ópera La condenación de Fausto de Britten; el Réquiem de Fauré; las Danzas polovtsianas de Borodin; y nuevamente Carmina Burana en escena en la temporada 2018- 2019. Realizó en 2019 un concierto en el marco de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Fue invitado especial en la Cumbre de Paz, interpretando Para la guerra nada con varios artistas, entre ellos, María Mulata, Victoria Sur, Manuel Medrano y Martha Gómez. Sandra Patricia Rodríguez, directora artística general Directora coral y tallerista en pedagogía coral y vocal, con amplia experiencia y reconocimiento en el país. Su carrera musical comenzó a la edad de diez años como corista, con estudios de violín y de órgano. Es Licenciada en Pedagogía Musical de la Universidad Pedagógica Nacional con énfasis en Canto; Especialista en Dirección de Coros Infantiles y Juveniles en la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, y Especialista en Gerencia y Gestión Cultural de la Universidad del Rosario. Realizó cursos de Especialización en Terapia Vocal y Vocal Coach en Comunikarte (Chile). Sus estudios de dirección coral y orquestal, pedagogía vocal, coral y canto han sido realizados con maestros nacionales e internacionales, entre quienes sobresalen Carmiña Gallo, Elsa Gutiérrez, Alejandro Zuleta, María Olga Piñeros, Julián Lombana, Josu Elberdin, Guido Minoletti, Alberto Grau, María Guinand, Digna Guerra y Fredy Lafont. En 2015, participó en The Princeton Festival Conducting Master Class con Jan Harrington, en Princeton (Estados Unidos); en 2016, en talleres de perfeccionamiento con Naomi Municata (Brasil) y Diana Sáez (Puerto Rico); en 2017, con Anthony Trecek-King (Boston), Patrick Freer (Georgia) y Ana María Raga (Venezuela); en 2018, con Germán Gutiérrez (Colombia) y Josep Vila (España), y, en 2019, con Sanna Valvanne (Finlandia). Ha sido corista y solista de diversos géneros musicales. Integró el Coro Filarmónico de Bogotá, el Coro de la Universidad de los Andes en 2012 y desde 1996 es soprano en la Sociedad Coral Santa Cecilia. Fue la fundadora del Coro Verata e Liberi y su directora entre 2005 y 2016. Dirige el Coro 3 Voces de Luz desde 2009, con cuyos integrantes ha tenido proyección a nivel nacional e internacional. Desde 2015 es presidenta de la Corporación para el Fomento de la Música Coral - CORFOCORAL. A partir de 2016 es asesora del Área Coral en el Proyecto Educativo de la Orquesta Filarmónica de Bogotá y directora del Coro Filarmónico Infantil. Natalia Lozano y Breiner Valderrama, directores asistentes Jesús Ortiz, pianista Integrantes Coro Filarmónico Infantil Annie Ximena Gómez Melo Ana Sofia Pérez Yate Angie Dariana Nazarit Fuentes Angie Valentina Calderón Chacón Carol Zalatiel Montañez Pertuz Cristhian Steban Carrillo Suárez Cristhin Sofia Olarte Segura Dana Sophia Romero Gasca Danna Cifuentes Hinojoza Eyleen Nicol Rodríguez González Ingrid Juliana Contreras Poveda Isabella Gómez Malagón Itzel Nicoll Cujar Fonseca Karen Vanesa Rivera Angarita Kevin Andres Botero Huertas Laura Cristina Hernández Zabala Laura Gómez Soriano Laura Nataly Álvarez Quintero Laura Sofia Pulido Castro Laura Valentina Largo Delgadillo Luisa Fernanda Ortiz Galindo Luna María Molano Lara Luna Valentina Moreno Salcedo Maria Angélica Garzón Moreno María Camila Vanegas Ayala María de los Ángeles Arias Calvo María Esperanza Jaimes Dueñas María Fernanda Insuasty Beltrán María Sofia Olmos Mulett Mariana O’Meara Rodríguez Nicol Dayana Arias Moreno Paula Andrea Sierra Prieto Paula Sofía Castillo Devia Sara Estefanía Caballero Rico Sara Sofía Heredia Rodríguez Sara Valentina Bejarano Cardoso Sara Valentina Valero Cadavez Sarah Ximena Vergara Díaz Sofía Alejandra Camargo Valentina Suárez Perdomo Valeria Minotta Bonilla Yeimmy Tatiana Barrera Vargas Yuliana Villamil Cepeda Nicol Dayana Arias Moreno Paula Andrea Sierra Prieto Acompañantes Lullaby of Broadway Eduardo Rincón, saxofón Jairo Sachica, trompeta (invitado) Mel Ferrer, bajo Jesús Ortiz, piano María Angélica Mendoza, percusión Chacarera de los gatos Eduardo Rincón, flauta William Avellaneda, guitarra Mel Ferrer, bajo María Angélica Mendoza, percusión Dayana Salamanca, percusión A la orilla del río Mel Ferrer, bajo Jesús Ortiz, piano María Angélica Mendoza, percusión Dayana Salamanca, percusión Los animales Eduardo Rincón, flauta Mel Ferrer, bajo Dayana Salamanca, cuatro y percusión María Angélica Mendoza, capachos 4 PROGRAMA Praise the Lord, Our God, Forever (s. f.) WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Arreglo para coro y piano de Walter Ehret (1918-2009) Nigra Sum (1943) PABLO CASALS (1876-1973) Para coro y piano Balulalow de A Ceremony of Carols, Op. 28 (1942) BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Arreglo para coro, solista y piano Ave Maria en fa mayor (2005) KENTARO SATO (n. 1981) Para coro y piano Sanctus (2002) RICHARD OSWIN (n. 1957) Para coro y piano Vem Kan Segla Förutan Vind? (2013) TRADICIONAL SUECA Arreglo para coro, piano, clarinete, bajo y percusión de Ibis Amador (n. 1987) basado en la versión de Ēriks Ešenvalds (n. 1977) The Seal Lullaby (2010) ERIC WHITACRE (n. 1970) Para coro y piano Viva la libertá (2019) LORENZO JOVANOTTI (n. 1996) Arreglo para coro, piano, saxofón soprano, trompeta, bajo y percusión de Jairo Sáchica Masque de l’ombre de Cantate de la chauve-souris (2011) MANUEL COLEY (n. 1961) Para coro y piano Lullaby of Broadway (1935) HARRY WARREN (1893-1981) Arreglo para coro y piano de Jay Althouse Adaptación instrumental para coro, saxofón, trompeta, bajo, piano y percusión de Eduardo Rincón, Jairo Sichacá, Mel Ferrer, Jesús Ortiz y María Angélica Mendoza. INTERMEDIO 5 Canción con todos (1969) CÉSAR ISELLA (n. 1958) Arreglo para coro, piano, guitarra y percusión de Piedad Mendoza Chacarera de los gatos (s. f.) MARÍA ELENA WALSH (1930-2011) Arreglo para coro y violín de Vivian Tabbuch (n. 1962) Adaptación instrumental para flauta, guitarra, bajo y percusión de Eduardo Rincón, William Avellaneda, Mel Ferrer, Nelly Dayana Salamanca y María Angélica Mendoza Todos vuelven (c. 1940) CÉSAR MIRÓ (1907-1999) Arreglo para coro, piano, guitarra y percusión Piedad Mendoza Dos palomitas (s. f.) TRADICIONAL BOLIVIANA Arreglo para zampoña, charango, guitarra y percusión de Piedad Mendoza A moda da Garranchinha (s. f.) TRADICIONAL BRASILEÑA Arreglo para coro, piano y percusión de Brad y Lucy Green (n. 1957) Un mar de sueños (2018) CENTRO MUSICAL BATUTA LA ALEGRÍA – NEIVA, HUILA Para coro, guitarra, bajo y percusión A la orilla del río (1999) MAURICIO LOZANO (s. f.) Original para coro Adaptación instrumental para coro, piano, bajo y percusión de Mel Ferrer, Jesús Ortiz, María Angélica Mendoza y Nelly Dayana Salamanca Los animales (2008) Original para coro Adaptación instrumental para coro, flauta, cuatro, bajo y percusión de Eduardo Rincón, Nelly Dayana Salamanca, Mel Ferrer y María Angélica Mendoza Un eterno resplandor (s. f.) IBIS AMADOR (n. 1987) Para coro, cuatro, guitarra, bajo y percusión 6 NOTAS AL PROGRAMA Cantar juntos es también aprender a escuchar al otro, aceptar sus diferencias, e intentar armonizarlas con las nuestras. Con esta frase el director de coro Manuel Coley describe lo que en su opinión representa la experiencia del canto coral: el sincretismo de seres y naciones que gracias a la música aprenden a trascender sus diferencias. Esta es la intención del concierto que escucharemos hoy: el Coro Filarmónico Infantil cantará en inglés, francés, español, portugués, latín, italiano y sueco, encarnando diversas tradiciones unidas para esta ocasión en lo que el mismo Coley sintetizaría con la frase «cantar juntos para vivir mejor juntos». Qué obra podría representar mejor la idea de la unión de muchas voces que la Canción con todos de César Isella (n. 1958) con texto de Armando Tejada Gómez (1929-1992). Declarada himno de América Latina por la UNESCO en 1990, fue una de las canciones más representativas del movimiento nuevo cancionero1 que caracterizó la música popular argentina en la década de los sesenta y setenta. Se difundió por toda Latinoamérica y el mundo por el nivel de conciencia social que representaba. Acerca de la canción dijo César Isella en una entrevista: «Nuestra canción es parte de la vivencia que tienen nuestros ciudadanos que por diversas circunstancias tienen que vivir en otros países»2. Canción con todos fue grabada por primera vez en 19693 e inmortalizada en la voz de la cantante Mercedes Sosa. Una de las obras más conocidas del autor británico Benjamin Britten (1913-1976) es A Ceremony of Carols Op. 28. Fue escrita en 1942 durante el viaje que lo conducía de regreso a Inglaterra desde Nueva York, donde se había exiliado al desatarse la Segunda Guerra Mundial. El barco hizo escala en Nueva Escocia (Canadá), lugar en el que Britten encontró un libro de poesía medieval y renacentista del cual extrajo los textos que inspiraron este opus. Originalmente se trataba de un conjunto de obras sueltas que llegaron 1 Movimiento cultural que buscó darle un nuevo alcance a la música popular argentina. 2 Entrevista en la Radio Nacional de Praga (10 de abril, 2012). 3 Después del ‘Cordobazo’, movimiento estudiantil y obrero que se desató en la ciudad de Córdoba (Argentina) entre el 29 y el 30 de mayo de 1969 como respuesta a la dictadura que se instaló después del golpe de estado de 1966. 7 a convertirse en una suite de villancicos. La relación de Benjamin Britten con la música coral es explicada por Paul Spicer con la frase «el estilo de Britten surgió de la tradición coral inglesa que él conocía muy bien». En esta ocasión, escucharemos la quinta sección de este opus, Balulalow4, una canción de cuna en la que la solista representa la voz de la Virgen que acuna al niño. La profesora Lucy Green (n. 1957) ha dedicado gran parte de su vida y de su trabajo a investigar la influencia que puede ejercer la música popular en la enseñanza de la música en los colegios. Indagar acerca de cómo aprenden los músicos populares la ha llevado a acercarse a ritmos, melodías y tradiciones de distintos países, como es el caso de esta melodía brasileña A moda da Garranchinha, que junto con Brad Green arregló para coro a dos voces, piano y percusión5. Cuando el escritor y compositor peruano César Alfredo Miró Quesada (1907-1999) vivía en Estados Unidos, le fue solicitado el libreto de una película que describiría la nostalgia de los inmigrantes por su tierra. Aunque Gitanos en Hollywood nunca fue rodada, la canción Todos vuelven, que se había pensado para la película, se convirtió en un éxito cuando fue interpretada por María de Jesús Vásquez —la ‘reina y señora de la canción criolla’— en 1943. Con las palabras «Todos vuelven a la tierra en que nacieron, al embrujo incomparable de su sol (…)», este vals peruano expresa la nostalgia que acompaña a aquellos que están lejos de su lugar de origen. Algo similar le sucedió al compositor y director estadounidense Eric Whitacre (n. 1970). En 2004 le pidieron hacer la banda sonora de la película The White Seal (La foca blanca) sobre una historia de Rudyard Kipling (1865- 1936), autor de El libro de la selva. En la historia, la madre foca canta a su bebé: «calla bebé mío, la noche está detrás de nosotros, y negras son ahora las aguas que antes fueran verdes»; fueron estas las palabras que lo inspiraron para componer The Seal Lullaby (La canción de cuna de la foca). La película finalmente no fue producida, pero algunos años más adelante Whitacre — reconocido director de coro— realizó un arreglo de esta melodía para coro y piano, dándole un nuevo aire que refleja la dulzura del canto de una madre. 4 ‘Balulalow’ en inglés moderno es ‘lullaby’ que traduce ‘canción de cuna’. Sobre el origen de esta palabra se cree que viene de Lilith aby (Lilith vete), frase que se colgaba en las cunas de los niños para alejar al demonio Lilith que vendría a buscarlos según una antigua tradición hebrea. 5 Bajo el título la autora precisa ‘sipnning ‘round’ (dando vueltas) porque se trata de una danza muy rítmica. No se sabe si el baile se haya originado en España o Portugal y se le conoce también como ‘baile de las carrasquillas’ o ‘carrasquinha’. 8 Cada 4 de mayo, los países bajos celebran el Dodenherdenking (Recuerdo de los muertos), conmemoración anual de todos los fallecidos desde la Segunda Guerra Mundial. En 2013 el comité que organiza esta celebración comisionó al compositor y director letón Ēriks Ešenvalds (n. 1977) la música para dicha ocasión. Ešenvalds decidió realizar un arreglo para coro con acompañamiento de arpa de la melodía sueca Vem Kan Segla Förutan Vind? (¿Quién puede navegar sin viento?), canción de la isla finlandesa de Åland (donde aún se habla sueco), muy conocida en el norte de Europa. El texto trata de la tristeza de la separación, y aunque la textura de la composición es muy sencilla, Ešenvalds en sus líneas transparenta mucho misticismo. El arreglo instrumental para piano, clarinete y contrabajo fue elaborado por la compositora colombiana Ibis Amador por encargo para el Coro Filarmónico Infantil. El nombre del compositor estadounidense Harry Warren (1893-1981) fue muy conocido en el medio del cine en la primera mitad del siglo xx. Ganó once Premios Oscar por sus bandas sonoras, entre ellas Lullaby of Broadway (1935), canción que hace parte del musical 42nd Street y que fue empleada en la película Gold Diggers (1935) y en la película Lullaby of Broadway (1951), interpretada por la actriz Doris Day. En 1932 comenzó su colaboración con los escritores Al Dubin y Johnny Mercer 6 (1891-1945), autor de la letra de esta canción. Narra la historia de una mujer que trabaja de noche y duerme de día, representando la agitada vida de la ciudad de Nueva York. Aunque nació en Japón, Kentaro Sato (n. 1981) estudió música (dirección y composición) en Los Ángeles a donde llegó a los diecinueve años. También se especializó en cine y propiedad intelectual. Ha adquirido mucha experiencia trabajando en los medios (como voice-over artist7 para Disney, Visa, Microsoft, Discovery Channel, entre otros), y como compositor de música para video juegos y música incidental para televisión. También ha dedicado parte de su carrera a la composición de música instrumental (sinfónica) y música coral, géneros en los que ha sido premiado en varias ocasiones. De sus composiciones corales se destacan obras sacras y profanas en latín, entre ellas varios Ave Maria. El que escucharemos hoy (tres voces y piano) es una 6 Dubin sabía lo difícil que resultaba para Warren acostumbrarse a la vida en Hollywood pues extrañaba su ciudad natal, Nueva York. La letra de Dubin y Mercer se convirtió en una verdadera oda a esta ciudad. 7 Género audiovisual que usa voces pregrabadas y superpuestas (documentales, traducciones, series animadas). 9 obra de armonía clásica, con un movimiento muy equilibrado entre las voces y el piano. Lorenzo Jovanotti Cherubini (n. 1966) es actualmente uno de los artistas populares más conocidos en Italia. Con una carrera artística de más de treinta años, ha grabado cerca de quince álbumes. Ha explorado géneros como el hip hop, funk, rap, electro y música étnica. Sus letras reflejan sus inquietudes políticas y sociales. La canción Viva la libertà hace parte del álbum Oh, Vita grabado en 2017. Junto con un estribillo ‘pegajoso’ y un texto poético que describe la libertad, se convirtió en una de las canciones más populares de 2018. En esta oportunidad, oiremos un arreglo para coro a dos voces y acompañamiento instrumental cantado en español e italiano simultáneamente. El director de coros francés Manuel Coley (n. 1961) ha desempeñado una intensa labor pedagógica en el sur occidente de Francia. Ha liderado proyectos que buscan integrar el canto coral en las escuelas, los hospitales (canto pre-natal) y en los jardines infantiles. Ha sido el director titular de más de trece coros y realiza permanentemente talleres de formación a docentes, músicos y directores. Desde el inicio de su trabajo con coros infantiles y juveniles, ha escrito varias obras y colecciones para este tipo de conjuntos. Un ejemplo de esto es la Cantate de la chauve-souris (Cantata del murciélago), en la que unió una fábula de Jean de la Fontaine (1621-1695) y un poema de Robert Desnos (1900-1945), textos en los que ambos exaltaban las características del murciélago8. En este día, escucharemos la primera parte de esta cantata con texto de Desnos: Masque de l’ombre (Murciélago, máscara de la oscuridad). En la partitura, Coley declara que la música de esta obra está inspirada en J. S. Bach (1685-1750) y Hans Leo Hassler (1564-1612). Como Benjamin Britten, Pau Salvador Casals (1876-1973) fue un convencido pacifista. Vivió las dos guerras mundiales además de la Guerra Civil Española, razón por la cual se exilió de su Cataluña natal. Fue uno de los mejores —si no el mejor— violonchelista del siglo xx; y aunque es menos conocido por ello, también fue un importante director y compositor. A él se deben las primeras grabaciones de las suites para violonchelo de Bach (1936 y 1939), así como la composición del oratorio El pesebre (1960), entre otras. Escucharemos el motete Nigra Sum compuesto en 1943 en la ciudad de Prades (cerca de la frontera Española), donde se encontraba refugiado. Es una obra 8 El murciélago simboliza lo sobrenatural, por ser un híbrido entre un ave y un ratón, algo que llamó la atención de poetas y músicos (entre ellos la de Johann Strauss, quien lo representó en su opereta El murciélago). Además, por ser un animal de la noche, se le asoció con el misterio y lo oculto (sobre todo en Europa). 10 para coro a tres voces y piano, cuyo texto «Negra soy pero hermosa» se extrajo de los versículos 1: 4-5 y 2: 10-11 del Cantar de los cantares. Es una alabanza a la virgen negra del monasterio de Montserrat (Barcelona), símbolo de Cataluña, quizá una forma de buscar refugio espiritual en esos momentos aciagos que atravesaba Europa. Casals escribió varias obras a la Virgen. Como señalaría Alberto Ciria (2004) en su artículo Un retrato de Pau Casals acerca de la espiritualidad del intérprete: «la música de Casals es al mismo tiempo máximamente humana y máximamente religiosa». Richard Oswin (n. 1957) nació en Nueva Zelanda. Educador musical, compositor y arreglista, hizo un importante aporte a la tradición coral neozelandesa (heredera de la británica) con su reconocido Sanctus. Aunque es muy corto y no sabemos si forma parte de una misa completa, en su escritura destaca un brillante equilibrio entre el estilo ‘clásico’ y un estilo de acompañamiento más rítmico, propio del jazz. Una sección intermedia, Hosanna, con una melodía muy lírica, da paso a la sección final en la que se retoma la alternancia de estilos antes de concluir. Walter Ehret (1918-2009) fue educador musical por más de cuarenta años y realizó cerca de dos mil adaptaciones, arreglos y publicaciones para coros, siendo uno de los más reconocidos en este campo. Adaptó obras de Corelli, Händel, Morley, Haydn, Saint-Saëns y Mozart, entre otros, agregando a melodías reconocidas textos escogidos por él. En esta oportunidad, escucharemos Praise the Lord, Our God, Forever (Alabado sea el Señor, Nuestro Dios, por siempre) con música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) en un arreglo para dos voces y piano. A la célebre poetisa, escritora, dramaturga y compositora argentina María Elena Walsh (1930-2011) se la recuerda por el significativo aporte que realizó a la literatura musical infantil latinoamericana. Sus canciones presentan un universo único de historias y personajes que fusionó con diversos géneros musicales y ritmos tradicionales. La chacarera de los gatos une el tradicional ritmo de danza del chaco boliviano y argentino con una picaresca historia que narra las aventuras de un grupo de gatos vanidosos. La versión para coro fue realizada por el también argentino Vivian Tabbush (1937-2017) reconocido director de coros y arreglista que contribuyó a difundir la herencia musical argentina en el ámbito coral. La leyenda que parece acompañar la obra tradicional boliviana Dos palomitas cuenta la trágica historia de amor entre una muchacha y un sacerdote que termina en la muerte de ella (quien decide inmolarse por el fuego). Afirma la leyenda que al morir aparecieron en el cielo dos palomitas, símbolo, quizá, 11 de ese amor frustrado. Este relato que proviene posiblemente de Bolivia, fue recopilado por el investigador y poeta argentino Juan Alfonso Carrizo (1895- 1957). La obra trascendió más allá de la leyenda y se hizo muy popular en el continente. El ritmo de yaraví —tradicional argentino en el que destacan elementos musicales indígenas— acompaña este melancólico lamento de amor. Para la Fundación Nacional Batuta, una parte importante de la labor pedagógica emprendida en los últimos años ha incluido la práctica de la improvisación y de la creación colectiva como medio para estimular la imaginación y creatividad de los alumnos. Así nacieron las 33 obras que conforman hoy el Cancionero Batuta (2018), recopilación que surgió a partir de una convocatoria en la que participaron Centros musicales Batuta de todo el país. De este cancionero escucharemos la obra Un mar de sueños (2018) compuesta en el Centro musical Batuta – La alegría, de Neiva (Huila), donde profesores y alumnos crearon este Bambuco a dos voces. Para Mauricio Lozano Riveros (n. 1958) la música colombiana es un asunto de familia. Intérprete, compositor, arreglista, director y pedagogo, ganó junto con el Quinteto Eco el festival nacional Mono Núñez en 1990. Ha sido tres veces ganador de la beca nacional de creación del Ministerio de Cultura. En 1999, luego de ganar la beca, creó junto con María Olga Piñeros el cancionero Nuevos Cantos Infantiles Colombianos, recopilación de 24 canciones infantiles con distintos ritmos a 1, 2 y 3 voces iguales. De este cancionero escucharemos A la orilla del río, obra a 3 voces, en ritmo de currulao, con letra de María Olga Piñeros. Este ritmo del Pacífico colombiano, también llamado ‘bambuco antiguo’, es original de la cultura colombo-africana de la región. De esta misma recopilación escucharemos Los animales. Es una canción en ritmo ‘zumba que zumba’, original de los llanos orientales y de la Orinoquia colombo-venezolana semejante al joropo. Se toca con un golpe recio pues es rítmico y vigoroso. Ocasionalmente se usan las palabras ‘zumba que zumba’ al comienzo de la composición, aunque no es el caso de esta canción cuyo texto enumera algunos animales de la fauna colombiana. Ibis María Amador Martelo (n. 1987) estudió en la Pontificia Universidad Javeriana donde obtuvo su magíster en composición en 2015 con la obra Mestizajes. Ha compuesto para distintas agrupaciones instrumentales y corales. En 2018 compuso el joropo Un eterno resplandor que fue estrenado por el Coro Filarmónico Infantil de la Orquesta Filarmónica de Bogotá en el Teatro Municipal Jorge Eliécer Gaitán el 11 de noviembre de 2018. Esta obra, 12 como lo explica su autora, “fue creada como homenaje a Aldo Rodríguez, quien amaba la música llanera”. REFERENCIAS Ciria, A. (2004) Un retrato de Pau Casals, Nueva Revista. Recuperado de: https://www.nuevarevista.net/arte/un-retrato-de-pau-casals/ Coley, M. Un pied devant l’autre [blog]. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de: https://manuelcoley.jimdo.com/ Núñez, G. (2012) César Isella cantará en Praga su famosa ‘Canción con todos’ [entrevista]. Radio Prague International, 10 de abril de 2012. Recuperado de: https://www.radio.cz/es/rubrica/cultura/cesar-isella-cantara-en-praga- su-famosa-cancion-con-todos Spicer, P. (s. f.) Explore the choral music of Benjamin Britten, [artículo en un blog]. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de: https://www.halleonard.com/Britten/article.jsp Whitacre, E. The Seal Lullaby [artículo en un blog]. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de: https://ericwhitacre.com/ music-catalog/the-seal-lullaby Angélica Daza Enciso es maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente realiza las charlas previas a los conciertos que se presentan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. 13 Praise the Lord, Our God, Forever (s. f.) WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Arreglo para coro y piano de Walter Ehret (1918-2009) Praise the Lord, our God, Forever. Let us rejoice with heart and voice, and sing His praise forever more. o praise de Lord, our God, forever. The Lord in Zion ever reigns and o’er the land his rule He does maintain. O praise, O praise. with joy let us our alleluias ring. alleluia, alleluia. sing praise unto the Lord forever. O praise the Lord forever more. Alabemos eternamente al Señor Nuestro Dios. Alegrémonos con la voz y el corazón, y cantemos por siempre sus alabanzas. Oh, alabado sea eternamente el Señor. El señor de Sión reina por siempre, y en toda la tierra se acatan sus normas. ¡Alabadlo! ¡Alabadlo! Que resuenen con alegría nuestras aleluyas. ¡Aleluya! ¡Aleluya! Cantad eternamente alabanzas al Señor. Oh, alabado sea eternamente el Señor. Nigra Sum (1943) PABLO CASALS (1876-1973) Texto: Cantar de los cantares (Versículos 1: 4-5 y 2: 10-11) Nigra sum nigra sum sed formosa, filiae Jerusalem: Ideo dilexit me Rex, et introduxit me in cubiculum suum. Et dixit mihi: Surge et veni amica mea, Jam hiems transit, imber abiit et recessit, Jam hiems transit, flores apparu erunt in terrat nostra, terrat nostra, tempus putationis ad venit. Alleluia Soy negra, negra pero hermosa, hijas de Jerusalén; por eso me ama el Rey y me ha llevado a su alcoba. Y me ha dicho: ven, amiga mía, pasó el invierno, cesó la lluvia, pasó el invierno, brotaron las flores en nuestra tierra, a nuestra tierra llegó el tiempo de la cosecha. ¡Aleluya! Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra 14 Balulalow de A Ceremony of Carols, Op. 28 (1942) BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Texto: James Wedderburn (1495-1533) O my deare hert, young Jesu sweit, prepare thy creddil in my spreit, and I sall rock thee to my hert, and never mair from thee depart. But I sall praise thee evermoir with sanges sweit unto thy gloir; the knees of my hert sall bow, and sing that richt Balulalow! and sing lulalow! ¡Oh amado corazón mío! ¡Dulce Niño Jesús! Preparo tu cuna en mi espíritu y te arrullaré en mi corazón, y jamás me alejaré de ti. En cambio, te alabaré siempre con nuevos cánticos a tu gloria; mi corazón se pondrá de rodillas y entonará un arrullo apropiado ¡Y te cantará canciones de cuna! Ave Maria en fa mayor (2005) KENTARO SATO (n. 1981) Ave Maria, gratia plena, Dominus tecum, benedicta tu in mulieribus, et benedictus fructus ventris tui Jesus. Sancta Maria Mater Dei, ora pro nobis peccatoribus, nunc et in hora mortis nostrae. Amen. Dios te salve María, llena eres de gracia; el Señor es contigo; bendita tú eres entre todas las mujeres, y bendito es el fruto de tu vientre, Jesús. Santa María, Madre de Dios, ruega por nosotros, pecadores, ahora y en la hora de nuestra muerte. Amén. Sanctus (2002) RICHARD OSWIN (n. 1957) Sacntus, sanctus, sanctus. Dominus Deus Sabaoth. Pleni sunt caeli et terra gloria tua. Hosanna in excelsis. Sanctus! Santo, santo, santo es el Señor, Dios de los ejércitos. Llenos están el cielo y la tierra de tu gloria, Hosanna en el cielo. Santo. 15 Vem Kan Segla Förutan Vind? (2013) TRADICIONAL SUECA Texto: Anónimo Vem kan segla för utan vind, vem kan ro utan åror; vem kan skiljas från vännen sin, utan att fälla tårar? Jag kan segla för utan vind, jag kan ro utan åror; men ej skiljas från vännen sin, utan att fälla tårar! Who can sail without wind, Who can row without oars, Who can part from their friend Without shedding tears? I can sail without wind, I can row without oars, But I can’t part from my friend Without shedding tears. ¿Quién puede navegar sin viento? ¿Quién puede bogar sin remos? ¿Quién puede apartarse de un amigo sin derramar lágrimas? Puedo navegar sin viento, puedo bogar sin remos, ¡Pero no puedo apartarme de un amigo sin derramar lágrimas! The Seal Lullaby (2010) ERIC WHITACRE (n. 1970) Texto: Rudyard Kipling (1865-1936) Oh! Hush thee, my baby, the night is behind us, and black are the waters that sparkled so green. The moon, o’er the combers, looks downward to find us At rest in the hollows that rustle between. Where billow meets billow, then soft be thy pillow; Ah weary wee flipperling curl at thy ease! The storm shall not wake thee, nor shark overtake thee, asleep in the arms of the slow swinging seas! ¡Cálmate, mi bebé! La noche está detrás, y son negras las aguas que tan verdes relucían. La luna, sobre las crestas de las olas, baja su mirada para encontrarnos descansando en los valles que entre ellas susurran. Donde una ola encuentra otra, tu almohada estará; ¡Ah, reposa, cansado bultico que aletea! La tormenta no te despertará, ni te capturará el tiburón, si duermes mecido lentamente por los brazos del mar. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra 16 Viva la libertá (2019) LORENZO JOVANOTTI (n. 1996) Voz 1 Preciosa y frágil, inestable y precaria, clara y magnética, ligera como el aire, siempre moderna aun cuando fuera de moda siempre bellísima va por la alameda. Al horizonte, atrás y al frente en escenario y tras de la escena, entréname, enséñame, a vivir contigo. Palabra mágica, tú ponla en práctica, siente que bella es, cuán difícil es, ella no para nunca, no descansa nunca, miles de arrugas pero siempre es joven. Con cicatrices aquí y heridas por allá, más si te toca ella te curará, con labios gruesos, brazos fortísimos y si te abraza te liberará. Viva la libertad, viva, la libertad. Yo te defenderé madre dulcísima, exigentísima, fantasmagórica, atlética, magnética, volátil y poética. Mujeres y hombres, seres humanos, plantas selváticas, todos los animales, libres espíritus donde quiera que estén, háganse vivos, manifiéstense. La quiero para mí, la quiero para ti, la quiero incluso para quien no la quiere, tiempos difíciles, a veces trágicos, hay que creer en ella y no rendirse. Viva la libertad, viva la libertad Voz 2 Preziosa e fragile, come l’aria, bellissima, per la strada. Dietro la fronte, alla scena insegnami vivere conte. Parola màgica, difficile, non si ferma, sempre giovane ma se ti toca lei ti guarirà, fortissime, ti libererà. Viva, viva la libertà, viva, viva la libertà. Lo ti difenderò, dolcissima, magnetica e poetica. Esseri umani, glianimali, spiriti, manifastatevi. La voglio qui per me, voglio per te, difficili, non arrendersi. Viva, viva la libertà, viva, viva la libertà. 17 Masque de l’ombre de Cantate de la chauve-souris (2011) MANUEL COLEY (n. 1961) À micarêm(e), en carnaval, On met un masque de velours, Où va le masque après le bal? Il vol(e) à la tombée du jour, il vol(e) à la tombée du jour, à la tombée du jour. Oiseau, oiseau sans plumes, Il sort, quand l’étoile s’allume, De son repaire de décombres. Chauve-souris, masque de l’ombre. Para Cuaresma, en carnaval, nos ponemos una máscara de terciopelo, ¿Dónde va la máscara después del baile? Vuela al anochecer vuela al anochecer, al anochecer. Pájaro, pájaro sin plumas, sale, cuando se enciende la estrella de su refugio de escombros. Murciélago, máscara de sombra. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra 18 Lullaby of Broadway (1935) HARRY WARREN (1893-1981) Texto: Al Dubin (1891-1945) y Johnny Mercer (1909-1976) Come and meet those dancing feet, on the avenue I’m taking you to, Forty-second street. Come on along and listen to the lullaby of Broadway. The hip hooray and ballyhoo, the lullaby of Broadway. The rumble of a subway train, the rattle of the taxis. The daffydils who entertain at Angelo’s and Maxi’s. When a Broadway baby says good night, it’s early in the morning. Manhattan babies don’t sleep tight until the dawn. Good night, baby. Good night, the milkman’s on his way. Sleep tight, baby. Sleep tight, let’s call it a day. Come on along and listen to the lullaby of Broadway. The hip hooray and ballyhoo, the lullaby of Broadway. The band begins to go to town, and ev’ryone goes crazy. You rockabye your baby ‘round ‘til ev’rything gets hazy. Hush a bye, I’ll buy you this and that, you hear your daddy saying, and baby goes home to her flat to sleep all day. Good night, baby. Good night, the milkman’s on his way. Sleep tight, baby. Sleep tight, let’s call it a day! Listen to the lullaby Of old, Broadway! Broadway! The lullaby of Broadway! Ven al encuentro de esos pies danzantes en la avenida a la que te llevo, la calle cuarenta y dos. Ven y escucharás la canción de cuna de Broadway, los vivas y los hurras, el relajo, la canción de cuna de Broadway. El retumbar del metro, el traqueteo de los taxis, las muchachas que atienden en Angelo’s y en Maxi´s. Cuando se despide una nena de Broadway, ya es temprano en la mañana. Las nenas de Manhattan no duermen antes de la aurora. Buenas noches nena, buenas noches, ya llega el lechero. Duerme bien, nena, duerme bien, terminemos por hoy. Ven y escucharás la canción de cuna de Broadway, los vivas y los hurras, el relajo, la canción de cuna de Broadway. La banda ya se va a la ciudad y todos enloquecen. Tú arrullas a tu nena hasta que todo empieza a ser borroso. Cálmate, te compraré esto y aquello, oyes que dice tu papi, y la nena va a su casa a dormir todo el día. Buenas noches nena, buenas noches, ya llega el lechero. Duerme bien, nena, duerme bien, terminemos por hoy. ¡Escucha la canción de cuna de la vieja Broadway, Broadway, la canción de cuna de Broadway! 19 Canción con todos (1969) CÉSAR ISELLA (n. 1958) Texto: Armando Tejada Gómez (1929-1992) Salgo a caminar por la cintura cósmica del sur, piso en la región más vegetal del viento y de la luz, siento al caminar toda la piel de América en mi piel y anda en mi sangre un río que libera en mi voz su caudal. Sol de alto Perú rostro Bolivia estaño y soledad, un verde Brasil besa a mi Chile cobre y mineral, subo desde el sur hacia la entraña América y total pura raíz de un grito destinado a crecer y a estallar. Todas las voces, todas. Todas las manos, todas. Toda la sangre puede, ser canción en el viento. Canta conmigo canta, hermano americano. Libera tu esperanza con un grito en la voz. En la voz. Todos vuelven (c.1940) CÉSAR MIRÓ (1907-1999) Texto: Alcides Carreño (1905-1986) Todos vuelven a la tierra en que nacieron al embrujo incomparable de su sol todos vuelven al rincón en que vivieron donde acaso floreció más de un amor. Bajo el árbol solitario del silencio cuántas veces nos ponemos a soñar, todos vuelven por la ruta del recuerdo pero el tiempo del amor no vuelve mas El aire que trae en sus manos la flor del pasado su aroma de ayer nos dice muy quedo al oído su canto aprendido en atardecer. Nos dice con voz misteriosa de nardo y de rosa de luna y de miel que es santo el amor de la tierra que triste es la ausencia que deja el ayer. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra 20 Dos palomitas (s. f.) TRADICIONAL BOLIVIANA ¡Currucu, currucu, currucucu! Dos palomitas se lamentaban llorando y una a la otra se consolaban diciendo ¿Quién ha cortado tus bellas alas, paloma? ¿Quién ha parado tu largo vuelo, paloma? Ay ay ay, no llores, algún balsero ha sorprendido tu vuelo. Dos palomitas se acurrucaban bajo el sol se lamentaban, se consolaban, diciendo ¿Quién ha cortado tus bellas alas, paloma? ¿Quién ha parado tu largo vuelo, paloma? Ay ay ay, no llores, algún balsero ha sorprendido tu vuelo. A moda da Garranchinha (s. f.) TRADICIONAL BRASILEÑA A moda da Garranchinha É moda particular; Quem põe o joelho-em terra, Não pode se levantar! Ó Querida levanta, Ó Querida levanta-o braço. Ó Querida tem dó, Ó amor do meu coração! Ó Querida levanta-a saia, Ó Querida levanta-o braço. Ó Querida tem dó de min! Ó amor do meu coração! Você gosta de mim. Eu tambem de você. Vou pedir a teu pai pra casar com você. La moda de la carrasquiña es una moda particular; Quien pone la rodilla en el suelo ¡no se puede levantar! Oh querida, levántate oh querida, levanta tu brazo. Oh querida, ten piedad ¡oh, amor de mi corazón! Oh querida, levántate la falda oh querida, levanta tu brazo. ¡Oh querida, apiádate de mí! ¡oh, amor de mi corazón! Yo te gusto, también me gustas. Hablaré con tu padre para casarme contigo. 21 Un mar de sueños (2018) CENTRO MUSICAL BATUTA LA ALEGRÍA – NEIVA, HUILA En el mar, en el mar, en el mar, en el mar. En una mar de sueños voy a construir el mundo perfecto solo para ti, usando acuarelas te daré un jardín donde tú por siempre serás muy feliz. Tomo de la luna todo su esplendor y de las estrellas su bello color, para que tus noches sean de alegría, para que tus sueños se hagan realidad. En un arco iris te daré mi amor, para que lo lleves en tu corazón. Caerá del cielo, danzará en el viento toda la alegría a mi canción. En el mar, en el mar, en el mar, en el mar. A la orilla del río (1999) MAURICIO LOZANO (s. f.) Texto: María Olga Piñeros (s. f.) Plan plin, plan plin, plan plan plin, plan plin Dun dun dun pla plan plin Tucututu tucututu plan plan plin A la orilla’el río sentaíto con mi caña tiro los anzuelos y recojo mi atarraya. Luego subo a mi canoa y me pongo a remar, llevo chontaduro, ñame y leña pa’cortar. Mientras remo y remo no hago más que saludar a otras canoítas que también cargadas van. A mi casa yo quiero llegar y a la abuela poder abrazar, y esperar que me cuente una historia de esas que ella me sabe contar; son relatos de ayer de culebras, de espantos y de hechicerías. Son relatos de ayer todos llenos de encantos y misterios. Para una mejor audición, recomendamos pasar la página una vez haya finalizado la obra 22 Los animales (2008) MAURICIO LOZANO (s. f.) Texto: María Olga Piñeros (s. f.) A mí me gusta observar, cuando salgo a la llanura, todos los animalitos que con cariño debemos cuidar. Ranas, sapos y alacranes, mariposas con alas multicolores, cucarrones, petaquitas, grillos, arañas, lagartijas y ciempiés. Lagartijas y ciempiés, óigame bien, y a mí me gustan las aves, verlas cruzar por los aires, libres al viento como el toche y el turpial. Me gusta el oso de anteojos, con sus ojos muy curiosos, y los micos perezosos, siempre dormidos colgando al revés. Danzas, chigüiros, venados, cachicamos, zarigüeyas y el jaguar, son tesoros de mi tierra ay entre todos los debemos preservar. Los debemos preservar, óigame bien, cuidemos también los ríos, y así veremos contentos. al bocachico, la piraña y al caimán. ¡A mí me gusta observar! 23 Un eterno resplandor (s. f.) IBIS AMADOR (n. 1987) Ha… Hay Hay un eterno resplandor, se permea entre las nubes, se disipa, se transforma, como pájaro se mueve, aunque siempre permanece cabalgante en la memoria. Hay infinidad de rieles conectados a tu paso, con las risas, con los llantos, coloreando las razones pa’ soñar sin desencantos. Se oye fuerte un frágil eco, no se esconde, se encuentra dentro. Canto hacia lo lejos para que así viajen siempre tus palabras, hacia el mundo donde aguardas, aun tejiendo melodías conservadas en el alma. Ha… Hay Un eterno resplandor. Traducciones al español realizadas por Alberto de Brigard Foto: Rocío Hernández - Matawa producciones Foto: Edward Messa DÚO LEBENSFREUDE violín y guitarra Jueves 5 de marzo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés WUILMER LÓPEZ arpa llanera Jueves 12 de marzo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo Serie de los jóvenes intérpretes · $6.000 · NUEVO HORARIO, 6:30 p.m. PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Foto: Andrea López Pinilla Foto: Pablo Stredel Foto: Edgar Fernando Parra Foto: Andrés Alba Foto: Julián Camilo Lerma Foto: Sebastián Mejía Ocampo Foto: 01:02 Producciones - David Lainez CARLOS MATEO PÁEZ guitarra Jueves 7 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva MARÍA CAMILA FLÓREZ violín Jueves 4 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín BOGOTA CHAMBER ORCHESTRA orquesta de cámara Jueves 20 de agosto 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Honda LAURA ESPINAL piano Jueves 14 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JIMMY DANIEL SIERRA guitarra Jueves 9 de julio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ipiales ANDRÉS FELIPE PALACIOS R. guitarra Jueves 11 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cartagena AQ ENSAMBLE flauta y arpa Jueves 27 de agosto 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia Foto: Felipe Carrero JOSHUA DAVID SIERRA piano Jueves 2 de julio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán PULEP: VXB235. QHF308. KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195. ZPK474. PBX636. BKR126. WYZ758. JOV823. QIR952. FCB257. GEU541. TWY55. IRG817. TUN729. TXF440. UHX838 Foto: Andrea Camila Garzón Guerra Foto: Cristhian David Sastre Martínez STEVEN REMOLINA fagot Jueves 3 de septiembre 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Santa Marta ATARAXIA violonchelo, trombón y piano Jueves 10 de septiembre 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto Foto: Paola Enciso Foto: Celia Alejandra Hurtado Acosta Foto: Alex Alfaro Foto: Daniel Machado Foto: Miguel Ángel Beltrán Foto: Paola Enciso Foto: Carolina Ramírez Páez DUETO IDILIO música colombiana Jueves 19 de marzo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Quibdó JUAN SEBASTIÁN CARREÑO CÁRDENAS trombón Jueves 18 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales JULIÁN CAMILO LERMA viola Jueves 21 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué JUAN CAMILO TRUJILLO saxofón Jueves 23 de julio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira Foto: Jhon Álvarez ANDRÉS FELIPE ÚSUGA piano Jueves 25 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta LIZETH VEGA cantante Jueves 26 de marzo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CUARTETO DE CLARINETES CAÑABRAVA Jueves 28 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar MANUELA TAMAYO soprano Jueves 30 de julio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja Boletas disponibles en Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Serie profesional · $10.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ LES TALENS LYRIQUES* ensamble de música antigua (Francia) Miércoles 4 de marzo 7:30 p.m. PROGRAMA M. A. CHARPENTIER: Sonate à huit, H. 548. F. COUPERIN: La Superbe; La Sultane. J. F. REBEL: Le Tombeau de M. de Lully. M. MARAIS: Pièces pour deux violes de Premier Livre de pièces de viole. PULEP: OEY112. XGM165. UZS572. UDE329. NY980. XPD926. MIB570. RIV835. UOI212 . FKB414. VIB160. CLW869 * Estos conciertos cuentan con el apoyo de CHRISTOPHE ROUSSET* clavecín (Francia) Domingo 8 de marzo 11:00 a.m. DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Miércoles 18 de marzo 7:30 p.m. SOFIA RIBEIRO jazz (Portugal) Domingo 15 de marzo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla y Santa Marta nuevo concierto KAMIL PACHOLEC piano (Polonia) Domingo 3 de mayo 11:00 a.m. Con el apoyo de la Embajada de Polonia VINCENT HEITZER órgano (Alemania) Domingo 29 de marzo 11:00 a.m. MUZA RUBACKYTE piano (Lituania) Domingo 26 de abril 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ibagué LAS ÁÑEZ nueva música latinoamericana (Colombia) Miércoles 13 de mayo 7:30 p.m. ALEXANDER ULLMAN piano (Reino Unido) Domingo 17 de mayo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Pasto y Tunja URPI BARCO jazz (Colombia) Domingo 12 de julio 11:00 a.m. OLIVIER STANKIEWICZ* oboe (Francia) Domingo 31 de mayo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín y Villavicencio Foto: Eric Larrayadieu

Nació en Bogotá el 14 de abril de 1996. Inició sus estudios como arpista con Hildo Ariel Aguirre Daza y realizó sus estudios como músico profesional en la Universidad INCCA de Colombia. A su corta edad, ya ha obtenido muchos éxitos interpretando repertorios tradicionales colombianos y latinoamericanos, y con músicas del mundo. Entre las producciones discográficas del arpista se destacan su primer trabajo como solista, Entre dos arpas (2016), y Arpas de Colombia (2012, 2014 y 2019). Ha participado y ha sido ganador de importantes festivales y concursos nacionales e internacionales realizados en países como Colombia, Japón, Corea del Sur, México, Irlanda, Brasil, Argentina, Chile, Noruega, Finlandia y Francia. Como concertista ha participado en distintos escenarios, entre los que se destacan: XIV Cartagena Festival Internacional de Música (Cartagena, Colombia, 2020), Gira Internacional por parte del Plan de Promoción de Colombia en el Exterior (Dublín y Cork, Irlanda), Lotte World Tower (Seúl, Corea del sur), Tokyo Sky Tree (Tokio, Japón), Festival Lollapalooza (Santiago de Chile y Buenos Aires, Argentina, 2019), Sonar Bogotá (Bogotá, Colombia, 2018), Gira Internacional por parte del Plan de Promoción de Colombia en el Exterior en el Black Box Musiikkitalo (Helsinki, Finlandia), Jaeguer (Oslo, Noruega), La Marbrerie (París, Francia, 2018), VII Festival de los planetas (Bucaramanga, Colombia, 2018), Baum Festival (Bogotá, Colombia, 2018), Festival Estéreo Picnic (Bogotá, Colombia, 2018), Proyecto Acústico Electrónico Digital IDARTES (Bogotá, Colombia, 2018), Altavoz Festival (Medellín, Colombia, 2018), Festival Internacional Arpa Fest (Cancún, México, 2019), VI Encuentro Internacional Maestros del Arpa (2019), III Encuentro de Arpas de la Pontificia Universidad Javeriana como tallerista de arpa llanera y concertista (Bogotá, Colombia, 2019), Red de Conciertos BibloRed (Bogotá, Colombia, 2018), lanzamiento del trabajo discográfico. Entre dos arpas en el auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional (Bogotá, Colombia, 2018), Serie de Conciertos del Medio Día en la Sala Ernesto Martín de la Universidad de los Andes (Bogotá, Colombia, 2018). También participó en el I, II, III, IV, V y VI Encuentro Internacional Maestros del Arpa, realizados en Colombia, en el Teatro Colón (2014), el Teatro Colsubsidio (2015), el Teatro ECCI (2016), el Auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional de Colombia (2017), el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (2018) y el Teatro Villa Mayor (2019), respectivamente. Se presentó, además, en el IX Río Harp Festival (Río de Janeiro, Brasil, 2016), el X Festival Internacional de Música de Cartagena (Cartagena, Colombia, 2016), el Cairde na cruite International Harp Festival (Termonfeckin, Irlanda, 2015), el I, II y III Encuentro Internacional de Arpas de la Universidad Javeriana (Bogotá, Colombia, 2013 y 2015), el Festival Hato Viejo Cotrafa (Antioquia, Colombia, 2011, 2012 y 2014), y en el lanzamiento del trabajo discográfico Grupo Arpas de Colombia que se llevó a cabo en el Teatro Astor Plaza y en el Teatro México (Bogotá, Colombia). Obtuvo una mención especial como mejor intérprete con el Dúo Zaparroleros en el XXXIII Festival Hato Viejo Cotrafa 2019 (Bello, Antioquia). Adicionalmente, seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República (Colombia, 2017, 2018 y 2020), de la Convocatoria Conciertos Temáticos de IDARTES (Bogotá, Colombia, 2016), en la categoría de segunda mejor obra inédita para arpa llanera solista en el XLVIII Torneo Internacional del Joropo (Villavicencio, Colombia, 2016), de la Convocatoria Jóvenes Talentos del IX Cartagena Festival Internacional de Música (Cartagena, Colombia, 2015), de la convocatoria BibloRed, (Bogotá, Colombia, 2013), del VIII Festival Internacional Infantil del Arpa (Villavicencio, Colombia, 2012) y del Festival Guayupe de Oro (Fuente de Oro, Colombia, 2011 y 2012).

El ensamble Les Talens Lyriques, que toma su nombre del subtítulo de la ópera Les Fêtes d’Hébé (1739) de Jean-Philippe Rameau, fue creado en 1991 por el clavecinista y director Christophe Rousset. Con un amplio repertorio vocal e instrumental, que abarca el período que va desde el primer barroco hasta los inicios del Romanticismo, los músicos de Les Talens Lyriques pretenden resaltar las grandes obras maestras de la historia de la música, a la vez que proporcionan una perspectiva con obras menos difundidas o poco conocidas, pero muy importantes, pues actúan como eslabones perdidos del patrimonio musical europeo. Este trabajo musicológico y editorial, que contribuye a su reputación, es una prioridad para el conjunto. El repertorio de Les Talens Lyriques incluye obras de Monteverdi, Cavalli, Landi, Händel, Lully, Desmarest, Mondonville, Cimarosa, Traetta, Jommelli, Martín y Soler, Mozart, Salieri, Rameau, Gluck, Beethoven, Cherubini, García, Berlioz, Massenet, Gounod, Saint-Saëns, entre otros. La recreación de estas obras va de la mano de una estrecha colaboración con los directores de escena y coreógrafos: Pierre Audi, Jean-Marie Villégier, David McVicar, Eric Vigner, Ludovic Lagarde, Mariame Clément, Jean-Pierre Vincent, Macha Makeïeff, Laura Scozzi, Natalie van Parys, Marcial di Fonzo Bo, Claus Guth, Robert Carsen, David Hermann, Christof Loy, Jetske Mijnssen, Alban Richard y David Lescot. El ensamble explora no solo la ópera, sino también otros géneros: madrigales seculares, cantatas, aires de corte, sinfonías y el vasto corpus de música sacra. La temporada 2019-2020 lleva el título de 'Naciones', ya que Europa y sus naciones ocupan un lugar destacado en los programas y viajes de Les Talens Lyriques. La idea de ‘Naciones’ también se refleja en la diversidad de los escenarios del ensamble en esta temporada, que incluye presentaciones en Francia, Austria, Alemania, Rumania y Colombia. La abundante discografía del conjunto comprende unas sesenta referencias con diferentes sellos: Erato, Fnac Music, Auvidis, Decca, Naïve, Ambroisie, Virgin Classics, Ediciones Singulares (Palazzetto Bru Zane), Outhere y Aparté. Les Talens Lyriques grabó la famosa banda sonora de la película Farinelli (1994) de Gérard Corbiau, que vendió más de un millón de copias. Desde 2007, los músicos del ensamble trabajan en un proyecto destinado a acercar a los niños de edad escolar a la música por medio de un programa de ambiciosas acciones artísticas e innovadoras iniciativas educativas. Son residentes en escuelas de París y de la región parisina (Île-de-France), donde crearon una clase de orquesta y un pequeño coro conocido como Le petit chœur des Talens. El ensamble tiene el placer de editar grabaciones de obras maestras como el Fausto de Gounod (PBZ), Isis de Lully (Aparté), Betulia Liberata de Mozart (Aparté) y Stabat Mater de Pergolesi (Outhere) desde 2019. Les Talens Lyriques recibe subvenciones del Ministerio de Cultura francés, en la ciudad de París, y un generoso apoyo de su Círculo de Patrocinadores. El conjunto desea agradecer a sus principales mecenas, la Fundación Annenberg / GRoW - Gregory y Regina Annenberg Weingarten, Madame Aline Foriel- Destezet, y Mécénat Musical Société Générale. Desde 2011 los músicos del conjunto son artistas asociados residentes en la Fundación Singer-Polignac en París. Les Talens Lyriques es miembro fundador de la FEVIS (Federación de conjuntos vocales e instrumentales especializados) y de la PROFEDIM (Unión profesional de productores de música, festivales, conjuntos y distribuidores independientes).

Foto: Eric Larrayadieu Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 LES TALENS LYRIQUES ensamble de música antigua (Francia) Christophe Rousset director (Francia) Miércoles 4 de marzo de 2020 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 9 PULEP: OEY112 MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Eric Larrayadieu LES TALENS LYRIQUES Gilone Gaubert y Gabriel Grosbard, violines Atsushi Sakaï y Marion Martineau, viola da gamba Christophe Rousset, clavecín y dirección El ensamble Les Talens Lyriques, que toma su nombre del subtítulo de la ópera Les Fêtes d’Hébé (1739) de Jean-Philippe Rameau, fue creado en 1991 por el clavecinista y director Christophe Rousset. Con un amplio repertorio vocal e instrumental, que abarca el período que va desde el primer barroco hasta los inicios del Romanticismo, los músicos de Les Talens Lyriques pretenden resaltar las grandes obras maestras de la historia de la música, a la vez que proporcionan una perspectiva con obras menos difundidas o poco conocidas, pero muy importantes, pues actúan como eslabones perdidos del patrimonio musical europeo. Este trabajo musicológico y editorial, que contribuye a su reputación, es una prioridad para el conjunto. El repertorio de Les Talens Lyriques incluye obras de Monteverdi, Cavalli, Landi, Händel, Lully, Desmarest, Mondonville, Cimarosa, Traetta, Jommelli, Martín y Soler, Mozart, Salieri, Rameau, Gluck, Beethoven, Cherubini, García, Berlioz, Massenet, Gounod, Saint-Saëns, entre otros. La recreación de estas obras va de la mano de una estrecha colaboración con los directores de escena y coreógrafos: Pierre Audi, Jean-Marie Villégier, David McVicar, Eric Vigner, Ludovic Lagarde, Mariame Clément, Jean-Pierre Vincent, Macha Makeïeff, Laura Scozzi, Natalie van Parys, Marcial di Fonzo Bo, Claus Guth, Robert Carsen, David Hermann, Christof Loy, Jetske Mijnssen, Alban Richard y David Lescot. El ensamble explora no solo la ópera, sino también otros géneros: madrigales seculares, cantatas, aires de corte, sinfonías y el vasto corpus de música sacra. La temporada 2019-2020 lleva el título de 'Naciones', ya que Europa y sus naciones ocupan un lugar destacado en los programas y viajes de Les Talens Lyriques. La idea de ‘Naciones’ también se refleja en la diversidad de los escenarios del ensamble en esta temporada, que incluye presentaciones en Francia, Austria, Alemania, Rumania y Colombia. 2 La abundante discografía del conjunto comprende unas sesenta referencias con diferentes sellos: Erato, Fnac Music, Auvidis, Decca, Naïve, Ambroisie, Virgin Classics, Ediciones Singulares (Palazzetto Bru Zane), Outhere y Aparté. Les Talens Lyriques grabó la famosa banda sonora de la película Farinelli (1994) de Gérard Corbiau, que vendió más de un millón de copias. Desde 2007, los músicos del ensamble trabajan en un proyecto destinado a acercar a los niños de edad escolar a la música por medio de un programa de ambiciosas acciones artísticas e innovadoras iniciativas educativas. Son residentes en escuelas de París y de la región parisina (Île-de-France), donde crearon una clase de orquesta y un pequeño coro conocido como Le petit choeur des Talens. El ensamble tiene el placer de editar grabaciones de obras maestras como el Fausto de Gounod (PBZ), Isis de Lully (Aparté), Betulia Liberata de Mozart (Aparté) y Stabat Mater de Pergolesi (Outhere) desde 2019. Les Talens Lyriques recibe subvenciones del Ministerio de Cultura francés, en la ciudad de París, y un generoso apoyo de su Círculo de Patrocinadores. El conjunto desea agradecer a sus principales mecenas, la Fundación Annenberg / GRoW - Gregory y Regina Annenberg Weingarten, Madame Aline Foriel- Destezet, y Mécénat Musical Société Générale. Desde 2011 los músicos del conjunto son artistas asociados residentes en la Fundación Singer-Polignac en París. Les Talens Lyriques es miembro fundador de la FEVIS (Federación de conjuntos vocales e instrumentales especializados) y de la PROFEDIM (Unión profesional de productores de música, festivales, conjuntos y distribuidores independientes). CHRISTOPHE ROUSSET, director El fundador del ensamble Les Talens Lyriques y clavecinista internacionalmente reconocido, Christophe Rousset, es un músico y director de orquesta apasionado por la ópera y el redescubrimiento del patrimonio musical europeo. Sus estudios de clavecín con Huguette Dreyfus en la Schola Cantorum de París y luego con Bob van Asperen en el Real Conservatorio de La Haya, así como la creación de su propio conjunto, Les Talens Lyriques (en 1991), le han permitido comprender perfectamente la riqueza y la diversidad de varios repertorios. Foto: Eric Larrayadieu 3 Christophe Rousset se presenta regularmente como director invitado en espacios tan importantes como el Liceu de Barcelona, el San Carlo de Nápoles, La Scala de Milán, la Opéra Royal de Wallonie, la Royal Opera House de Londres, la Orquesta Nacional de España, la Filarmónica de Hong Kong, la Orchestre du Théâtre Royal de la Monnaie de Bruselas y la Orchestra of the Age of the Enlightenment. También trabaja en el campo de la investigación y la escritura: publicó una monografía dedicada a Jean-Philippe Rameau y una a François Couperin (Actes Sud, 2007 y 2016, respectivamente), y hace de manera regular ediciones críticas. En 2017 se publicó una serie de entrevistas de Camille de Rijck en las que Christophe Rousset comparte sus reflexiones sobre la música: L’impression que l’instrument chante, Éditions de la Cité de la Musique – Philharmonie de Paris (La rue musicale – Entretiens). Christophe Rousset es Caballero de la Legión de Honor francesa, Comendador de la Orden de las Artes y las Letras, y Caballero de la Orden Nacional del Mérito. Le Tales Lyriques cuenta con el apoyo de Este concierto cuenta con el apoyo de 4 PROGRAMA Sonate à huit, H. 548 (1685) Grave Récit de la basse de viole – Sarabande Récit de la basse de violon – Bourrée Gavotte – Gigue – Passacaille – Chaconne MARC-ANTOINE CHARPENTIER (1643-1704) Selección del primer libro de Pièces à une et à deux violes (1686) Prélude Allemande Courante Sarabande Gigue Tombeau de Mr Meliton MARIN MARAIS (c. 1656-1728) Sonata en trío en la mayor ‘La Superbe’ (c. 1695) Lentement Gaiement Très lentement Légèrement Air tendre Gaiement FRANÇOIS COUPERIN (1668-1733) INTERMEDIO Le tombeau de M. de Lully (1695) Lentement – Gravement Gai Lentement Vivement Les regrets – Grave JEAN-BAPTISTE FÉRY REBEL (1666-1747) Sonata en cuarteto ‘La Sultane’ (c. 1695) [Gravement] [Gaiement] Air – Tendrement Légèrement FRANÇOIS COUPERIN 5 NOTAS AL PROGRAMA Cuando en 1682 Luis XIV (1638-1715) decidió convertir el palacio de Versalles en su nueva residencia permanente, buscaba no solo alejarse de la sociedad parisina, sino crear un nuevo entorno en el que pudiera reinar como monarca absoluto. En este castillo construido para celebrar la gloria y magnificencia del rey sol quedó plasmado todo el fasto y brillo de la corte francesa de la ‘edad de oro’. Las artes, la música y el teatro acompañaban la vida diaria de la corte, en espacios como la capilla real (celebraciones litúrgicas), la gran caballeriza (actos protocolarios, paradas militares) y la cámara del rey (opera, ballet, tragedias líricas y música para el entretenimiento de la corte). El monarca, que amaba la música y la danza, promovió la creación de una escuela nacional francesa que se distinguiera de la italiana (omnipresente en el panorama musical europeo desde el comienzo del siglo xvii). La rivalidad entre ambas escuelas motivó a los músicos de la corte francesa a cultivar un estilo propio representado principalmente por Jean Baptiste Lully (1632- 1687)1. El músico florentino supo ganarse el favor del rey hasta obtener el puesto de superintendente de la música de la corte y director de la academia real de música. En esta posición, Lully controló la producción musical francesa (especialmente la música para escena) imponiendo por decreto a intérpretes y compositores el uso del estilo francés2. La música italiana, por su parte, caracterizada según los franceses por ser excesiva y pasional, tuvo que esperar la muerte de Lully para circular con libertad en el medio musical francés. Camille Saint-Saëns (1835-1921) afirmó en su libro Au courant de la vie (1914): Lully fue un verdadero flagelo para la escuela francesa; después de haber suplantado a Perrin y Cambert, quienes debieron exiliarse en Inglaterra, reinó sin par durante su larga carrera, no dejando lugar a nadie cerca de él (…). Sin embargo, no debían faltar en Francia músicos talentosos condenados a la inacción y a la oscuridad. A pesar del ‘totalitarismo musical’ ejercido por Lully, algunos músicos franceses se atrevieron a explorar el estilo italiano (en especial, la Sonata que Corelli había hecho tan popular). Uno de los primeros en hacerlo fue Marc- Antoine Charpentier (1643-1704). Inició sus estudios en Roma, donde conoció el estilo de Giacomo Carissimi (c. 1605- 1674). A su regreso trabajó 1 Paradójicamente de origen italiano. 2 Con lo que suscitó el antagonismo de muchos músicos de la corte. 6 para algunos notables como Mlle de Guise o Philippe d’Orléans y colaboró con el dramaturgo Molière (reemplazando en este trabajo a Lully). Al final de su vida fungió como maestro de capilla de la Sainte Chapelle, dedicando la mayor parte de su obra al repertorio vocal sacro. La Sonate à huit H. 548 (1685), único ejemplo de este tipo en la obra de Charpentier, se anticipa a ‘la reunión de los gustos’ por la fusión de los elementos franceses e italianos que se evidencian en su escritura: aquí confluyen el lirismo italiano y la organización de la suite de danzas francesa. Escrita para ocho voces3 (dos flautas traversas, dos violines, una viola da gamba, un violonchelo4, un clavecín y una tiorba) es también un ejemplo de la unión entre la familia de la viola da gamba (símbolo de la música francesa) y la de los violines (representante de la música italiana)5. En el segundo movimiento, Récit de la viole seule (Recitativo de la viola da gamba sola), y el cuarto, Récit de la basse de violon (Recitativo del violonchelo), puede leerse la intención de conciliar ambos universos. Esta sonata es un ejemplo de elegancia, refinamiento y lirismo único en la música de cámara de la época. Por muy impopulares que resultaran las medidas de Lully, sus méritos musicales también fueron notables: además de ser el fundador de la ópera francesa, en la que cultivó la solemnidad y elegancia de la obertura, supo mantener el favoritismo del rey por más de treinta años. Formó y apadrinó a muchos músicos que —por temor o gratitud— contribuyeron a enaltecer su memoria. Uno de ellos, Marin Marais (c. 1656-1728), le dedicó su primer libro Pièces à une et à deux violes (1686), exponiendo en su dedicatoria: «Los más grandes genios confiesan que no hay camino más seguro y más fácil para tener éxito en esta profesión que estudiar vuestras obras». Marais fue considerado por sus contemporáneos y sucesores como el más grande violista de su tiempo (junto con Forqueray). Acerca de él escribió Jean Rousseau6 (1644-1699) en su Traite de la viole (1687): «(…) la ciencia y bella ejecución lo distinguen de todos los demás, y hacen que con razón lo admiren todos aquellos que lo oyen». Años más tarde afirmo Hubert Le Blanc: «El 3 Muchas de las cuales tocan la misma melodía, por ejemplo, las flautas y los violines. El violonchelo, el clavecín y la tiorba tocan la misma línea (bajo continuo). Así, solo la viola da gamba tiene una voz independiente: en total las ocho voces se reducen a cuatro líneas melódicas. 4 En realidad se trataba de un ‘basse de violon à 5 cordes’ literalmente ‘violín bajo’; instrumento ligeramente más grande que el violonchelo. 5 De acuerdo con Hubert Le Blanc en Defense de la basse de viole contre les entreprises du violon et les prétentions du violoncelle (1740) (Defensa de la viola da gamba contra las aspiraciones del violín y las pretensiones del violonchelo): «El violín provino de los italianos; la flauta, de los alemanes; el clavecín, de los ingleses, y de los franceses, la viola de gamba». 6 No confundir con Jean Jacques Rousseau (1712-1778). 7 imperio de la viola fue fundado y fuertemente establecido por el padre Marais (…)». Nombrado ‘ordinario de música de la cámara del rey’, su nombre fue leyenda entre los defensores de la viola y de la música francesa. En aquel que fue el primero de los cinco libros que Marais dedicó a la viola quedaron consignadas las reglas de interpretación y de técnica que colocaron el instrumento a la vanguardia de la música europea de la época. De las piezas para dos violas y bajo continuo incluidas en el libro, escucharemos una selección de danzas en re menor Prelude, Allemande, Courante, Sarabande y Gigue además del Tombeau de Mr Meliton en sol menor, homenaje al organista Pierre Meliton, quien había muerto en 1684. Tras la muerte de Lully (1687), la influencia italiana en el paisaje musical francés se hizo más notable aunque esto no fuera del agrado de todos7. François Couperin (1668-1733)8 fue uno de los primeros en promover la unión de ambos estilos. En el prefacio de su obra Les goûts-réünis (Los gustos reunidos) (1724) declaró: El gusto italiano y el gusto francés han compartido desde hace tiempo (en Francia) la republica de la música; (…) las primeras sonatas9 italianas que aparecieron en París hace más de treinta años y que me animaron a componer otras más adelante no hicieron ningún mal a mi espíritu, ni a las obras del señor Lully, ni a aquellos de mis ancestros, quienes serán siempre más admirables que imitables. Couperin fue el mayor representante de la escuela francesa de clavecín. De ello dan fe obras como L’art de toucher le clavecin o las suites para clavecín —además de su música de cámara entre la que se cuentan varias sonatas—10. Trabajó en la Chapelle Royale como organista y fue nombrado ordinaire de la chambre du roi. La trio sonata La Superbe (c. 1695) forma parte de un grupo de sonatas inspiradas en la escritura de Arcangelo Corelli (1653-1713), principal promotor de este género. Escrita para dos violines y bajo continuo, consta de varios movimientos contrastantes11. 7 Las tensiones entre ambas escuelas condujeron algunos años más tarde a la ‘querella de los bufones’ (1752) entre los defensores de la ópera francesa (representada por Rameau) y los defensores da la ópera italiana (representada por J. J. Rousseau). 8 Llamado ‘el grande’ para distinguirlo de otros miembros de su familia también reconocidos músicos, entre ellos Louis Couperin, su tío. 9 La palabra exacta usada por Couperin no fue sonata (en italiano) sino ‘sonade’, una mezcla entre francés e italiano que representaba la fusión de las dos escuelas. 10 Cultivó la suite francesa (a la que le dio el nombre de ‘ordre’) tanto como la sonata italiana. 11 Los títulos evocadores y descriptivos que usaba Couperin podían sobrepasar la idea de ‘retrato musical’ para referirse no solo a la imagen de una persona sino a una idea, una intriga, una emoción o un concepto abstracto como es el caso de La Superbe, que evoca magnificencia y suntuosidad. 8 La sonata para cuarteto La Sultane (c. 1695), por otro lado, fue escrita para cuatro voces (dos violines, dos violas de gamba y continuo) y, a diferencia de la sonata a trío, cuenta con una voz independiente para la segunda viola, lo que la hace única en la escritura de Couperin. Compuesta igualmente por varios movimientos contrastantes, es elegante y refinada como el personaje que busca representar: la sultana. Esta alusión recuerda el interés por el exotismo orientalista de la corte francesa de la época. Jean-Baptiste Féry Rebel (1666-1747) comenzó muy joven a estudiar violín con Lully. Fue un alumno brillante y su carrera —casi tan prometedora como la de su mentor— lo llevó a desempeñarse como primer violín de la orquesta de los 24 violines del rey12, compositor de la corte, maestro de la real academia de música y, finalmente, director del Concert Spirituel13. Como muchos de sus contemporáneos, experimentó con las formas italianas (especialmente, la sonata). Como homenaje póstumo a su maestro compuso en 1695 el Tombeau de M. de Lully14, obra que fue publicada en 1712 dentro del Recueil de douze sonates a deux et trois parties (Colección de doce sonatas a dos y tres partes). Para Philippe Vendrix, «entre todas las formas instrumentales que llevaron durante el Barroco la marca de una inspiración poética, el tombeau ocupa un lugar privilegiado». Más adelante agrega: «El tombeau musical no es la invención de un músico. Nació de la intención de los miembros de los salones privilegiados de otorgarle a la música una calidad oratoria». Fue en estos salones donde el género construyó su fama. La capacidad expresiva de estas composiciones favorecía una dialéctica musical que trascendía la simple descripción, impulsándola más allá de la retórica de la lamentatio. La mayor parte de los tombeaux fueron escritos para un instrumento solista (laúd, clavecín, tiorba, viola da gamba), lo que convierte a esta obra, en forma de trio sonata, en un ejemplo único de este género. REFERENCIAS Couperin, F. (1724). Les goûts réunis. Paris, Chez l’auteur. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://gallica.bnf. fr/ark:/12148/btv1b9009970v/f4.item.r=les%20gouts%20reunis%20 partition.zoom 12 Una de las primeras orquestas barrocas al servicio del rey de Francia. 13 Sociedad independiente organizadora de conciertos. 14 Tombeau traduce tumba o sepulcro. 9 Le Blanc, H. (1740). Defense de la basse de viole contre les entreprises du violon et les prétentions du violoncelle. Amsterdam, Chez Pierre Mortier. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://archive. org/details/defensedelabasse0000lebl/page/28 Marais, M. (1689). Pièces à une et a deux violes composées par M. Marias. Paris, Chez l’autheur. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k11679114/ f5.item Rousseau, J. (1687). Traité de la viole. Paris, Chez Christophe Ballard. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k581157/f42.item Saint-Saëns, C. (1914). Au courant de la vie. Paris, Dorbon aîné. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://gallica.bnf. fr/ark:/12148/bpt6k9780512n/f18.image Vendrix, P. (1994). La transfiguration du poétique : le tombeau en musique. Revue de langue et de littérature française. Traducción al español realizada por Angélica Daza. Recuperado de https://halshs.archives-ouvertes.fr/ halshs-00230186/document Angélica Daza Enciso es maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de París. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente realiza las charlas previas a los conciertos que se presentan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: XGM165. UZS572. UDE329. JNY980 PULEP: QHF308. KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195 CHRISTOPHE ROUSSET clavecín (Francia) * Domingo 8 de marzo · 11:00 a.m. SOFIA RIBEIRO jazz (Portugal) Domingo 15 de marzo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla y Santa Marta DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Lanzamiento de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 18 de marzo · 7:30 p.m. WUILMER LÓPEZ, arpa llanera Jueves 12 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo DUETO IDILIO, música colombiana Jueves 19 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Quibdó LIZETH VEGA, cantante Jueves 26 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra Jueves 7 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva LAURA ESPINAL, piano Jueves 14 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JULIÁN CAMILO LERMA, viola Jueves 21 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué Serie profesional $10.000 Serie de los jóvenes intérpretes $6.000 · NUEVO HORARIO PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ * Este concierto cuenta con el apoyo de Foto: Nathanaël Mergui / Marc Pellerin Foto: Edward Messa

Foto: Edward Messa Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 WUILMER LÓPEZ arpa llanera (Colombia) Jueves 5 de marzo de 2020 · 6:30 p.m. Montería, Universidad Pontificia Bolivariana PULEP: BKS465 Viernes 6 de marzo de 2020 · 7:00 p.m. Corozal, Auditorio Escuela de Carabineros Rafael Núñez PULEP: HMM284 Jueves 12 de marzo de 2020 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 12 PULEP: QHF308 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Edward Messa WUILMER LÓPEZ, arpa llanera Nació en Bogotá el 14 de abril de 1996. Inició sus estudios como arpista con Hildo Ariel Aguirre Daza y realizó sus estudios como músico profesional en la Universidad INCCA de Colombia. A su corta edad, ya ha obtenido muchos éxitos interpretando repertorios tradicionales colombianos y latinoamericanos, y con músicas del mundo. Entre las producciones discográficas del arpista se destacan su primer trabajo como solista, Entre dos arpas (2016), y Arpas de Colombia (2012, 2014 y 2019). Ha participado y ha sido ganador de importantes festivales y concursos nacionales e internacionales realizados en países como Colombia, Japón, Corea del Sur, México, Irlanda, Brasil, Argentina, Chile, Noruega, Finlandia y Francia. Como concertista ha participado en distintos escenarios, entre los que se destacan: XIV Cartagena Festival Internacional de Música (Cartagena, Colombia, 2020), Gira Internacional por parte del Plan de Promoción de Colombia en el Exterior (Dublín y Cork, Irlanda), Lotte World Tower (Seúl, Corea del sur), Tokyo Sky Tree (Tokio, Japón), Festival Lollapalooza (Santiago de Chile y Buenos Aires, Argentina, 2019), Sonar Bogotá (Bogotá, Colombia, 2018), Gira Internacional por parte del Plan de Promoción de Colombia en el Exterior en el Black Box Musiikkitalo (Helsinki, Finlandia), Jaeguer (Oslo, Noruega), La Marbrerie (París, Francia, 2018), VII Festival de los planetas (Bucaramanga, Colombia, 2018), Baum Festival (Bogotá, Colombia, 2018), Festival Estéreo Picnic (Bogotá, Colombia, 2018), Proyecto Acústico Electrónico Digital IDARTES (Bogotá, Colombia, 2018), Altavoz Festival (Medellín, Colombia, 2018), Festival Internacional Arpa Fest (Cancún, México, 2019), VI Encuentro Internacional Maestros del Arpa (2019), III Encuentro de Arpas de la Pontificia Universidad Javeriana como tallerista de arpa llanera y concertista (Bogotá, Colombia, 2019), Red de Conciertos BibloRed (Bogotá, Colombia, 2018), lanzamiento del trabajo discográfico 2 Entre dos arpas en el auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional (Bogotá, Colombia, 2018), Serie de Conciertos del Medio Día en la Sala Ernesto Martín de la Universidad de los Andes (Bogotá, Colombia, 2018). También participó en el I, II, III, IV, V y VI Encuentro Internacional Maestros del Arpa, realizados en Colombia, en el Teatro Colón (2014), el Teatro Colsubsidio (2015), el Teatro ECCI (2016), el Auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional de Colombia (2017), el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo (2018) y el Teatro Villa Mayor (2019), respectivamente. Se presentó, además, en el IX Río Harp Festival (Río de Janeiro, Brasil, 2016), el X Festival Internacional de Música de Cartagena (Cartagena, Colombia, 2016), el Cairde na cruite International Harp Festival (Termonfeckin, Irlanda, 2015), el I, II y III Encuentro Internacional de Arpas de la Universidad Javeriana (Bogotá, Colombia, 2013 y 2015), el Festival Hato Viejo Cotrafa (Antioquia, Colombia, 2011, 2012 y 2014), y en el lanzamiento del trabajo discográfico Grupo Arpas de Colombia que se llevó a cabo en el Teatro Astor Plaza y en el Teatro México (Bogotá, Colombia). Obtuvo una mención especial como mejor intérprete con el Dúo Zaparroleros en el XXXIII Festival Hato Viejo Cotrafa 2019 (Bello, Antioquia). Adicionalmente, seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República (Colombia, 2017, 2018 y 2020), de la Convocatoria Conciertos Temáticos de IDARTES (Bogotá, Colombia, 2016), en la categoría de segunda mejor obra inédita para arpa llanera solista en el XLVIII Torneo Internacional del Joropo (Villavicencio, Colombia, 2016), de la Convocatoria Jóvenes Talentos del IX Cartagena Festival Internacional de Música (Cartagena, Colombia, 2015), de la convocatoria BibloRed, (Bogotá, Colombia, 2013), del VIII Festival Internacional Infantil del Arpa (Villavicencio, Colombia, 2012) y del Festival Guayupe de Oro (Fuente de Oro, Colombia, 2011 y 2012). El concierto en Montería cuenta con el apoyo de El concierto en Corozal cuenta con el apoyo de 3 Misterio (2018) WUILMER LÓPEZ (n. 1996) Estreno absoluto en Montería Estreno en Corozal y Bogotá La comparsa (2012) ERNESTO LECUONA (1896-1945) Original para piano* Delicado (1951) WALDIR ACEVEDO (1923-1980) Original para mandolina* Optimista (1986) LEÓN CARDONA (n. 1927) Original para cuarteto típico* Ondarolázo (2018) WUILMER LÓPEZ Estreno absoluto en Montería Estreno en Corozal y Bogotá INTERMEDIO Adiós Nonino (1959) ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992) Original para bandoneón* Algeciras (2016) WUILMER LÓPEZ Estreno absoluto en Montería Estreno en Corozal y Bogotá Caribe (1988) MICHEL CAMILO (n. 1954) Original para piano* Tren lechero (1945) FÉLIX PÉREZ CARDOZO (1908-1952) Original para arpa paraguaya* Mar de bordones (2015) WUILMER LÓPEZ * Arreglo de Wuilmer López PROGRAMA 4 NOTAS AL PROGRAMA El concierto de hoy nos ofrece la oportunidad de apreciar un talento musical como pocos, expresado a través de un repertorio que brilla por su diversidad. Tal diversidad de géneros y estilos es quizás uno de los síntomas más evidentes de la personalidad musical polifacética de Wuilmer López (n. 1996), quien a su corta edad ya ha cosechado ovaciones en escenarios de distintas partes del mundo perfilándose, sin duda, como uno de los arpistas colombianos más destacados del medio. Y es que si bien Wuilmer López conoce y domina el universo interpretativo y musical asociado tradicionalmente con el arpa llanera, sus intereses musicales se expanden mucho más allá de dicho mundo cultural. En efecto, en la música de Wuilmer López conviven los golpes llaneros con la música popular de distintos lugares de América Latina, así como con el jazz, la música académica (clásica y contemporánea) e incluso la música electrónica. Su versatilidad técnica en la interpretación del arpa está inspirada en la larga tradición de arpistas llaneros, pero, al mismo tiempo, su propuesta artística deja ver una fascinante combinación de aspectos musicales procedentes de múltiples tradiciones y corrientes estilísticas. Entre estos aspectos pueden destacarse, por ejemplo, el énfasis en la improvisación, el uso de acordes enriquecidos, el interés por cualidades sonoras que por momentos evocan las faenas creativas de algunos compositores contemporáneos, y una búsqueda incesante por fusionar distintos géneros musicales. Tales innovaciones están materializadas, en primer lugar, en su propio instrumento. Al igual que muchas arpas tradicionales, la suya está hecha de madera de cedro. Pero a diferencia de aquellas, la tapa es de pino abeto alemán, la misma madera que se utiliza para fabricar otros instrumentos de cuerda como algunas guitarras clásicas. Además, el arpa de Wuilmer es un híbrido entre el arpa típica de los llanos colombo venezolanos y el arpa paraguaya, lo que da como resultado un sonido mucho más profundo y resonante en los bajos, pues estos se hacen con cuerdas entorchadas, como suele darse el caso en un bajo eléctrico o en el arpa paraguaya. Tal adaptación tiene implicaciones sonoras muy significativas en razón a que no sólo sirve para producir un timbre en cierto modo único, sino que juega un papel crucial para que el arpa funcione mejor como instrumento solista —cosa que no suele ser muy recurrente en la música llanera tradicional—. Ahora, mientras que el arpa llanera tiene por lo general treinta y dos cuerdas, la de Wuilmer López tiene treinta y cuatro, y a esto se suma un sistema de llaves y palancas por medio del cual es posible 5 cambiar de tonalidades en tiempo real. Esto último es muy importante a la hora de acceder a otros repertorios. En el arpa llanera convencional se interpretan piezas que están por lo general en una misma tonalidad de principio a fin. Eventualmente, los arpistas experimentados hacen ajustes técnicos con sus manos para alterar unas pocas notas de modo que se pueda hacer uso, de ser necesario, de otra escala o tonalidad que comparta varias notas con la escala en que se encuentra afinado el instrumento. Pero, por regla general, si se quiere tocar una nueva pieza en una tonalidad distinta, es necesario volver a afinar el arpa. En virtud de las modificaciones tecnológicas hechas a su instrumento, López puede interpretar piezas más complejas que exigen el paso por distintas tonalidades y el uso de un espectro más amplio de notas musicales. Por todo lo dicho hasta el momento, resulta claro que este artista está siguiendo, en cierto modo, los pasos de músicos como el también arpista Édmar Castañeda, quien lleva ya varios años descollando en la escena jazzística de Nueva York. No obstante, aunque Castañeda y López comparten muchas características relacionadas por ejemplo con su virtuosismo y creatividad, el segundo de estos ha logrado consolidar en muy poco tiempo una voz musical propia, que le ha asegurado un reconocimiento de largo alcance. El programa del concierto de hoy incluye diez piezas instrumentales que, en su conjunto, ofrecen una excursión musical a través de distintos estilos y compositores de música iberoamericana. Cuatro de estas son composiciones del propio Wuilmer López: Misterio, Ondarolázo, Algeciras y Mar de bordones. El concierto que escucharemos constituye el estreno oficial de las tres primeras. Misterio es un vals organizado primordialmente con base en tres acordes y estructurado en tres secciones, como lo suelen ser muchas obras de jazz: tema principal, improvisación y repetición del tema principal. Puede decirse que Ondarolázo es, como el arpa misma de López, el resultado de la combinación de diversos recursos musicales. Para empezar, pone en diálogo el merengue venezolano con la onda nueva —el género musical desarrollado por el compositor venezolano Aldemaro Romero a finales de la década de los setenta justamente como fruto de la combinación, dentro de un mismo horizonte estético, de elementos procedentes del joropo, el jazz y el bossa nova—; pero además, Ondarolázo hace alusión a otro tipo de fusión, más subjetiva y asociada a la propia identidad cultural de López, un bogotano (o ‘rolo’) incursionando en la onda nueva. Algeciras es una bulería flamenca organizada en grupos de doce tiempos, escrita por López bajo el influjo de la música de Paco de Lucía; Algeciras es, igualmente, el segundo apellido de Wuilmer y la tierra natal de Paco de Lucía. A la misma influencia flamenca 6 responde Mar de bordones, una composición que hace parte de Entre dos arpas, el álbum que lanzó Wuilmer López en 2016 y que se encuentra disponible en casi todas las plataformas digitales de streaming; aunque también se puede decir que Mar de bordones pone de manifiesto un género híbrido, algo así como un pajarillo-flamenco, en el que además figuran otros golpes llaneros como el joropo tuyero y el gaván. La música del compositor cubano Ernesto Lecuona (1896-1945) se encuentra representada en este concierto por su emblemática pieza La comparsa, que para algunos críticos representa una evocación musical tanto del mundo caribeño afrocubano como del mundo del baile de salón decimonónico —pero ahora resignificada en la sonoridad única del arpa—. Por su parte, la música andina colombiana se hace presente con el bambuco Optimista del legendario compositor antioqueño León Cardona (n. 1927), una pieza popularizada en las versiones hechas, entre otros artistas, por Guafa trío, y el grupo Palos y Cuerdas pero que, al igual que La comparsa de Lecuona, Delicado del compositor brasileño Waldir Azevedo (1923-1980) y el famoso tango Adiós Nonino que escribió Astor Piazzolla (1921-1992) para su padre, se encuentra revitalizada en términos interpretativos y estilísticos gracias a los recursos técnicos del arpa modificada de Wuilmer. Del mismo álbum producido por López en 2016 es El tren lechero, obra del compositor paraguayo Félix Pérez Cardozo (1908-1952), famoso también por el inconfundible tema de El pájaro campana. Una mención especial merece la inclusión en este concierto de Caribe, composición del célebre pianista dominicano Michel Camilo (n. 1954), considerada todavía por algunos como una de las obras cumbres del jazz latino. A juzgar por los desafíos técnicos, melódicos y armónicos implícitos en la adaptación de esta pieza para el arpa, se trata sin lugar a dudas de un arreglo sin precedentes; un arreglo que además pone de manifiesto un ejercicio adicional de traducción estilística: la reinterpretación del virtuosismo pianístico de Camilo dentro del ámbito de la música para arpa. No se trata solamente de cambiar un instrumento por otro, sino de reinscribir la obra en un nuevo contexto de producción sonora y de consumo musical, de la mano de múltiples negociaciones técnicas e interpretativas en asuntos rítmicos y en la improvisación misma. A pesar de su brevedad, el momento del ‘bordoneo’ al final de la improvisación, justo antes de repetir la melodía principal de Caribe, es sin duda una de las mejores muestras del talento de Wuilmer a la hora de resignificar viejos repertorios dentro de una propuesta musical fresca y con el potencial de consolidar el arpa como un referente inconfundible de modernidad musical. 7 Sergio Ospina Romero es músico, antropólogo, magíster en historia y en musicología, y doctor en musicología. Actualmente es investigador y profesor posdoctoral en la Universidad de los Andes. Sus investigaciones se concentran en la primera mitad del siglo XX, en especial en temas relacionados con tecnologías de grabación y reproducción mecánica del sonido, el jazz, y la música popular de América Latina. Es el autor del libro Dolor que canta: la vida y la música de Luis A. Calvo en la sociedad colombiana de comienzos del siglo XX (ICANH, 2017), y de varias publicaciones que han aparecido en revistas y libros de distintos lugares del continente, incluyendo Journal of the American Musicological Society, Keyboard Perspectives, Latin American Music Review, Musicology Now, Journal of Folklore Research, Resonancias, Anuario Colombiano de Historia Social y de la Cultura, Maguaré, Historia y Sociedad, Goliardos, y Ensayos: Historia y Teoría del Arte. Ha sido profesor en la Universidad Nacional de Colombia, la Pontificia Universidad Javeriana, la Universidad de Cornell y la Universidad de los Andes. Ospina Romero es el pianista y director de Palonegro, un ensamble de música latinoamericana y jazz latino, con el que grabó recientemente el álbum Two Minutes Apart, disponible en todas las plataformas digitales. Serie de los jóvenes intérpretes · $6.000 · NUEVO HORARIO PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Foto: Andrea Camila Garzón Guerra Foto: Paola Enciso Foto: Celia Alejandra Hurtado Acosta Foto: Alex Alfaro Foto: Daniel Machado Foto: Cristhian David Sastre Martínez Foto: Miguel Ángel Beltrán Foto: Paola Enciso Foto: Carolina Ramírez Páez DUETO IDILIO música colombiana Jueves 19 de marzo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Quibdó JUAN SEBASTIÁN CARREÑO CÁRDENAS trombón Jueves 18 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales STEVEN REMOLINA fagot Jueves 3 de septiembre 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Santa Marta JULIÁN CAMILO LERMA viola Jueves 21 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué JUAN CAMILO TRUJILLO saxofón Jueves 23 de julio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pereira Foto: Jhon Álvarez ANDRÉS FELIPE ÚSUGA piano Jueves 25 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta LIZETH VEGA cantante Jueves 26 de marzo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio ATARAXIA violonchelo, trombón y piano Jueves 10 de septiembre 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Pasto CUARTETO DE CLARINETES CAÑABRAVA Jueves 28 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar MANUELA TAMAYO soprano Jueves 30 de julio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Tunja PULEP: KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195. ZPK474. PBX636. BKR126. WYZ758. JOV823. QIR952. FCB257. GEU541. TWY55. IRG817. TUN729. TXF440. UHX838. KEK509. WIB599 Foto: Camilo Rodríguez Foto: Andrea López Pinilla Foto: Pablo Stredel Foto: Edgar Fernando Parra Foto: Mariangela Quiroga Cantillo Foto: Andrés Alba Foto: Julián Camilo Lerma Foto: Sebastián Mejía Ocampo Foto: 01:02 Producciones - David Lainez CARLOS MATEO PÁEZ guitarra Jueves 7 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva RÍO ARRIBA jazz Jueves 17 de septiembre 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla MARÍA CAMILA FLÓREZ violín Jueves 4 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín BOGOTA CHAMBER ORCHESTRA orquesta de cámara Jueves 20 de agosto 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Honda LAURA ESPINAL piano Jueves 14 de mayo 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JIMMY DANIEL SIERRA guitarra Jueves 9 de julio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ipiales SANTIAGO OVIEDO REINA clarinete Jueves 24 de septiembre 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga ANDRÉS FELIPE PALACIOS R. guitarra Jueves 11 de junio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cartagena AQ ENSAMBLE flauta y arpa Jueves 27 de agosto 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Armenia Foto: Felipe Carrero JOSHUA DAVID SIERRA piano Jueves 2 de julio 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Popayán Boletas disponibles en Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: UZS572. UDE329. JNY980. XPD926. RIV835. UOI212. FKB414 DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Lanzamiento de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 18 de marzo · 7:30 p.m. VINCENT HEITZER órgano (Alemania) Domingo 29 de marzo · 11:00 a.m. MUZA RUBACKYTE, piano (Lituania) Domingo 26 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ibagué LAS ÁÑEZ nueva música latinoamericana (Colombia) Miércoles 13 de mayo · 7:30 p.m. ALEXANDER ULLMAN piano (Reino Unido) Domingo 17 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Pasto y Tunja OLIVIER STANKIEWICZ oboe (Francia) * Domingo 31 de mayo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín y Villavicencio * Este concierto cuenta con el apoyo de Foto: Silvia Ospina Serie profesional · $10.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ SOFIA RIBEIRO, jazz (Portugal) Domingo 15 de marzo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla y Santa Marta PROGRAMA S. RIBEIRO: O meu chão é um tapete; Lunga; Bom dia; Flor silvestre. S. RIBEIRO / J. A. OSPINA: Voa; Adiante; Sotaque. S. GARAY: La tarde. M. PACHECO: Há uma música do povo. A. OULMAN: Havemos de ir a Viana. A. C. JOBIM: Este seu olhar. DJAVAN: Maria das Mercedes.

El Dúo Lebensfreude se caracteriza por conocer, profundizar y difundir repertorios de música universal y latinoamericana existentes para el formato de violín y guitarra. El dúo está conformado por Gustavo Adolfo Peña Arbeláez en el violín y Juan Pablo Barrero Junco en la guitarra, quienes cursaron el programa de música en el Conservatorio del Tolima, bajo la dirección de los maestros John Quijano y José de los Santos Pérez. Peña y Barrero han presentado recitales en importantes salas de conciertos del país como la Sala Beethoven, en Cali; el Salón Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima, el Auditorio de la Universidad del Tolima y la Sala del Centro Cultural del Banco de la República, en Ibagué; el Auditorio Euclides Jaramillo Arango de la Universidad del Quindío, en Armenia; y el Auditorio Fabio Lozano, en Bogotá. Han sido ganadores de diferentes concursos
como el ciclo de conciertos Beethoven 7.30 2018, en Cali; el Festival de Música Sacra, en Ibagué; el ciclo de conciertos universitarios 2018 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en Bogotá y la convocatoria para ser parte de la Serie de los Jóvenes intérpretes del Banco de la República en 2020. Peña interpreta un violín Januarius Gagliano de 1732 y Barrero, una guitarra del luthier Miguel Duarte, de 2017. Este concierto también se realizó en San Andrés, en el Auditorio del Centro Cultural de Banco de la República el miércoles 26 de febrero de 2020 a las 7:00 p.m., y en Leticia, en la Sala Múltiple del Banco de la República el viernes 28 de febrero de 2020 a las 7:00 p.m.

Fundado en 1997 en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid, España, el Cuarteto Casals celebró la temporada de su vigésimo aniversario con un proyecto especialmente ambicioso: la integral de los diecisiete cuartetos de Beethoven, junto con seis obras de encargo a compositores contemporáneos, ciclo que fue interpretado en ciudades de Europa, Asia y América Latina, incluyendo Londres, Viena, Berlín y Tokio. Lo más destacado de sus próximas temporadas incluye el ciclo de los diez últimos cuartetos de Mozart, así como otros proyectos centrados en los compositores húngaros Bartók, Ligeti y Kurtág. Tras ganar los primeros premios en los concursos internacionales de Londres y de Hamburgo, el Cuarteto Casals ha sido invitado de manera regular al festival Schubertiade de Schwarzenberg y a las salas de conciertos más prestigiosas del mundo, entre estas el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín, la Kölner Philharmonie, la Cité de la Musique de París y el Concertgebouw de Ámsterdam. El Cuarteto ha desarrollado una importante producción discográfica para el sello Harmonia Mundi, formada hasta el momento por doce discos compactos que incluyen un amplio repertorio musical de gran variedad de autores: desde los menos conocidos, como Arriaga o Toldrà, hasta clásicos vieneses, como Mozart, Haydn, Schubert y Brahms, sin olvidar grandes nombres del siglo XX, como Debussy, Ravel y Zemlinsky. También se destaca la grabación en directo de una serie de DVD con la integral de los cuartetos de Schubert, editados por Neu Records, y, desde 2018, la grabación de la integral de los cuartetos de Beethoven, lanzados por la discográfica Harmonia Mundi en tres entregas: Inventions, la primera, que ha recibido excelentes críticas; la segunda entrega, Revelations, que se lanzó en 2019, y Aphoteosis, la última, que saldrá este año para coincidir con el aniversario 250 del nacimiento del compositor. Tras ganar el prestigioso premio del Fondo Borletti-Buitoni de Londres, el Cuarteto Casals empezó a utilizar arcos del período Barroco-Clásico para interpretar a compositores desde Purcell hasta Schubert, práctica que ha aportado al grupo una nueva dimensión acústica, que favorece aun más sus exposiciones de los diferentes lenguajes estilísticos. Así mismo, actúa cada año con la extraordinaria colección de instrumentos Stradivarius en el Palacio Real de Madrid, donde será residente hasta 2020. El cuarteto ha recibido una profunda influencia de compositores vivos de nuestra época, como György Kurtág, y ha realizado estrenos mundiales de notables autores españoles de la actualidad, entre los que se destaca el concierto para cuarteto de cuerda y orquesta de Francisco Coll, estrenado junto a la Orquesta Nacional de España. En reconocimiento a su tarea de difusión cultural, el Cuarteto Casals recibe ayudas de la Generalitat de Catalunya y del Institut Ramon Llull. El grupo ha sido reconocido con el Premi Ciutat de Barcelona (2005), el Premio Nacional de Música (2006) y el Premi Nacional de Cultura de Catalunya (2016). El cuarteto aparece a menudo en la televisión y la radio de toda Europa y en América del Norte. Además de impartir clases magistrales muy solicitadas, es cuarteto residente en el conservatorio Koninklijk de La Haya y en la Escuela Superior de Música de Cataluña, en Barcelona, donde residen sus cuatro miembros. Este concierto también se realizó en Cartagena, en la Biblioteca Bartolomé Calvo el 19 de febrero de 2020 a las 7:00 p.m.

Fundado en 1997 en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid, España, el Cuarteto Casals celebró la temporada de su vigésimo aniversario con un proyecto especialmente ambicioso: la integral de los diecisiete cuartetos de Beethoven, junto con seis obras de encargo a compositores contemporáneos, ciclo que fue interpretado en ciudades de Europa, Asia y América Latina, incluyendo Londres, Viena, Berlín y Tokio. Lo más destacado de sus próximas temporadas incluye el ciclo de los diez últimos cuartetos de Mozart, así como otros proyectos centrados en los compositores húngaros Bartók, Ligeti y Kurtág. Tras ganar los primeros premios en los concursos internacionales de Londres y de Hamburgo, el Cuarteto Casals ha sido invitado de manera regular al festival Schubertiade de Schwarzenberg y a las salas de conciertos más prestigiosas del mundo, entre estas el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín, la Kölner Philharmonie, la Cité de la Musique de París y el Concertgebouw de Ámsterdam. El Cuarteto ha desarrollado una importante producción discográfica para el sello Harmonia Mundi, formada hasta el momento por doce discos compactos que incluyen un amplio repertorio musical de gran variedad de autores: desde los menos conocidos, como Arriaga o Toldrà, hasta clásicos vieneses, como Mozart, Haydn, Schubert y Brahms, sin olvidar grandes nombres del siglo XX, como Debussy, Ravel y Zemlinsky. También se destaca la grabación en directo de una serie de DVD con la integral de los cuartetos de Schubert, editados por Neu Records, y, desde 2018, la grabación de la integral de los cuartetos de Beethoven, lanzados por la discográfica Harmonia Mundi en tres entregas: Inventions, la primera, que ha recibido excelentes críticas; la segunda entrega, Revelations, que se lanzó en 2019, y Aphoteosis, la última, que saldrá este año para coincidir con el aniversario 250 del nacimiento del compositor. Tras ganar el prestigioso premio del Fondo Borletti-Buitoni de Londres, el Cuarteto Casals empezó a utilizar arcos del período Barroco-Clásico para interpretar a compositores desde Purcell hasta Schubert, práctica que ha aportado al grupo una nueva dimensión acústica, que favorece aun más sus exposiciones de los diferentes lenguajes estilísticos. Así mismo, actúa cada año con la extraordinaria colección de instrumentos Stradivarius en el Palacio Real de Madrid, donde será residente hasta 2020. El cuarteto ha recibido una profunda influencia de compositores vivos de nuestra época, como György Kurtág, y ha realizado estrenos mundiales de notables autores españoles de la actualidad, entre los que se destaca el concierto para cuarteto de cuerda y orquesta de Francisco Coll, estrenado junto a la Orquesta Nacional de España. En reconocimiento a su tarea de difusión cultural, el Cuarteto Casals recibe ayudas de la Generalitat de Catalunya y del Institut Ramon Llull. El grupo ha sido reconocido con el Premi Ciutat de Barcelona (2005), el Premio Nacional de Música (2006) y el Premi Nacional de Cultura de Catalunya (2016). El cuarteto aparece a menudo en la televisión y la radio de toda Europa y en América del Norte. Además de impartir clases magistrales muy solicitadas, es cuarteto residente en el conservatorio Koninklijk de La Haya y en la Escuela Superior de Música de Cataluña, en Barcelona, donde residen sus cuatro miembros. Este concierto también se realizó en Neiva, en el Auditorio de la Agencia Cultural del Banco de la República el 10 de febrero de 2020 a las 7:00 p.m.

Fundado en 1997 en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid, España, el Cuarteto Casals celebró la temporada de su vigésimo aniversario con un proyecto especialmente ambicioso: la integral de los diecisiete cuartetos de Beethoven, junto con seis obras de encargo a compositores contemporáneos, ciclo que fue interpretado en ciudades de Europa, Asia y América Latina, incluyendo Londres, Viena, Berlín y Tokio. Lo más destacado de sus próximas temporadas incluye el ciclo de los diez últimos cuartetos de Mozart, así como otros proyectos centrados en los compositores húngaros Bartók, Ligeti y Kurtág. Tras ganar los primeros premios en los concursos internacionales de Londres y de Hamburgo, el Cuarteto Casals ha sido invitado de manera regular al festival Schubertiade de Schwarzenberg y a las salas de conciertos más prestigiosas del mundo, entre estas el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín, la Kölner Philharmonie, la Cité de la Musique de París y el Concertgebouw de Ámsterdam. El Cuarteto ha desarrollado una importante producción discográfica para el sello Harmonia Mundi, formada hasta el momento por doce discos compactos que incluyen un amplio repertorio musical de gran variedad de autores: desde los menos conocidos, como Arriaga o Toldrà, hasta clásicos vieneses, como Mozart, Haydn, Schubert y Brahms, sin olvidar grandes nombres del siglo XX, como Debussy, Ravel y Zemlinsky. También se destaca la grabación en directo de una serie de DVD con la integral de los cuartetos de Schubert, editados por Neu Records, y, desde 2018, la grabación de la integral de los cuartetos de Beethoven, lanzados por la discográfica Harmonia Mundi en tres entregas: Inventions, la primera, que ha recibido excelentes críticas; la segunda entrega, Revelations, que se lanzó en 2019, y Aphoteosis, la última, que saldrá este año para coincidir con el aniversario 250 del nacimiento del compositor. Tras ganar el prestigioso premio del Fondo Borletti-Buitoni de Londres, el Cuarteto Casals empezó a utilizar arcos del período Barroco-Clásico para interpretar a compositores desde Purcell hasta Schubert, práctica que ha aportado al grupo una nueva dimensión acústica, que favorece aun más sus exposiciones de los diferentes lenguajes estilísticos. Así mismo, actúa cada año con la extraordinaria colección de instrumentos Stradivarius en el Palacio Real de Madrid, donde será residente hasta 2020. El cuarteto ha recibido una profunda influencia de compositores vivos de nuestra época, como György Kurtág, y ha realizado estrenos mundiales de notables autores españoles de la actualidad, entre los que se destaca el concierto para cuarteto de cuerda y orquesta de Francisco Coll, estrenado junto a la Orquesta Nacional de España. En reconocimiento a su tarea de difusión cultural, el Cuarteto Casals recibe ayudas de la Generalitat de Catalunya y del Institut Ramon Llull. El grupo ha sido reconocido con el Premi Ciutat de Barcelona (2005), el Premio Nacional de Música (2006) y el Premi Nacional de Cultura de Catalunya (2016). El cuarteto aparece a menudo en la televisión y la radio de toda Europa y en América del Norte. Además de impartir clases magistrales muy solicitadas, es cuarteto residente en el conservatorio Koninklijk de La Haya y en la Escuela Superior de Música de Cataluña, en Barcelona, donde residen sus cuatro miembros. Este concierto también se realizó en Leticia, en el Auditorio de la Agencia Cultural del Banco de la República el 11 de febrero de 2020 a las 7:00 p.m.

Fundado en 1997 en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid, España, el Cuarteto Casals celebró la temporada de su vigésimo aniversario con un proyecto especialmente ambicioso: la integral de los diecisiete cuartetos de Beethoven, junto con seis obras de encargo a compositores contemporáneos, ciclo que fue interpretado en ciudades de Europa, Asia y América Latina, incluyendo Londres, Viena, Berlín y Tokio. Lo más destacado de sus próximas temporadas incluye el ciclo de los diez últimos cuartetos de Mozart, así como otros proyectos centrados en los compositores húngaros Bartók, Ligeti y Kurtág. Tras ganar los primeros premios en los concursos internacionales de Londres y de Hamburgo, el Cuarteto Casals ha sido invitado de manera regular al festival Schubertiade de Schwarzenberg y a las salas de conciertos más prestigiosas del mundo, entre estas el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín, la Kölner Philharmonie, la Cité de la Musique de París y el Concertgebouw de Ámsterdam. El Cuarteto ha desarrollado una importante producción discográfica para el sello Harmonia Mundi, formada hasta el momento por doce discos compactos que incluyen un amplio repertorio musical de gran variedad de autores: desde los menos conocidos, como Arriaga o Toldrà, hasta clásicos vieneses, como Mozart, Haydn, Schubert y Brahms, sin olvidar grandes nombres del siglo XX, como Debussy, Ravel y Zemlinsky. También se destaca la grabación en directo de una serie de DVD con la integral de los cuartetos de Schubert, editados por Neu Records, y, desde 2018, la grabación de la integral de los cuartetos de Beethoven, lanzados por la discográfica Harmonia Mundi en tres entregas: Inventions, la primera, que ha recibido excelentes críticas; la segunda entrega, Revelations, que se lanzó en 2019, y Aphoteosis, la última, que saldrá este año para coincidir con el aniversario 250 del nacimiento del compositor. Tras ganar el prestigioso premio del Fondo Borletti-Buitoni de Londres, el Cuarteto Casals empezó a utilizar arcos del período Barroco-Clásico para interpretar a compositores desde Purcell hasta Schubert, práctica que ha aportado al grupo una nueva dimensión acústica, que favorece aun más sus exposiciones de los diferentes lenguajes estilísticos. Así mismo, actúa cada año con la extraordinaria colección de instrumentos Stradivarius en el Palacio Real de Madrid, donde será residente hasta 2020. El cuarteto ha recibido una profunda influencia de compositores vivos de nuestra época, como György Kurtág, y ha realizado estrenos mundiales de notables autores españoles de la actualidad, entre los que se destaca el concierto para cuarteto de cuerda y orquesta de Francisco Coll, estrenado junto a la Orquesta Nacional de España. En reconocimiento a su tarea de difusión cultural, el Cuarteto Casals recibe ayudas de la Generalitat de Catalunya y del Institut Ramon Llull. El grupo ha sido reconocido con el Premi Ciutat de Barcelona (2005), el Premio Nacional de Música (2006) y el Premi Nacional de Cultura de Catalunya (2016). El cuarteto aparece a menudo en la televisión y la radio de toda Europa y en América del Norte. Además de impartir clases magistrales muy solicitadas, es cuarteto residente en el conservatorio Koninklijk de La Haya y en la Escuela Superior de Música de Cataluña, en Barcelona, donde residen sus cuatro miembros. Este concierto también se realizó en Montería, en el Auditorio San Jerónimo de la Universidad Pontificia Bolivariana el 17 de febrero a las 6:30 p.m.

Julián Casas nació en Ibagué en 1999 e inició sus estudios de clarinete en 2008 en el Colegio Salesiano de León XIII, con clases a cargo de Rubby Patricia Rodríguez, hasta 2010. Al año siguiente ingresó al programa de formación musical e instrumental de la misma institución con Jaime Rojas, y posteriormente, con Diego Pinzón. Obtuvo el título de técnico en música y en 2017 ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana, donde estudia actualmente bajo la dirección de José Gómez. Ha tomado clases con Laura Ruiz, Lester Chio, Gervasio Tarragona, Edwin Rodríguez, Guillermo Marín y Juan Ferrer. Entre sus logros y reconocimientos se destacan ocupar el tercer lugar en la categoría solistas en el Festival Artístico Salesiano (FAS) 2014, formar parte de la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia edición 2015 y ganar el premio de música de cámara en el Festival QuindiClarinete 2019 con el Ensamble de Clarinetes de Bogotá. Actualmente se desempeña como clarinetista de la Banda Sinfónica Javeriana. Este concierto también se realizó en Girardot, en el Auditorio del Banco de la República el jueves 20 de febrero de 2020 a las 7:00 p.m.

Fundado en 1997 en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid, España, el Cuarteto Casals celebró la temporada de su vigésimo aniversario con un proyecto especialmente ambicioso: la integral de los diecisiete cuartetos de Beethoven, junto con seis obras de encargo a compositores contemporáneos, ciclo que fue interpretado en ciudades de Europa, Asia y América Latina, incluyendo Londres, Viena, Berlín y Tokio. Lo más destacado de sus próximas temporadas incluye el ciclo de los diez últimos cuartetos de Mozart, así como otros proyectos centrados en los compositores húngaros Bartók, Ligeti y Kurtág. Tras ganar los primeros premios en los concursos internacionales de Londres y de Hamburgo, el Cuarteto Casals ha sido invitado de manera regular al festival Schubertiade de Schwarzenberg y a las salas de conciertos más prestigiosas del mundo, entre estas el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín, la Kölner Philharmonie, la Cité de la Musique de París y el Concertgebouw de Ámsterdam. El Cuarteto ha desarrollado una importante producción discográfica para el sello Harmonia Mundi, formada hasta el momento por doce discos compactos que incluyen un amplio repertorio musical de gran variedad de autores: desde los menos conocidos, como Arriaga o Toldrà, hasta clásicos vieneses, como Mozart, Haydn, Schubert y Brahms, sin olvidar grandes nombres del siglo XX, como Debussy, Ravel y Zemlinsky. También se destaca la grabación en directo de una serie de DVD con la integral de los cuartetos de Schubert, editados por Neu Records, y, desde 2018, la grabación de la integral de los cuartetos de Beethoven, lanzados por la discográfica Harmonia Mundi en tres entregas: Inventions, la primera, que ha recibido excelentes críticas; la segunda entrega, Revelations, que se lanzó en 2019, y Aphoteosis, la última, que saldrá este año para coincidir con el aniversario 250 del nacimiento del compositor. Tras ganar el prestigioso premio del Fondo Borletti-Buitoni de Londres, el Cuarteto Casals empezó a utilizar arcos del período Barroco-Clásico para interpretar a compositores desde Purcell hasta Schubert, práctica que ha aportado al grupo una nueva dimensión acústica, que favorece aun más sus exposiciones de los diferentes lenguajes estilísticos. Así mismo, actúa cada año con la extraordinaria colección de instrumentos Stradivarius en el Palacio Real de Madrid, donde será residente hasta 2020. El cuarteto ha recibido una profunda influencia de compositores vivos de nuestra época, como György Kurtág, y ha realizado estrenos mundiales de notables autores españoles de la actualidad, entre los que se destaca el concierto para cuarteto de cuerda y orquesta de Francisco Coll, estrenado junto a la Orquesta Nacional de España. En reconocimiento a su tarea de difusión cultural, el Cuarteto Casals recibe ayudas de la Generalitat de Catalunya y del Institut Ramon Llull. El grupo ha sido reconocido con el Premi Ciutat de Barcelona (2005), el Premio Nacional de Música (2006) y el Premi Nacional de Cultura de Catalunya (2016). El cuarteto aparece a menudo en la televisión y la radio de toda Europa y en América del Norte. Además de impartir clases magistrales muy solicitadas, es cuarteto residente en el conservatorio Koninklijk de La Haya y en la Escuela Superior de Música de Cataluña, en Barcelona, donde residen sus cuatro miembros. Este concierto también se realizó en Sincelejo, en el Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí el 18 de febrero de 2020 a las 7:00 p.m.

Foto: Rocío Hernández - Matawa producciones Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 DÚO LEBENSFREUDE violín y guitarra (Colombia) Miércoles 26 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. San Andrés, Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República PULEP: ROR662 Viernes 28 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. Leticia, Sala Múltiple del Banco de la República PULEP: KTD386 Jueves 5 de marzo de 2020 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 10 PULEP: VXB235 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Rocío Hernández - Matawa producciones DÚO LEBENSFREUDE, violín y guitarra Gustavo Adolfo Peña Arbeláez, violín Juan Pablo Barrero Junco, guitarra El Dúo Lebensfreude se caracteriza por conocer, profundizar y difundir repertorios de música universal y latinoamericana existentes para el formato de violín y guitarra. El dúo está conformado por Gustavo Adolfo Peña Arbeláez en el violín y Juan Pablo Barrero Junco en la guitarra, quienes cursaron el programa de música en el Conservatorio del Tolima, bajo la dirección de los maestros John Quijano y José de los Santos Pérez. Peña y Barrero han presentado recitales en importantes salas de conciertos del país como la Sala Beethoven, en Cali; el Salón Alberto Castilla del Conservatorio del Tolima, el Auditorio de la Universidad del Tolima y la Sala del Centro Cultural del Banco de la República, en Ibagué; el Auditorio Euclides Jaramillo Arango de la Universidad del Quindío, en Armenia; y el Auditorio Fabio Lozano, en Bogotá. Han sido ganadores de diferentes concursos como el ciclo de conciertos Beethoven 7.30 2018, en Cali; el Festival de Música Sacra, en Ibagué; el ciclo de conciertos universitarios 2018 de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en Bogotá y la convocatoria para ser parte de la Serie de los Jóvenes intérpretes del Banco de la República en 2020. Peña interpreta un violín Januarius Gagliano de 1732 y Barrero, una guitarra del lutier Miguel Duarte, de 2017. El concierto en San Andrés cuenta con la colaboración de la Academia de artes Arts & Fun y la Escuela de música La Esfera 2 PROGRAMA Sonata concertata en la mayor, MS. 2 (1803) Allegro spiritoso Adagio assai espressivo Rondo. Allegretto con brio, scherzando NICCOLÒ PAGANINI (1782-1840) Selección de Siete canciones populares españolas (1914) El paño moruno Nana Canción Polo Asturiana Jota MANUEL DE FALLA (1876-1946) Original para voz y piano Transcripción para violín y guitarra de Miguel Llobet INTERMEDIO Historia del tango (1986) Bordel 1900 Café 1930 Nightclub 1960 Concert d’aujourd’hui ASTOR PIAZZOLLA (1921-1992) Original para flauta y guitarra Despasillo, por favor (2006) LUCAS SABOYA (n. 1980) 3 NOTAS AL PROGRAMA Niccolò Paganini (1782-1840) es quizás el nombre que más hace eco cuando se piensa en el violín como instrumento solista. Virtuoso sin igual en su tiempo, carismático e inteligente, Paganini fue una de las estrellas musicales del periodo clásico-romántico en Europa occidental. Pero además de su excepcional talento y gusto al escribir para el violín, Paganini también tuvo una relación cercana con la guitarra, instrumento que en aquel momento había empezado a llamar la atención de los compositores académicos en varias regiones de Europa. Paganini escribió más de cien obras para guitarra solista y casi la misma cantidad de piezas para dúo con violín. Fue quizás este compositor quien sentó las bases para que en adelante ambos instrumentos sellaran una relación de complemento. Esto lo hizo mediante la sonata a dúo como fórmula compositiva de la época. Si bien lo más común en este tipo de sonatas era escribir para un instrumento melódico —generalmente el violín— con acompañamiento de piano, Paganini cambió este último por la guitarra. Su primera obra importante en este formato fue la Sonata concertata. Vale la pena hacer un par de comentarios acerca del nombre de la pieza. Durante el Clasicismo y el Romanticismo, la sonata se convirtió en el paradigma formal que impulsaría la figura del solista. El espíritu de la época, entendido como moderno o ilustrado, hacía del individuo el centro de atención del pensamiento, las ciencias, las artes y las letras. Es por esto que la sonata ha sido definida desde otras orillas como un acto de elocuencia —como la oratoria— que reivindica dos tipos de individualidades: la del compositor y su capacidad de escribir una pieza con coherencia, lógica y orden; y la del solista y su capacidad de leerla e interpretarla de la misma manera. La sonata, bien sea como pieza sencilla de instrucción o como obra compleja para los profesionales, se ajusta a dos necesidades del momento: poder hacer música en la intimidad del hogar, solo o acompañado, y poder tocar para un público. Debido a las limitaciones de ciertos instrumentos por su volumen, rango de notas o capacidades armónico-melódicas, surgen entonces las sonatas a dúo. De otro lado, el término italiano concertato (concertado) se empezó a usar en Italia y Alemania desde finales del siglo xvi para hacer referencia a eventos en los que se reunían grupos de músicos a fin de tocar juntos de manera armoniosa. De allí que la palabra nos remita automáticamente a la idea de concierto. En la Sonata concertata en la mayor, MS. 2 de Paganini, 4 se conjugan estas ideas en la medida en que es una sonata al estilo clásico, implica la interacción de dos instrumentos, y es suficientemente interesante musicalmente y exigente en lo técnico como para pasar de la sala de la casa a la sala de conciertos. Paganini escribió la Sonata concertata en 1803 cuando vivía en la ciudad-estado de Lucca, occidente de Italia (hoy, parte de la Toscana). El joven Niccolò había dejado su natal Génova poco tiempo atrás como consecuencia de la expansión del imperio napoleónico y buscó establecerse en una ciudad con rica vida cultural para continuar su carrera como concertista. Lucca era entonces conocida por ser la cuna de Luigi Boccherini y Filippo Manfredi, dos compositores versados en la escritura para instrumentos de cuerda frotada. La llegada de Paganini generó sentimientos encontrados entre un público conocedor y a la vez conservador: la técnica novedosa y el virtuosismo único del genovés, así como su actitud engreída en tarima, no se ajustaban al canon estético local, y algunos vieron esto como artificioso y exagerado. Pero el talento de Paganini era innegable y al poco tiempo fue nombrado primer violín de la orquesta estatal. Cuando en 1805 la ciudad pasó a ser parte del Principado de Lucca y Piombino, la princesa Elisa Bonaparte (hermana de Napoleón) nombró a Paganini director de la orquesta. La estabilidad económica que encontró desde su llegada a Lucca le permitió a Paganini dedicar parte de su tiempo a la composición, actividad que hasta ese momento no había tomado muy en serio. Las obras de sus primeros años allí pueden verse como propias de un periodo de afianzamiento en la escritura para violín y guitarra, tanto en su versión solista como a dúo. Muchas de las piezas de entonces son de tipo pedagógico, pero no por ello ausentes de musicalidad o inaptas para su presentación en público. Algo que puede considerarse especial en la Sonata concertata es que da la impresión de ser una obra pensada para explorar las capacidades protagónicas de la guitarra y abandonar así su anterior rol de acompañante. La guitarra clásica moderna, con características similares a las que se conocen hoy en día (forma, tamaño, número de cuerdas y afinación), es un instrumento que surgió durante la segunda mitad del siglo xviii y que gozó de buena recepción en España, Francia e Italia perfilándose allí como instrumento solista. Para inicios del xix el compositor ya contaba con un repertorio cada vez más retador en lo técnico y más serio en lo musical. En este contexto, Paganini escribió una sonata a dos instrumentos en la que la guitarra resalta, pero respetando aspectos formales de la época: no es una pieza para solista y acompañamiento sino para dos instrumentos que dialogan; está estructurada en tres movimientos 5 contrastantes en tempo y tonalidad; su primer movimiento, en forma sonata, es animoso, mientras que el segundo es lento, y el tercero, como podía suceder, es un rondó. Si bien el violín tiene momentos de protagonismo a lo largo de toda la obra, también juega un papel de acompañante cuando la guitarra resalta. Por supuesto, Paganini hace todo esto respetando la expectativa del oyente que sabe que va a escuchar una ‘sonata concertada’ entre dos instrumentos, y el diálogo que establece entre ambos es de exquisito balance. Manuel de Falla (1876-1946) ha sido reconocido con el tiempo como el compositor más ilustre de España de la primera mitad del siglo xx. La importancia del compositor radica en haber gravitado en varios movimientos musicales de su época para dejar un legado de obras nacionalistas, neoclásicas e impresionistas; robustecer el repertorio de la zarzuela y otros estilos musicales-escénicos, y facilitar los puntos de encuentro entre lo popular español y la tradición académica. Además del entusiasmo mundial por no pocas de sus obras, las Siete canciones populares españolas son el conjunto de piezas vocales en lengua castellana más comúnmente interpretadas en el ámbito de la música clásica. Las canciones anunciadas parecen ser un asunto de interés continuo y vigente entre teóricos musicales, compositores e intérpretes. Originalmente escritas para voz y piano, las canciones han sido ampliamente referenciadas en la musicología y han sido objeto de arreglos para otros instrumentos, bien sea cambiando el instrumento acompañante, adaptando la música al formato orquestal o hasta suprimiendo la parte cantada para hacer énfasis en la melodía por medio de un instrumento puramente melódico como el violín. En el concierto de hoy se presentará un arreglo instrumental de este último tipo hecho por el guitarrista barcelonés Miguel Llobet; en este, se omite una de las canciones, llamada Seguidilla murciana, segunda en la lista original, y se modifica el orden de las piezas. Falla escribió las Siete canciones populares españolas cuando vivía en París en medio de una suerte de autoexilio entre 1907 y 1914. Aunque español hasta el tuétano, Falla era también un cosmopolita y desde sus primeras composiciones fue notorio que en su lenguaje había algo del influjo debussiano, especialmente en el tratamiento de la armonía, que este llenaba de color con notas ajenas a los acordes triádicos. Su obra no llamaba la atención en los círculos académicos españoles, que en ese entonces parecían tener predilección por músicas más ‘auténticas’ o ‘fieles’ a la tradición, y eso lo llevó a buscar suerte en la capital francesa, ciudad de inagotable vida cultural en la que el compositor interactuó con grandes compositores como el propio Debussy, Stravinsky y Ravel. 6 A su regreso a España en 1914, Falla ya era reconocido internacionalmente y no pasó mucho tiempo para que publicara las canciones en las que llevaba trabajando varios años. Las letras son reproducidas de canciones populares españolas, en su mayoría anónimas, y son armonizadas al propio estilo de Falla, ese que antes habían rechazado sus compatriotas. Si bien el trabajo fundamental de Falla con las canciones fue el de resignificarlas musicalmente, vale la pena tener las letras de estas como referencia: El paño moruno (Gregorio Martínez Sierra) Al paño fino, en la tienda, una mancha le cayó. Por menos precio se vende, porque perdió su valor. ¡Ay! Nana (anón.) Duérmete, niño, duerme, duerme, mi alma, duérmete, lucerito, de la mañana. Nanita, nana. Duérmete, lucerito de la mañana. Canción (anón.) Por traidores, tus ojos voy a enterrarlos. No sabes lo que cuesta del aire, niña, el mirarlos, madre, a la orilla. Dicen que no me quieres, ya me has querido. Váyase lo ganado del aire, por lo perdido, madre, a la orilla. Polo (anón.) ¡Ay! Guardo una pena en mi pecho que a nadie se la diré. ¡Malhaya el amor, malhaya y quien me lo dio a entender! ¡Ay! Asturiana (anón.) Por ver si me consolaba, arriméme a un pino verde. Por verme llorar, lloraba. Y el pino como era verde, por verme llorar, lloraba. Jota (anón.) Dicen que no nos queremos, porque no nos ven hablar. A tu corazón y al mío se lo pueden preguntar. Ya me despido de ti, de tu casa y tu ventana. Y aunque no quiera tu madre. Adiós, niña, hasta mañana. Astor Piazzolla (1921-1992) es el artífice de que el tango haya pasado del entorno popular local entre Buenos Aires y Montevideo a elegantes salas de concierto, primero en París y Nueva York, y luego en el resto del mundo. Piazzolla había llegado de Nueva York (donde creció) a la capital argentina a finales de la década de los treinta con la ilusión de vivir de escribir y tocar tangos, pero su propuesta de música elegante y de escucha, en oposición a la anterior tradición del tango que se bailaba, no fue recibida con entusiasmo. 7 Su tratamiento de esta música de naturaleza popular era cosmopolita, cercano al jazz en lo armónico y estilizado como la música académica, y por ello, incomprendida en su momento. A Piazzolla le tomó tiempo encontrar su vocación como músico pues su sonido era ecléctico. No hacía ni tango de lleno, ni jazz, ni música clásica al ciento por ciento. Y su poca consciencia sobre esto implicaba la falta de voz propia en sus composiciones. Ello cambió en la década de los cincuenta cuando Piazzolla se mudó a París para estudiar con la pianista Nadia Boulanger, la pedagoga musical más influyente del siglo xx. Boulanger reconoció pronto el verdadero talento del argentino y le pidió llevar su bandoneón a clase. El resto es una historia de éxito de más de tres décadas. La suite Historia del tango fue compuesta en 1985 en un punto en la carrera de Piazzolla en el que este se había interesado por la guitarra clásica. En el tango de vieja guardia la guitarra se utilizaba como un instrumento acompañante, importante en el ensamble, pero con poco protagonismo. En los grupos que lideró Piazzolla desde la década de los sesenta, se podía escuchar destacada una guitarra solista, pero esta era eléctrica y se caracterizaba por su sonido al estilo del jazz, especialmente en los solos. En 1980 el compositor decidió explorar la guitarra clásica y escribió la serie Cinco piezas y, a partir de entonces, empezó a planear una obra de mayor envergadura en la que la guitarra clásica conversara con un instrumento melódico. Piazzolla ya había escrito para flauta traversa en el pasado y, de hecho, el instrumento ya se había usado en el tango de vieja guardia, por lo que la combinación se hacía lógica. Si bien la obra fue escrita para este formato, dada la cercanía en registro de la flauta con el violín, además de que este último también ha estado presente en el tango desde sus inicios, la obra puede tocarse con cualquiera de los dos instrumentos. Historia del tango es una sucesión de escenas que representan el desarrollo de este género musical. De allí sus nombres alusivos a lugares y el cambio en el espíritu de cada uno: el burdel de inicios del siglo xx, pues se supone que allí nació el tango, y una sonoridad graciosa y festiva; el café de los años treinta como sitio de encuentro para tertuliar y escuchar música —ya no bailarla—, de allí su carácter más reflexivo y expresivo; el club nocturno de los sesenta y la vida bohemia, y finalmente, la vanguardia, el lenguaje del momento a mediados de la década de los ochenta cuando Piazzolla ya era un compositor maduro. Lucas Saboya (n. 1980) puede ser, hoy por hoy, uno de los compositores de música andina colombiana de mayor peso. Su música hace constante 8 presencia en múltiples festivales a lo largo y ancho del territorio nacional, bien sea de músicas académicas o populares, pues el lenguaje del compositor se ajusta muy bien a la tendencia actual de cerrar las brechas entre ambos mundos. Además, Saboya como compositor e intérprete, solista o acompañante, ha representado al país en América y Europa, por lo que puede decirse con seguridad que su música es pertinente. Despasillo, por favor es un pasillo lento estructurado en dos partes contrastantes lento-rápido. Entre una y otra se juega con la métrica tradicional de este aire, primero en compás de tres cuartos y luego en uno de seis octavos. Como con la pieza anterior de Piazzolla, Despasillo, por favor puede tocarse con flauta o violín sin alterar el espíritu o la intención de la composición. Esteban Bernal Carrasquilla es guitarrista clásico egresado de la Pontificia Universidad Javeriana. Se graduó como magíster en relaciones internacionales de la misma institución con una investigación acerca de la diplomacia del jazz durante la guerra fría, un estudio sobre la promoción mundial del jazz estadounidense como herramienta propagandística contra el comunismo internacional. Desde 2015 conduce programas radiales en torno al jazz y las músicas afroamericanas en Javeriana Estéreo y UN Radio. Actualmente, investiga sobre las representaciones del jazz en la literatura estadounidense mientras cursa una maestría en estudios americanos en la Universidad de Heidelberg, Alemania. NOWHERE JAZZ QUINTET, jazz (Colombia) Sábado 30 de mayo de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: BCQ332 ENSAMBLE SAYR, música tradicional persa (Irán) Viernes 31 de julio de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: SZD363 TRES PALOS ENSAMBLE oboe, clarinete y fagot (Colombia) Viernes 4 de septiembre de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: TKS737 ANTONIO ARNEDO Y SAM FARLEY saxofón y piano (Colombia / Estados Unidos) Viernes 23 de octubre de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: ZKL549 ENSAMBLE S TRES PALOS ENSAMBLE · Foto: Paola Enciso AYR · Foto: Nathaniel Huard Próximos conciertos en San Andrés Auditorio del Centro Cultural del Banco de la República Próximos conciertos en Leticia Sala Multiple del Banco de la República Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: XGM165. UZS572. UDE329. JNY980 PULEP: QHF308. KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195 CHRISTOPHE ROUSSET clavecín (Francia) * Domingo 8 de marzo · 11:00 a.m. SOFIA RIBEIRO jazz (Portugal) Domingo 15 de marzo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla y Santa Marta DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Miércoles 18 de marzo · 7:30 p.m. VINCENT HEITZER órgano (Alemania) Domingo 29 de marzo · 11:00 a.m. WUILMER LÓPEZ, arpa llanera Jueves 12 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo DUETO IDILIO, música colombiana Jueves 19 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Quibdó LIZETH VEGA, cantante Jueves 26 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra Jueves 7 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva LAURA ESPINAL, piano Jueves 14 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JULIÁN CAMILO LERMA, viola Jueves 21 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué Serie profesional $10.000 Serie de los jóvenes intérpretes $6.000 · NUEVO HORARIO PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ * Este concierto cuenta con el apoyo de Foto: Nathanaël Mergui / Marc Pellerin Foto: Edward Messa

Foto: Paola Enciso Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 JULIÁN CASAS clarinete (Colombia) Diego Claros, piano (Colombia) Jueves 20 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. Girardot, Auditorio Banco de la República PULEP: WKQ425 Jueves 27 de febrero de 2020 · 6:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango Concierto No. 7 PULEP: YYA168 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace www.banrep.gov.co/atencion-ciudadano o acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Paola Enciso JULIÁN CASAS PATIÑO, clarinete (Colombia) Julián Casas nació en Ibagué en 1999 e inició sus estudios de clarinete en 2008 en el Colegio Salesiano de León XIII, con clases a cargo de Rubby Patricia Rodríguez, hasta 2010. Al año siguiente ingresó al programa de formación musical e instrumental de la misma institución con Jaime Rojas, y posteriormente, con Diego Pinzón. Obtuvo el título de técnico en música y en 2017 ingresó a la Pontificia Universidad Javeriana, donde estudia actualmente bajo la dirección de José Gómez. Ha tomado clases con Laura Ruiz, Lester Chio, Gervasio Tarragona, Edwin Rodríguez, Guillermo Marín y Juan Ferrer. Entre sus logros y reconocimientos se destacan ocupar el tercer lugar en la categoría solistas en el Festival Artístico Salesiano (FAS) 2014, formar parte de la Banda Sinfónica Juvenil de Colombia edición 2015 y ganar el premio de música de cámara en el Festival QuindiClarinete 2019 con el Ensamble de Clarinetes de Bogotá. Actualmente se desempeña como clarinetista de la Banda Sinfónica Javeriana. Diego Alexánder Claros López, piano (Colombia) Inició sus estudios musicales en el Conservatorio del Tolima, ahora Institución Educativa Técnica Musical Amina Melendro de Pulecio, en la ciudad de Ibagué, donde recibió el título de bachiller musical con énfasis en piano, con grado de honor como mejor instrumentista y distinción al mérito por su excelencia académica y musical. Posteriormente, ingresó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, donde sus primeras maestras de piano fueron Mercedes Cortés y Mariana Posada, y terminó estudios con Ángela Rodríguez. Obtuvo la más alta calificación en el recital de grado y fue ganador de la versión XIX del Concurso Mejores Trabajos de Grado de Pregrado de la Universidad Nacional de Colombia en 2009. En 2015, se graduó como magíster en pedagogía del piano de esta misma universidad, bajo la tutoría de Mac McClure. También adelantó estudios de maestría en dirección sinfónica con Guerassim Voronkov. 2 Ha recibido clases magistrales de Vida Kalojanova, Felipe Aguirre, Janusz Olejniczak y Marco Sollini. Participó en el taller Bach y el Piano, dictado por el reconocido maestro Abraham Abreu, especialista en música barroca. En 2010 fue seleccionado para ser parte de la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República, con el trío Voz de Ébano, lo que le permitió ofrecer conciertos en diferentes ciudades del país. Además de su desempeño como instrumentista, fue estudiante activo de las cátedras de composición y dirección de la Universidad Nacional, siendo sus maestros Moisès Bertran, Harold Vásquez-Castañeda, Gustavo Parra, Patricia Vanegas y Zbigniew Zajac. Trabajó como profesor de piano en la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia. Fue profesor del área teórica y pianista preparador en el taller de ópera de la Universidad Nacional de Colombia, a cargo de la maestra Ángela Simbaqueba, con quienes realizó importantes montajes que gozaron de gran acogida, como las óperas Amahl and the Night Visitors de Gian Carlo Menotti, Gianni Schicchi de Giacomo Puccini, Atzar de Albert Guinovart, Una voce in off de Xavier Montsalvatge, Les Mamelles de Tirésias de Francis Poulenc, The Turn of the Screw de Benjamin Britten, y El último día de Francisco Pizarro de Moisès Bertran. Ha sido pianista colaborador en tres versiones del Concurso Nacional de Clarinete Claribogotá, y en 2014 ofreció un recital como acompañante de canto lírico en la prestigiosa Academia Marshall, en Barcelona. Se desempeñó como preparador teórico de la cátedra de dirección sinfónica de la Academia Superior de Artes de Bogotá (ASAB) de la Universidad Distrital, y su trayectoria como pianista acompañante ha sido ampliamente reconocida en el ámbito musical académico. Actualmente funge como pianista colaborador y profesor del área teórica de la maestría en dirección sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia y como pianista colaborador en la ASAB, en la Pontificia Universidad Javeriana y en la Universidad de los Andes. Además, es profesor de piano y pianista del coro de la Universidad de La Sabana y miembro del ensamble de música de cámara La Sociedad. 3 PROGRAMA Sonatina para clarinete y piano, H. 356 (1956) BOHUSLAV MARTINŮ (1890-1959) Introducción y rondó, Op. 72 (1898) CHARLES-MARIE WIDOR (1844-1937) Sonata para clarinete y piano (1942) Grazioso Andantino-Vivace e leggiero LEONARD BERNSTEIN (1918-1990) INTERMEDIO Sonatina para clarinete y piano (1981) Allegro calmato Lento, quasi andante Con brio JOSEPH HOROVITZ (n. 1926) 4 NOTAS AL PROGRAMA INTRODUCCIÓN Alrededor de 1690, un constructor de instrumentos en Núremberg llamado Johann Christoff Denner parece haber agregado un par de llaves al antiguo chalumeau, incrementando así su rango en dos octavas. A la postre, el cambio logrado fue tan significativo que el resultado, más que la mejoría del instrumento original fue la invención de uno nuevo: el clarinete. A lo largo del siglo xviii este fue sobreponiéndose a sus limitaciones, y para finales del siglo comenzó a generalizarse apareciendo como instrumento orquestal en el rico contexto de música de cámara y, poco a poco, como solista. Hacia 1840, el constructor Louis-Auguste Buffet y el clarinetista Hyacinthe Klosé, ambos franceses, tomaron y aplicaron al clarinete el famoso sistema Boehm, desarrollado poco antes en Múnich. Este sistema replantea la ubicación de las perforaciones de los instrumentos de madera (flauta, oboe, clarinete y fagot) e implementa un sistema mecánico de llaves para abrir y cerrar dichas perforaciones. El fin de tal diseño es lograr que estos instrumentos sean totalmente cromáticos, adquieran una afinación mucho más precisa y obtengan una sonoridad más estable en sus diferentes tesituras. Las ventajas de este nuevo instrumento fueron enormes y su impacto se hizo evidente en el repertorio que estimuló, del cual surgieron obras maestras para clarinete solista, tales como las de Schumann o, a finales de siglo, Brahms. El siglo xx vio florecer el clarinete, tanto el soprano como sus hermanos pícolo y bajo, y convertirse en uno de los instrumentos más versátiles de Occidente y preferido de sus compositores. Comenzando con las maravillosas orquestaciones de Rimski-Korsakov, Schoenberg o Ravel, y llegando hasta las paradigmáticas obras para clarinete solo compuestas por Stravinsky, De Elías o Lachenmann, el clarinete moderno ha continuado su desarrollo técnico, rompiendo muchas de sus antiguas limitaciones con técnicas actuales, como multifónicos y respiración circular, entre tantas otras. El presente recital nos brindará, ante todo, una muestra de los logros del instrumento en el siglo pasado, en particular como vehículo que permitió conectar tradiciones populares y académicas para beneficio de todos. 5 EL REPERTORIO Martinů Nacido en Bohemia, en los últimos años del Imperio austrohúngaro, Bohuslav Martinů (1890-1959) vivió la transformación de su tierra natal en la República de Checoslovaquia, al final de la Primera Guerra Mundial. Lleno de espíritu nacionalista, inició estudios formales de música en Praga, pero en 1923 decidió viajar a Francia para continuarlos con Albert Roussel. Nunca volvería a vivir en su patria, y en 1941 incluso dejaría Europa, trasladándose a los Estados Unidos para huir de la Segunda Guerra Mundial. Tras unos años de posguerra en los que alternó los dos continentes, finalmente murió en Suiza, dejando una copiosa obra que, a pesar de todo, es recordada como emblemática de la expresión checa del siglo xx. La Sonatina para clarinete y piano, H. 356 es una obra tardía compuesta en 1957, apenas dos años antes de la muerte del compositor, en un período de incertidumbre en el cual se debatía entre vivir en Nueva York y regresar a Europa. La obra inicia con una breve introducción en piano antes de que el clarinete presente el principal material temático. El diálogo entre los dos instrumentos se desenvuelve con ricos juegos rítmicos y métricos que podrían evidenciar influencias populares, sea de músicas de Europa central, de jazz o incluso músicas afrocaribeñas. Martinů elabora una rica armonía que, aunque densamente cromática, sigue siendo tonal, desarrollando su discurso con una construcción motívica propia del sofisticado estilo necolásico que caracteriza su música tardía. Unos ágiles pasajes y una pausa general llevan a una segunda sección dominada por un tema juguetón, de armonía bastante más simple. Breves reapariciones de los gestos rápidos nos llevan de regreso a una reexposición literal que será contrastada por una ágil coda en tempo allegro. El segundo movimiento, según la partitura, ‘atacado sin pausa’, es marcadamente contrastante y desarrolla un lírico canto que recorre todo el registro del clarinete mientras el piano acompaña con una textura de coral. El movimiento cierra con unas discretas reminiscencias del material del movimiento inicial, preparándonos para el tercer movimiento, el cual dará nuevos desarrollos a algunas ideas previamente escuchadas. También posiblemente atacado sin pausa, este movimiento final explora el potencial virtuosístico del dúo, regocijándose en nuevos juegos sincopados y llenando la melodía de ornamentos y exuberantes trinos. 6 Widor Aunque activo como compositor, el francés Charles-Marie Widor (1844- 1937) fue más reconocido como organista, algo que no sorprende por ser nieto e hijo de constructores de órganos y tener a su propio padre como primer maestro de interpretación. Después de estudiar formalmente en Bruselas, regresó a París, donde obtuvo el puesto de organista de la iglesia de Saint Sulpice en 1870, trabajo que mantuvo durante sesenta y cuatro años, hasta ser sucedido por su discípulo, Marcel Dupré. Paralelamente desarrolló otros trabajos: fue crítico musical, director coral y docente del conservatorio de París. Allí reemplazó, en 1890, al gran César Franck como profesor de órgano y, seis años más tarde, a Théodore Dubois como profesor de composición, contando con Varèse, Milhaud y Honegger entre sus alumnos más notables. Como compositor, Widor es principalmente recordado por obras para su propio instrumento, en especial las monumentales sinfonías para órgano. Introducción y rondó, Op. 72, hace parte de una producción comparativamente pequeña de música de cámara y, en efecto, es lo único que compuso para clarinete. Widor escribió la pieza en 1898 por encargo del Ministerio de Educación, para ser pieza de concurso (es decir, de un simple examen anual, no de lo que nosotros entendemos por ‘concurso’) para el conservatorio de París, y, de hecho, está dedicada a Cyrille Rose, profesor de clarinete de esta institución. Comparada con su producción organística, es una pieza de poca monta, musicalmente sencilla, simplemente enfocada en aspectos de evaluación de un virtuosismo instrumental. A pesar del título, la verdad es que el característico motivo ascendente aparece desde el primer gesto melódico del piano, con el cual abre la pieza. Por ello, en realidad sentimos más un permanente desarrollo de este motivo que el tradicional contraste seccional que tipifica un rondó. El único contraste estructuralmente importante aparece en el centro de la obra, con un più largo que presenta un llamativo gesto de salto ascendente, resuelto por un descenso melódico. Estos polos opuestos serán retomados por el compositor para dar una sensación de redondez a la forma antes de terminar el trozo. Bernstein El estadounidense Leonard Bernstein (1918-1990) desarrolló una labor como director sumamente destacada y, con la Orquesta Filarmónica de Nueva York, hasta legendaria. Además de esto, se desempeñó como pianista y compositor, frecuentemente con éxito, pero no con la misma trascendencia. En este último rol encontramos en Bernstein a un músico ecléctico que da 7 evidencia de una influencia neoclásica mezclada con una sensibilidad por la música popular tipo Tin Pan Alley y, en ocasiones, elementos de música tradicional judía. Si bien gozó de una amplia formación musical en la Universidad de Harvard (en Massachusetts) y el Instituto de Música Curtis (en Pennsylvania), esta se enfocó en el campo de la dirección. Al único compositor que reconoció como maestro fue a Aaron Copland, con quien desarrolló una cercana amistad a partir de 1938, pero con quien nunca estudió. La Sonata para clarinete y piano, que terminó en 1942, es considerada la primera obra del catálogo compositivo de Bernstein. El primer movimiento, Grazioso, es una forma sonata construida sobre dos temas poco contrastantes, cuyos desarrollos recuerdan algo del neoclasicismo de Hindemith, incluso en las sonoridades cuárticas que abundan en él, y a Stravinsky en algunos giros melódicos recurrentes. El segundo movimiento comienza con un Andantino en el cual se enfrentan fragmentos escalares en el solista y delicados acordes ascendentes en el acompañante. Un ágil Vivace e leggiero irrumpe sorpresivamente para llevar a cabo brillantes elaboraciones rítmicas en métricas constantemente cambiantes. Un Lento molto parece congelar esta irregular danza, y de él Bernstein reitera el proceso de contraste formal lento-rápido, para así llevarnos a la conclusión de la obra de manera contundente. Horovitz Nacido en el seno de una familia judía austríaca, Joseph Horovitz (n. 1926) debió emigrar a Inglaterra en 1938 para escapar de la invasión nazi de Viena. En Londres estudió composición con Gordon Jacob y, en París, con la afamada Nadia Boulanger. Durante la década de 1950 comenzó a ser reconocido por su trabajo escénico (óperas, ballets y música para teatro), y además cultivó un estilo ligero que le permitió trabajar en cine y televisión con éxito. Así, estableció una reputación como compositor, arreglista, director y pianista de notable versatilidad, que permitió su nombramiento como profesor de composición en el Colegio Real de Música de Londres, en 1961. En su vertiente de compositor de música de concierto, Horovitz ha desarrollado varias facetas: ciertas obras de tono más serio toman como punto de partida la escuela inglesa de Ralph Vaughan Williams, Gustav Holst y Frederick Delius. Otro frente importante —y característicamente británico— ha sido su amplio e influyente trabajo con los formatos de banda sinfónica o de cobres. Finalmente, obras como la Sonatina para clarinete y piano exhiben un estilo neoclásico con una marcada influencia del jazz clásico, elementos seguramente aprendidos en sus días parisinos. 8 El Allegro calmato inicial está basado en el principio de la forma sonata, el piano abriendo con un acompañamiento en moto perpetuo de semicorcheas, sobre el cual el clarinete presenta un jovial material temático. De inmediato, el motivo principal comienza a ser variado hasta llegar a una sección central donde el movimiento del piano es reemplazado por acordes rítmicamente irregulares. Una reexposición variada cierra este movimiento y nos prepara para el segundo, Lento, quasi andante, en el que un sentido lirismo en el clarinete se despliega gradualmente a partir del sobrio acompañamiento del piano. Tras una pausa del solista, una parte central ligeramente más activa establece el principal contraste del movimiento, antes de que reaparezca el material inicial, que cierra el arco formal con elegante equilibrio. La Sonatina finaliza con un llamativo y pegajoso movimiento marcado ‘Con brio’, construido con dos temas recurrentes, el primero reminiscente del ragtime, y el segundo, caracterizado por notas incisivamente repetidas. Estos materiales se alternan, varían y contrastan una y otra vez, dándonos la sensación de estar bailando en una espiral que poco a poco se cierra sobre sí misma. Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libros, enciclopedias, revistas (físicas y virtuales) y programas de mano. BETTY GARCÉS, soprano (Colombia) ANTONIA VALENTE, piano (Italia) Viernes 28 de agosto de 2020 · 7:00 p.m. PULEP: YLM293 Foto: Cristóbal de la Cuadra Próximos conciertos en Girardot Auditorio del Banco de la República Serie de los jóvenes intérpretes · $6.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ CORO FILARMÓNICO INFANTIL Domingo 1° de marzo · 11:00 a.m. DÚO LEBENSFREUDE, violín y guitarra Jueves 5 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés WUILMER LÓPEZ, arpa llanera Jueves 12 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo DUETO IDILIO, música colombiana Jueves 19 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Quibdó LIZETH VEGA, cantante Jueves 26 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra Jueves 7 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva LAURA ESPINAL, piano Jueves 14 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JULIÁN CAMILO LERMA, viola Jueves 21 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué CUARTETO DE CLARINETES CAÑABRAVA cuarteto de clarinetes con percusión Jueves 28 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar MARÍA CAMILA FLÓREZ, violín Jueves 4 de junio · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín ANDRÉS FELIPE PALACIOS R., guitarra Jueves 11 de junio · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cartagena JUAN SEBASTIÁN CARREÑO CÁRDENAS trombón Jueves 18 de junio · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Manizales Coro filarmónico infantil - Foto. Kike Barona PULEP: SPX202. VXB235. QHF308. KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195. ZPK474. PBX636. BKR126. WYZ758 Boletas disponibles en NUEVO HORARIO Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en PULEP: OEY112. XGM165. UZS572. UDE329. JNY980. XPD926 LES TALENS LYRIQUES* ensamble de música antigua (Francia) Miércoles 4 de marzo · 7:30 p.m. CHRISTOPHE ROUSSET* clavecín (Francia) Domingo 8 de marzo · 11:00 a.m. SOFIA RIBEIRO jazz (Portugal) Domingo 15 de marzo · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla y Santa Marta DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Lanzamiento de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 18 de marzo · 7:30 p.m. VINCENT HEITZER órgano (Alemania) Domingo 29 de marzo · 11:00 a.m. MUZA RUBACKYTE piano (Lituania) Domingo 26 de abril · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ibagué * Estos conciertos cuentan con el apoyo de Les Talens Lyriques · Foto: Eric Larrayadieu Serie profesional · $10.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ

Cuarteto Casals empezó a utilizar arcos del período Barroco-Clásico para interpretar a compositores desde Purcell hasta Schubert, práctica que ha aportado al grupo una nueva dimensión acústica, que favorece aun más sus exposiciones de los diferentes lenguajes estilísticos. Así mismo, actúa cada año con la extraordinaria colección de instrumentos Stradivarius en el Palacio Real de Madrid, donde será residente hasta 2020. El cuarteto ha recibido una profunda influencia de compositores vivos de nuestra época, como György Kurtág, y ha realizado estrenos mundiales de notables autores españoles de la actualidad, entre los que se destaca el concierto para cuarteto de cuerda y orquesta de Francisco Coll, estrenado junto a la Orquesta Nacional de España. En reconocimiento a su tarea de difusión cultural, el Cuarteto Casals recibe ayudas de la Generalitat de Catalunya y del Institut Ramon Llull. El grupo ha sido reconocido con el Premi Ciutat de Barcelona (2005), el Premio Nacional de Música (2006) y el Premi Nacional de Cultura de Catalunya (2016). El cuarteto aparece a menudo en la televisión y la radio de toda Europa y en América del Norte. Además de impartir clases magistrales muy solicitadas, es cuarteto residente en el conservatorio Koninklijk de La Haya y en la Escuela Superior de Música de Cataluña, en Barcelona, donde residen sus cuatro miembros. Este concierto también se realizó en Florencia, en el Auditorio de la Agencia Cultural del Banco de la República el 11 de febrero de 2020 a las 7:00 p.m.

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2020 CUARTETO CASALS cuarteto de cuerdas (España) Del 10 al 23 de febrero de 2020 Bogotá, Cartagena, Florencia, Leticia, Montería, Neiva y Sincelejo RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA Foto: Igor Cat TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares, buscapersonas y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 250 AÑOS NO SON NADA La historia está llena de personajes míticos, nombres que inspiran respeto y admiración, cuyas historias personales o aportes se han convertido en una referencia histórica y, en muchos casos, modelos ejemplares de las más destacadas expresiones y tradiciones culturales. Tal es el caso de Ludwig van Beethoven, compositor de quien en 2020 se celebran 250 años de nacimiento. Tal como lo expresa Guillermo Gaviria en las notas que aparecen en este programa, la idealización o creación del mito de Beethoven ha sido un acto que ha tomado varios años. Con el paso del tiempo, su música se ha convertido en una de muchas piedras angulares de la cultura occidental, quizás con el mismo peso que se le atribuye a la obra de Shakespeare, Tolstoi o Da Vinci. Aún en años en los que no se celebra su aniversario de nacimiento o en los que se conmemora su muerte, la música de Beethoven es una de las que con más frecuencia se interpreta. Hay obras de gran reputación, como las sinfonías cinco y nueve, la Misa en do menor, los cuartetos y varias de las sonatas para piano y, para violín y piano. Al contrario de varios de sus antecesores —Bach, Haydn o Mozart, por ejemplo—, el catálogo de obras de Beethoven es bastante más acotado. Esto, quizás, como resultado de un mundo musical cambiante en el que el sostenimiento de la corte desparecía para abrirle espacio al compositor-empresario; o fruto de una transformación en la manera de pensar acerca de la creación musical —menos como una labor al servicio de un rito religioso (una misa, un funeral) o una función cortesana (un baile o música de fondo para una ceremonia), y más como el resultado de una introspección y de un deseo de expresarse como ser humano, como individuo a través de un lenguaje complejo que no acude ni a las imágenes ni a las palabras para transmitir su mensaje—. El ciclo de conciertos de los cuartetos de cuerda que presenta el Banco de la República con la especial presentación del Cuarteto Casals, es una ocasión singular para recorrer —por medio de uno de los formatos que más ayudó a desarrollar y consolidar el ‘genio de Bonn— la evolución musical de este compositor tan ineludible en el repertorio de las orquestas sinfónicas y de las salas de concierto del mundo. No es una tarea fácil absorber toda esta música en tan poco tiempo. ¡Pero es música que tampoco está hecha para ser entendida! Es música que retrata un cambio de paradigmas políticos, de paradigmas en la relación del individuo con el poder y del triunfo de la voluntad, tesón y terquedad de una persona en contra de una sociedad, y un entorno musical que no lo entendió del todo en vida. Tan es así que este ciclo termina con el Cuarteto Casals restaurando la intención inicial de Beethoven de cerrar su decimotercer cuarteto con la Gran fuga, movimiento del cuarteto que su editor insistió en publicar como una obra separada por considerarla compleja, larga e incomprensible para el público de la época. El Banco de la República agradece su asistencia y les da la bienvenida a esta celebración que marca el inicio de su Temporada Nacional de Conciertos 2020. Lea más sobre Ludwig van Beethoven y su obra Casa Museo Beethoven en Bonn www.beethoven.de/en/museum Programa de mano del ciclo de conciertos que el Cuarteto Endellion (Reino Unido) presentó en 1991 como parte de la celebración de los 25 años de la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y en el que interpretó la integral de cuartetos de Beethoven babel.banrepcultural.org/cdm/ref/collection/p17054coll30/id/2434 Notas al programa del ciclo de cuartetos de Beethoven ofrecidos por la Fundación Juan March (Madrid) en 2003 www.march.es/ciclos/1216 Programa de mano del ciclo de conciertos que la pianista Blanca Uribe (Colombia) presentó en 1986 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y en el que interpretó la integral de sonatas para piano de Beethoven babel.banrepcultural.org/cdm/singleitem/collection/p17054coll30/id/2764/rec/17 Programa de mano del concierto que el violonchelista Pieter Wispelwey (Holanda) y el pianista Paolo Giacometti (Italia/Holanda) presentaron en 2002 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y en el que interpretaron la integral de sonatas para violonchelo y piano de Beethoven babel.banrepcultural.org/cdm/singleitem/collection/p17054coll30/id/2474/rec/4 Programa de mano del concierto que el violinista Benjamin Schmid (Austria) y el pianista Alfredo Perl (Chile) presentaron en 2004 en la Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango y en el que interpretaron la integral de sonatas para violín y piano de Beethoven babel.banrepcultural.org/cdm/singleitem/collection/p17054coll30/id/2475/rec/1 Misa en do Orquesta Sinfónica de Londres (Reino Unido) Coro de la Sinfónica de Londres (Reino Unido) Sir Colin Davis (Reino Unido) Concierto para violín Isabelle Faust, violín (Alemania) PKF Philharmonia Praga (R. Checa) Jiří Bělohlávek, director (R. Checa) Concierto triple Sol Gabetta, violonchelo (Argentina) Giuliano Carmignola, violín (Italia) Dejan Lazić, piano (Croacia) Orquesta de Cámara de Basilea Giovanni Antonini, director (Italia) Las nueve sinfonías Orquesta Tonhalle de Zúrich (Suiza) David Zinman, director (Estados Unidos) Tríos con piano Trío Wanderer (Francia) Sonatas para violín y piano David Oistrakh, violín (Rusia) Lev Oborin, piano (Rusia) Sonatas y conciertos para piano Alfred Brendel, piano (Alemania) Escuche otras obras de Beethoven en Spotify 3 CUARTETO CASALS cuarteto de cuerdas (España) Lunes 10 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. Neiva, Auditorio Agencia Cultural Banco de la República Martes 11 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. Florencia, Auditorio Agencia Cultural Banco de la República Jueves, 13 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. Leticia, Sala Múltiple del Banco de la República Lunes 17 de febrero de 2020 · 6:30 p.m. Montería, Auditorio San Jerónimo. Universidad Pontificia Bolivariana Martes 18 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. Sincelejo, Salón de reuniones Parque Comercial Guacarí Miércoles 19 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. Cartagena, Biblioteca Bartolomé Calvo Miércoles 12 de febrero de 2020 · 7:30 p.m. Viernes 14 de febrero de 2020 · 7:30 p.m. Domingo 16 de febrero de 2020 · 11:00 a.m. Viernes 21 de febrero de 2020 · 7:30 p.m. Sábado 22 de febrero de 2020 · 5:00 p.m. Domingo 23 de febrero de 2020 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango (Conciertos Nos. 1-6) PULEP: NOA437. AQH467. WVJ237. UQU694. KUO815. KUO815. ZVR480. CIJ349 El concierto en Neiva cuenta con el apoyo de El concierto en Florencia cuenta con el apoyo de El concierto en Montería cuenta con el apoyo de El concierto en Sincelejo cuenta con el apoyo de 4 CUARTETO CASALS, cuarteto de cuerdas (España) Abel Tomàs y Vera Martínez Mehner, violines Jonathan Brown, viola Arnau Tomàs, violonchelo Fundado en 1997 en la Escuela Superior de Música Reina Sofía en Madrid, España, el Cuarteto Casals celebró la temporada de su vigésimo aniversario con un proyecto especialmente ambicioso: la integral de los diecisiete cuartetos de Beethoven, junto con seis obras de encargo a compositores contemporáneos, ciclo que fue interpretado en ciudades de Europa, Asia y América Latina, incluyendo Londres, Viena, Berlín y Tokio. Lo más destacado de sus próximas temporadas incluye el ciclo de los diez últimos cuartetos de Mozart, así como otros proyectos centrados en los compositores húngaros Bartók, Ligeti y Kurtág. Tras ganar los primeros premios en los concursos internacionales de Londres y de Hamburgo, el Cuarteto Casals ha sido invitado de manera regular al festival Schubertiade de Schwarzenberg y a las salas de conciertos más prestigiosas del mundo, entre estas el Carnegie Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín, la Kölner Philharmonie, la Cité de la Musique de París y el Concertgebouw de Ámsterdam. Foto: Igor Cat 5 El Cuarteto ha desarrollado una importante producción discográfica para el sello Harmonia Mundi, formada hasta el momento por doce discos compactos que incluyen un amplio repertorio musical de gran variedad de autores: desde los menos conocidos, como Arriaga o Toldrà, hasta clásicos vieneses, como Mozart, Haydn, Schubert y Brahms, sin olvidar grandes nombres del siglo XX, como Debussy, Ravel y Zemlinsky. También se destaca la grabación en directo de una serie de DVD con la integral de los cuartetos de Schubert, editados por Neu Records, y, desde 2018, la grabación de la integral de los cuartetos de Beethoven, lanzados por la discográfica Harmonia Mundi en tres entregas: Inventions, la primera, que ha recibido excelentes críticas; la segunda entrega, Revelations, que se lanzó en 2019, y Aphoteosis, la última, que saldrá este año para coincidir con el aniversario 250 del nacimiento del compositor. Tras ganar el prestigioso premio del Fondo Borletti-Buitoni de Londres, el Cuarteto Casals empezó a utilizar arcos del período Barroco-Clásico para interpretar a compositores desde Purcell hasta Schubert, práctica que ha aportado al grupo una nueva dimensión acústica, que favorece aun más sus exposiciones de los diferentes lenguajes estilísticos. Así mismo, actúa cada año con la extraordinaria colección de instrumentos Stradivarius en el Palacio Real de Madrid, donde será residente hasta 2020. El cuarteto ha recibido una profunda influencia de compositores vivos de nuestra época, como György Kurtág, y ha realizado estrenos mundiales de notables autores españoles de la actualidad, entre los que se destaca el concierto para cuarteto de cuerda y orquesta de Francisco Coll, estrenado junto a la Orquesta Nacional de España. En reconocimiento a su tarea de difusión cultural, el Cuarteto Casals recibe ayudas de la Generalitat de Catalunya y del Institut Ramon Llull. El grupo ha sido reconocido con el Premi Ciutat de Barcelona (2005), el Premio Nacional de Música (2006) y el Premi Nacional de Cultura de Catalunya (2016). El cuarteto aparece a menudo en la televisión y la radio de toda Europa y en América del Norte. Además de impartir clases magistrales muy solicitadas, es cuarteto residente en el conservatorio Koninklijk de La Haya y en la Escuela Superior de Música de Cataluña, en Barcelona, donde residen sus cuatro miembros. 6 Florencia, martes 11 de febrero Bogotá, miércoles 12 de febrero Cuarteto de cuerdas No. 3 en re mayor, Op. 18 No. 3 (1798-1799) Allegro Andante con moto Allegro Presto LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto de cuerdas No. 2 en sol mayor, Op. 18 No. 2 (1799) Allegro Adagio cantabile Scherzo. Allegro Allegro molto, quasi presto INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 7 en fa mayor, Op. 59 No. 1, Razumovsky (1806) Allegro Allegretto vivace e sempre scherzando Adagio molto e mesto Thème russe. Allegro LUDWIG VAN BEETHOVEN PROGRAMA No. 1 7 PROGRAMA No. 2 Leticia, jueves 13 de febrero Bogotá, viernes 14 de febrero Cuarteto de cuerdas No. 6 en si bemol mayor, Op. 18 No. 6 (1800) Allegro con brio Adagio, ma non troppo Scherzo. Allegro La Malinconia. Adagio - Allegretto quasi allegro LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto de cuerdas No. 16 en fa mayor, Op. 135 (1826) Allegretto Vivace Lento assai, cantante e tranquillo Grave, ma non troppo tratto – Allegro INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 15 en la menor, Op. 132 (1823-1825) Assai sostenuto – Allegro Allegro ma non tanto Heiliger Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit, in der Lydischen Tonart Alla marcia, assai vivace Allegro appassionato LUDWIG VAN BEETHOVEN 8 Neiva, lunes 10 de febrero Bogotá, domingo 16 de febrero Cuarteto de cuerdas en fa mayor, Op. 14 H. 34 (1801) Allegro Allegretto Rondo. Allegro comodo LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Transcripción para cuarteto de cuerdas de la Sonata para piano No. 9 en mi mayor, Op. 14 No. 1 (1798) Cuarteto de cuerdas No. 1 en fa mayor, Op. 18 No. 1 (1799) Allegro con brio Adagio affettuoso ed appasionato Scherzo. Allegro molto Allegro INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 8 en mi menor, Op. 59 No. 2, Razumovsky (1806) Allegro Molto adagio Allegretto Finale. Presto LUDWIG VAN BEETHOVEN PROGRAMA No. 3 9 Cartagena, miércoles 19 de febrero Bogotá, viernes 21 de febrero Cuarteto de cuerdas No. 5 en la mayor, Op. 18 No. 5 (1799) Allegro Menuetto Andante cantabile Allegro LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto de cuerdas No. 10 en mi bemol mayor, Op. 74, Harfenquartett (1809) Poco adagio – Allegro Adagio ma non troppo Presto Allegretto con variazioni INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 12 en mi bemol mayor, Op. 127 (1823-1824) Maestoso – Allegro Adagio, ma non troppo e molto cantabile Scherzo. Vivace Allegro LUDWIG VAN BEETHOVEN PROGRAMA No. 4 10 Sincelejo, martes 18 de febrero Bogotá, sábado 22 de febrero Cuarteto de cuerdas No. 4 en do menor, Op. 18 No. 4 (1799-1800) Allegro, ma non tanto Scherzo. Andante scherzoso quasi Allegretto Menuetto. Allegro Allegretto – Prestissimo LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto de cuerdas No. 9 en do mayor, Op. 59 No. 3, Razumovsky (1806) Introduzione. Andante con moto – Allegro vivace Andante con moto quasi Allegretto Menuetto. Grazioso Allegro molto INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 14 en do sostenido menor, Op. 131 (1826) Adagio ma non troppo e molto espressivo Allegro molto vivace Allegro moderato Andante ma non troppo e molto cantabile Presto Adagio quasi un poco andante Allegro LUDWIG VAN BEETHOVEN PROGRAMA No. 5 11 Montería, lunes 17 de febrero Bogotá, domingo 23 de febrero Cuarteto de cuerdas No. 11 en fa menor, Op. 95, Quartetto serioso (1810) Allegro con brio Allegretto ma non troppo Allegro assai vivace ma serioso Larghetto espressivo - Allegretto agitato LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) INTERMEDIO Cuarteto de cuerdas No. 13 en si bemol mayor, Op. 130 (1825-1826) Adagio ma non troppo Presto Andante con moto ma non troppo Alla danza tedesca. Allegro assai Cavatina. Adagio molto espressivo Finale. Allegro Große Fuge* LUDWIG VAN BEETHOVEN *La Gran fuga, Op. 133 fue originalmente concebida y estrenada en 1826 como el último movimiento del Cuarteto No. 13, Op. 130, pero fue publicada como una obra independiente. Hoy en día, varios cuartetos optan por respetar la intención original del compositor e interpretan el Cuarteto No. 13 incluyendo la Gran fuga como último movimiento de la obra. PROGRAMA No. 6 12 NOTAS AL PROGRAMA Ludwig van Beethoven fue bautizado el 17 de diciembre de 1770 en la iglesia de San Remigio, en Bonn. Mostró talento musical notable desde temprana edad. Su padre, un músico de la corte, lo sometió a un régimen brutal con la esperanza de explotarlo como niño prodigio. Sin embargo, aunque no logró su objetivo, sus maestros y los miembros de la aristocracia local reconocieron y valoraron positivamente sus aptitudes. De hecho, a través del reporte de uno de sus maestros, Christian Gottlob Neefe (1748-1798), el Magazin der Musik publicó el 2 de marzo de 1783 la primera noticia sobre Beethoven: Louis van Beethoven, […] un niño de 11 años y del talento más prometedor. Toca el piano muy hábilmente y con poder, lee muy bien a primera vista, y solo debo decir que la pieza principal que toca es El clave bien temperado de Sebastian Bach […]. Seguramente se convertirá en un segundo Wolfgang Amadeus Mozart si continúa como ha comenzado ( Johnson et al., 2001). En 1787, Beethoven visitó por primera vez Viena, entonces epicentro de la música, y tocó para Mozart, a quien impresionó muchísimo. Su regreso a Viena se daría solo cinco años después, en 1792, con un propósito claro: estudiar con Haydn, como se registra en un álbum de buenos deseos de sus amigos, donde el conde Ferdinand Waldstein (1762-1823) redactó proféticamente: Querido Beethoven: vas a Viena para cumplir tus deseos frustrados. El genio de Mozart todavía está de luto y llorando por la muerte de su alumno. […] Con la ayuda del trabajo asiduo, recibirás el espíritu de Mozart de las manos de Haydn. Tu amigo verdadero, Waldstein ( Johnson et al., 2001). Sin embargo, las ideas musicales poco ortodoxas de Beethoven no fueron del agrado de su maestro y las lecciones se terminaron un año después de iniciadas. Beethoven estudió luego con otros maestros eminentes, como Johann Georg Albrechtsberger (1736-1809) y Antonio Salieri (1750-1825), pero su genio singular tenía ya su propio desarrollo y no obtendría beneficios claros de sus enseñanzas. Paralelamente, su impresionante virtuosismo en el piano tanto como sus notables composiciones fueron ganando reconocimiento entre la aristocracia de Viena, de la cual obtuvo apoyo durante toda su vida. Sus obras fueron ampliamente aceptadas, aunque controvertidas, y desde finales de la década de 1790 Beethoven no dependió del patrocinio para sus ingresos. 13 En 1801 comenzó la trágica aflicción de Beethoven, su sordera, que empeoró progresivamente y en 1817 fue total. Sus presentaciones públicas se volvieron imposibles; sin embargo, su trabajo creativo se dio sin restricciones. Su vida sentimental fue compleja: aunque Beethoven nunca se casó, estuvo tormentosamente enamorado toda su vida, siempre de mujeres inalcanzables. Murió después de una larga enfermedad el 26 de marzo de 1827, a la edad de 56 años. Este 2020 se celebran 250 años de su nacimiento, aniversario propicio para la ampliación de la bibliografía sobre su vida y obra, las más estudiadas de músico alguno en la historia de la música de Occidente. Precisamente, uno de estos análisis aparece en Image Music Text (1977), que recoge una serie de trece ensayos publicados entre 1961 y 1973 por Roland Barthes (1915- 1980), teórico literario, filósofo, crítico y semiólogo francés. Barthes exploró con sus ideas múltiples campos del conocimiento e influenció el desarrollo de diversas escuelas, incluyendo el estructuralismo, la semiótica, la teoría social, la teoría del diseño, la antropología y el post-estructuralismo. En Image Music Text todos los ensayos proponen nuevas formas de análisis. Esto es evidente, por ejemplo, en sus dos escritos más valorados acerca de la música: Musica Practica (pp. 149-154) y The Grain of the Voice (pp. 179-189). Musica Practica, que se concentra en Beethoven y nos ayuda a entender sus aportes, apareció por primera vez en 1970 en la revista literaria L’Arc. El escrito inicia planteando la oposición entre ‘dos músicas’: ‘la música que uno escucha’ y ‘la música que uno interpreta’. Hay dos músicas (al menos eso siempre he pensado): la música que uno escucha y la música que uno toca. Estas dos músicas son dos artes totalmente diferentes, cada una con su propia historia, su propia sociología, su propia estética, su propio erotismo; el mismo compositor puede ser menor si lo escuchas, tremendo si lo tocas (incluso mal), como Schumann (Barthes, 1977, p. 149). ¿Qué fundamenta la diferencia entre estas ‘músicas’? La música que uno toca es más ‘manual’ que ‘auditiva’. Si uno toca el piano, la guitarra u otro instrumento, está más concentrado en adecuar el cuerpo a tocar la pieza que en atender al sonido que resulta de su interpretación. Esta tradición de ‘música práctica’ ha desaparecido, dice Barthes. La música que uno mismo toca proviene de una actividad que es muy poco auditiva, siendo sobre todo manual (y, por tanto, de alguna manera, mucho más sensual). Es la música que tú o yo podemos tocar, solos o entre amigos, sin otra audiencia que sus participantes (es decir, con todo riesgo de teatro y toda tentación de histeria 14 eliminados); una música muscular en que la parte asumida por el sentido del oído es solo de ratificación, como si el cuerpo estuviera oyendo, y no ‘el alma’; una música que no se toca ‘de memoria’: sentados al teclado o frente al atril, el cuerpo controla, conduce, coordina, teniendo que transcribir lo que lee, produciendo sonido y significado; el cuerpo actúa como escultor y no solo como transmisor, simple receptor. Esta música ha desaparecido; inicialmente, la clase ociosa (aristocrática) cayó en un rito social insípido con la llegada de la democracia de la burguesía (el piano, la señorita, el salón, el nocturno) y luego se desvaneció por completo. (¿Quién toca el piano hoy?) (Barthes, 1977, p.148). Por otro lado, Barthes reconoce que un diferente camino de música práctica ha surgido de ‘otro público, otro repertorio, otro instrumento’, básicamente: los jóvenes, la voz y la guitarra. Mientras la otra clase de música, ‘la auditiva’, es ‘pasiva, receptiva’, la cultura de masas la ha convertido en dominante, y ha cambiado el rol del intérprete: el amateur por el ‘profesional, el especialista’. Para encontrar práctica musical en Occidente, uno tiene que mirar a otro público, otro repertorio, otro instrumento (la generación joven, la música vocal, la guitarra). Actualmente, el ejercicio pasivo de la música, lo receptivo, la música que suena, se ha convertido en la música (la del concierto, el festival, el disco, la radio): tocar ha dejado de existir; la actividad musical ya no es manual, muscular, física, sino simplemente líquida, efusiva, ‘lubricante’, para tomar una palabra de Balzac. Así también ha cambiado el intérprete. El amateur, un papel definido mucho más por un estilo que por una imperfección técnica, ya no se encuentra en ningún lado; los profesionales, especialistas puros cuya formación permanece totalmente esotérica para el público (¿quién sigue aún familiarizado con los problemas de la educación musical?), nunca ofrecen ese estilo del amateur perfecto […] que despliega en nosotros no satisfacción, sino deseo, el deseo de hacer esa música. En resumen, primero estaba el actor de la música, luego el intérprete (la gran voz romántica), luego finalmente el técnico, que alivia al oyente de toda actividad, incluso por poder, y elimina en el ámbito de la música la propia noción de hacer (Barthes, 1977, pp. 149-150). En este punto del ensayo, Barthes introduce la figura de Beethoven, quien, más que encarnar un momento de la historia, expresa algunas de las tendencias divergentes de las músicas de los siglos XIX y XX. Beethoven tiene dos roles fundamentales: uno ‘mítico’ y otro ‘moderno’. Además, afirma, fue el primer músico libre, en tanto que obtuvo ‘el derecho a la metamorfosis’ y a la búsqueda de ‘su verdad’. La obra de Beethoven me parece vinculada con este problema histórico, no como la expresión directa de un momento particular (la transición de amateur a intérprete profesional), sino como el poderoso germen de una perturbación de la civilización, Beethoven a la vez reuniendo sus elementos y esbozando su solución; 15 una ambigüedad que resulta de los dos roles históricos de Beethoven: el rol mítico que le adjudicaron durante todo el siglo XIX y el rol moderno que nuestro propio siglo está comenzando a asignarle. Para el siglo XIX […], Beethoven fue el primer hombre de la música en ser libre. Ahora, por primera vez, el hecho de tener varias maneras sucesivas [estilos] contribuye a la gloria de un artista; se le reconoció el derecho a la metamorfosis, pudo estar insatisfecho consigo mismo o, más profundamente, con su lenguaje, podía cambiar sus códigos a medida que avanzaba en la vida […]. El artista está en busca de su ‘verdad’ y esta búsqueda forma un orden en sí mismo, un mensaje que, a pesar de las variaciones en su contenido, puede leerse relacionado con toda su obra o, al menos, cuya legibilidad se alimenta de una especie de totalidad del artista: su carrera, sus amores, sus ideas, su carácter, sus palabras se convierten en rasgos de significado; nace una biografía beethoveniana (uno podría decir una bio-mitología), el artista es presentado como héroe completo, dotado de un discurso (una ocurrencia rara para un músico), una leyenda (unas diez o más anécdotas), una iconografía, una carrera (la de los Titanes del Arte: Miguel Ángel, Balzac) y una enfermedad fatal (la sordera de aquel que crea para el placer de nuestros oídos) (Barthes, 1977, pp. 150-151). Surge entonces la imagen de Beethoven como ‘símbolo de inquietud y agitación hirviente de la creatividad’, reflejado esto en los cambios dramáticos de su música: saltos en la intensidad pasando súbitamente de mucho volumen a poco, o la utilización de lo coral en su Novena sinfonía, para citar solo dos ejemplos. Todo asimilable por estar siempre ubicado dentro de un marco tonal. Dentro de este sistema de significado, es decir, el Beethoven romántico, están incorporadas verdaderas características estructurales (características que son ambiguas, musicales y psicológicas a la vez): el desarrollo paroxístico de contrastes en intensidad (la oposición significante del piano y el forte, […] el estremecimiento de la melodía, tomada como el símbolo de la ansiedad y la agitación hirviente de la creatividad, la redundancia enfática de momentos de emoción y terminación (una imagen ingenua del destino dando golpes), la experiencia de los límites (la abolición o la inversión de las partes tradicionales del discurso musical), la producción de quimera musical (la voz saliendo de la sinfonía) y todo esto, que fácilmente podría ser transformado metafóricamente en valores pseudo-filosóficos, no obstante musicalmente aceptable, pues siempre está desplegado bajo la autoridad del código fundamental de Occidente, la tonalidad (Barthes, 1977, pp. 151-152). La imagen romántica de Beethoven plantea ciertos problemas a la cultura de la interpretación o ‘música práctica’. Por un lado, se está cada vez más concentrado en obras sinfónicas complejas que en canciones o música para el piano, lo que conduce a que el amateur sea incapaz de tocar su música, tanto que aparece una nueva fantasía, la del director de orquesta. Ya uno no 16 se imagina tocando un instrumento, sino subido al podio dirigiendo esta o aquella obra. El intérprete aficionado se ve desplazado por una combinación de director y empatía romántica, ambos fuera de la música. Este nuevo modelo de músico erosiona nuestra participación física y práctica. Además, esta imagen romántica (cuyo significado finalmente es un cierto discord) crea un problema de interpretación: el aficionado no puede dominar la música de Beethoven, no tanto por sus dificultades técnicas, sino por la propia ruptura del código de la antigua música práctica. Según este código, la fantasmática imagen (es decir, lo corporal) que guía al intérprete, […] con Beethoven […] se convierte en orquestal, escapando así del fetichismo de un elemento único (voz o ritmo). El cuerpo se esfuerza por ser total, por lo que la idea de una actividad intimista o familiar es destruida: querer tocar a Beethoven es verse como el director de una orquesta […]. La obra de Beethoven abandona al aficionado y parece, en un momento inicial, llamar a la nueva deidad romántica, el intérprete. Sin embargo, aquí nuevamente estamos decepcionados: ¿quién (¿qué solista, qué pianista?) puede interpretar bien a Beethoven? Es como si esta música ofreciera solo la opción entre un ‘rol’ y su ausencia, la ilusión de demiurgia [creación] y la precaución del lugar común, sublimados como ‘renunciación’ (Barthes, 1977, p. 152). Por otra parte, aparece otra tendencia en el culto a Beethoven basada en la ironía de su sordera. De acuerdo con Barthes, sentimos que la música que viene de Beethoven está hecha de otra sustancia, llena de ‘significado’. Es una música que trasciende lo sensual, lo abstracto, las lógicas, las reglas, en donde lo que puede ser comprendido (inteligible) aparece como lo perceptible (tangible). Imaginamos a Beethoven como un ‘operador’ que sabe cómo ‘desplazar, ensamblar, combinar’, en síntesis, alguien que sabe ‘cómo estructurar’ música. La verdad es quizás que la música de Beethoven tiene algo inaudible (algo para lo que la audición no es la ubicación exacta), y esto nos lleva al segundo Beethoven. No es posible que un músico sea sordo por pura contingencia o destino conmovedor (son lo mismo). La sordera de Beethoven señala la falta donde reside toda significación; apela a una música que no es abstracta o interna, sino que está dotada, si se pudiera decir así, con una inteligibilidad tangible, con lo inteligible como tangible. Tal categoría es verdaderamente revolucionaria, impensable en términos de la vieja estética; la obra que cumple con esta no se puede recibir con base en la pura sensualidad, que es siempre cultural, ni con la base de un orden inteligible de desarrollo (retórico, temático) y sin el cual no se pueden aceptar el texto moderno o la música contemporánea. […] la operación por la cual podemos captar este Beethoven (y la categoría que él inicia) ya no puede ser interpretación o audición, sino lectura. Esto no quiere decir que uno tiene que sentarse con una partitura de Beethoven y tener 17 un recital interno (que seguiría dependiendo de la antigua fantasía animista); significa que, con respecto a esta música, uno debe ponerse en la posición o, mejor, en la actividad de un operador que sabe cómo desplazar, ensamblar, combinar, encajar; en una palabra (si esto no está demasiado gastado), uno que sabe cómo estructurar (muy diferente de construir o reconstruir en el sentido clásico). […] leer este Beethoven es operar su música, dibujarla (está dispuesta a ser dibujada) en una praxis desconocida (Barthes, 1977, pp. 152-153). Es así como el Beethoven mitológico marca el final de la antigua música práctica, y el Beethoven moderno, ‘el operador’, muestra cómo podría ser una nueva ‘música práctica’, como una utopía del futuro, propuesta por Barthes, la que se intuye como una manera de audición activa, un ideal, que incluye interpretación y escucha. De esta manera puede ser redescubierta, modificada de acuerdo con el movimiento de la dialéctica histórica, una cierta ‘música práctica’. ¿De qué sirve componer si se trata de limitar el producto al recinto del concierto o a la soledad de escuchar la radio? Componer, al menos por tendencia, es dar para hacer, no dar para escuchar, sino dar para escribir. La ubicación moderna para la música no es la sala de conciertos, sino el escenario en el que pasan los músicos, en lo que es a menudo un despliegue deslumbrante, de una fuente de sonido a otra. Somos nosotros los que estamos tocando, aunque todavía es cierto ‘por poder’; pero uno puede imaginar el concierto –¿más tarde? – exclusivamente como un taller del cual nada se desperdicia: ni sueño, ni imaginación, en fin, ni ‘alma’, y donde todo el arte musical se absorbe en una praxis sin residuo. Tal es la utopía que un cierto Beethoven, que no es tocado, nos enseña a formular; por eso, ahora es posible sentir en él a un músico con futuro (Barthes, 1977, pp. 153-154). El ciclo de conciertos de los cuartetos de cuerda de Beethoven permite a sus oyentes experimentar y reconocer el ejercicio de un músico libre y su ‘derecho a la metamorfosis’ y a la búsqueda de ‘su verdad’. Los dieciséis cuartetos abarcan toda su existencia creativa: los primeros seis, Op. 18, compuestos entre 1798 y 1800, muestran la influencia de Mozart y Haydn y hacen parte de lo que se conoce como sus años ‘formativos’ o ‘primer periodo’ (Winter et al., 1994). Los siguientes tres, Op. 59, ‘Rasumovsky’, compuestos en 1806, «habitan en un mundo diferente, el de la [Sinfonía No. 3] Heroica y Leonora [título original de la ópera Fidelio], composiciones que definen el segundo periodo» (Winter et al., 1994). Es una época en la que se incrementa su uso de gestos musicales e ideas románticas. Al final de este lapso, Beethoven se había retirado de su carrera como pianista, dado que apenas podía escuchar la música que estaba tocando. A pesar de su sordera, todavía dirigía música periódicamente o se mantenía al lado del director y dirigía con él. El llamado 18 Cuarteto, Op. 74, ‘Arpa’ (1809) y el ‘Serioso’, Op. 95 (1810-1814) fluctúan entre el segundo periodo y el tercero. Arquetípicamente, el ‘tercer periodo’ es el del celebrado grupo de los últimos cinco cuartetos: Op. 127 (1824-1825), Op. 132 (1825), Op. 130 (1825-1826), Op. 131 (1826), incluyendo la Gran fuga (Op. 133), el ambicioso proyecto que ocupó a Beethoven durante los dos años anteriores a su muerte (Winter et al., 1994). Su último período de composición se define por su propósito de escribir música más compleja, incorporando estilos polifónicos de compositores como Bach y Händel en sus obras. Este marco básico de tres períodos estilísticos –sobre los que tradicionalmente se habla cuando se trata la música de Beethoven– ha sido cuestionado y visto con escepticismo por algunos, entre ellos Maynard Solomon, uno de sus biógrafos recientes, aunque concluye aceptándolos y formulando que, además del estilo musical, muchos factores históricos convergen para reforzarlos, entre estos, los cambios significativos en la enfermedad de Beethoven, en su vida interior, en los modos fundamentales de mecenazgo y en el espíritu vienés (zeitgeist), en general. Bibliografía Barthes, R. (1977). Image Music Text. Translated by S. Heath. Londres: Fontana Press. Traducción al español realizada por Guillermo Gaviria. Johnson, D., Burnham, S., Drabkin, W., Kerman, J., & Tyson, A. (2001). “Beethoven, Ludwig van”. Traducción al español realizada por Guillermo Gaviria. Grove Music Online. Recuperado de https://www. oxfordmusiconline.com Winter, R., Martin, R., editors. (1994). The Beethoven quartet companion. Berkeley: University of California Press. Traducción al español realizada por Guillermo Gaviria. Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Serie de los jóvenes intérpretes · $6.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ JULIÁN CASAS, clarinete Jueves 27 de febrero · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Girardot CORO FILARMÓNICO INFANTIL Domingo 1° de marzo · 11:00 a.m. DÚO LEBENSFREUDE, violín y guitarra Jueves 5 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Leticia y San Andrés WUILMER LÓPEZ, arpa llanera Jueves 12 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Montería y Sincelejo DUETO IDILIO, música colombiana Jueves 19 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Buenaventura y Quibdó LIZETH VEGA, cantante Jueves 26 de marzo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Villavicencio CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra Jueves 7 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Florencia y Neiva LAURA ESPINAL, piano Jueves 14 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali JULIÁN CAMILO LERMA, viola Jueves 21 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Ibagué CUARTETO DE CLARINETES CAÑABRAVA cuarteto de clarinetes con percusión Jueves 28 de mayo · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar MARÍA CAMILA FLÓREZ, violín Jueves 4 de junio · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Medellín ANDRÉS FELIPE PALACIOS R., guitarra Jueves 11 de junio · 6:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cartagena Julián Casas, clarinete · Foto: Paola Enciso PULEP: YYA168. SPX202. VXB235. QHF308. KAT129. WPY197. TCD894. CZG221. BJC195. ZPK474. PBX636. BKR126 Boletas disponibles en Serie profesional · $10.000 PRÓXIMOS CONCIERTOS EN BOGOTÁ Foto: Andrés Biermann Foto: Fundación Juan March Foto: Kaupo Kikkas Foto: Fotostudio Balsereit Foto: Eric Larrayadieu Foto: Herley Aguirre Foto: Dan Kullman Foto: Cristóbal de la Cuadra Foto: Christine de Lanoë Foto: Nathanaël Mergui / Marc Pellerin LES TALENS LYRIQUES ensamble de música antigua (Francia) Miércoles 4 de marzo 7:30 p.m. OLIVIER STANKIEWICZ oboe (Francia) Domingo 31 de mayo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín y Villavicencio LA MÚSICA DE RICARDO LORENZ compositor (Venezuela) Domingo 20 de septiembre 11:00 a.m. VINCENT HEITZER órgano (Alemania) Domingo 29 de marzo 11:00 a.m. DISCANTUS ensamble vocal (Francia) Domingo 23 de agosto 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga e Ipiales LA MÚSICA DE AMPARO ÁNGEL compositora (Colombia) Miércoles 7 de octubre 7:30 p.m. Foto: Mariana Reyes URPI BARCO jazz (Colombia) Domingo 12 de julio 11:00 a.m. CHRISTOPHE ROUSSET clavecín (Francia) Domingo 8 de marzo 11:00 a.m. CUARTETO SPEKTRAL cuarteto de cuerdas (Estados Unidos) Domingo 27 de septiembre 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Manizales y Pereira MUZA RUBACKYTE piano (Lituania) Domingo 26 de abril 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Ibagué BETTY GARCÉS soprano (Colombia) Domingo 30 de agosto 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta y Girardot MAURICIO ARIAS piano (Colombia) Domingo 18 de octubre 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Cúcuta, Santa Marta y Pereira PULEP: OEY112. XGM165. UZS572. UDE329. JNY980. XPD926. RIV835. UOI212 . FKB414. VIB160. CLW869. XWK440. LJP457. ITO923. DAN583. GYY241. LZK549. LKZ172. CWR377. EKO390. RTH632. NUE430. HQV503 Estos conciertos cuentan con el apoyo de la Embajada de Francia en Colombia, el Institut français y la Alianza Colombo-francesa Foto: Santiago Cañón-Valencia Foto: Paola Enciso Foto: Andrés Garzón Forero Foto: Silvia Ospina Foto: Julia Gang Foto: Cecilia Palma Foto: Nathaniel Huard Foto: Kaupo Kikkas SOFIA RIBEIRO jazz (Portugal) Domingo 15 de marzo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla y Santa Marta SANTIAGO CAÑÓN-VALENCIA violonchelo (Colombia) Miércoles 30 de septiembre 7:30 p.m. Este concierto también se presentará en Cali y Popayán LAS ÁÑEZ nueva música latinoamericana (Colombia) Miércoles 13 de mayo 7:30 p.m. TRES PALOS ENSAMBLE oboe, clarinete y fagot (Colombia) Domingo 6 de septiembre 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Armenia, Bucaramanga, Cali, Leticia, Medellín, Pereira, Popayán y Quibdó COMISIONES Y RETRATOS 2020 Miércoles 21 de octubre 7:30 p.m DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Miércoles 18 de marzo 7:30 p.m. ENSAMBLE SAYR música tradicional persa (Irán) Domingo 2 de agosto 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Honda, Quibdó y San Andrés LA MÚSICA DE JAMES DÍAZ compositor (Colombia) Domingo 4 de octubre 11:00 a.m. ALEXANDER ULLMAN piano (Reino Unido) Domingo 17 de mayo 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Pasto y Tunja EDWIN GUEVARA guitarra (Colombia) Domingo 13 de septiembre 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Bucaramanga y Riohacha Foto: Mauro Araújo CHORO LIVRE música tradicional brasileña (Brasil) Domingo 16 de julio 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Armenia, Riohacha y Valledupar NUEVA FECHA Boletas disponibles en Próximos conciertos en Cartagena, Florencia, Leticia, Neiva y Sincelejo Cartagena ANDRÉS FELIPE PALACIOS R., guitarra Jueves 4 de junio de 2020 · 7:00 p.m. Biblioteca Bartolomé Calvo PULEP: UCR850 Florencia CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra Martes, 28 de abril de 2020 · 7:00 p.m. Auditorio Monseñor Ángel Cuniberti Universidad de la Amazonia PULEP: DIG648 LA PERCUMOTORA (Colombia) Miércoles 10 de junio de 2020 · 7:00 p.m. Auditorio Monseñor Angel Cuniberti Universidad de la Amazonia PULEP: BNQ391 Con el apoyo de la Universidad de la Amazonía Neiva CARLOS MATEO PÁEZ, guitarra Miércoles, 29 de abril de 2020 · 7:00 p.m. Auditorio Agencia Cultural Banco de la República PULEP: IPP642 LEÓN GIRALDO, flauta Miércoles, 12 de agosto de 2020 · 7:00 p.m. Auditorio Agencia Cultural Banco de la República PULEP: ISY682 Con el apoyo de Fundación Nacional Batuta Leticia DÚO LEBENSFREUDE, violín y guitarra Viernes 28 de febrero de 2020 · 7:00 p.m. Sala Múltiple del Banco de la República PULEP: KTD386 Sincelejo WUILMER LÓPEZ, arpa llanera Viernes 6 de marzo de 2020 · 7:00 p.m. Auditorio Escuela de Carabineros Rafael Núñez, Corozal PULEP: HMM284 Con el apoyo de la Policía Nacional ANDRÉS FELIPE PALACIOS R., guitarra · Foto: Sebastián Mejía Ocampo Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos.

Concierto interpretado por Corporación "Orquesta de Cámara de Colombia". Esta corporación con objetivos estrictamente culturales y con el propósito de hacer una amplia labor de difusión musical, nació gracias al interés de sus miembros fundadores, entre quienes se cuentan personas muy destacadas en todos los campos de la vida nacional. Igualmente, su realidad se basa en la altísima calidad artística de sus integrantes, todos ellos grandes valores de nuestra vida musical. En este concierto la orquesta interpretó obras de Pietro Nardini, Luigi Bocherini, Karl Stamitz y Béla Bartók.

Concierto interpretado por Solistas de Percusión de Bogotá, este grupo, único en Colombia, ocupa un lugar destacado dentro de grupos similares en América Latina. Su existencia ha servido para difundir las obras más importantes de la producción musical univeral y asi mismo, para estimular la creación de nuevas obras por parte de compositores colombianos. En este concierto interpretaron obras de Edward Volz, Francisco Zumaqué, Carlos Jiménez Malbarak y Carlos Chávez.