Con el objetivo de estimular el desarrollo de la música contemporánea en México a través del fomento, experimentación, producción, difusión y formación en la creación musical actual, CONACULTA, INBA y FONCA fundaron en el 2012 el CEPROMUSIC (Centro de experimentación y producción de música contemporánea), cuyas actividades artísticas se iniciaron con la presentación de su ensamble permanente, que interpretó Tlachtli, de Manuel Enríquez, y el Kammerkonzert de György Ligeti. Bajo la dirección artística de José Luis Castillo, CEPROMUSIC es un espacio en el que convergen actividades artísticas y académicas en favor de la creación y difusión de la música contemporánea. En ese sentido, el ensamble es uno de los instrumentos que permiten llevar a cabo los objetivos del centro. Así pues, desde noviembre del 2012 ha ejecutado 105 conciertos con un total de 335 obras, de las cuales 113 han sido estrenos. Además de sus temporadas regulares en el Palacio de Bellas Artes, el ensamble CEPROMUSIC ha realizado residencias en éxico y Estados Unidos; y colabora habitualmente con otras disciplinas, como el vídeo, el cine silente, el teatro, la danza y la multimedia. El ensamble ha realizado cinco exitosas giras internacionales: en el 2014 se presentó en los Estados Unidos en el Center for New Music, la Boston University y la Americas Society de Nueva York; en el 2015 lo hizo en el Huddersfield Contemporary Music Festival de Inglaterra; en el 2016, en el Dundee Rep Theatre, sede de la compañía Scottish Dance Theatre, en Escocia; en el 2017, de nuevo en Estados Unidos en el Multicultural Education and Counseling through the Arts, MECA, en Houston, y ese mismo año se presentó en la Universidad de Alcalá de Henares, el Projecte Rafel Festival y el XXXVIII Encontre Internacional de Compositors, Madrid-Valencia-Mallorca, en España. Su producción discográfica incluye la integral para ensamble de Manuel Enríquez y Denudatio perfecta, con obras de nueve creadores mexicanos a partir de una propuesta plástica de Sandra Pani. El repertorio del EPROMUSIC trata de convocar lo más amplio de la escena actual: desde la nueva complejidad hasta la improvisación y desde el macrotimbre hasta el código en tiempo real; todo esto con el fin de promover y difundir la creación contemporánea mexicana.

Nacida en una familia de músicos, Biliana Voutchkova comenzó a interpretar el violín a los cuatro años, a los nueve hizo su debut orquestal y a los dieciséis lanzó su primer álbum bajo el sello japonés Crown Record Ltd. Estudió violín clásico y, al entrar a la universidad, comenzó a interesarse por la escena musical contemporánea y de improvisación en Nueva York. Entre sus profesores figuran reconocidos nombres como Peter Arnaoudov, Abram Stern y Felix Galimir. Biliana tiene un título de la Universidad del Sur de California y uno de la Escuela de Música de Mannes (MM) de la New School for Social Research de Nueva York. Ha recibido los más altos reconocimientos en el Concurso Internacional de Música Kozian, el Concurso Nacional CRS para las Artes Escénicas y el Concurso Internacional de Música Contemporánea La Música y la Tierra. A los diecinueve años fue invitada a los Estados Unidos, donde recibió la Beca Jascha Heifetz para violín, para estudiar en la Universidad del Sur de California. En 1995 se trasladó a Nueva York, donde continuó su exploración musical, que hoy en día se ha convertido en el norte de su trabajo. Dedicada artista, violinista, compositora, intérprete e improvisadora, su trabajo se enfoca en presentar obras para violín solo, ensamble y obras nuevas escritas para ella por compositores contemporáneos. También presenta improvisaciones y performances que sumergen al público en el ámbito del movimiento y la danza. Como artista creativa, su constante trabajo investigativo abarca una amplísima gama de sonido y movimiento y extiende sus aptitudes sonoras, físicas y técnicas hacia la consecución de un lenguaje artístico-musical altamente personalizado. Biliana no teme arriesgarse con un repertorio clásico-contemporáneo que aborda con inspiración y libertad, características que definen sus poderosas improvisaciones. Ha colaborado con gran número de reconocidos artistas, entre quienes se cuentan Mazen Kerbaj, Audrey Chen, Ute Wassermann, Iva Bittová, Robin Hayward, Jacques Demierre, Matthias Bauer, Frances-Marie Uitti, Séverine Ballon, Helmut Lachenmann, Michael Thieke, Hans Peter Kuhn, George Lewis, Georg Nussbaumer, Clayton Thomas, Axel Dörner y Peter Ablinger. Biliana se ha presentado en festivales y series de conciertos en diversos escenarios del mundo, en reconocidas salas de conciertos, como el Carnegie Hall en Nueva York, la Filarmónica y Radialsystem V en Berlín y la Sala Suntory en Tokio. También ha hecho performances en galerías, escenarios experimentales, espacios al aire libre y otras instalaciones poco convencionales, como el MAXXI de Roma, el Cafe Oto de Londres y, en Berlín, la galería Sammlung Hoffmann, el Neues Museum, KuLe/Labor Sonor y Ausland. Tras una residencia de catorce años en los Estados Unidos, Biliana vive actualmente en Berlín, donde colabora con la orquesta Splitter, el ensamble de solistas Kaleidoskop, el Ensamble Modern, Zeitkratzer, Work in Progress, Ensambles Unidos de Berlín, Mosaik y LUX:NM, entre otros. Sus más recientes proyectos incluyen conciertos como solista en Transmediale/Vorspiel, el Festival de Música Contemporánea de Huddersfield y los Festivales GAS, Mózg, Moving Music y Radar y presentaciones colaborativas con Olaf Nicolai, She She Pop/Zeitkratzer y el Berliner Ensemble. Asimismo, tiene previsto el lanzamiento de su álbum como solista, titulado Modus of Raw, una gira de conciertos en los Estados Unidos como parte del dúo Voutchkova/Thieke, patrocinado por el Goethe Institut, y presentaciones en los festivales de Klangwerkstatt, Documenta 14, Wien Modern, Experimental Intermedia y las Ferias de Gante. En el 2016, Biliana recibió subsidios de la Iniciativa para la Nueva Música (INM) de Berlín y del Fondo para el Entendimiento Mutuo (TMU) en Nueva York, y en el 2017 el Senado de Berlín le otorgó una beca en composición.

Nació en Bogotá en 1992. A los seis años empezó a estudiar música y a los nueve recibió una beca para estudiar oboe en la Fundación Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia, donde se formó musicalmente hasta los dieciséis años. En el 2008 fue aceptado en el programa básico de Estudios Musicales del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, donde estudió bajo la tutela de los maestros Andreas Schneider y Carlos Villanueva, para obtener su grado de músico oboísta seis años más tarde. En el 2017 terminó sus estudios de maestría en la Hochschule für Musik Trossingen (Alemania) con el maestro inglés Nicholas Daniel, y actualmente cursa una maestría de música de cámara en la Hochschule für Musik Karlsruhe, teniendo como profesor a Thomas Indermühle. Ha participado en distintos festivales orquestales de música de cámara y oboe en Colombia, Alemania, Reino Unido y Brasil, como el Mattheiser Sommer-Akademie, Young Euro Classic, Rheingau Musik Festival, Norddeutsche Oboentage, Bogotá es Mozart, Cartagena Festival Internacional de Música, British Isles Music Festival y FEMUSC (Festival de Música de Santa Catarina). En dichos festivales tuvo la oportunidad de recibir clases magistrales con David Walter, Jacques Tys, Christian Schmitt, Jean-Louis Capezzali, Nancy Ambrose King, Tom Owen, Gordon Hunt, David Theodore, Jorge Andrés Pinzón, Nick Deustch, Alex Klein y Luis Carlos Justi. Desde el 2011 es integrante de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, con la que ha realizado giras por Colombia, Estados Unidos, Alemania y Austria. En el 2016 fue seleccionado por la Youth Orchestra of the Americas (YOA) para ser parte del Nordic-Baltic Legacy Tour, que llegó a Estonia, Lituania, Letonia, Polonia, Suecia, Dinamarca y Alemania. Con estas dos orquestas trabajó de la mano de los directores Andrés Orozco Estrada, Carlos Miguel Prieto y Benjamin Zander. Fue primer oboe de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá —cargo que obtuvo por concurso— desde la fecha de su fundación hasta el 2015.

Cuarteto Latinoamericano, fundado en México en 1982, representa hoy una voz única en el ámbito internacional al difundir la creación musical de América Latina en los principales centros musicales del mundo. Fue ganador del Grammy Latino 2012 por su disco Brasileiro, works of Francisco Mignone y en 2016 por el disco El hilo invisible. Obtuvo en el 2004 un importante apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México como parte del proyecto México en Escena para desarrollar durante dos años un intenso programa de trabajo que comprendió la realización de conciertos y de actividades pedagógicas, de difusión y de investigación. Este apoyo lo obtuvo por varios períodos para ejecutar diversos proyectos: el proyecto que enmarcó las actividades conmemorativas de los veinticinco años del grupo (2007-2009), la conmemoración de sus treinta años (2011-2013), y la ejecución de un proyecto con énfasis en la creación de jóvenes cuartetos y la difusión en la red del vasto repertorio para cuartetos en América Latina, en otras palabras, la creación de la Biblioteca virtual de obras latinoamericanas para cuarteto de cuerdas (2013-2016 y 2016-2019). Entre los múltiples reconocimientos obtenidos por la agrupación se destacan la Orden al Mérito Cultural y Artístico Pablo Neruda (2014), el premio anual de la Asociación Mexicana de Críticos (1983) y el reconocimiento especial que dicha Asociación le entregó por su destacada trayectoria (2000), la Medalla Mozart (2000) y la Medalla Bellas Artes (2007). El Cuarteto Latinoamericano también ha tenido un papel decisivo en la formación de instrumentistas de cuerda en México, colaborando con distintas escuelas de música del país. Fungió como Cuarteto en Residencia Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh, Estados Unidos, de 1987 a 2007. Además de una serie anual de conciertos para el Instituto Nacional de Bellas Artes, el cuarteto dicta con regularidad clases magistrales de música de cámara así como conferencias sobre música latinoamericana en las principales universidades de los Estados Unidos, Europa y Canadá. En el 2009 creó la Academia Latinoamericana de Cuartetos de Cuerdas en Caracas, en el marco del Sistema para las Orquestas Juveniles de Venezuela, donde trabajó con doce jóvenes cuartetos venezolanos de excelencia. La Academia estuvo bajo su dirección hasta el 2015. Esta agrupación cuenta hasta la fecha con más de noventa discos compactos. Ha grabado gran parte del repertorio importante para cuarteto de cuerdas de compositores latinoamericanos para los sellos Sono Luminus, New Albion, Quindecim, Luzam, Urtext, Innova y Dorian; para este último, grabó la integral de los diecisiete cuartetos de Villa-Lobos, el sexto volumen de esta integral recibió dos nominaciones al Premio Grammy en el 2002. Dentro de los conciertos recientes, se destacan las presentaciones en el Festival de Wellington en Nueva Zelandia y en ciudades como Milán (Teatro alla Scala), Ámsterdam, Bonn, Viena, Bruselas, Luxemburgo, Montreal, Madrid, Buenos Aires, Caracas, Los Ángeles, Miami, Tokio, Boston, Beirut, Washington y Nueva York. Respecto a su última presentación en Carnegie Hall, el New York Times escribió: «Artistas soberbios, extraordinariamente versátiles en responder a las demandas de las diferentes partituras».

Tras su triunfo en el prestigioso ARD International Music Competition (Múnich, 2005), el dúo de los hermanos Víctor y Luis Del Valle fue reconocido como una de las agrupaciones de cámara más sobresalientes de Europa. Los hermanos, además, fueron distinguidos con la Medalla de Plata del ciclo El Primer Palau (Palau de la Música Catalana, Barcelona, 2005); galardonados en el concurso europeo Musiques d’Ensemble 2008 (París) y con el Premio del Público en el XI Dranoff International Two Piano Competition de Miami (Estados Unidos). Ese mismo año se proclamaron también ganadores del Premio Especial Mozart en el International Piano Duo Competition (Bialystok, Polonia). En el 2011, recibieron el Premio del Público en el XXI Central European Music Festival (Žilina, Eslovaquia), donde se dieron cita los ganadores de los concursos internacionales más relevantes (Queen Elisabeth Competition, Tchaikovsky Competition, ARD, entre otros). Sus actividades incluyen actuaciones en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, el Teatro Monumental de Madrid, el Teatro de la Maestranza (Sevilla), el Palau de la Música Catalana y el Gran Teatre del Liceu (Barcelona), además del Auditorio de Zaragoza, Palau de la Música de Valencia, Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela), Auditorio Dom Musiki (Moscú), Herkulessaal y Gasteig (Múnich), Liederhalle (Stuttgart), Congress Centrum (Hannover), Théâtre des bouffes du Nord (París), Teatro Nacional (Panamá), Teatro Metropolitano de Medellín (Colombia), Finlandia Hall y Finnish National Opera (Helsinki) y la Estonia Konsertdisaal (Tallinn). El dúo ha actuado con orquestas como la Orquesta de RTVE, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, L’Orquestra Nacional de Cambra d’Andorra, la Orquesta Sinfónica de Galicia, la Filarmonía de Galicia, la Jove Orquestra Nacional de Catalunya (JONC), la Orquesta de Cámara Siemens de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Bialystok Philharmonic, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Münchener Kammerorchester, Symphonieorchester des SWR de Stuttgart y Helsinki Philharmonic, bajo la batuta de directores de la talla de Bogdan Olędzki, Howard Griffiths, James Ross, Ralf Gothóni, Péter Csaba, Juanjo Mena, Yakov Kreizberg, Antoni Ros Marbà, André de Ridder, Guillermo García Calvo y Okko Kamu. Involucrados en el acercamiento de la música clásica al gran público, Víctor y Luis del Valle crearon en el 2014, junto a la cantante Pasión Vega, el espectáculo 2 Pianos con Pasión, mestizaje músico-teatral que fue presentado con gran éxito en una gira por toda la geografía española y que ya han podido disfrutar más de cuarenta mil espectadores. El dúo de los hermanos Del Valle se formó en la Escuela Superior de Música Reina Sofía bajo la dirección de Dimitri Bashkirov y Claudio Martínez Mehner. Posteriormente, continuó su formación en música de cámara con Márta Gulyás, Eldar Nebolsin y Ralf Gothóni, siempre con el apoyo de la Fundación Málaga. También recibió consejo de los maestros Pierre-Laurent Aimard, Katia y Marielle Labèque, Ferenc Rados, Menahem Pressler, Zoltán Kocsis, Daniel Barenboim y Martha Argerich. En la actualidad, Víctor y Luis compaginan su actividad concertística con su labor docente en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y el Conservatorio Superior de Música de Aragón. Son invitados frecuentemente para impartir lecciones magistrales de piano y de música de cámara tanto en España como en el extranjero.

Son de Madera representa el éxito del movimiento ‘Son xarocho’ y es conocido internacionalmente por su especialización en la interpretación y composición de este género tradicional del sur de México. El grupo fue fundado en 1990. A partir de ese momento, su objetivo principal ha sido la difusión del son xarocho, trabajo que ha consolidado desde la investigación de la música tradicional y la incorporación de nuevos sonidos que enriquecen la música con propuestas también novedosas. Con este objetivo en mente, Son de Madera se presentó en el 2003, en los principales festivales de música folk y tradicional en Canadá (ICA Folk Fest, The Rogue Folk Music Club, Sunfest, Toronto Harbourfront, entre otros). Asimismo, tuvo destacadas presentaciones en Estados Unidos en el Chicago Old Twon School of Folk Music, los Cenzontles Mexican Arts Center, el Centro Cultural La Peña en Berkeley y en la Mexican Heritage Plaza en San José, California. En el 2003, realizó una gira que le permitió presentarse en el Wereldfeest en Utrecht (Países Bajos), la Farinera del Clot y el Mercado de Música Viva de Vic (España), el Schouwburg Odeon en Zwolle y en el Kit Tropentheatrer en Ámsterdam. La gira finalizó en el Festival de las Andalucías Atlánticas en Essaouira (Moroco). Además de su actuación en conciertos y grabaciones, Son de Madera ha participado en proyectos conjuntos con otros músicos como el grupo de música irlandesa The Cassidys, el armonicista Billy Branch, la pianista colombo-venezolana Claudia Calderón y el grupo chicano Quetzal. Por su trabajo discográfico, fue nominado en tres categorías en la novena edición de los Independent Music Awards como mejor álbum latino, mejor canción latina y mejor cover. Actualmente, se encuentra promocionando su disco Son de mi tierra, grabado en vivo durante el festival Glatt und Verkehrt en Krems (Austria).

En 1996 unos destacados exalumnos del Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París fundaron el Cuarteto Diotima; este cuarteto es hoy uno de los ensambles más cotizados a nivel mundial. Su nombre refleja la doble identidad musical de la agrupación: la palabra ‘diotima’ está estrechamente ligada al romanticismo alemán –Friedrich Hölderlin dio este nombre al amor de su vida en la novela Hyperion– y también es un guiño a la música de nuestros tiempos, ya que evoca la obra Fragmente-Stille, an Diotima de Luigi Nono. El Cuarteto Diotima ha tenido la fortuna de colaborar con varios de los compositores actuales más reconocidos, entre ellos, Helmut Lachenmann, Brian Ferneyhough y Toshio Hosokawa. Adicionalmente, ha recibido la comisión de obras nuevas de talentosos compositores como Tristan Murail, Alberto Posadas, Gérard Pesson, Rebecca Saunders y Enno Poppe. A pesar de que su enfoque principal es la música contemporánea, el cuarteto no se limita exclusivamente a este repertorio. Diotima organiza la programación de sus conciertos de tal modo que las más reconocidas obras clásicas se yuxtaponen a las nuevas creaciones musicales, logrando así presentar una perspectiva original de la obra de grandes compositores como Bartók, Debussy, Ravel, los últimos cuartetos de Schubert, Beethoven, compositores de la Escuela de Viena y Janáček. El Cuarteto Diotima se presenta con frecuencia en la escena internacional, así como en los principales festivales y series de conciertos en Europa (Filarmónica de Berlín y Konzerthaus Berlin; Reina Sofía, Madrid; Cité de la Musique, París; Centro Southbank y Wigmore Hall, Londres; Sala de Conciertos de Viena). Además de sus giras frecuentes por los Estados Unidos de América, Asia y Sudamérica, fueron artistas en residencia del Théâtre des Bouffes du Nord de París entre los años 2012 y 2016. La crítica internacional los ha aclamado, incluyendo los medios alemanes, quienes alabaron su interpretación del Concierto para cuarteto y orquesta de Schoenberg. También lograron conquistar al público en España y en Francia, en donde su discografía fue galardonada con cinco Diapason d’Or: ganaron dos veces el Diapason d’Or de l’Année por sus grabaciones de algunas de las obras de Lachenmann y Nono en el 2004, y por obras de los compositores americanos Crumb, Reich y Barber en el 2011. El álbum de los cuartetos de Onslow, cuyo lanzamiento tuvo lugar en el 2009, bajo el sello Naïve, ganó un Diapason d’Or y apareció como ‘Evento del mes’ en la revista Diapason y como ‘Álbum excepcional’ en la revista Scherzo. El éxito ante la crítica y el público que generó este lanzamiento sentó las bases de la relación exclusiva entre el ensamble y el sello disquero, dando inicio a una colaboración que se ha convertido en un proyecto altamente exitoso y a largo plazo. Adicionalmente, en el 2015, bajo el sello Megadisc, el cuarteto lanzó la grabación de la reedición de Livre Pour Quatuor, de Pierre Boulez, que fue muy bien recibida por el público y gracias a la cual obtuvo el reconocimiento ffff de Télérama y el Choc de l’anée de la revista Classica. En el 2016 para celebrar el vigésimo aniversario del cuarteto, lanzaron dos grabaciones: un cofre de discos dedicados al repertorio completo para cuarteto de cuerdas de la Escuela de Viena y una nueva serie de retratos de compositores contemporáneos. Con la colaboración de WDR Kultur, dedicaron el primer retrato a la obra de Miroslav Srnka; lo siguen los retratos de Alberto Posadas, Gérard Pesson y Enno Poppe. La próxima temporada traerá importantes compromisos para el cuarteto, incluyendo un ciclo de Beethoven-Schoenberg-Boulez en la sala de conciertos Muziekgebouw en Ámsterdam, y varios conciertos en torno al estreno mundial de la nueva obra para cuarteto de cuerdas de Rebecca Saunders (en el Wigmore Hall en Londres, el Festival ECLAT en Stuttgart, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos en Washington, el Festival de Música en Estrasburgo y el Festival Rainy Days en Luxemburgo). Adicionalmente, presentará el estreno mundial de la nueva obra para cuarteto de cuerdas de Miroslav Srnka (en la Philharmonie de Paris, el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y el Festival Primaveral de Cuartetos de Cuerdas en Heidelberg). Gracias a su colaboración cercana con Pierre Boulez, el Cuarteto Diotima tuvo el honor de presentar el estreno mundial del cuarto movimiento del ya mencionado Livre Pour Quatuor en el 2018, dentro del marco de la interpretación completa hecha por Philippe Manoury en la Philharmonie de Paris. El Cuarteto Diotima espera con ansias los próximos estrenos en la sala de conciertos para música de cámara de la Filarmónica de Elba, La Seine Musicale, los Días de Música de Badenweiler, la Serie de música de cámara de la Real Orquesta Filarmónica de Liverpool, el Festival Musikprotokoll en Graz, el Festival de otoño de Varsovia y el Festival Enescu de Bucarest. El cuarteto hará también una gira por el Reino Unido, España, Rusia, Estados Unidos, Corea del Sur y Japón. La larga colaboración que ha mantenido con el Teatro de Orléans continuó en la temporada 2017-2018. Es relevante mencionar que en este último año el Cuarteto Diotima recibió, adicionalmente, un reconocimiento como Patrimonio Cultural Europeo otorgado por el Ministerio de Cultura de Francia. Justamente en ese país, el Cuarteto Diotima recibe el apoyo de la DRAC (Direction Régionale des Affaires Culturelles) y de la Région Centre-Val de Loire, además de ayudas periódicas del Instituto Francés, Spedidam, Musique Nouvelle en Liberté, elFondo para la Creación Musical, la Sociedad Adami y de mecenas privados.

Inmueble construido, en 1935, aproximadamente, para uso habitacional. Presentaba pisos, puertas y ventanas en madera, cubierta en teja de barro y balcón en concreto. Fue remodelado para uso de una empresa de servicios funerarios, sin embargo conservó el estilo arquitectónico de la ciudad. En 2015, se encontraba en buen estado de conservación y allí funcionaba la Funeraria Jardines de la Esperanza.

Inmueble de planta arquitectónica compacta, con patio central; estructura en concreto; fachada en mampostería simple; muros divisorios en bahareque encementado; y entrepisos en madera. Ha tenido varias reformas que han modificado su estilo original. Hacía 1936, en el primer piso, allí funcionaba la Lotería de Manizales. En 2015, se encontraba en buen estado de conservación y estaba destinado a uso habitacional-comercial.

Inmueble de tres pisos, con planta concéntrica sobre el patio central; estructura en bahareque vacío; fachada en bahareque encementado, con cornisa y molduras de cemento; entrepisos en madera; y techo en teja de barro. El primer piso, tuvo múltiples reformas debido al ensanche de calles que se realizó en la ciudad. En 2015, se encontraba en buen estado de conservación y estaba destinado a uso habitacional-comercial.