Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 CUARTETO PRISM cuarteto de saxofones (Estados Unidos) Martes 15 de octubre de 2019 · 6:30 p.m. Valledupar, Biblioteca departamental Rafael Carrillo Lúquez PULEP: AEB512 Miércoles 16 de octubre de 2019 · 6:30 p.m. Riohacha, Centro Cultural Banco de la República PULEP: JNY628 Jueves 17 de octubre de 2019 · 7:00 p.m. Santa Marta, Biblioteca del Banco de la República Gabriel García Márquez PULEP: RKA817 Viernes 18 de octubre de 2019 · 7:00 p.m. Barranquilla, Auditorio del Colegio Alemán PULEP: BVU468 Domingo 20 de octubre de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: MVZ241 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA Foto: Peggy Peterson TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 CUARTETO PRISM, cuarteto de saxofones Timothy McAllister, saxofón soprano; Zachary Shemon, saxofón alto; Matthew Levy, saxofón tenor, y Taimur Sullivan, saxofón barítono Programas intrigantes de enorme belleza y envergadura han servido para destacar al Cuarteto Prism como uno de los principales ensambles de música de cámara en los Estados Unidos. Prism busca posicionar el saxofón en contextos inesperados, explorar nuevos territorios musicales, suscitar cuestionamientos, e inspirar y conmover audiencias. El cuarteto fue fundado en 1984 por algunos alumnos del reconocido saxofonista Donald Sinta en la Universidad de Michigan. Prism es «una agrupación audaz que ha elevado el nivel para los cuartetos contemporáneos-clásicos de saxofón» (The New York Times). Poco tiempo después de ganar el Concurso Nacional Fischoff de Música de Cámara, Prism fue elegido por la revista Musical America en la categoría de ‘Artistas Jóvenes Sobresalientes’. El cuarteto se ha presentado en Performance Today, programa de National Public Radio (NPR) y en Entertainment Tonight, y ha realizado giras en casi todos los estados de los Estados Unidos. Prism ha ganado en dos ocasiones el Premio de Música de Cámara de los Estados Unidos/ASCAP por Programación Novedosa. La agrupación se presentó en Carnegie Hall durante la Serie Making Music, en Alice Tully Hall con la Sociedad de Música de Cámara de Lincoln Center, y en toda Latinoamérica, China y Rusia bajo el patrocinio de la Agencia de Información de los Estados Unidos y USArtists International. El cuarteto fue recibido con gran entusiasmo y reconocimiento por la crítica en las presentaciones en las que fungió como solista con la Orquesta Sinfónica de Detroit y la Orquesta de Cleveland. También fue residente en los principales conservatorios de los Estados Unidos, incluidos el Instituto Curtis de Música y el Conservatorio Oberlin. Siempre dispuestos a apoyar la nueva música, los integrantes de Prism han comisionado casi 300 obras, muchas de estas escritas por compositores reconocidos internacionalmente, entre ellos, los ganadores de los Premios Pulitzer: Julia Wolfe, William Bolcom, Jennifer Higdon, Zhou Long y Bernard Foto: Jacqueline Hanna 2 Rands; los beneficiarios del Premio Genius de la Fundación MacArthur: Bright Sheng, Tyshawn Sorey y Miguel Zenón; los becarios del Guggenheim: William Albright, Martin Bresnick, Chen Yi, Lee Hyla y Steven Mackey; y los maestros del jazz Greg Osby, Rudresh Mahanthappa, Steve Lehman y Dave Liebman. En 1997, Prism inició su primera serie de conciertos en Filadelfia, Nueva York y Ann Arbor, en la que presentaron las más recientes composiciones creadas para el ensamble por compositores de todo el mundo. Prism tiene una extensa discografía, con lanzamientos hechos con sellos como Albany, BMOP/Sound, ECM, Innova, Koch International, Naxos, New Dynamic, New Focus y su propio sello, XAS Records (distribuido por Naxos). El lanzamiento de Fifth Century, grabado bajo el sello ECM como una colaboración entre Prism y The Crossing, dirigido por Donald Nally, recibió el premio Grammy en 2018 como Mejor Interpretación Coral. Prism, además, aparece en la banda sonora de la película Two plus One, dirigida por Eugene Martin. Este director fue nominado en los premios Emmy con una obra que cuenta con arreglos de Matthew Levy, uno de los integrantes del cuarteto, destacada en la sección de música temática de la revista semanal «NOW» de PBS. La serie de conciertos de Prism, así como sus grabaciones, incluyen una muestra de los nombres más destacados de la música contemporánea: BMOP, Ethel, Sō Percussion, Talujon, Partch, Music From China, Opera Colorado, Cantori New York, Nick Didkovsky, Marilyn Nonken, y reconocidos artistas de jazz como Jason Moran, Uri Caine, Chris Potter, Ravi Coltrane, Tim Ries, Jay Anderson, Ben Monder, Bill Stewart, Gerald Cleaver y John Riley. Prism también se presentó con la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, la Opera Colorado, The Crossing (agrupación coral), el New York Consort of Viols, el grupo chileno Inti-Illimani, y con Miro Dance Theatre, Nai Ni Chen Dance Company y el Ballet de Pensilvania. En 2016, el cuarteto obtuvo el reconocimiento de su alma mater, la Universidad de Michigan, como el primer grupo galardonado con el Premio Christopher Kendall por su trabajo enfocado en la «colaboración, emprendimiento, y participación en la comunidad». El Cuarteto Prism toca exclusivamente con saxofones y boquillas Selmer. 3 El concierto en Valledupar cuenta con el apoyo de El concierto en Riohacha cuenta con el apoyo de El concierto en Barranquilla cuenta con el apoyo de y con la colaboración de 4 PROGRAMA PROGRAMA No. 1 Conciertos en Valledupar, Riohacha, Santa Marta y Barranquilla Keen (2004) ROSHANNE ETEZADY (n. 1973) Pagine (1998) Itene miei sospiri de Carlo Gesualdo da Venosa (1564-1619) Dies sind die heil’ gen zehn Gebot de Johann Sebastian Bach (1685-1750) Gott Vater in Ewigkeit de Johann Sebastian Bach Who Cares? de George Gershwin (1898-1937) Allegrissimo K. 120 de Domenico Scarlatti (1685-1757) SALVATORE SCIARRINO (n. 1947) Adaptación para cuarteto de saxofones Steamboat (2014) MICHAEL DAUGHERTY (n. 1954) Send in the Clowns del musical A Little Night Music (1973) STEPHEN SONDHEIM (n. 1930) Arreglo para cuarteto de saxofones de Matthew Levy (n. 1963) Paquetá (c. 1944) ROBERTO SAGHINI (s. f.) Original para flauta, guitarra y cavaquinho Arreglo para ensamble de saxofones de Álvaro Rojas (s. f.) Above (2013) MATTHEW LEVY (n. 1963) INTERMEDIO 5 A Schumann Bouquet (2015) Lieber Mai (The beautiful month of May) Knecht Ruprecht (The bogeyman) Sheherazade Ländler (a sort of German waltz) Sehr langsam (Very slow) Lied italienischer Marinari (Song of the Italian boatmen) WILLIAM BOLCOM (n. 1938) Arreglo para cuarteto de saxofones basado en seis piezas para piano de Album für die Jugend, Op. 68 (1848) de Robert Schumann (1810-1856) Saxophone Quartet (2014) GEORG FRIEDRICH HAAS (n. 1953) Every Thing Must Go (2007) Andante G. L. in memoriam Pensoso, con sobrio espressione MARTIN BRESNICK (n. 1946) 6 PROGRAMA No. 2 Concierto en Bogotá Keen (2004) ROSHANNE ETEZADY (n. 1973) Night Music (c. 2015) EMMA O’HALLORAN (n. 1985) Saxophone Quartet (2014) GEORG FRIEDRICH HAAS (n. 1953) Steamboat (2014) MICHAEL DAUGHERTY (n. 1954) INTERMEDIO Heartbreakers (1997-1998) Part I Part II JACOB TV (n. 1951) Above (2013) MATTHEW LEVY (n. 1963) New York Counterpoint (1985) STEVE REICH (n. 1936) Original para ensamble de clarinetes Adaptación para cuarteto de saxofones de Susan Fancher (s. f.) CONCIERTO No. 47 7 NOTAS AL PROGRAMA El saxofón fue inventado por el belga Adolphe Sax (1814-1894) alrededor de 1840 y patentado en 1846. Hasta 1930 se mencionan cerca de 130 obras compuestas para el instrumento (Raumberger & Ventzke, 2001); a partir de ese año, el número de obras creció significativamente. El repertorio propio del instrumento es, relativa y comparativamente, escaso. El programa del Cuarteto Prism para sus presentaciones en Colombia incluye en su mayoría obras de compositores estadounidenses vivos y activos, en concordancia con su objetivo de «estimular la creación de un nuevo repertorio, priorizando las comisiones de los compositores estadounidenses preeminentes que nunca han escrito para el medio» (Cuarteto Prism, 2017). Igualmente, aparecen obras (Bolcom y Sciarrino) que buscan «explorar la expresividad del cuarteto de saxofones al conectarlo con la rica herencia de la música occidental», por medio de antologías que reflejan las propias sensibilidades de sus compositores. Roshanne Etezady (n. 1973) estudió piano y flauta, y desarrolló el interés por muchos estilos diferentes de música, desde los musicales de Steven Sondheim hasta las baladas y Europop de su adolescencia. En 1986, vio actuar a Philip Glass y su conjunto como invitados musicales en Saturday Night Live; este evento marcó el comienzo de su inclinación hacia la música clásica contemporánea y el deseo de ser compositora. Etezady estudió en la Universidad Northwestern y la Universidad de Yale, y ha trabajado intensamente con numerosos compositores, incluidos William Bolcom, Martin Bresnick, Michael Daugherty y Ned Rorem. Finalizó su doctorado en la Universidad de Michigan en marzo de 2005. Keen que fue compuesta para el Cuarteto Prism en 2004: «la palabra ‘keen’ significa un grito de lamento por los muertos. El uso del dron al principio y al final de Keen evoca un sentido de solemnidad y quizás de espiritualidad. El cuerpo de la pieza se caracteriza por secciones episódicas de diferentes estados de ánimo y colores, que culminan con los cuatro instrumentos en sus registros más altos» (Etezady, 2019). Salvatore Sciarrino (n. 1947), compositor italiano, precozmente dotado, en principio se interesó por las artes visuales pero progresivamente se orientó hacia la música y comenzó a experimentar con la composición en 1959 bajo la guía de Antonino Titone. En 1969 se trasladó a Roma, donde tuvo la orientación de Franco Evangelist. Sciarrino comenta sobre Pagine, que fue compuesta en 1998: 8 El cuarteto de saxofones es una formación increíblemente homogénea y dulce, flexible, nacida hace más de cien años pero que rara vez se usa fuera del jazz y, por lo tanto, su potencial aún debe ser explorado. Recientemente, ha florecido una escuela italiana de saxofón, basada en la escuela francesa, y la calidad técnica de los instrumentistas ha aumentado considerablemente. Mientras tanto, en toda Europa, se ha comenzado a formar un repertorio de cámara original en torno a las diferentes agrupaciones posibles con dicho instrumento. […] Ha sido la dificultad de armar esta composición la que me ha hecho consciente de una cierta falta de identidad que sufre el cuarteto de saxofones, al no poder recurrir, como casi cualquier otro instrumento, a su propio repertorio antes del Romanticismo. Por esta razón, he querido ofrecer una contribución real para resolver el problema del repertorio, central en mi opinión, y no pensé tanto en composiciones individuales sino en un ciclo. Pagine (Páginas) es una antología basada en diferentes periodos y estilos. Al organizar las piezas, he evitado los aspectos estereotipados. Por el contrario, he apuntado hacia la inexorable modernidad de los antiguos maestros, algo que hoy está de moda ignorar alegremente (Sciarrino, 2017). Martin Bresnick (n. 1946), compositor estadounidense, nació y creció en el Bronx de Nueva York. Estudió en la Universidad de Hartford, en la Vienna Music Academy y la Universidad de Stanford. Entre sus maestros están John Chowning y György Ligeti. Las composiciones de Martin Bresnick unen gestos repetitivos derivados del minimalismo con una variedad armónica que abarca tanto sonidos altamente cromáticos como armonías consonantes. Every Thing Must Go, compuesta en 2007, fue comisionada por el Cuarteto Prism con el apoyo de The New York State Music Fund. El compositor propone estos cuatro cortos versos como la reseña de la obra: «Every Thing Must Go, / And does - / As in these three movements, / Now going, now gone», y amplía su comentario así: Es una despedida explícita de la música y los músicos que he amado. El segundo movimiento, G.L. [György Ligeti] in Memoriam, toma prestada una canción que persiguió a mi maestro durante toda su vida. Aunque su trabajo está hecho y él se ha ido, los patrones reales de su canción aún cantan transformados en el mío. En un libro reciente, Every Thing Must Go, Metaphysics Naturalized de James Ladyman y Don Ross, publicado poco después de completar mi composición, me intrigaba leer la afirmación de los autores de que, estrictamente hablando, no hay ‘cosas’ en el universo, solo ‘patrones reales, de principio a fin’. Encontré esta observación sorprendentemente análoga a aspectos de mi música. En un universo que no es de nuestra propia creación, en el que no somos ni el centro ni el objetivo (si hay un objetivo), todo se debe ir, y el irse está en cada agenda. Sin embargo, de alguna manera seguimos… cantando (Bresnick, 2010). 9 Roberto Saghini (s. f.), compositor argentino, aparece con diez registros en la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (SADAIC), fundada en 1936. Entre sus obras se encuentran Argelia, Hasta cuándo, Moreniña, Saudades, Vuelve a la conga y Paquetá. Esta última, registrada el 30 de noviembre de 1944, es un choro (lamento) o chorinho brasileño, género instrumental que originalmente se tocaba en trío (flauta, guitarra y cavaquinho). El arreglo es del compositor y saxofonista colombiano, nacido en Málaga (Santander), Álvaro Rojas. ‘Paquetá’ es una isla localizada en la Bahía de Guanábara. Se desconoce exactamente el origen del nombre, que puede significar ‘lugar con muchas conchas o muchas piedras’, aunque se sabe que la isla ya era conocida como Paquetá por sus pobladores originales, los indios Tamoios, desde antes de la llegada de los franceses y portugueses. Stephen Sondheim (n. 1930), nacido en Nueva York, es «el compositor-letrista vivo más respetado y premiado del teatro musical estadounidense, ha co-creado una serie de obras, entre ellas Into the Woods y Sweeney Todd, que se han convertido en clásicos […] Su influencia en las generaciones posteriores para el teatro es profunda» (Lovensheimer, 2012). Send in the Clowns, en arreglo de Matthew Levy, es la canción más popular del musical A Little Night Music (1973), con música y textos de Sondheim sobre un libro de Hugh Wheeler. William Bolcom (n. 1938), compositor y pianista estadounidense, nació en Seattle y comenzó estudios de composición a los once años con John Verrall en la Universidad de Washington. Sus estudios continuaron con Darius Milhaud en el Mills College (1958-1961) y con Olivier Messiaen en el Conservatorio de París. En la década de los sesenta fue cambiando su manera de componer serialmente para abarcar una variedad más amplia de estilos musicales. Acerca de A Schumann Bouquet, indica: Inventados en la época en que se compusieron las piezas de A Schumann Bouquet, los saxofones tal vez estaban destinados principalmente al uso de la banda (en francés, orchestre d’harmonie), estarían mal vistos por las orquestas, y todavía lo están en algunos lugares. Este cisma puede ser la razón por la cual la literatura sobre el saxofón todavía está tan separada del canon clásico […] mi idea de arreglar este conjunto de piezas cortas para piano de Robert Schumann para ellos [Cuarteto Prism], como un regalo, es un intento de cerrar el cisma […] abriendo la puerta a una expresividad potencial más amplia para el saxofón al conectarlo con el rico pasado musical. Me ha encantado la música de Schumann desde la infancia, no solo las principales obras para piano como Carnaval, Humoreske y Kreisleriana, sino también las piezas más modestas y cortas. Álbum para la juventud, que data de 1848, es una fuente rica 10 que a menudo se pasa por alto. Incluso las piezas de iniciación, técnicamente fáciles, están llenas de poesía, y los desafíos interpretativos en algunas posteriores son tan profundos como en las obras más grandes de Schumann (véase, por ejemplo, Sehr langsam, la quinta ‘flor’ en A Schumann Bouquet) (Bolcom, 2017). «El amor a los sonidos que se desarrollan como seres vivos en el tiempo y el espacio es uno de los principios fundamentales de mi trabajo» (Günther, 2009), afirma el compositor Georg Friedrich Haas (n. 1953), nacido en Graz, Austria. Haas estudió en el conservatorio de su ciudad natal con Gösta Neuwirth e Ivan Eröd, y comenzó a enseñar allí antes de graduarse. Considerado uno de los principales compositores europeos de su generación, está radicado en Nueva York y es profesor de composición en la Universidad de Columbia. El Diccionario Grove afirma que «en palabras de Reinhard Kager, Haas se siente atraído por los ‘mundos nocturnos resonantes’, con elementos de lo irreal y lo irracional» (Wiesmann, 2001). Por otro lado, Haas no les teme a las controversias ni al juicio de las personas. Su cuarto matrimonio, con la activista estadounidense del BDSM (Bondage & Discipline, Domination & Submission, Sadism & Masochism) y educadora sexual Mollena Williams-Haas, y su reciente apertura sobre su vida sexual son muestras de su carácter: «soy un compositor que escribe mucha música y puedo componer esta música porque mi esposa es sumisa y su amor es hacer esto posible» (Yazdani, s. f.). Comisionado por KölnMusik GmbH y la Organización Europea de Salas de Conciertos (ECHO), el Saxophone Quartet (Cuarteto de saxofones) utiliza un lenguaje microtonal, con un flujo de notas repetidas dentro de impulsos rítmicos en permanente transformación, en el que «las formas, así como los colores, son evocados, especialmente por el Cuarteto de Haas, que, además de presentar el sonido en un rango completo desde fortissimo hasta el pianissimo más susurrado – apenas respirado– recuerda imágenes de fluidez y movimientos de líquidos» (Cuarteto Prism, 2015). Matthew Levy (n. 1963), saxofonista, compositor, curador, productor / ingeniero, consultor de artes y educador, ha hecho una contribución sustancial a la música contemporánea como cofundador y director del mundialmente famoso Cuarteto Prism, y como colaborador con otros artistas y conjuntos en los últimos veinticinco años. Above inicia con una encantadora serie de acordes, de alguna manera reminiscentes de la música barroca y del compositor francés del siglo XX, Olivier Messiaen. Incluso, un saxo barítono solitario que sale del conjunto no cambia la suavidad de colores 11 y el humor lírico de la pieza. Pronto se le une un saxo soprano y sugiere un pájaro cantando en la noche. Finalmente, la pieza vuelve a esos grandiosos y pacíficos acordes iniciales (Shaefer, 2014). Michael Daugherty (n. 1954), compositor, nació en Cedar Rapids, Iowa. Es hijo de un baterista integrante de una orquesta de baile y el mayor de cinco hermanos, todos músicos profesionales. Daugherty ha logrado reconocimiento internacional como uno de los diez compositores estadounidenses de música de concierto más interpretados según la League of American Orchestras. Es profesor de composición en la Universidad de Michigan. Con relación al uso de la tecnología actual como apoyo para la creación, afirma: Utilizo todas las tecnologías disponibles para componer mi música. Una de las críticas al uso de MIDI, computadoras, muestreo y otras tecnologías digitales es que esto comprometerá e influirá en el proceso de composición de manera perjudicial. Mi padre siempre decía: «Todo con moderación». […] como cualquier ‘tecnología’, puede ser un colaborador creativo, o puede ser una muleta, crear obstáculos y bloquear el pensamiento creativo y la experimentación. Al final, depende de qué tan bien se conozca la tecnología que se está utilizando y en qué medida se controla (no al revés) (Raines, 2013). Steamboat, compuesta en 2014 y estrenada en 2015, se basa en el movimiento final de otra de sus composiciones, Reflections on the Mississippi (2013), un concierto para tuba y orquesta. De acuerdo con Daugherty, «evoca historias coloridas de La vida en el Mississippi de Mark Twain (1835-1910). Navegando por el río Mississippi, he compuesto música animada que toma como referencia los juegos de barcos de vapor de la ciudad natal de Twain en Hannibal, Missouri, hasta la parada final en Nueva Orleans» (Daugherty, 2015). Emma O’Halloran, compositora y productora, que se mueve entre la electrónica y lo acústico, nació en Athlone, Irlanda, y actualmente está radicada en los Estados Unidos. Estudió en la Royal Irish Academy of Music y en la National University of Ireland Maynooth. Recién graduada (2019) del programa de doctorado en la Universidad de Princeton, O’Halloran ha escrito para músicos folclóricos, conjuntos de cámara, orquesta de portátiles, orquesta sinfónica, cine y teatro. Night Music fue estrenada el 22 de mayo del 2015 en el Curtis Institute of Music. O´Halloran hace el siguiente comentario al respecto: Night Music es una reflexión sobre un año que pasé viviendo en Miami cuando tenía poco más de veinte años. Nunca había vivido en el extranjero y durante todo el año tuve una sobrecarga sensorial. Me encantaba la música, el clima y la gente, pero 12 también experimenté una gran conmoción cultural por haber venido de una ciudad relativamente pequeña en el medio de Irlanda. Hubo momentos en los que me sentí muy conectada con todo lo que me rodeaba y otros cuando las cosas cambiaron su foco, como si estuviera teniendo una experiencia corporal externa. En los momentos en que sentía que partes de mí se me escapaban iba a la playa por la noche y escuchaba los sonidos del océano. También me influenció la música de baile latina, y esta pieza trata de recrear algunos de esos sonidos: la música que escucharías en los clubes de Miami y también la música de Miami Sound Machine (O´Halloran, s. f.). Jacob TV - Jacob Ter Veldhuis (n. 1951) nació en Westerlee, Holanda. Inició como músico de rock y estudió flauta, corno, percusión, piano y educación musical en el Conservatorio de Groningen. Además, estudió composición con Willem Frederik Bon y música electrónica con Luctor Ponse. Fue galardonado con el Premio de Composición de los Países Bajos en 1980 y pronto obtuvo amplio reconocimiento. En Darmstad, Alemania, en 1992, Ter Veldhuis planteó su posición frente a la música contemporánea: En contraste con otras formas de arte contemporáneo, la nueva música está envuelta en nubes de intelectualismo promovido por compositores, académicos y otros expertos. Un acercamiento tan académico a la música no me interesa. Los detalles técnicos y estructurales son secundarios. En música, no me expreso racionalmente, sino emocionalmente, espiritualmente. Valoro la intuición más que el análisis (Cley, 1995). Heartbreakers es una suite para banda sonora y cuarteto de saxofones, compuesta entre 1997 y 1998, y estrenada en el Jacob TV Festival de Rotterdam en 2001. En palabras del compositor: «es una mezcla única de rock, jazz y danza. La banda sonora se compone de muestras de confrontaciones emocionales de programas de entrevistas [talk shows] estadounidenses de los años 90, como el Jerry Springer Show. Las frases y los diálogos entre anfitriones e invitados crean temas musicales ideales debido a las melodías, el contenido emocional y la intensidad del discurso. Todas y cada una de las notas se derivan de la melodía y el ritmo de la palabra hablada» (Ter Veldhuis, 2017). ve Reich - Stephen Michael Reich (n. 1936), nacido en Nueva York, es uno de los pioneros de la música repetitiva que surgió en Nueva York a mediados de la década de los sesenta y que pronto se denominó ‘minimalismo’. Su música ha influido en compositores y músicos de todo el mundo. Con Music for 18 Musicians y Different Trains obtuvo premios Grammy, y con Double Sextet fue ganador del Premio Pulitzer en 2009. Reich mismo comenta sobre New York Counterpoint: 13 Fue comisionada por The Fromm Music Foundation para el clarinetista Richard Stolzman y compuesta durante el verano de 1985. La duración es de unos 11 minutos. La pieza es una continuación de las ideas encontradas en Vermont Counterpoint (1982), donde un solista toca contra una cinta pregrabada de él mismo. En New York Counterpoint, el solista graba previamente diez partes de clarinete y clarinete bajo, y luego toca la undécima parte final en vivo contra la cinta. Los procedimientos de composición incluyen varios que ocurren en mi música anterior. Los pulsos de apertura provienen del inicio de Music for 18 Musicians (1976). El uso de patrones melódicos repetidos entrelazados interpretados por un mismo instrumento multiplicado se puede encontrar en mis primeros trabajos, Piano Phase (para 2 pianos o 2 marimbas) y Violin Phase (para 4 violines), ambos de 1967. […] New York Counterpoint tiene tres movimientos: rápido, lento, rápido, tocados uno tras otro, sin pausa. El cambio de tempo es abrupto y la relación es simple, 1:2. La pieza está en métrica de 3/2 = 6/4 (= 12/8). Como suele ser el caso, cuando escribo en esta métrica, existe una ambigüedad entre si uno escucha métricas de 3 grupos de 4 corcheas, o 4 grupos de 3 corcheas. En el último movimiento del New York Counterpoint los clarinetes bajos funcionan para acentuar primero una y luego la otra de estas posibilidades, mientras que los clarinetes superiores esencialmente no cambian. El efecto, por cambio de acento, es variar la percepción de lo que de hecho no está cambiando (Reich, 1986). Susan Fancher, quien hizo parte como saxofonista soprano del Vienna Saxophone Quartet, realizó en 1995 la transcripción del New York Counterpoint para cuarteto de saxofones, para lo cual contó con la aprobación del compositor. Fancher recuerda que conoció a Reich en 1994, en Viena, después del estreno de The Cave. Después de este encuentro, dice Fancher: «le escribí a Steve preguntándole si pensaba que algo de su música podría funcionar en una transcripción para saxofón. Respondió que el New York Counterpoint, […] podría funcionar bien en saxofones. Me animó a intentarlo y aprobó la publicación del arreglo que resultó» (Flancher, 2002). Referencias Bolcom, William. (2017). William Bolcom on A Schumann Bouquet. The Art of Transcription. Concerts, Prism Quartet. Traducción al español por Guillermo Gaviria. Disponible en: https://www.prismquartet.com/ concerts/art-transcription-nyc/ Bresnick, Michael. (2010). BRESNICK, M.: Everything must go. Traducción al español por Guillermo Gaviria. Albany, TROY1184. Cuarteto Prism. (2015). Color Theory. PRISM Quartet and Sō Percussion: COLOR THEORY. Touring. Prism Quartet. Traducción al español por 14 Guillermo Gaviria. Disponible en: https://www.prismquartet.com/ touring/color-theory Cuarteto Prism. (2017). The Art of Transcription. Touring, Prism Quartet. Traducción al español por Guillermo Gaviria. Disponible en: https:// www.prismquartet.com/concerts/art-transcription-nyc/ Cley, Michiel. (1995). Jacob ter Veldhuis. Brochure. Traducción al español por Guillermo Gaviria. Donemus ISBN 90-74560-21-0. Amsterdam. Dougherty, Michael. (2015). Steamboat by Michael Daugherty. PRISM Gears Up for World Premieres. Blog, Prism Quartet. Traducción al español por Guillermo Gaviria. Disponible en: https://www.prismquartet.com/blog/ prism-gears-up-for-concerts-of-world-premieres/ Etezady, Roshanne. (2019). PRISM Quartet with Michael Dease. Concerts, Prism Quartet. https://www.prismquartet.com/concerts/with-dease/ Fancher, Susan. 2002. Ponder Nothing. Innova Records. Traducción al español por Guillermo Gaviria. Disponible en: https://www.innova.mu Günther, Andreas. (2009). Georg Friedrich Haas: ... wie stille brannte das Licht. Traducción al español por Guillermo Gaviria. Disponible en: https:// www.universaledition.com/georg-friedrich-haas-278/works/wie-stille-brannte- das-licht-13059 Lovensheimer, Jim. (2012). Sondheim, Stephen. Traducción al español por Guillermo Gaviria. Grove Music Online. Retrieved 14 Sep. 2019. Disponible en: https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic O’Halloran, Emma. (2015). Emma O’Halloran: Night Music. PRISM Quartet and Sō Percussion: COLOR THEORY. Touring. Prism Quartet. Traducción al español por Guillermo Gaviria. Disponible en: https:// www.prismquartet.com/touring/color-theory Raines, Robert. (2013). Michael Daugherty discusses his Creative Process with Robert Raines. Traducción al español por Guillermo Gaviria. Disponible en: https://michaeldaugherty.net/interviews/michael-daugherty-discusses- his-creative-process-with-robert-raines/ Raumberger, Claus, & Ventzke, Karl. (2001). “Saxophone”. Grove Music Online. Retrieved 15 Sep. 2019. Traducción al español por Guillermo Gaviria Disponible en: https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic Reich, Steve. (1986). New York Counterpoint. Comentarios del compositor, 15 Boosey & Hawkes. Traducción al español por Guillermo Gaviria Disponible en: http://www.boosey.com Sciarrino, Salvatore. (2017). Salvatore Sciarrino on Pagine. The Art of Transcription. Touring, Prism Quartet. Disponible en: https://www. prismquartet.com/touring/the-art-of-the-transcription/ Schaefer, John. (2014). People’s Emergency Center. Innova Records. Traducción al español por Guillermo Gaviria Disponible en: https://www. prismquartet.com/wp-content/uploads/2014/03/890_booklet_itunes. pdf Ter Veldhuis, Jacob. (2017). Breath Beneath. Touring. Prism Quartet. Traducción al español por Guillermo Gaviria Disponible en: https:// www.prismquartet.com/concerts/breath-beneath Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. 16 Heartbreakers (s. f.) JACOB TV (n. 1951) Texto: muestras de confrontaciones emocionales de programas de entrevistas [talk shows] estadounidenses de los años 90. Part I Did you know that he was going to kill himself? Yes - a ha? Yes. He jerked on her and I don’t - I don’t repeat. I repeat myself - God! Would you marry me? Yes! - It breaks my heart. Why don’t you take care of her That was my fault! God forgive me for that! You know it’s coming from the bottom of my heart. It breaks my heart to see you cry like this. I’m giving myself shots all the time. Okay - He jerked on her! - He did not! Overpopulated welfare people. He jerked on her! - Woow! God forgive me for that, He jerked on her and I don’t - I don’t repeat, I repeat myself Mama how do you deal with people you don’t like? You ain’t seen nothing yet! My past was my past Why don’t you take care of her! She’s my daughter she is my business! I don’t want to listen - I don’t care Find a real man! – Who’s a real man, you? I’ve been on my own since I was seven years old. Overpopulated welfare people. I got a husband, God bless it, to take care of me. You know I’m eighteen, I’m gonna do what I want. Hey I just don’t understand okay, I want you to love me all right? Ah go to hell - No you go to hell! You have no choice, you have no choice. I do have a choice! - You have no choice. She is now an adult! Mama, how do you deal with people you don’t like? She don’t like anybody. She’s my daughter she is my business. I don’t wanna listen - Let her go! Let her go where? - Let her go! It breaks my heart to see you cry like this. Parte I ¿Sabías que se iba a suicidar? Sí, ¿ajá? Sí. Él la maltrató y yo no, no repito. Me repito – ¡Dios! ¿Te casarías conmigo? ¡Sí! – Me rompe el corazón. ¿Por qué no la cuidas? ¡Fue por mi culpa! ¡Dios me perdone por eso! Sabes que viene del fondo de mi corazón. Me rompe el corazón verte llorar así. Me estoy inyectando todo el tiempo. De acuerdo – ¡Él la trató mal! – ¡No lo hizo! Sobrepoblación de personas en asistencia social. ¡Él la trató mal! – ¡Guau! Dios me perdone por eso, él la maltrató y yo no – yo no repito, me repito mamá ¿cómo tratas con la gente que no te gusta? ¡Aún no has visto nada! Mi pasado era mi pasado ¡Por qué no la cuidas! ¡Ella es mi hija, ella es asunto mío! No quiero escuchar – no me importa. ¡Encuentra un hombre de verdad! – ¿Quién es un hombre de verdad, tú? He estado sola desde que tenía siete años. Sobrepoblación de personas en asistencia social. Tengo un esposo, Dios lo bendiga, para cuidarme. Sabes que tengo dieciocho años, haré lo que quiera. Oye, simplemente no entiendo bien, quiero que me ames ¿de acuerdo? Ah, vete al infierno. No, ¡vete al infierno! No tienes opciones, no tienes opciones. ¡Tengo una opción! - No tienes opciones. ¡Ahora ella es adulta! Mamá ¿cómo tratas con la gente que no te gusta? A ella no le gusta nadie. Ella es mi hija ella es asunto mío. No quiero escuchar – ¡Déjala ir! ¿Dejarla ir a dónde? – ¡Déjala ir! Me rompe el corazón verte llorar así. 17 Part II Why won’t you admit that he did that to me? You know it and I know it. There was nobody to help me, She wouldn’t help me, she just turned her back on me. What’s the matter with you? Why won’t you admit that he did that to me? You know it and I know it, There was nobody to help me, She wouldn’t help me, she just turned her back on me. It’s always been fighting an she took my kids from me. She said that I was irresponsible What’s the matter with you? Hey I’ve seen her try to commit suicide, and I had to shove my finger down her throat to get her to throw up okay? You let it go on - Let what go on? You know what! - What Suzy? It’s always been fighting and she took my kids from me. You’ve been drunk, all messed up with dope dead drunk. Mama - she’s my daughter, I mean this is your daughter. Your husband was with another woman and he comes home to beat you up! Look at you! - Is anyone here pregnant? She’s proud to be a prostitute! I mean they’re out giving it away, at least I’m getting money out of it Is anyone here pregnant? - Yeah me! O it’s an off and on situation here, I’m so sick - I wouldn’t mind getting off the crack. All messed up with dope dead drunk, You been there all your life - Who the hell... I brought you out the pits of hell, honey. I’m so sick of it – I’m sick of it too honey Look at you! I think I helped you off the pits of hell Your husband was with another woman and he comes home to beat you up! Look at you! -And you were dead! You’re so damned suicidal huh? I’m so sick of my life. Cracked it up, shot it up, drank it up, you don’t have any money. O it’s an off and on situation here. One day you’re gonna be a grandmother. It’s just like one morning, about four o’clock in the morning, it’s cold and it’s raining you know… Parte II ¿Por qué no admites que él me hizo eso? Tú lo sabes y yo lo sé, no había nadie que me ayudara, ella no quiso ayudarme, solo me dio la espalda. ¿Qué pasa contigo? ¿Por qué no admites que él me hizo eso? Tú lo sabes y yo lo sé, no había nadie que me ayudara, ella no quiso ayudarme, solo me dio la espalda. Siempre ha sido una pelea y ella me quitó a mis hijos. Ella dijo que yo era irresponsable. ¿Qué pasa contigo? ¡Hey! La he visto tratar de suicidarse y tuve que meterle el dedo por la garganta para que vomitara ¿bien? Dejaste que continuara – ¿Qué pasa? ¡Sabes qué! - ¿Qué Suzy? Siempre ha sido una pelea y ella me quitó a mis hijos. Has estado borracha, Vuelta nada con drogas borracha perdida. Mamá – ella es mi hija, Quiero decir esta es tu hija. Tu esposo estaba con otra mujer ¡y viene a casa para golpearte! ¡Mírate! - ¿Hay alguien embarazada aquí? ¡Ella está orgullosa de ser una prostituta! Quiero decir que lo están regalando, al menos yo consigo plata con eso ¿Hay alguien embarazada aquí? - ¡Sí, yo! Oh esta es una situación que va y viene, estoy tan enferma – no me importaría dejar el basuco. Vuelta nada con drogas borracha perdida, has estado allá toda tu vida - ¿Quién demonios...? Te saqué de los pozos del infierno, cariño. Estoy tan harta de eso – también estoy harta de eso cariño ¡Mírate! Creo que te ayudé a salir del infierno, tu esposo estaba con otra mujer, ¡y viene a casa para golpearte! ¡Mírate! –¡Y estabas muerta! Eres tan condenadamente suicida, ¿eh? Estoy tan harta de mi vida. Lo aspiró, se lo inyectó, lo bebió, no tienes dinero. Oh esta es una situación que va y viene. Un día serás abuela. Es como cuando una mañana hacia las cuatro de la mañana, hace frío y está lloviendo sabes... Traducción al español por Alberto de Brigard Próximos conciertos en Bogotá · $10.000 SERIE PROFESIONAL Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Foto: Alain Anselm IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. BACH, EL DESEO ETERNO J. S. BACH: Concierto en do menor para oboe, violín, cuerdas y bajo continuo, BWV 1060R. J. S. BACH: Cantata Der Friede sei mit dir, BWV 158. J. S. BACH: Concierto en la menor para flauta, violín, clavecín y cuerdas, BWV 1044. J. S. BACH: Cantata Liebster Jesu, mein Verlangen, BWV 32. PULEP: OET653. IPI101. ETJ563. VLN663 LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA compositor (Colombia) Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES compositor (Colombia) Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. COMISIONES Y RETRATOS 2019 Presentación de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m. Obras comisionadas y conciertos monográficos en el Banco de la República COLOMBIA SE COMPONE 2019 Del 13 al 27 de noviembre en la Biblioteca Luis Ángel Arango Conciertos, conferencias, charlas y un taller de composición Conciertos

José Luis Martínez Ferro, violín Martínez Ferro proviene de una tradición musical familiar en la que destacan su padre, el tiplista José Luis Martínez Vesga, y el Dueto Hermanos Martínez. Desde temprana edad ha interpretado música tradicional colombiana en diferentes ciudades y festivales del país junto a maestros como Ruth Marulanda y Jaime Llano González. Inició sus estudios de violín bajo la tutoría de Sandra Ortiz. En 2011 ingresó al Programa Básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia bajo la dirección de Antonia Kapitanova; posteriormente inició el pregrado en Música Instrumental en la misma institución. Actualmente estudia último semestre en la cátedra de Camilo Andrés Guevara Díaz y es estudiante del énfasis de jazz de la misma universidad dirigido por Antonio Arnedo. Ha recibido clases magistrales con Dmitri Berlinsky y Ala Voronkova, y con integrantes de la Orpheus Chamber Orchestra, la Mahler Chamber Orchestra, el Miami String Quartet, el Cuarteto Latinoamericano, el Cuarteto La Catrina y el Lincoln Trio. Fue becario de las clases magistrales del X Festival Internacional de Música de Cartagena en 2016 y ganador de la convocatoria Pasantía para instrumentistas en orquestas profesionales de Colombia de la Orquesta Filarmónica de Cali en 2017, bajo la dirección de Adrián Chamorro. Ha integrado varias orquestas, entre estas la Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, la Bogotá Chamber Orchestra (BCO) –invitada al Aruba Symphony Festival en 2017–, la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá (FOSBO), y la Filarmónica Joven de Colombia en 2016 y 2019, la cual estuvo bajo la dirección de Andrés Orozco Estrada en diferentes ciudades de Colombia, Alemania, Austria y Suiza. Es violinista del Cuarteto Inbound con quienes ha participado en los Festivales de Cuartetos de Cuerda de la Universidad Nacional, en el Festival de Músicas Latinoamericanas de Vanguardia y en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Su interés en diversas expresiones lo ha llevado a participar junto a importantes agrupaciones como Vivace Ensamble, Dúo Kamaleón, Ensamble de la Tierra y el grupo Ancestro en festivales como Colombia al Parque, Cortiple y el Festival Mono Núñez. Se ha presentado en diferentes escenarios entre los que se destacan el Teatro Colón de Bogotá, el Teatro Jorge Eliecer Gaitán, el auditorio de la Universidad Industrial de Santander, el Teatro Cafam de Bellas Artes, el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, el Auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. En 2016 fue condecorado por la Academia Nacional de Música en la modalidad Jóvenes Talentos. Vivace Trío José Luis Martínez Vesga y Alberto Puentes Torres, tiple y Raúl Walteros Lara, guitarra. Vivace Trío se ha dedicado con pasión, entusiasmo y disciplina a recrear lo mejor de la música tradicional colombiana y a demostrar el inmenso valor del tiple como instrumento nacional. El ensamble incluye en su repertorio melodías clásicas e internacionales. Numerosas grabaciones dan fe de su versatilidad y repertorio. Los mejores escenarios de Bogotá, Medellín, Cali, Ibagué y Bucaramanga han aplaudido su trabajo. Públicos de Estocolmo, Copenhague, París, Roma, Madrid, Quito, Guayaquil, Lima, San Luis, Nueva Orleans, Miami, Chicago y Nairobi, han aclamado a estos embajadores de nuestro país.

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 THIRD COAST PERCUSSION ensamble de percusión (Estados Unidos) Jueves 3 de octubre de 2019 · 6:30 p.m. Medellín, Teatro Camilo Torres de la Universidad de Antioquia PULEP: KLV305 Domingo 6 de octubre de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: ZWU837 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA Foto: Saverio Truglia TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 THIRD COAST PERCUSSION David Skidmore, Robert Dillon, Peter Martin y Sean Connors, percusión Third Coast Percussion es un cuarteto ganador de un premio Grammy, dirigido por sus propios artistas, quienes se han formado como percusionistas clásicos en la ciudad de Chicago. Durante más de diez años, el conjunto ha forjado un camino único en el paisaje musical mediante presentaciones virtuosas y enérgicas que celebran la extraordinaria profundidad y envergadura de las posibilidades musicales en el mundo de la percusión. El conjunto ha sido aclamado por llevar ante el público presentaciones «imperiosamente elegantes» (The New York Times), el «poder excepcional» de sus grabaciones (The Washington Post) y «una sensación inspiradora de diversión y curiosidad» (Minnesota Star Tribune). Los cuatro integrantes de Third Coast Percussion también son exitosos profesores y desde 2013 son el ensamble residente del Centro DeBartolo para las Artes Escénicas de la Universidad de Notre Dame en los Estados Unidos. El cuarteto mantiene una ocupada agenda de giras, habiéndose presentado en treinta y tres de los cincuenta estados de los Estados Unidos, así como en Foto: Saverio Truglia 2 Canadá, Alemania, Italia, Países Bajos y Polonia. El ensamble ha trabajado con ingenieros en la Universidad de Notre Dame, con arquitectos de la Fundación Frank Lloyd Wright, con bailarines de Hubbard Street Dance en Chicago y con músicos de tradiciones que van desde la música mbira del pueblo Shona de Zimbabue hasta rockeros de música indie, pasando por algunos de los principales concertistas del mundo. Mediante un arduo trabajo de talleres y un contacto estrecho con varios compositores, Third Coast Percussion ha comisionado y estrenado obras nuevas de Philip Glass, Devonté Hynes, Donnacha Dennehy, Glenn Kotche, Lei Liang, Gavin Bryars, Christopher Cerrone, Marcos Balter, y de compositores de vanguardia y prometedores mediante su Programa de Colaboración con Compositores Emergentes. El concierto en Medellín cuenta con el apoyo de Siga a Third Coast Percussion en thirdcoastpercussion.com www.facebook.com/thirdcoastpercussion twitter.com/ThirdCoastPerc 3 PROGRAMA Donner (2016) del ciclo Aliens with Extraordinary Abilities DAVID SKIDMORE (n. 1982) Para cuarteto de teclados y tambores BEND (2016) PETER MARTIN (n. 1980) Para dos marimbas Prayer: Star Dust Orbits (2012) de Resounding Earth AUGUSTA READ THOMAS (n. 1964) Para cuencos y crótalos Death Wish (2017) GEMMA PEACOCKE (n. 1984) Para dos marimbas Perfectly Voiceless (2018) DEVONTÉ HYNES (n. 1985) Para cuarteto de multipercusión INTERMEDIO Aphasia (2010) MARK APPLEBAUM (n. 1967) Para vocalista o actor y cinta Ordering-Instincts (2014) ROBERT DILLON (n. 1980) Para cuarteto de multipercusión Perpetulum (2018) Part 1 Part 2 Cadenza Part 3 PHILIP GLASS (n. 1937) Para cuarteto de multipercusión Torched and Wrecked (2016) del ciclo Aliens with Extraordinary Abilities DAVID SKIDMORE Para cuarteto de multipercusión y electrónica CONCIERTO No. 46 4 NOTAS AL PROGRAMA INTRODUCCIÓN En 1930, el compositor cubano Amadeo Roldán (1900-1939) compuso sus Rítmicas No. 5 y No. 6, partiendo en dos la historia de la música académica occidental. Estas fueron las primeras piezas de esta tradición musical compuestas al margen de una estructuración de alturas, como lo habían sido las músicas modales y tonales de los dos milenios anteriores. Roldán optó por otorgar este rol fundamental más bien a timbres y a duraciones y, no sorprendentemente, decidió que la materialidad de estas obras fuese un ensamble de percusión; así, estas dos piezas se convirtieron en las dos primeras creaciones para este nuevo formato instrumental. A partir de aquel ejemplo caribeño, algunos compositores de vanguardia en otros entornos reaccionaron, sumando a sus posibilidades de creación y experimentación estas instrumentaciones y esta nueva manera de pensar. Con el paso de las décadas de los treinta y los cuarenta, otros compositores en las Américas – Varèse, Chávez, Cage, etc.– fueron nutriendo el mundo de la percusión hasta que ya en la segunda mitad del siglo pasado, sus contrapartes transoceánicas se sumaron a la aventura. Desde hace varias décadas es común y corriente el que todos los compositores académicamente formados se enfrenten a la percusión, sea como grupo o en formato de solista. Sin embargo, a diferencia de muchos instrumentos, también se ha hecho frecuente el que los mismos percusionistas compongan para este medio. El programa de hoy combina ambas vertientes, ofreciéndonos una muestra mínima de la descomunal explosión del repertorio para percusión que ha habido en estas nueve décadas, incluso limitándose a algo de la producción en los Estados Unidos de América. EL REPERTORIO David Skidmore (n. 1982) El percusionista, gestor y compositor estadounidense David Skidmore es miembro fundador y director ejecutivo de Third Coast Percussion (TCP). Se ha desempeñado como intérprete en los Estados Unidos, Europa y Asia, en colaboración con diversas orquestas y agrupaciones especializadas como el Pittsburgh New Music Ensemble, el Ensemble Signal o eighth blackbird, y en colaboración con directores y compositores de la talla de Pierre Boulez, 5 Augusta Read Thomas y Péter Eötvös, entre muchos otros. Su formación académica tuvo lugar en las Universidades Northwestern y Yale, donde estudió con Robert van Sice, Michael Burritt, James Ross, Shawn Schietroma y Michael Hernandez. Donner y Torched and Wrecked forman parte del ciclo Aliens with Extraordinary Abilities (Extraterrestres con habilidades extraordinarias), en el cual el compositor combina la escritura instrumental puramente acústica con la intervención de medios electroacústicos en algunas de las piezas constitutivas, e incluso video, encargo hecho al videoartista Xuan. Todas las piezas del ciclo exploran una idea central: el que una misma música pueda desenvolverse en diferentes velocidades simultáneamente. Los títulos, a su vez, son intencionalmente crípticos, habiendo sido tomados de eventos memorables ocurridos en giras de TCP o de chistes privados entre sus miembros. Donner es exclusivamente instrumental y utiliza notas repetidas como punto de partida para acostumbrarnos a la sensación de politemporalidad, antes de embarcarse en construcciones melódicas más complejas que exploran estas superposiciones. En Torched and Wrecked, se asume que Skidmore plantea una electrónica que refuerza y expande la escritura para percusión en vivo, creando un denso tejido que de cierta forma recuerda las superposiciones que hallamos en músicas cortesanas indonesias. En ambos casos, el ímpetu rítmico y el diatonicismo nos remite a los experimentos minimalistas de ciertos compositores estadounidenses a finales de la década de los sesenta, con los cuales Skidmore, como compositor, y TCP, como ensamble, tienen evidentes vínculos. Peter Martin (n. 1980) El percusionista, docente y compositor estadounidense Peter Martin es también el director financiero de TCP. Se formó en las Universidades de Rutgers y Northwestern, donde estudió con Michael Burritt, She-e Wu y Leigh Howard Stevens. Su actividad interpretativa lo ha llevado a trabajar con el Ensemble Dal Niente, ICE y eighth blackbird, entre otras agrupaciones; sus grabaciones han aparecido en disqueras como Mode y Harmonia Mundi. El interés que tiene en la enseñanza lo ha llevado transitoriamente a trabajar en distintas universidades, pero, sobre todo, a involucrarse en proyectos comunitarios de diferente índole. En ese tipo de contextos, Martin ha compuesto música para muchos de los proyectos educativos de TCP, frecuentemente demostrando un interés particular por vertientes interdisciplinares. 6 BEND, de acuerdo con las explicaciones de Martin, está inspirada en las composiciones para pianola del arquitecto y compositor aficionado Bruce Goff (1904-1982). Este inquietante artista perforaba los rollos de pianola siguiendo diseños geométricos para así llegar a una música pensada como formas sonoras. Mientras que las formas de Goff podían generar giros melódicos atípicos, Martin las convierte en volúmenes, timbres y gestos. En esta pieza, los cuatro intérpretes se reúnen en torno a dos marimbas y exploran una diversidad de excitadores, no solo para percutir, sino también para frotar las teclas. Augusta Read Thomas (n. 1964) Augusta Read Thomas es una de las compositoras más importantes y premiadas de su generación en los Estados Unidos. Aunque resulta poco útil tratar de resumir sus innumerables logros, es conmovedor ver que, al margen de ganar el Grammy o desarrollar una residencia de una década con la gran Orquesta Sinfónica de Chicago, ella misma tiende a resaltar los reconocimientos que hablan acerca de su notable papel, como docente de la Universidad de Chicago o como artista vinculada en el trabajo con y por su ciudad. Resounding Earth (Tierra resonante) es una monumental y hermosa obra en cuatro movimientos, escrita para un cuarteto de percusionistas que tocan unas trescientas campanas o instrumentos ‘acampanados’ (idiófonos metálicos resonantes). Cada uno de los movimientos es un homenaje póstumo a compositores reconocidos que, suponemos, han sido importantes para Thomas. Los instrumentos que convoca son tomados de una gran variedad de culturas y épocas, cosa que la compositora describió como una manera de celebrar la riqueza que surge al reconocer la diversidad cultural. En esta ocasión, escucharemos solamente el segundo movimiento, Prayer: Star Dust Orbits (Rezo: órbitas de polvo estelar), dedicado al italiano Luciano Berio (1925-2003) y al francés Pierre Boulez (1925-2016). En este movimiento, la compositora utiliza veintiséis rin (cuencos tradicionales japoneses) y diez crótalos occidentales para explorar sugestivas sonoridades ultraresonantes que generan un inequívoco aire de misticismo. Cuando la gran resonancia de los instrumentos percutidos no es suficiente, la frotación de los rin parece negar por completo el tiempo, llevándonos a espacios que parecen reservados para las deidades. 7 Gemma Peacocke (n. 1984) Aunque nacida en Nueva Zelanda, la compositora Gemma Peacocke se estableció hace algunos años en los Estados Unidos, donde estudió en las Universidades de Princeton y NYU, y trabajó bajo la guía de la notable Julia Wolfe. En su música, Peacocke combina voces e instrumentos con medios electroacústicos, interés que ha profundizado con algunos estudios breves en el IRCAM (Instituto de Investigación y Coordinación Acústica/Música) de París, Francia. Un aspecto característico de su generación es el interés por el trabajo interdisciplinar, cosa que ella ha desarrollado frecuentemente haciendo colaboraciones con la danza, el teatro y las artes visuales, y dando algún énfasis sociopolítico a sus obras. Peacocke cofundó el colectivo de compositoras Kinds of Kings cuya meta dual es «amplificar y propugnar por voces no escuchadas en la música nueva y producir trabajo inmersivo e incluyente» (Kinds of Kings). Otra pieza para cuarteto de percusionistas tocando dos marimbas, Death Wish (Deseo de muerte), fue compuesta después de que la compositora viese un documental realizado en torno a sobrevivientes de violencia sexual en Nueva Zelanda. Una de las mujeres entrevistadas, la activista y artista maorí Hinewirangi Kohu-Morgan, hablaba acerca de la sensación de pérdida de control sobre su vida y cómo desarrolló un deseo de muerte tras los abusos sexuales que debió soportar. Peacocke ha resaltado la valentía de víctimas como Kohu-Morgan, quienes han utilizado sus propias experiencias para crear obras de arte y así ayudar a otras personas para que puedan enfrentar sus propios demonios. Otro ejemplo de posminimalismo estadounidense en nuestros días, la pieza elabora ideas de energía y fuerzas, tanto internas como externas que, a la postre, guían nuestras vidas. Devonté Hynes (n. 1985) Devonté Hynes es un cantante, compositor, productor y autor británico radicado en Nueva York. Ha tenido una amplia experiencia trabajando con danza, incluyendo la composición de una obra de programa entero compuesta en 2018 para TCP y el grupo Hubbard Street Dance Chicago; la coreografía de la obra fue realizada por Emma Portner, Jon Boogz y Lil Buck. Un curioso proceso creativo implicó que Hynes hiciera la composición con sonidos muestreados y sintetizados que luego envió a TCP, quienes experimentaron con sus instrumentos para crear una versión en vivo. A partir de ello, grabaron 8 el resultado para obtener retroalimentaciones de Hynes y, eventualmente, enviar el resultado a los coreógrafos para que creasen la danza a partir de la música. Perfectly Voiceless (Perfectamente sin voz) es una sección de esta obra de programa entero, originalmente fue un interludio musical entre dos de las piezas danzadas. En el remolino del sonido resultante encontramos instrumentos de teclado que generan impulsos constantes en agrupaciones cambiantes, fragmentos escalares neotonales permanentemente reinstrumentados, mutaciones caleidoscópicas del timbre, etc. Hacia la mitad de la pieza, surge un breve tramo resonante que parece plantear un tempo más lento como contraste al martilleo regular, aunque el tempo original pronto regresa. Una larga transformación nos lleva hacia metales agudos que terminan en un tramo final de sonoridad brillante. Mark Applebaum (n. 1967) Mark Applebaum es un compositor, pianista y lutier estadounidense, formado en la Universidad de California en San Diego, especialmente bajo la guía de Brian Ferneyhough y Roger Reynolds. Hoy en día, además de ser ampliamente reconocido como compositor, es profesor en la Universidad de Stanford, también en California. Aunque frecuentemente interpretada por percusionistas, Aphasia (Afasia, en términos generales, la pérdida de la capacidad del habla) es una elaboradísima obra compuesta para un vocalista –ciertamente uno que nunca canta– con un supuesto acompañamiento electroacústico, que a fin de cuentas es lo único que suena. En la partitura, el compositor incluso describe la obra como una danza con coreografía y, efectivamente, lo que ocurre en escena es más algo visto que escuchado. El solista ejecuta gestos físicos cotidianos de manera sincronizada –aunque sin conexión alguna de significado– con una grabación de muestras vocales transformadas del barítono Nicholas Isherwood, a quien está dedicada la pieza. El efecto es impactante y con frecuencia hilarante, a veces pareciendo algún tipo de sonorización abstracta de caricaturas a la usanza antigua. Robert Dillon (n. 1980) El percusionista, docente y compositor estadounidense Robert Dillon estudió en la Universidad Northwestern y en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, formándose con maestros como Michael Burritt, James Ross y Will Hudgins. Es miembro y director de recaudación de fondos de TCP, y ha 9 combinado su carrera como intérprete solista, de cámara y orquestal con el trabajo docente para todas las edades y la composición. Ordering-Instincts (algo así como ‘Instintos de organización’) plantea una interesante situación de multipercusión, armando cuatro grupos simétricos de tablas (no hindúes, sino comunes y corrientes… pedazos de madera), crótalos y tambores compartidos. A partir de ello, los cuatro músicos entretejen una equitativa filigrana, en la cual ninguno sobresale como solista. Philip Glass (n. 1937) Philip Glass es uno de los personajes fundacionales del llamado minimalismo, uno de los movimientos y grupos de técnicas más influyentes en el contexto estadounidense de las últimas décadas. Su influencia sobre mucha música estadounidense de esa época es indiscutible, pese a que la trascendencia de su propia creación sea frecuentemente tema de debate. Perpetulum es la primera obra que el compositor ha escrito propiamente para cuarteto de percusión (hay otras piezas, originales para otras instrumentaciones, que han sido arregladas por otros músicos para formatos comparables), y la verdad es que, compuesta cuando Glass tenía 81 años, la pieza resulta algo inusual para su estilo. La obra se desenvuelve en tres grandes partes; pero teniendo en cuenta que su título es un neologismo que expresa la idea de movimiento perpetuo, no debemos esperar diferencias tan radicales entre ellas. La primera parte inicia con un tempo ágil y unas figuras rítmicas curiosamente reminiscentes de toques de tambor militar. El tramo se desenvuelve en un incisivo comportamiento rítmico, de métricas, acentos y timbres cambiantes. Un enorme crescendo en tam tam lleva a una segunda parte, ciertamente contrastante, aunque no en el tempo lento que uno podría esperar. El desarrollo melódico y armónico de esta parte resulta más cercano al Glass que se hizo famoso en la década del setenta, empero sin los recursos procesuales de aquellas épocas. Una paulatina aceleración nos lleva a una cadenza, en la cual se plantea un diálogo particularmente interesante entre compositor e intérpretes, bien sea que lo entendamos como una improvisación contextualizada o bien como un fragmento de co-composición. Tras un nuevo gran crescendo, la tercera parte elabora discursos característicamente rítmicos y ágiles, cerrando con un tono optimista y alegre. Agradecimientos a Robert Dillon por los muchos materiales compartidos para la realización de estas notas. 10 Referencias Kinds of Kings. [Mensaje en un blog]. Traducción al español por Rodolfo Acosta. Recuperado de https://www.kindsofkings.com/about Rodolfo Acosta. Compositor, intérprete, improvisador y docente colombiano. Su música ha sido presentada en una treintena de países de las Américas, Europa y Asia, ha sido publicada en partitura y disco compacto por diversas editoriales, y ha recibido distinciones a nivel nacional e internacional. Es miembro fundador del CCMC (Círculo Colombiano de Música Contemporánea), director del Ensamble CG y ha liderado colectivos experimentales como Tangram y la BOI (Bogotá Orquesta de Improvisadores). Ha sido profesor y conferencista en numerosos conservatorios y universidades de las Américas y Europa. Sus escritos han sido publicados en libro, enciclopedia, revista (física y virtual) y programa de mano, medio que lleva cultivando dos décadas ininterrumpidas. Jóvenes Intérpretes 2021 Daniel Guerrero, joven intérprete 2019 Foto: Alfonso Venegas CONVOCATORIA Inscríbete en línea, envía los documentos de identidad, el enlace al video de preselección y el programa de concierto antes del viernes 6 de diciembre de 2019 Si fuiste seleccionado, audiciona en vivo del sábado 4 de abril al domingo 3 de mayo de 2020 Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/jovenes-interpretes Son dos pasos sencillos: 1 2 Sala de Conciertos, Biblioteca Luis Ángel Arango Sala de Conciertos, Biblioteca Luis Ángel Arango Auditorio de Audiovisuales, Biblioteca Luis Ángel Arango Biblioteca Luis Ángel Arango Cupo para cuatro (4) compositores. Los seleccionados deberán cancelar el valor del taller equivalente a $38.800. Entrada libre para observadores Taller TALLER DE COMPOSICIÓN CON JORGE PINZÓN El compositor colombiano Jorge Pinzón realizará un taller de composición de tres sesiones orientado a trabajar sobre nuevas obras para cuartetos de cuerdas. El Banco de la República invita a los compositores menores de 25 años residentes en Colombia a enviar antes del viernes 18 de octubre una (1) obra de formato libre. Jueves 14, martes 19 y jueves 28 de noviembre Consulte más información en www.banrepcultural.org/bogota/actividad-musical La obra de Rodolfo Acosta abarca una gran paleta de sonidos y estéticas, desde piezas electroacústicas hasta piezas vocales, de cámara, para instrumento solista, para orquesta y para toda una gama de combinaciones instrumentales distintas. Acosta es miembro fundador del Círculo Colombiano de Música Con-temporánea y director del Ensamble CG y EMCA - Ensamble de Música Contemporánea ASAB. En este concierto, el compositor presentará una nueva producción discográfica con su música. Concierto LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. Foto: Jorge Carvajal · PULEP: IPI101 Foto: Cecilia Guevara Concierto LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES Director de orquesta, pianista, musicólogo, docente y, desde lu-ego, compositor, el músico antioqueño Gustavo Yepes es uno de los nombres más reconocidos en el entorno musical colombia-no. Su voluminosa obra y trascendental legado recibirá un mere-cido homenaje en este concierto. Con este concierto, el Banco de la República continúa su labor de celebrar y poner al servicio del país la música de compositores colombianos. Con una serie de cuatro conferencias, los compositores Gustavo Parra, Carolina Noguera, Gustavo Yepes y Fabián Roa hablarán acerca de la evolución de sus carreras y de las diferentes ten-dencias que han marcado su trayectoria como compositores. Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. Foto: Ingrid Acevedo · PULEP: ETJ563 Ciclo de conferencias ESTA ES MI ESTÉTICA Sábado 23 de noviembre · 9:00 a.m. Conciertos, conferencias, charlas y un taller de composición Del 13 al 27 de noviembre en la Biblioteca Luis Ángel Arango Obras comisionadas y conciertos monográficos en el Banco de la República COLOMBIA SE COMPONE 2019 Inscripciones: 343-1379; [email protected] Boletas: $10.000 - disponibles en Tu Boleta Boletas: $10.000 - disponibles en Tu Boleta Entrada libre Sala de Conciertos, Biblioteca Luis Ángel Arango Sala de Conciertos, Biblioteca Luis Ángel Arango Sala de Conciertos, Biblioteca Luis Ángel Arango Entrevista abierta UN ENCUENTRO CON RODOLFO ACOSTA Conozca de cerca al compositor Rodolfo Acosta, uno de los pro-tagonistas en 2019 de la serie Retratos de un compositor. Jueves 14 de noviembre · 6:00 p.m. Foto: Jorge Carvajal Entrevista abierta UN ENCUENTRO CON GUSTAVO YEPES Conozca de cerca a Gustavo Yepes, compositor a quien el Banco de la República le celebra su obra y trayectoria con un concierto retrospectivo dentro de la Temporada de Conciertos 2019. Martes 19 de noviembre · 6:00 p.m. Foto: Ingrid Acevedo Charla previa DOS DISCOS, CINCO COMPOSITORES Previo al concierto Comisiones y Retratos, Mauricio Peña, Jefe de la Sección de Música del Banco de la República, hablará con los compositores incluidos en las dos nuevas producciones dis-cográficas del Banco de la República. Miércoles 27 de noviembre · 6:30 p.m. PULEP: VLN663 Este concierto presenta al público el cuarto volumen de la se-rie discográfica Compositores de nuestro tiempo y un nuevo volumen de la serie discográfica Retratos de un compositor. El primer disco contiene obras comisionadas por el Banco de la República a Carolina Noguera, Gustavo Parra, Jorge Pinzón y Juan Pablo Carreño, mientras que el segundo incluye una selec-ción de obras de Fabián Roa. Concierto especial COMISIONES Y RETRATOS Lanzamiento de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m. Colombia se compone celebra la composición de música contemporánea en Colombia. Organizado en torno al lanzamiento de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República en las que se presentan obras de cinco compositores, Colombia se compone incluirá cinco actividades académicas y tres conciertos dedicados a presentar el trabajo de compositores colombianos y el estado de la composición contemporánea en el país. Las actividades académicas abarcarán aspectos de la vida artística y procesos de creación de los compositores incluidos en los diferentes eventos, la relevancia del fomento a la composición musical a lo largo de su trayectoria y una reflexión sobre el panorama musical en el contexto colombiano. Entrada libre Entrada con la boleta del concierto Entrada libre Sala de Conciertos, Biblioteca Luis Ángel Arango Boletas: $10.000 - disponibles en Tu Boleta Próximos conciertos en Bogotá · $10.000 SERIE PROFESIONAL Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Foto: Peggy Peterson PULEP: MVZ241. OET653. IPI101. ETJ563. VLN663 IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA compositor (Colombia) Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES compositor (Colombia) Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. COMISIONES Y RETRATOS 2019 Presentación de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m. CUARTETO PRISM cuarteto de saxofones (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. S. REICH: New York Counterpoint. JACOB TV: Heartbreakers. R. ETEZADY: Keen. E. O'HALLORAN: Night Music. M. LEVY: Above. M. DAUGHERTY: Steamboat. G. F. HAAS: Saxophone Quartet. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar

Yineth Urquina Córdoba, cantante Inició sus estudios en la Fundación Nacional Batuta. En 2006 formó parte del grupo vocal mixto Preludio de la Universidad de la Amazonia, en Florencia (Caquetá), dirigido por Orlando Perdomo Escandón. Tras su recorrido por diferentes festivales de música del país, inició su labor como solista, también con la asesoría de Perdomo. Desde 2013, luego de viajar a Ibagué, formó parte del Coro Institucional del Conservatorio del Tolima, dirigido por Gloria Yolanda Herrera. Participó en la celebración del cumpleaños de la ciudad con el Coro del Tolima, dirigido por Camila Ospina Fadul y César Augusto Zambrano. En 2014 intervino en un homenaje a la música colombiana con la Banda Sinfónica del Conservatorio, dirigida por el maestro Sergio Sánchez. En la actualidad, recibe formación vocal del contratenor Yohan Antoni Ocampo, profundiza sus estudios en pedagogía infantil y es docente de canto y expresión corporal. Andrés Felipe Rodríguez Hernández, cuerdas pulsadas Es licenciado en Música con énfasis en dirección de cuerdas pulsadas, egresado del Conservatorio del Tolima. Inició sus estudios artísticos en un programa dirigido por la Gobernación del Tolima en la comuna siete de Ibagué, a cargo de Jorge Humberto Jiménez. Luego, perteneció a la academia musical Gran Colombia, en la que se formó en cuerdas típicas con Ricardo Rodríguez. También, ha tomado clases de guitarra con el maestro David Alarcón y asistido a talleres de composición dirigidos por Andrés Acosta, Adrián Camilo Ramírez y Gustavo Niño. Como instrumentista, ha participado en varios certámenes de música andina colombiana, y en 2016 fue nominado al premio a mejor guitarrista en el 25o Concurso Nacional del Bambuco en Pereira (Risaralda), cuando participó como acompañante de la cantante Yineth Urquina. También ha actuado como solista en el auditorio del Museo de Arte del Tolima y la Universidad de Ibagué. Joan Andrés Arias Carrera, multinstrumentista Especialista en pedagogía de la Universidad del Tolima y maestro en Música con énfasis en clarinete, del Conservatorio del Tolima, es docente de los programas de formación musical en la fundación social Fundautrahuilca. Se ha presentado como vocalista e intérprete de instrumentos de viento en procesos sinfónicos y percutidos de la cultura andina latinoamericana en importantes escenarios de Colombia, México, Paraguay, Brasil y China. Ha obtenido reconocimientos, becas y distinciones en concursos infantiles de composición e interpretación y en concursos profesionales nacionales e internacionales, tanto vocales como instrumentales, con el trío Bossanova. Como músico acompañante de Yineth Urquina, ha ocupado los primeros puestos en los festivales Mono Núñez y Colono de Oro.

Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 TROMBONE UNIT HANNOVER octeto de trombones (Alemania) Viernes 27 de septiembre de 2019 · 6:30 p.m. Tunja, Teatro Mayor Bicentenario PULEP: CSM699 Domingo 29 de septiembre de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: YJT599 RECORRIDOS POR LA MÚSICA DE CÁMARA Foto: Susann Ziegler TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 TROMBONE UNIT HANNOVER octeto de trombones (Alemania) La agrupación Trombone Unit Hannover tiene como propósito presentar el espectro musical del trombón en toda su amplitud para abrir una nueva mirada hacia la belleza de su sonido. En el reportaje de Neuesten Badischen Nachrichten se les reconoce a estos ocho músicos «una técnica extraordinaria (…) que se corresponde con una pasión y una variedad admirables por el sonido y su expresividad». Los integrantes del octeto, en su mayoría, actúan también como solistas en orquestas alemanas de primera categoría, como la Sinfónica de Bamberg, la Sinfónica de Berlín, la Sinfónica SWR, la Filarmónica de la Radio Alemana, la Orquesta de la Konzerthaus de Berlín y la Orquesta de la Staatsoper de Hannover. Entre ellos se cuentan a ganadores de múltiples concursos internacionales, por ejemplo, del premio Prager Frühlings (Primavera de Praga) y del ARD Musikwettbewerb. Trombone Unit Hannover fue el primer conjunto de trombones en ganar en el Deutscher Musikwettbeewerb (2011), una ocasión única en los 36 años de historia del prestigioso concurso. En 2008, un grupo de ocho jóvenes trombonistas fundaron la agrupación, discípulos del reconocido forjador de talentos, el profesor Jonas Bylund, de la Escuela de Música y Teatro de Hannover. El proyecto surgió como una consecuencia natural luego de los varios años de actividades comunes sostenidas en torno a la música de cámara durante sus estudios. Para la fundación del conjunto fue decisivo el amor por la música y la amistosa relación que compartían sus integrantes. En el mismo año de su fundación, el ensamble recibió una beca del Deutscher Musikrat y estuvo presente en la Bundesauswahl Konzerte junger Künstler. Sus programas de concierto se distinguen por una sorprendente variedad y creatividad, e integran con gran refinamiento música clásica, contemporánea, obras originales, transcripciones y arreglos. Esto les ha merecido gran Foto: Susann Ziegler 2 reconocimiento en la escena internacional. La agrupación se presenta, por ejemplo, en el Festival de Música de Schleswig-Holstein, los Festspielen Mecklenburg-Vorpommern, el Festival de la Asociación Internacional del Trombón en Åarhus (Dinamarca), el Kissinger Winterzauber, los Donaueschinger Musiktage (en los que incluyen una obra encargada de G. F. Haas), la Raderbergkonzertreihe de la Radio Alemana en Colonia, así como en otras tantas series de conciertos y festivales de instrumentos de viento en Europa. Su talento y musicalidad lo ha llevado hasta Brasil, donde se presentaron junto al legendario Christian Lindberg. La variedad y riqueza que extraen del trombón como instrumento están documentadas en su primera producción discográfica, Full Power, lanzada en 2013 en el sello Genuin. En 2017 fue publicado su segundo CD, Living on the Edge, con obras de Händel, Mussorgski y Prokofiev. En su repertorio figuran también obras para trombón y orquesta, como Waves of Wollongong, de Lindberg. Con estas composiciones contribuyen a cultivar un aprecio por el trombón por fuera de su función netamente orquestal. Con un alto sentido de autenticidad y entrega, acompañado de elevadas aspiraciones artísticas expresivas y un arduo trabajo profesional, los ocho miembros de Trombone Unit Hannover le brindan al público un nuevo espacio de apreciación de su fascinante instrumento. Integrantes Frederic Belli Mateusz Dwulecki Karol Gajda Lars Karlin Angelos Kritikos Jonas Burow Tobias Schiessler Michael Zühl El concierto en Tunja se realiza con el apoyo de 3 PROGRAMA Music for the Royal Fireworks, HWV 351 (1749) Ouverture: Adagio, Allegro, Lentement, Allegro Bourrée La Paix: Largo alla siciliana La Réjouissance: Allegro Menuett I Menuett II GEORG FRIEDRICH HÄNDEL (1689-1759) Original para orquesta barroca* Selecciones de la Suite No. 1, Op. 64bis (1936), de la Suite No. 2, Op. 64ter (1936), de la Suite No. 3, Op. 101 (1946) y del Ballet Romeo y Julieta Op. 64 (1935) Introducción Danza de los caballeros La joven Julieta Romeo donde Fray Lorenzo El funeral de Julieta Muerte de Julieta SERGEI PROKOFIEV (1891-1953) Originales para orquesta sinfónica* INTERMEDIO Olympic Fanfare and Theme (1984) JOHN WILLIAMS (n. 1932) Original para orquesta sinfónica* Vexilla regis, WAB 51 (1892) Locus iste, WAB 23 (1869) Pange lingua, WAB 23 (1868) ANTON BRUCKNER (1824-1896) Originales para coro mixto Finlandia Op. 26 (1900) JEAN SIBELIUS (1865-1957) Original para orquesta sinfónica* Osteoblast, Op. 210 (s. f.) DEREK BOURGEOIS (n. 1941) Para octeto de trombones * Arreglo para octeto de trombones de Lars Karlin (n. 1983) CONCIERTO No. 44 4 NOTAS AL PROGRAMA El concierto de hoy tiene como su eje central, en cuanto a la mayoría de las obras incluidas, la interpretación de arreglos para un ensamble de ocho trombones. El musicólogo Malcom Boyd (2001) expresa que el término arreglo: podría aplicarse a cualquier pieza musical basada o que incorpore material preexistente, esto incluye: la variación como forma, el contrafactum, la misa de parodia, el pastiche y las obras litúrgicas basadas en un cantus firmus. Su definición luego se amplía, al mencionar el uso común entre los músicos, en el cual «la palabra puede tomarse como la transferencia de una composición de un medio a otro o la elaboración (o simplificación) de una pieza, con o sin cambio de medio. En cualquier caso, suele haber algún grado de recomposición. Lars Karlin, el arreglista de las obras del programa, afirma: Lo que he escrito para Trombone Unit nunca habría podido escribirlo para ningún otro conjunto. ¡Nadie hubiera aceptado esto! La mayoría de los arreglos están tan cerca del límite de lo que es musical y técnicamente posible que, incluso, me pregunto a dónde vamos a llegar. En mis arreglos, siempre he tenido un objetivo: cada arreglo debe sonar lo más cercano posible al original. […] Lo mejor que puedo hacer como arreglista para Trombone Unit es escribir música que siempre parece demasiado difícil a primera vista. Sin embargo, después de tocarla varias veces, queda claro que es posible, y al final se vuelve totalmente normal para los intérpretes. […] Los límites siempre están en movimiento si uno está dispuesto a empujar un poco al ensamble. George Frideric Händel (1689-1759), compositor inglés nacido en Alemania, ha sido reconocido como uno de los creadores más importantes de su época y de la historia de la música occidental. De acuerdo con el musicólogo Anthony Hicks (2001), «el estatus clásico de Händel como compositor, establecido a fines de la década de 1730 y simbolizado por la presencia de su estatua en Vauxhall Gardens [jardín localizado en Kennington, Londres, sobre la ribera sur del río Támesis] junto con una de John Milton, se basó en un principio en su música coral en general, pero se asoció particularmente con sus oratorios»; Hicks subraya que «fue allí donde la unión de la excelencia musical y el tema sagrado alcanzó la sublimidad a la que, según la filosofía de la época, debería aspirar lo mejor del arte». Music for the Royal Fireworks, HWV 351 (Música para los reales fuegos artificiales) fue compuesta en 1749 para la celebración nacional de la Paz de Aix-la-Chapelle, que terminó con la Guerra de Sucesión de Austria. El evento 5 público principal fue una exhibición de fuegos artificiales en Green Park, presentada en un escenario enmarcado por un arco triunfal, construido por el escenógrafo Giovanni Servandoni. La expectativa por escuchar la música compuesta por Händel para la ocasión fue tal que se organizó un ensayo abierto al público, en Vauxhall Gardens, el 21 de abril. Hicks (2001) comenta que «a pesar de cobrar media corona por persona, el evento atrajo a una gran multitud» que, de acuerdo con informes de la época, estuvo «por encima de las 12.000 personas» y causó «tal bloqueo en el Puente de Londres, que ningún carruaje pudo pasar por tres horas». El 27 de abril la música se tocó al inicio del evento, seguida por los fuegos artificiales. Lars Karlin (2017) dice: «creo que es una de nuestras piezas más fáciles hoy en día. El arreglo fue hecho en algún momento en 2008 para Jonas Bylund y su clase de trombón en Hannover, y lo hemos estado tocando desde entonces». Sergei Prokofiev (1891-1953), compositor y pianista ruso, al igual que otros artistas de su país, emigró después de la Revolución de Octubre. Sin embargo, fue el único compositor que regresó a Rusia, casi veinte años después. Su ballet Romeo y Julieta, Op. 64, fue concluido en 1935 y se interpretó completo, como ballet, en 1938. Lars Karlin (2017) hace un comentario detallado sobre el proceso de escritura del arreglo: Nuestra versión del ballet Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev es un arreglo muy nuevo que apenas fue escrito en el verano de 2016. La dificultad aquí se deriva de los cambios inmediatos de la manera muy suave, colorida y técnica de como se tocan la Introducción y La joven Julieta y la manera plena y poderosa de cómo se tocan la Danza de los caballeros y El funeral de Julieta. Las exigencias a cada intérprete en este arreglo son muy altas. Las complejidades que enfrentó Karlin para la realización del arreglo fueron múltiples: los movimientos que debería incluir, las diversas fuentes (partituras) a su disposición, los nombres a elegir para sus movimientos, entre otras. Para mí, como autor del arreglo, la dificultad era, por un lado, decidir qué movimientos deberían incluirse en la Suite, y por otro, encontrar formas de conectar los diferentes movimientos y colocarlos en un orden que tuviera sentido. Por último, pero no menos importante, tuve que trabajar con las partituras existentes del ballet original y las tres suites que Prokofiev escribió él mismo y encontrar las mejores soluciones para el arreglo. La combinación de movimientos que he elegido para nuestro arreglo no se parece a ninguna de las suites de Prokofiev; en cambio, es una suite completamente nueva cuyas notas se pueden encontrar prácticamente todas 6 en la partitura del ballet. Otra consideración es que los nombres de los movimientos difieren entre las suites y el ballet. Decidí nombrarlos como en el ballet y no como en las suites. El segundo movimiento de nuestra suite, por ejemplo, se titula Danza de los caballeros como en el ballet, mientras que se llama Montescos y Capuletos en las suites […] Es todo un rompecabezas, pero, dramatúrgica y musicalmente hablando, el orden de los movimientos refleja el ballet y tiene un flujo preciso y definido. John Williams (n. 1932), compositor, arreglista, director y pianista, se ha convertido en uno de los creadores más exitosos de Estados Unidos para el cine y para el escenario de conciertos. Se ha desempeñado como director musical y director laureado de una de las instituciones musicales más reconocidas, la Boston Pops Orchestra. Su formación musical en la tradición clásica y del siglo XX, y el legado de compositores para cine hacen parte de su bagaje: «Williams reconoce su deuda estilística con varios compositores del siglo XX, entre ellos Elgar, a quien admira enormemente, y perpetúa las tradiciones de musicalización cinematográfica desarrolladas por compositores como Korngold, Newman, Rózsa, así como de arreglistas como Salinger» (Palmer & Mark, 2001). La ‘fanfarria’ es definida como «una floritura de trompetas u otros instrumentos de metal, a menudo con percusión, para fines ceremoniales» (Tarr, E., 2001). Williams, en entrevista con Thomas Rogers del New York Times, dijo acerca de su Olympic Fanfare and Theme, que se tocó en el Memorial Coliseum de Los Ángeles, en la apertura de los Juegos Olímpicos, el 28 de julio de 1984: No soy un ávido fanático de los deportes y nunca he estado en una olimpiada. Pero al ver la competencia de los Juegos Olímpicos en la televisión, tuve la sensación de que aspiraba a hacer el tema de la ‘Fanfarria’. Una cosa maravillosa sobre los Juegos Olímpicos es que los atletas jóvenes se esfuerzan por encontrar y producir sus mejores esfuerzos. El espíritu humano que se expande para probarse a sí mismo también es típico de lo que los músicos intentan lograr en un esfuerzo sinfónico. Es difícil describir cómo me siento acerca de estos atletas y sus actuaciones, sin parecer pretencioso, pero su lucha nos ennoblece a todos. Espero expresar eso en esta pieza. Anton Bruckner (1824-1896), compositor y organista austriaco, es considerado como una de las figuras más innovadoras de la segunda mitad del siglo XIX, reconocido principalmente por sus sinfonías y composiciones sagradas. Los musicólogos, especialistas en Bruckner, Hawkshaw y Jackson (2001), afirman que la música del compositor «está arraigada en las tradiciones formales de Beethoven y Schubert e influenciada por la armonía y la orquestación wagnerianas». 7 El motete es una de las formas más importantes de la música polifónica entre los siglos XIII y XVIII y se define de acuerdo con su contexto histórico o regional, como lo señala el Diccionario Grove: «Ningún conjunto único de características sirve para definirla en general, excepto en contextos históricos o regionales particulares. Se originó como una figura litúrgica, pero pronto se convirtió en la forma preeminente de la música artística secular durante la Baja Edad Media» (Sanders et al., 2001). Bruckner, un católico devoto, compuso cerca de cuarenta motetes, que son para el catolicismo la cúspide de su género. Según musicólogos reconocidos (Sanders et al., 2001) «se fundan en una fe sincera y directa, y una reverencia por toda su tradición musical» y se acercan a los venecianos de los siglos XVI y XVII. «Su arcaísmo conduce incluso al uso ocasional de la armonía modal», citando al Pange Lingua como un ejemplo del modo frigio. Precisamente, el Pange lingua, que data de alrededor de 1835, es considerada como su primera composición musical y fue revisada, por el mismo Bruckner, el 19 de abril de 1891. Locus iste fue compuesto el 11 de agosto de 1869 y Vexilla regis, el 9 de febrero de 1892, siendo su último motete. Derek Bourgeois (n. 1941), compositor y director inglés, estudió en al Magdalene College, en Cambridge, entre 1959 y 1963, en donde el estreno de su primera sinfonía le atrajo la atención pública. De sus principales maestros habló en una entrevista con Chris Thomas (2009), de la revista 4BR, iniciando por su profesor de composición, Herbert Howells: Fue genial. Fue un gran animador, y cualquier crítica fue gentil y constructiva. Básicamente me hizo sentir que valía la pena dedicar tiempo a escribir y me dio la confianza para hacerlo. Estoy convencido de que un profesor de composición esto es lo mejor que puede hacer. Es muy fácil ser destructivo. Y, sobre su profesor de dirección, Sir Adrian Boult: Fue muy dictatorial sobre la dirección. Odiaba a los estudiantes que hablaban demasiado y nos instó a decir todo con la punta de la batuta en lugar de perder el tiempo hablando en los ensayos […] Para aquellos preparados para aceptar sus métodos, había mucha sabiduría para aprender. El musicólogo y crítico Malcolm Miller (2001) afirma que el estilo de Bourgeois está «fuertemente influenciado por Britten, Walton, Strauss y Shostakovich» y agrega que «es accesible, lleno de atmósfera y a menudo se proyecta sobre un gran lienzo. Su idioma ecléctico es ampliamente tonal pero infundido a veces con picante disonancia y cromatismo». Bourgeois, bien conocido en el mundo de los ensambles de viento y las bandas sinfónicas, 8 compuso 116 sinfonías, estableciendo un record para los compositores nacidos en Gran Bretaña. Osteoblast, Op. 210 su pieza para ocho trombones, que tiene reminiscencias de danza, toma su nombre de las células que forman hueso nuevo, el llamado ‘osteoide’ que está hecho de colágeno óseo y otras proteínas. Jean Sibelius, compositor finlandés, es reconocido como la figura principal en la promoción musical de su país a finales del siglo XIX e inicios del siglo XX. Su trabajo se distingue por adaptaciones sorprendentemente originales de elementos familiares: tratamientos poco ortodoxos de armonía triádica, del color orquestal y del proceso y la estructura musical. Su música evoca una variedad de estados de ánimo y temas característicos, desde la celebración del nacionalismo y la lucha política hasta la desesperanza fría y el aislamiento separatista; desde contemplaciones agonizantes sobre ideas musicales ‘neo-primitivas’ o lentas transformaciones de texturas sonoras hasta meditaciones sobre los misterios, las grandezas y, en ocasiones, los terrores al acecho de los mitos populares arquetípicos o los paisajes naturales (Dahlström & Hepokoski, ). Para Sibelius, su poema sinfónico Finlandia marcó decididamente el punto de inflexión en su carrera compositiva. El contexto en que lo compuso, en 1899, está signado por la estricta censura política que Rusia había impuesto a Finlandia. Inicialmente, en octubre de ese año, Sibelius compuso un melodrama para un evento organizado por la prensa finlandesa y lo llamó Finlandia despierta. Luego, de allí extrajo seis cuadros y reformuló la composición que rápidamente se convirtió en el segundo himno nacional de Finlandia. Referencias Boyd, M. (2001). Arrangement. Grove Music Online. (Traductor: Gaviria, G.). Recuperado 11 de agosto de 2019, de https://www.oxfordmusiconline. com/grovemusic Dahlström, F., & Hepokoski, J (2001). Sibelius, Jean [ Johan]. Grove Music Online. (Traductor: Gaviria, G.). Recuperado 19 de agosto de 2019, de https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic Hawkshaw, P., & Jackson, T. (2011, February 23). Bruckner, ( Joseph) Anton. Grove Music Online. (Traductor: Gaviria, G.). Recuperado 19 de agosto de 2019, from https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic 9 Hicks, A. (2001). Handel, George Frideric. Grove Music Online. (Traductor: Gaviria, G.). Recuperado 11 de agosto de 2019, de https://www. oxfordmusiconline.com/grovemusic Karlin, L. (2017). Living on the Edge. (Traductor: Gaviria, G.). Trombone Unit Hannover, GENUIN Classics. CD GEN 17481. Leipzig, Germany Miller, M. (2001). Bourgeois, Derek. Grove Music Online. (Traductor: Gaviria, G.). Recuperado 19 de agosto de 2019, de https://www. oxfordmusiconline.com/grovemusic Palmer, C., & Marks, M. (2001). Williams, John (iii). Grove Music Online. (Traductor: Gaviria, G.). Recuperado 19 de agosto de 2019, de https:// www.oxfordmusiconline.com/grovemusic/ Rogers, T. (1984). Scouting; Olympic Fanfare. The New York Times. (Traductor: Gaviria, G.). Recuperado 19 de Agosto de 2019, de https:// www.nytimes.com/1984/06/13/sports Sanders, E., Lefferts, P., Perkins, L., Macey, P., Wolff, C., Roche, J., Dixon, G., Anthony, J., & Boyd, M. (2001). Motet. Grove Music Online. Recuperado 19 de agosto de 2019, de https://www.oxfordmusiconline.com/grovemusic Tarr, E. (2001). Fanfare. Grove Music Online. (Traductor: Gaviria, G.). Recuperado 19 de agosto de 2019, de https://www.oxfordmusiconline. com/grovemusic Thomas, C. (2009). 4BR Interview – Derek Bourgeois. 4barsrest. (Traductor: Gaviria, G.). https://www.4barsrest.com/articles/2009/art943.asp Guillermo Gaviria. Educador y compositor. Es Profesor Emérito de la Pontificia Universidad Javeriana, con la que inició su vinculación como Director del Coro Javeriano en 1980. A partir de entonces su trabajo como profesor y su gestión académica dieron impulso a la creación del Departamento de Música en 1990, de la Carrera de Estudios Musicales en 1991 y de la Facultad de Artes en 1995. Ha colaborado con el Banco de la República como escritor de notas al programa y conferencista desde 1986. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Próximos conciertos en Bogotá · $10.000 SERIE PROFESIONAL Foto. Saverio Truglia PULEP: ZWU837. MVZ241. OET653. IPI101. ETJ563. VLN663 CUARTETO PRISM cuarteto de saxofones (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA compositor (Colombia) Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES compositor (Colombia) Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. COMISIONES Y RETRATOS 2019 Presentación de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m. THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín P. MARTIN: Bend. A. R. THOMAS: Prayer de Resounding Earth. D. HYNES: Perfectly Voiceless. M. APPLEBAUM: Aphasia. P. GLASS: Perpetulum. R. DILLON: Ordering-Instincts. D. SKIDMORE: Donner; Torched and Wrecked. G. PEACOCKE: Death Wish.

Foto: Renato Pernett Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 TANIA BETANCOURT clarinete (Colombia) Miyer Garvin, piano (Colombia) Jueves 26 de septiembre de 2019 · 7:00 p.m. Cúcuta, Sala Múltiple del Centro Cultural Banco de la República PULEP: GGN648 Jueves 3 de octubre de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: IBR818 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 TANIA BETANCOURT, clarinete Inició sus estudios de clarinete en 2004, en el Conservatorio de Ibagué - Institución Educativa Técnica Musical Amina Melendro de Pulecio, con Fernando Chamorro. Se graduó de bachiller técnico musical en 2009 y luego ingresó al programa básico de Estudios Musicales en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, con Robert De Gennaro. Recibió el título de Músico Clarinetista en 2018. Ha participado en los festivales Claribogotá 2010, 2011 y 2013 y FEMUSC 2014, y ha recibido clases magistrales con Hans-Dietrich Klaus (Alemania), Benito Meza (Colombia), Carlos Céspedes (Argentina), Laura Ruiz (España), David Shifirin (Estados Unidos), Cristiano Alves (Brasil) y Ovanir Buosi (Italia). Ha sido ganadora del concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta del Conservatorio de la Universidad Nacional 2015 y del concurso de Jóvenes Solistas de la Orquesta Sinfónica de Antioquia, temporada 2016. Actualmente se desempeña como clarinetista en la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá. Foto: Renato Pernett 2 Miyer Garvin Goenaga, piano Nació en 1980, en Barranquilla. Inició sus estudios musicales a la edad de ocho años, bajo la dirección de su padre, y los de piano, con Gunter Renz y Marina González. A los dieciocho años ingresó al Conservatorio de Música de la Universidad Nacional para seguir la carrera de piano con Ángela Rodríguez, y en 2006 se graduó como músico pianista en esta misma institución. En 2009 ingresó al programa de Maestría en Pedagogía del Piano, que terminó en 2011 bajo la dirección del maestro William Mac McClure. Ha ofrecido recitales como solista en el Centro Colombo Americano y en los auditorios Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional y Olav Roots de la Universidad Nacional de Colombia, entre otros. También se ha presentado con la Banda Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional en el Auditorio León de Greiff. Ha participado en grabaciones de obras de los compositores colombianos Gustavo Parra y Diego Vega, y con el Banco de la República ha ofrecido conciertos de música de cámara en diferentes ciudades del país. En la actualidad se desempeña como profesor de piano y pianista correpetidor en las universidades Nacional de Colombia y Pedagógica Nacional, y en la Academia Musical Piccolo, en Bogotá. 3 PROGRAMA Fantasía No. 1, IGM 8 (1897) MARTY GEORGES (1860-1908) Primera rapsodia para clarinete, L.116 (1909-1910) CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para clarinete y piano, FP 184 (1962) Allegro tristamente Romanza Allegro con fuoco FRANCIS POULENC (1899-1963) INTERMEDIO Preludio, fuga y variación, Op. 18 (1860-1862) CÉSAR FRANCK (1822-1890) Original para órgano Arreglo para clarinete y piano de Renato Pernett (n. 1990) Ecuación para clarinete y piano (2015) JULIÁN PERNETT (n. 1993) Sonatina para clarinete y piano (1981) Allegro calmato Lento, quasi andante Con brio JOSEPH HOROVITZ (n. 1926) CONCIERTO No. 45 4 NOTAS AL PROGRAMA Varias de las piezas que escucharemos hoy son hijas de la época de oro del clarinete, cuya invención se remonta a finales del siglo XVII en manos de Johann Christoph Denner. Sin embargo, para el momento de composición del repertorio que ha escogido Tania Betancourt, este instrumento ya había sufrido varios cambios. Como instrumento solista, sus posibilidades técnicas habían sido explotadas y expandidas por compositores como W. A. Mozart, y como instrumento de orquesta lo habían sido gracias a su inclusión en la afamada orquesta de la corte de Mannheim, alrededor de 1840. A partir de entonces, se disparó la composición para clarinete y en esta tuvo especial influencia el Conservatorio Superior de París, pues varias obras fueron comisionadas para los concursos anuales que se llevaban a cabo en la institución. Desde luego, al ser piezas que serían juzgadas por una comisión y que buscarían posicionar a los ganadores en un grado de experticia suficiente para desempeñarse como solistas, estas exigirían un nivel de dominio bastante alto y, por tanto, pedirían también la exploración de la potencialidad sonora del instrumento, tanto en lo técnico como en lo expresivo. Uno de estos compositores que contribuyeron a la fama del clarinete en Francia fue Marty Georges (1860-1908), contemporáneo de Claude Debussy, de quien hablaremos más adelante. Su carrera y catálogo de obras se centraron en la música vocal pues, tanto en el campo de la composición como en el de la dirección ocupó posiciones importantes, como la dirección de la Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio y de la serie de conciertos en la Ópera de París. Además, fue ganador de varios premios en sus años de estudiante del conservatorio, entre ellos el Premio de Roma de 1882 por su cantata Edith. La pieza que nos atañe fue escrita para el concurso del Conservatorio de 1897 –que, desafortunadamente, no fue la ganadora–. El comportamiento de la Fantasía No. 1, IGM 8 hace justicia al título, pues está estructurada, grosso modo, como las fantasías en su estado más primigenio, que constituyeron uno de los primeros géneros enteramente instrumentales a partir del siglo XVI. Como la relación de Georges con la música vocal siempre fue una constante, consciente o inconscientemente incluyó esta característica en la obra. Aunque su escritura habla directamente al instrumento y a sus posibilidades técnicas, también se puede hacer un paralelo entre la estructura de la pieza y la manera 5 como se organizaban las arias de ópera a comienzos del siglo XIX: dos partes, una lenta y lírica (cavatina), y la otra, rápida y virtuosa (cabaletta). Claude Debussy (1862-1918) es uno de los nombres más sonados en la música francesa de finales del siglo XIX y principios del XX. Erróneamente catalogado –por lo menos según su criterio– como impresionista, su estética siempre se relacionó mucho más con la literatura simbolista, cuyos abanderados buscaban, como indica su nombre y haciendo una simplificación casi grosera, representar conceptos a través de símbolos. El carácter programático1 en la música de Debussy no es un secreto; aunque desde el siglo XVI tal carácter continúa la tradición francesa de expresar ideas, conceptos, objetos, personajes, emociones, sucesos e historias por medio de la música, la representación en Debussy nunca es literal: sugiere, y siempre hay un lugar privilegiado para la ambigüedad. La Primera rapsodia para clarinete y piano, FP 184, que resultó ser también la última, fue igualmente una comisión del Conservatorio Superior de París para el concurso de 1909 y, a pesar de la relación conflictiva que el compositor mantenía (acaso a nivel intelectual) con dicha institución, este aceptó y llegó a afirmarle a su editor, Jacques Durand, que, de sus piezas, esta había sido la más agradable de escribir. Sufrió varias revisiones, entre ellas una orquestación realizada por el mismo compositor. Al ser una rapsodia y estar estructurada a partir de cambios abruptos en el carácter de la música, sugiere también una narración; la indicación del inicio, réveusement lent, que se podría traducir como ‘lento, como en el ensueño’, da cuenta de esta intención de representar algo que no tiene una única interpretación, que no es enteramente objetivo y que da lugar a varias imágenes. Francis Poulenc (1899-1963) fue uno de los compositores más eclécticos de su tiempo; alegaba no tener un único estilo y las fuentes estéticas a las que se remitía alimentaban esta heterogeneidad. Perteneciente al grupo de Les Six (Los Seis), sus búsquedas discursivas van desde la escritura de música religiosa en el estilo de compositores renacentistas como Palestrina, hasta llegar al contrapunto de Bach, la escritura melódica de Mozart y el tratamiento armónico neoclásico de Debussy y Ravel, pasando por la música de circo y de music hall, los valses populares y el jazz. Aunque su música vocal religiosa y sus composiciones surrealistas, como el drama Les mamelles de Tirésias, son altamente reconocidas e interpretadas, 1 En relación con la música programática, es decir, música que basa su discurso en elementos extramusicales. 6 una de sus facetas más apreciadas es la de compositor de música de cámara, especialmente para las maderas. Su Sonata para clarinete, junto con la Sonata para oboe, fueron las dos últimas obras del compositor, escritas en memoria de Arthur Honegger y Serguei Prokofiev respectivamente. El primero, compañero del colectivo Les Six, compartía junto con Poulenc su admiración por los compositores de la tradición académica occidental, especialmente Johann Sebastian Bach, que no era muy apreciado por sus demás colegas, quienes preferían la utilización del canto popular en su música. Haciendo gala de su nacionalidad, la sonata tiene un tinte programático también y pretende ser más una especie de elegía u homenaje a Honegger que un tombeau o una pieza excesivamente dramática que resalte el concepto de muerte por sí solo. Fue estrenada de manera póstuma por el clarinetista Benny Goodman, con Leonard Bernstein en el piano. Père Franck (Padre Franck), como llamaban cariñosamente a César Franck (1822-1990) sus alumnos de órgano del Conservatorio Superior de París, fue tan francés como Debussy, Poulenc y Georges, a pesar de haber nacido en Bélgica. Su pronta relación con el órgano dictaminó sus caminos, y es reconocido por ser el responsable del renacimiento que tuvo este instrumento en el siglo XIX, tras haber sido desplazado y destruido de la memoria colectiva por la Revolución francesa. Lejos quedaba la época de oro del órgano francés y, sin embargo, a quien Franz Liszt denominó la reencarnación de Bach le sobraron ánimos para posicionar de nuevo ese instrumento como elemento de la creación estética decimonónica; y no solo eso: la concepción del órgano como una orquesta sería la piedra angular de la obra de Franck para el instrumento. Preludio, fuga y variación, Op. 18 hace parte de las Seis piezas para órgano, Op. 18. Está dedicada a Camille Saint-Saëns y seguramente fue escrita en y para un órgano construido por Aristide Cavaillé-Coll, que era el órgano con que el compositor trabajaba en la catedral de Santa Cleotilde. Sin embargo, existe una versión para órgano y harmonium, un instrumento de viento, con teclas, pero cuyo sistema de producción de sonido era bastante similar al de un clarinete. Su estructura remite inmediatamente a las obras para órgano de Johann Sebastian Bach y el tratamiento del contrapunto es extremadamente cuidadoso; el inicio del preludio, que luego se repetirá en la variación, es una de las construcciones melódicas más memorables del repertorio para órgano del siglo XIX. 7 Julián Pernett (n. 1993) es un pianista y compositor colombiano cuyo eclecticismo se ve reflejado en la obra que se escuchará en el recital de hoy. Ecuación para clarinete y piano en realidad no se llama así, ni es original para clarinete y piano. Su nombre original es X+o=. Y está concebida para el ensamble de arpa y clarinete, sin embargo, por cuestiones de conveniencia lingüística y prosódica, en palabras del compositor, se ha cambiado el título y se ha dejado la libertad de que ésta sea adaptada a cualquier medio instrumental acústico e incluso electrónico. En palabras de Pernett: El estilo en el que se basa esta composición podría considerarse tiene su origen en compositores como Claude Debussy; no obstante, son igualmente distintivas otro tipo de influencias pertenecientes a estilos musicales como el rock progresivo, el jazz fusión (especialmente en las manos de Andreas Vollenweider), y la propia idiosincrasia colombiana (…) Una parte fundamental de la construcción compositiva en la Ecuación para clarinete y piano es la utilización de citaciones y alusiones musicales (como en Charles Ives, Frank Zappa... Y hasta el mismísimo Bach). Esto sucede cerca a la conclusión de la pieza, donde texturas homofónicas derivadas de Jethro Tull se entrelazan con las melodías que canta el acordeón en La muerte de Eduardo Lora, de Andrés Landero. Solamente en el mundo del arte se vuelven posibles semejantes interacciones. (Pernett, 2019) Para terminar, escucharemos una pieza del compositor y director Joseph Horovitz (n. 1926): la Sonatina para clarinete y piano. Fue escrita en 1981 a pedido de Gervase de Peyer, clarinetista, quien fuera su compañero en el Royal College of Music en Londres y con quien se reencontraría luego en París, durante su tiempo como alumno de la célebre profesora y compositora Nadia Boulanger –la responsable de la educación de Philip Glass, Astor Piazzolla, Elliott Carter y Aaron Copland, entre muchos otros–. Se trata de una de tantas colaboraciones entre ambos músicos, cuya amistad dio como fruto el Concertante para clarinete y cuerdas, las Dos piezas mallorquinas y el Concierto para clarinete y orquesta de cuerdas. El estilo de la pieza es ciertamente neoclásico, pues, a pesar de haber sido escrita en el siglo XX, busca formas y algunas sonoridades del pasado, sobre todo del siglo XVIII, momento en que el allegro de sonata y el rondó estaban en boga. Horovitz utiliza dichas formas para estructurar el primer y el tercer movimiento respectivamente. Además, se intuye una influencia directa del jazz, sobre todo en el tercer movimiento, en donde el clarinete de Benny Goodman se presenta como un fantasma amistoso que dialoga con algunas de las estructuras armónicas más complejas del compositor. Es interesante 8 mencionar que, aunque no se trata de un estudio, la pieza explora todas las posibilidades dinámicas, expresivas y técnicas del instrumento, además de dedicarse, en cada uno de sus movimientos, a todos los registros posibles: al registro medio en el primer movimiento, al grave en el segundo, y al más agudo en el tercero. Referencias: David Sanger: César Franck – The complete organ music. 1982 & 1987. Grammofon AB BIS. Åkersberga, Suecia. Ermanno Veglianti, Enrico Maria Polimati: Franch music for clarinet and piano. 2011. Naxos Rights International Ltd. Notas al programa: Keith Anderson. Horovitz, J. 1981. Sonatina for clarinet and piano. Novello Publishing Limited. Londres, Inglaterra. Pernett, Julián. 2019. Entrevista por correo electrónico. Sharon Kam: Pour clarinete. 2008. Deutchlandradio. Notas al programa: Holger Arnold. Daniela Peña Jaramillo es egresada de la Pontificia Universidad Javeriana, en donde cursó el énfasis de interpretación de guitarra clásica junto al maestro César Augusto Quevedo. En 2015 terminó sus estudios en el énfasis de investigación de la Maestría en Estudios musicales de la Universidad Central (UC), dentro de cuyo marco ha recibido clases de laúd renacentista con los maestros Daniel Zuluaga, Sam Chapman, Ariel Abramovich y Hopkinson Smith. Actualmente es profesora de la asignatura de historia de la música en el pregrado en estudios musicales de la UC, y participa en el ensamble de la maestría en estudios musicales de dicha institución. Jóvenes Intérpretes 2021 Daniel Guerrero, joven intérprete 2019 Foto: Alfonso Venegas CONVOCATORIA Inscríbete en línea, envía los documentos de identidad, el enlace al video de preselección y el programa de concierto antes del viernes 6 de diciembre de 2019 Si fuiste seleccionado, audiciona en vivo del sábado 4 de abril al domingo 3 de mayo de 2020 Consulta toda la información en www.banrepcultural.org/jovenes-interpretes Son dos pasos sencillos: 1 2 Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Próximos conciertos en Bogotá · $10.000 SERIE PROFESIONAL Foto: Susann Ziegler PULEP: YJT599. ZWU837. MVZ241. OET653. IPI101. ETJ563. VLN663 THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín CUARTETO PRISM cuarteto de saxofones (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA compositor (Colombia) Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES compositor (Colombia) Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. COMISIONES Y RETRATOS 2019 Presentación de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. G. F. HÄNDEL: Música para 'Los fuegos artificiales reales', HWV351. S. PROKOFIEV: Selecciones del ballet Romeo y Julieta. J. WILLIAMS: Olympic Fanfare and Theme A. BRUCKNER: Locus iste, WAB 23; Vexilla regis, WAB 51; Pange lingua. D. BOURGEOIS: Osteoblast. J. SIBELIUS: Finlandia, Op. 26. Este concierto también se presentará en Tunja

Alexa Capera Riveros, corno. Comenzó sus estudios musicales a los diez años en el Conservatorio de Ibagué, donde tuvo como profesores de corno francés a Hernán Remicio y a Helmer Sanabria. En 2011 inició sus estudios en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia con Gerney Díaz y Diego Parra como profesores; terminó su pregrado con este último. Fue ganadora de la convocatoria de Becarios de Clases Magistrales del Festival Internacional de Música de Cartagena en dos ocasiones, una como cornista y la otra como miembro del quinteto de maderas BCO. También participó en este festival como cornista de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá en 2015. Ha participado en las giras de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia durante tres años, lo cual le ha permitido actuar en distintos escenarios nacionales y del mundo bajo importantes batutas como la de Andrés Orozco Estrada. Como integrante de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá, ha actuado en calidad de solista en conciertos realizados en la Sala Teresa Cuervo del Museo Nacional, en el Auditorio Olav Roots de la Universidad Nacional de Colombia y en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Ha participado en diferentes festivales de música como FEMUSC 2017 (Santa Catarina, Brasil), Aruba Symphony Festival 2018, Cornombia, Toquemus y la Semana del Corno en Medellín, y ha recibido clases con importantes maestros del ámbito nacional e internacional, dentro de los que se destacan Radek Baborák, Will Sanders, José Vicente Castelló, André Cazalet, Gabriel Betancourt, Manuel Pérez Ortega, Arkady Shilkloper, Juan Carlos Tejada, Miguel Asensi, Luiz García, Philip Doyle y Jorge Mejía. Ha sido integrante de diversas agrupaciones musicales como la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, la Orquesta Filarmónica de Bogotá, la Banda Sinfónica Institucional del Conservatorio de Ibagué, la Orquesta Foto: Cristhian Sastre Sinfónica del Conservatorio del Tolima, la Orquesta y la Banda Sinfónica de la Universidad Nacional de Colombia, la Orquesta de Mujeres Clara Schumann y la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá (FOSBO). Desde el año 2014 es cornista de la Banda Filarmónica Juvenil de Bogotá y actualmente es integrante de la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia, de la Orquesta Sinfónica Capital y de la Bogotá Chamber Orchestra.

Daniel Santiago Guerrero Palacios, flauta Maestro en Música con énfasis en interpretación de flauta, ha participado como solista en varios concursos nacionales. Fue ganador en la categoría instrumental en el IX Festival Nacional Infantil Cuyabrito de Oro, realizado en Armenia (Quindío); ganador en la categoría solista instrumental en el XIX Festival Nacional del Pasillo Colombiano, en Aguadas (Caldas); seleccionado como Joven Talento de la Música 2013 por la Alianza Francesa; ganador del XI Concurso de Jóvenes Solistas organizado por la Orquesta Filarmónica de Cali en 2012; ganador del Concurso de Solistas con la Orquesta Sinfónica Javeriana en su versión 2014, y seleccionado para ser parte de la Serie de Jóvenes Intérpretes del Banco de la República en 2017. Como músico de orquesta, ha formado parte de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia y ha participado en sus giras nacionales e internacionales en las temporadas 2015 y 2016. Ha representado a Colombia en concursos internacionales como la 11th Israel International Flute Competition en 2013, en Nazaret (Israel); la 3rd International Flute Competition Maxence Larrieu, en Niza (Francia), en 2015; la 53th Markneukirchen International Instrumental Competition, en 2018 en Markneukirchen (Alemania), y el Concurso de Jóvenes Solistas, en el marco del II Festival Internacional de Música de Esmeraldas (Ecuador), realizado en 2016, donde obtuvo el segundo premio. En 2017 fue seleccionado para actuar junto al reconocido flautista colombiano Gabriel Ahumada y la Orquesta Filarmónica Juvenil de Cámara de Bogotá, así como en calidad de solista, en varios conciertos que incluyeron el estreno en Colombia de repertorio del Barroco alemán. También, en 2018 fue seleccionado como Joven Talento del XII Festival Internacional de Música de Cartagena. Recibió su título de Maestro en Música en la Pontificia Universidad Javeriana. Fue alumno de los maestros Javier Olave y Rafael Rodríguez. Ha recibido clases magistrales con Tadeu Coelho, Alberto Almarza, Leon Berendse, Patrice Bocquillon, Françoise Veilhan, Francesca Canali, Judith Dines, Paco Varoch, Henrik Wiese, Michel Bellavance, Gabriel Ahumada, Gaspar Hoyos, Vincent Lucas, Patrick Gallois, Juliette Hurel y Felix Renggli. Desde 2016 es miembro de la Orquesta Filarmónica Juvenil de Bogotá y actualmente se desempeña como flautista principal de dicha agrupación. Recientemente fue admitido para cursar su maestría en interpretación en la Haute École de Musique de Lausanne (Suiza), en la cátedra de José-Daniel Castellon. Juan Carlos de la Pava, piano Nacido en Bogotá en 1992. Es egresado de la Pontificia Universidad Javeriana. Entre los tutores que han guiado su proceso de formación se encuentran Karol Bermúdez, Guillermo Gaviria, Sergei Sichkov y Carolina Noguera. Ha realizado conciertos en reconocidos escenarios del país como el Auditorio Eduardo Caballero Calderón en Tunja, Auditorio Luis A. Calvo en Bucaramanga, Sala Múltiple del Banco de la República en Cúcuta, Quinta de San Pedro Alejandrino en Santa Marta, Auditorio Hernando Aristizábal en Manizales, Sala de Conciertos Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá, Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá y el Auditorio Teresa Cuervo Borda del Museo Nacional, escenarios en los cuales también ha presentado y estrenado obras de su autoría. Actualmente se desempeña como compositor y pianista, siendo merecedor de varios premios y reconocimientos por su desempeño en estos campos. Entre estos se encuentran ser seleccionado para presentar una obra de su autoría dentro del programa Plataforma 28 de la Orquesta Sinfónica Nacional y el primer puesto en el primer concurso Jóvenes Solistas de la Orquesta Filarmónica de Medellín. Fue seleccionado como pianista de la orquesta Filarmónica Joven de Colombia para participar en la gira que realizó el ensamble por Europa en 2017.

Foto: Susanna Drescher Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 DER MUSIKALISCHE GARTEN música antigua (Suiza) Domingo 15 de septiembre de 2019 · 11:00 a.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: UVG524 MÚSICA ANTIGUA PARA NUESTRO TIEMPO TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Susanna Drescher DER MUSIKALISCHE GARTEN, música antigua Germán Echeverri Chamorro y Karoline Echeverri Klemm, violín, Annekatrin Beller, violonchelo y Daniela Niedhammer, clavecín Cuando el ensamble Der Musikalische Garten (El jardín musical) publicó su primer disco en 2014 con el título à 2 Violin. Verstimbt (A 2 violines discordados), la Radiodifusión Bávara alabó a sus miembros por su «enfoque fresco y natural» que llevó un «exquisito jardín» de música hasta ahora desconocida a florecer. En à 2 Violin. Verstimbt, el ensamble se dedicó al brillante y colorido mundo de las trío sonatas con violines en scordatura (con las cuerdas en una afinación alternativa). Con esta música, normalmente rehuida por motivos prácticos, el ensamble causó furor ganando cinco premios internacionales en un lapso de pocos meses: primer premio del Concurso Internacional H.I.F. Biber en St. Florian (Austria), primer premio del I Concurso Internacional Bach de Berlín (Alemania), primer premio del VI Concurso Internacional Hermanos Graun en Bad Liebenwerda (Alemania) y el premio de Música Antigua de la Radio del Saarland (Alemania). Además, ganó el First EUBO Development Trust Prize en el Concurso de Música Antigua de York (Gran Bretaña). Así como en un jardín se pueden explorar diferentes sendas y encontrar plantas extraordinarias, los cuatro integrantes del ensamble, que estudiaron interpretación histórica en la Schola Cantorum Basiliensis, han seguido en la búsqueda de nuevos caminos musicales y joyas desconocidas del repertorio. En su siguiente disco presentaron un atisbo a la colección musical del mercader Lukas Sarasin de Basilea, con música de cámara de principios del período clásico. Su tercera y cuarta grabación la han dedicado a los Concerti à 3 del virtuoso italiano Giuseppe Antonio Brescianello, otras obras maestras olvidadas. Der Musikalische Garten ha dado conciertos en varios prestigiosos festivales en Alemania y Suiza, como los Musikfestspiele Potsdam Sanssouci, los Festspiele Mecklenburg-Vorpommern y la Händel-Haus Halle. 2 PROGRAMA Trío sonata en re menor, TWV 42:d6 (s. f.) Grave Vivace Grave Presto GEORG PHILIPP TELEMANN (1681-1767) Para dos violines y bajo continuo Trío sonata en sol menor, HWV 390 (c. 1733) Larghetto Allegro Adagio Allegro GEORG FRIEDRICH HÄNDEL (1685-1759) Para dos violines y bajo continuo Balletti para dos violines del Klagenfurt Manuscript, M 73 (s. f.) Aria Courrante Sarabande Gigue ANÓNIMO Trío sonata en do menor, Wq.161/1 Sanguineus y Melancholicus (1749) Allegretto / Presto Adagio Allegro CARL PHILIPP EMMANUEL BACH (1714-1788) Para dos violines y bajo continuo INTERMEDIO 3 Concierto No. 11 en mi menor (s. f.) Adagio Allegro Largo Presto GIUSEPPE ANTONIO BRESCIANELLO (c. 1690-1758) Concierto en la mayor para dos violines y bajo continuo, TWV Anh. 42:A1 (s. f.) Affettuoso Vivace Aria en menuet Bourrée GEORG PHILIPP TELEMANN Partia V en sol menor de Harmonia artificioso-ariosa, C 62-68 (1696) Intrada (alla breve) Aria (adagio) Balletto (presto) Gigue Passacaglia HEINRICH IGNAZ FRANZ VON BIBER (1644-1704) Para dos violines y bajo continuo CONCIERTO No. 42 4 NOTAS AL PROGRAMA « Porque lo que no sale del corazón, no puede llegar al corazón» Joachim Quantz (1752, 140)1 El contrastante universo de luces y sombras de la música barroca fue un eficaz vehículo para la expresión de las pasiones humanas: ‘La teoría de los afectos’ planteaba que la música tenía el poder de evocar y conmover por sí misma, y más allá de cualquier lenguaje. Heinrich Ignaz von Biber (1644-1704), uno de los más importantes violinistas alemanes de finales del siglo XVII, conocía bien los fundamentos de esta teoría. Aunque nació en Bohemia (actual República Checa), pasó la mayor parte de su vida en Salzburgo (Austria), donde su reputación como intérprete y compositor le valió la obtención de un título nobiliario entre otros importantes nombramientos. Hoy es especialmente recordado por su frecuente uso de la scordatura, técnica que alteraba la afinación de una o más cuerdas de un instrumento (usualmente laúd o guitarra y, posteriormente, violín) con fines melódicos o expresivos. De acuerdo con el Diccionario de Música Moderna (1825) de Castil-Blaze, el propósito de esta técnica era «… extender los límites del instrumento o facilitar ciertas posiciones a las que la afinación habitual no permite llegar, y producir por este medio, efectos novedosos y extraordinarios» (1825, 248). Un ejemplo de esta técnica se encuentra en la obra Harmonia artificiosa-ariosa: diversi mode accordata, C 62-68 (1696), publicada algunos años después de la muerte de Biber. Consta de siete partitas (suites de danzas) en forma de trío sonatas2, cada una para un grupo distinto de instrumentos (violín, viola o viola de amor3 con bajo continuo). La Partia V en sol menor para dos violines en scordatura y bajo continuo consta de cinco danzas contrastantes: intrada (alla breve) con un ritmo imponente, aria (adagio) expresiva y melancólica, 1 En 1752, Johann Joachim Quantz (1697-1773) en su Essaie d’une méthode pour apprendre à jouer de la flute traversière (Ensayo de un método para aprender a tocar la flauta traversa) trata no solo de la enseñanza del instrumento, sino de la música en general: interpretación, acompañamiento, escritura, entre otros. 2 No es una sonata en tres partes, sino con tres partes instrumentales: dos instrumentos melódicos y el acompañamiento de bajo continuo. 3 La viola de amor es un instrumento de cuerda frotada que no pertenece a la familia de los violines. Es un poco más grande y tiene entre doce y catorce cuerdas –de ellas la mitad son ‘cuerdas simpáticas’ (llamadas así porque no suenan por el efecto del arco sobre la cuerda sino por ‘simpatía’ con la vibración de las otras cuerdas)–. Este instrumento era ‘reciente’ en la época de Biber (su invención fue posterior al violín) y se usaba siempre en scordatura, ya que su afinación no fue estabilizada sino hasta finales del siglo XVIII. 5 balleto (presto) rítmica y vibrante al igual que la gigue que le sigue. Termina la partita una passacaglia, maravilloso ejemplo de improvisación a dos voces sobre un bajo continuo. Aunque esta partita es menos audaz armónicamente que otras, se considera un buen ejemplo de virtuosismo y de destreza. Es importante destacar el aporte que realizó Biber al desarrollo de la técnica del violín, siendo en esto un verdadero precursor. A pesar de sus orígenes italianos, la técnica de la scordatura se desarrolló mayoritariamente en Austria y Alemania a lo largo del siglo XVIII. Muestra de esto es el Balletti para dos violines (anónimo), que se encontró en el manuscrito 73 de Klagenfurt (Austria) y que se encuentra actualmente en el museo Kärtner de esa misma ciudad. El archivo pudo haber sido recopilado en el monasterio benedictino de St. Georgen am Längsee (en Kärtner, Austria) por varios años (con el aporte de diversos copistas). En él se encuentran principalmente obras para violín –sin acompañamiento4 (danzas, arias y suites) que emplean la técnica de la scordatura con diversos niveles de dificultad–. Aunque la palabra Balletti se refiere en general a una danza, en este caso se refiere a un grupo: aria, courrante, sarabande y gigue. En esta obra ambas voces se acompañan armónicamente, logrando un equilibrio. La influencia italiana en la obra del compositor alemán Georg Friedrich Händel (1685-1759) está presente no solo en sus óperas, sino también en su música instrumental. Fue nacionalizado en Inglaterra, en donde llegó a ser considerado el compositor más importante después de Henry Purcell (1659- 1695); allí compuso sus dos más celebres colecciones de trío sonatas: Opus 2 (seis trío sonatas) y Opus 5 (siete trío sonatas)5. No sobra recordar que su nombre también estaba asociado de manera especial a la ópera (fungió como director de la Royal Academy of Music). Trío sonata en sol menor, HWV 390, publicada por primera vez en 1733, está compuesta por cuatro movimientos contrastantes (larghetto, allegro, adagio, allegro) y en ella se siente la influencia de la música vocal como en la mayor parte de su obra instrumental. El primer movimiento retoma material melódico del aria interpretada por Armida en Ah! Cruel man de la ópera Rinaldo –la primera ópera londinense– y transfiere a la versión instrumental el dramatismo y el lirismo del aria. Las secciones allegro también son expresivas para contrastar con las partes larghetto y adagio, cuya escritura se asemeja a un recitativo. 4 Pese a que en una de las copias del manuscrito que se encuentran en la ciudad de Kromeriz (República Checa) se halla un acompañamiento de bajo continuo, se ignora su procedencia. 5 No es posible saber cuál fue compuesta primero pues no se conserva de ellas ningún manuscrito del autor. 6 Algunos años después de Händel nació en Italia Giuseppe Antonio Brescianello (c. 1690-1758), importante compositor y violinista que pasó la mayor parte de su vida en Alemania (particularmente en Múnich y Stuttgart), país al que llegó en 1715. Aunque muchos datos biográficos de él se han perdido, especialmente de su periodo en Italia, sabemos que compuso conciertos, trío sonatas, cantatas, una ópera, una misa y obras menores, la mayoría de las cuales no fue publicada en vida del autor. Es el caso de los 12 Concerti à tre actualmente conservados en la biblioteca del conservatorio Luigi Cherubini en Florencia (Italia), razón por la que se cree pudieron ser escritos durante el periodo italiano de Brescianello (antes de 1715). De esta colección, el Concierto No. 11 en mi menor es una muestra de la influencia italiana de Corelli (siguiendo la estructura de la sonata da chiesa en cuatro movimientos: lento-rápido-lento-rápido) con un lenguaje lleno de virtuosismo, energía y brillo. Quizá el último autor del periodo barroco en usar la scordatura fue Georg Philipp Telemann (1681-1767), prolífico compositor, editor, teórico, intérprete y empresario. En su escritura se reflejan diversas escuelas y estilos, sintetizados en su visión muy personal de la ‘reunión de los gustos’. La Trío sonata en re menor, TWV 42:d6 es uno de los raros ejemplos de scordatura presentes en su obra (se cree que fue una creación temprana). La ‘trío sonata’ en tiempos de Biber era similar a la suite de danzas. No obstante, durante el siglo XVIII y especialmente bajo la influencia italiana de Arcangelo Corelli, su estructura se redujo a cuatro movimientos contrastantes –en el caso de esta sonata estos son grave, vivace, grave y presto, similares a los que observamos en la trío sonata de Händel. Los movimientos graves son melancólicos pero elegantes y sirven de preludio al vivace y al presto, respectivamente –mucho más enérgicos y rítmicos–, permitiendo así que ambos violines se relacionen en perfecto equilibrio. Otro ejemplo del uso de la scordatura en la obra de Telemann se encuentra en el Concierto en la mayor para dos violines y bajo continuo, TWV Anh 42:A1. Aunque la obra se denomina ‘concierto’, su estructura es más cercana a la de una trío sonata (por su escritura). Consta de cuatro movimientos de danza similares a una suite: el primero, affetuoso, alterna el uso del pizzicato con secciones tranquilas, generando un ambiente bucólico y fuertemente descriptivo; el segundo, el vivace, es más rítmico y mantiene la calma aunque al mismo tiempo genera expectativa; el aria en menuet y la bourrée, los movimientos finales, son dos ejemplos de danza de carácter muy rítmico y galante. Las dos obras (sonata y concierto) pueden haber sido compuestas entre 1708 y 1712 en su periodo en Eisenach, mucho antes de que se 7 popularizara el ‘estilo sentimental’ (en alemán, empfindsamer Stil) heredero del estilo galante francés y precursor del Romanticismo. Este estilo planteaba una expresión de los sentimientos más dramática y personal, tal como lo resume la frase de J. J. Quantz: «Porque lo que no sale del corazón, no puede llegar al corazón» (1752, 140). No solo el nombre de Quantz estuvo vinculado al empfindsamer Stil. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), segundo hijo de Johann Sebastian Bach (1685-1750) y ahijado de Telemann, fue el mayor promotor del estilo sentimental, especialmente en su obra para clave. Siempre declaró que su principal influencia había sido su padre, de quien aprendió no solo a interpretar el clavecín, sino también el manejo del contrapunto y la armonía; por esta razón, su obra es considerada la transición entre el Barroco y el Clasicismo. La Trío sonata en do menor, Wq. 161/1, Sanguineus et melancholicus, compuesta en 1749 y publicada en 1751, es una obra singular: en ella los violines representan los temperamentos sanguíneo y melancólico mediante un diálogo casi teatral que se desarrolla en tres movimientos. Desde la antigüedad, la medicina atribuía las afecciones del cuerpo y de la mente a la teoría de los humores (humorismo), según la cual, el desequilibrio de algún líquido (humor) en el cuerpo, afectaba la salud y el temperamento6. Así las cosas, una persona de carácter sanguíneo era emocional, inestable y extrovertida; la colérica era irascible, ambiciosa y violenta; la persona melancólica era sensible, perfeccionista y triste; mientras que la flemática era tranquila, fría e impasible. En la Trío sonata en do menor, Wq. 161/1, C. P. E. Bach eligió los temperamentos sanguíneo y melancólico (antagónicos) para representar un diálogo a lo largo del cual ambos temperamentos intentan conciliar sus diferencias. El primer movimiento, allegretto-presto, comienza con la intervención del segundo violín (melancólico) interpretando una nostálgica melodía en modo menor que es interrumpida por otro motivo melódico en modo mayor, la del violín primero (sanguíneo), más agitada e impaciente. Las intervenciones se suceden en una animada discusión en la que cada cual expone sus argumentos tratando de convencer al otro. En algunos 6 Los cuatro líquidos eran la flema, la sangre, la bilis amarilla y la bilis negra. Desde Hipócrates (460- 377 a. C.) hasta la aparición de la medicina moderna en el siglo XIX, se creía que una persona era de carácter flemático cuando tenía un exceso de flema, sanguínea cuando tenía exceso de sangre, colérica, si el exceso era de bilis amarilla y melancólica si se trataba de un exceso de bilis negra. En el siglo XVII, cuando se empezaron a realizar estudios sobre cadáveres humanos (antes no se había permitido), se supo que la bilis negra –a la que entre otras se atribuía el cáncer– no existía. Aun así la creencia de su existencia se mantuvo por varios siglos. 8 momentos del debate parecen de acuerdo; en otros, los argumentos parecen irreconciliables. En el segundo movimiento, adagio, el segundo violín (melancólico), un poco más calmado y vehemente parece acercarse al primer violín (sanguíneo) quien, a pesar de su carácter enérgico e inestable, logra llegar a un consenso con el segundo violín que se materializa en un unísono final. El tercer movimiento, allegro, retoma el ritmo enérgico del ‘sanguíneo’ y la sensibilidad del ‘melancólico’ dando por resultado un diálogo amistoso entre dos temperamentos que en primera instancia parecían no entenderse. Esta obra contiene un elemento dramático-teatral, en el que cada protagonista, fiel a sus características, adopta elementos del otro para establecer un equilibrio. ‘Personificar’ violencia, tristeza, melancolía, angustia o impaciencia con elementos musicales como el ritmo, la armonía o la dinámica es una ejemplificación de lo que la ‘teoría de los afectos’ pretendía demostrar: el impacto de la música sobre el espíritu humano y, en este caso, su capacidad de evocar y de plasmar gráficamente una idea o sentimiento con el sonido como único medio. Referencias Castil-Blaze, F. (1825) Scordatura, Dictionnaire de musique moderne. París, Egron, Adrien. (tome 2). Traducción al español por Angélica Daza Enciso Recuperado de: https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k6530021d/f262. image.r=scordatura. Consultado el 10 de mayo de 2019. Quantz, J. J. (1752). Essaie d’une méthode pour apprendre à jouer de la flute traversière. Berlín, Chrétien Frédéric Voss. Traducción al español por Angélica Daza Enciso. Recuperado de: https://archive.org/details/ essaidunemthode00quangoog/page/n163. Consultado el 10 de mayo de 2019. Angélica Daza Enciso es maestra en música con énfasis en música antigua. Tiene una maestría en Musicología de la Universidad de la Sorbona de Paris. Cantante y violista, ha realizado investigaciones sobre organología barroca y tiene un diploma como directora de canto gregoriano. Se ha desempeñado como traductora y maestra. Actualmente realiza las charlas previas a los conciertos que se presentan en el marco de la Temporada Nacional de Conciertos del Banco de la República. Foto. Juan F Foto. Renato Pernett · PULEP: IBR818 elipe Diago · PULEP: ELD368 Próximos conciertos en Bogotá · $6.000 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES JOSÉ LUIS MARTÍNEZ violín – música tradicional colombiana Jueves 19 de septiembre · 7:30 p.m. C. ROJAS: Brisas del Anchique; Ojo al toro. S. SOLARÍ: El chicao. J. VELASCO: Leonor. G. MONTAÑA: Siempre te recuerdo; El pijao. R. APONTE: El negrito. J. MARTÍNEZ JIMÉNEZ: Brisas del Fonce. Á. ROMERO: La indiecita. O. RANGEL: El tigre. L. CARDONA GARCÍA: Bambuquísimo. J. L. MARTÍNEZ VESGA: Centauro. A. MEJÍA: Bambuco en si menor. C. ROZO MANRIQUE: El campesino. J. RUBIANO: Mariposa. H. FERNÁNDEZ NOYA: El diablo suelto. TANIA BETANCOURT, clarinete Jueves 3 de octubre · 7:30 p.m. M. GEORGES: Fantasía No. 1, IGM8. C. DEBUSSY: Primera rapsodia, L.116. F. POULENC: Sonata para clarinete y piano, FP184. C. FRANCK: Preludio, fuga y variación, Op. 18. J. PERNETT: Ecuación para clarinete y piano. J. HOROVITZ: Sonatina para clarinete y piano. Este concierto también se presentará en Riohacha y Valledupar Este concierto también se presentará en Cúcuta Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Próximos conciertos en Bogotá · $10.000 SERIE PROFESIONAL Foto: Susann Ziegler PULEP: YJT599. ZWU837. MVZ241. OET653. IPI101. ETJ563. VLN663 THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín CUARTETO PRISM cuarteto de saxofones (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE RODOLFO ACOSTA compositor (Colombia) Miércoles 13 de noviembre · 7:30 p.m. LA MÚSICA DE GUSTAVO YEPES compositor (Colombia) Miércoles 20 de noviembre · 7:30 p.m. COMISIONES Y RETRATOS 2019 Presentación de dos nuevas producciones discográficas del Banco de la República Miércoles 27 de noviembre · 7:30 p.m. TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. G. F. HÄNDEL: Música para 'Los fuegos artificiales reales', HWV351. S. PROKOFIEV: Selecciones del ballet Romeo y Julieta. J. WILLIAMS: Olympic Fanfare and Theme A. BRUCKNER: Locus iste, WAB 23; Vexilla regis, WAB 51; Pange lingua. D. BOURGEOIS: Osteoblast. J. SIBELIUS: Finlandia, Op. 26. Este concierto también se presentará en Tunja

Foto: Juan Felipe Diago Temporada Nacional de Conciertos Banco de la República 2019 JOSÉ LUIS MARTÍNEZ FERRO violín - música tradicional colombiana (Colombia) Miércoles 11 de septiembre de 2019 · 6:30 p.m. Riohacha, Centro Cultural Banco de la República PULEP: NLX277 Jueves 12 de septiembre de 2019 · 6:30 p.m. Valledupar, Biblioteca departamental Rafael Carrillo Lúquez PULEP: HMA439 Jueves 19 de septiembre de 2019 · 7:30 p.m. Bogotá, Sala de Conciertos de la Biblioteca Luis Ángel Arango PULEP: ELD368 SERIE DE LOS JÓVENES INTÉRPRETES TOME NOTA Los conciertos iniciarán exactamente a la hora indicada en los avisos de prensa y en el programa de mano. Llegar con media hora de antelación le permitirá ingresar al concierto con tranquilidad y disfrutarlo en su totalidad. Si al momento de llegar al concierto éste ya ha iniciado, el personal del auditorio le indicará el momento adecuado para ingresar a la sala de acuerdo con las recomendaciones dadas por los artistas que están en escena. Tenga en cuenta que en algunos conciertos, debido al programa y a los requerimientos de los artistas, no estará permitido el ingreso a la sala una vez el concierto haya iniciado. Agradecemos se abstenga de consumir comidas y bebidas, o fumar durante el concierto con el fin de garantizar un ambiente adecuado tanto para el público como para los artistas. Un ambiente silencioso es propicio para disfrutar la música. Durante el transcurso del concierto, por favor mantenga apagados sus equipos electrónicos, incluyendo teléfonos celulares y alarmas de reloj. Por respeto a los derechos de autor de los compositores e intérpretes, no está permitido realizar grabaciones de audio o video ni tomar fotografías durante el concierto. Los artistas interesados en presentar una propuesta de concierto pueden visitar el enlace www.banrepcultural.org/servicios/como-presentar-su-propuesta-artistica en el que encontrarán información pormenorizada acerca de este proceso. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese a www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a las listas de correo de su preferencia. Para remitir al Banco de la República sus solicitudes de información, peticiones, quejas, reclamos, sugerencias, felicitaciones o denuncias de actos de corrupción, puede ingresar al siguiente enlace https://atencionalciudadano.banrep.gov.co/ siac/ess.do; escribir al correo electrónico [email protected]; comunicarse a la línea gratuita nacional 01 8000 911745; o, acercarse a los puntos de atención dispuestos para esto en las diferentes oficinas del Banco de la República a nivel nacional. SÍGANOS EN Sala de Conciertos @Banrepcultural Banrepcultural Banrepcultural Luis Ángel Arango 1 Foto: Juan Felipe Diago José Luis Martínez Ferro, violín Martínez Ferro proviene de una tradición musical familiar en la que destacan su padre, el tiplista José Luis Martínez Vesga, y el Dueto Hermanos Martínez. Desde temprana edad ha interpretado música tradicional colombiana en diferentes ciudades y festivales del país junto a maestros como Ruth Marulanda y Jaime Llano González. Inició sus estudios de violín bajo la tutoría de Sandra Ortiz. En 2011 ingresó al Programa Básico del Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia bajo la dirección de Antonia Kapitanova; posteriormente inició el pregrado en Música Instrumental en la misma institución. Actualmente estudia último semestre en la cátedra de Camilo Andrés Guevara Díaz y es estudiante del énfasis de jazz de la misma universidad dirigido por Antonio Arnedo. Ha recibido clases magistrales con Dmitri Berlinsky y Ala Voronkova, y con integrantes de la Orpheus Chamber Orchestra, la Mahler Chamber Orchestra, el Miami String Quartet, el Cuarteto Latinoamericano, el Cuarteto La Catrina y el Lincoln Trio. Fue becario de las clases magistrales del X Festival Internacional de Música de Cartagena en 2016 y ganador de la convocatoria Pasantía para instrumentistas en orquestas profesionales de Colombia de la Orquesta Filarmónica de Cali en 2017, bajo la dirección de Adrián Chamorro. Ha integrado varias orquestas, entre estas la Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, la Bogotá Chamber Orchestra (BCO) –invitada al Aruba Symphony Festival en 2017–, la Fundación Orquesta Sinfónica de Bogotá (FOSBO), y la Filarmónica Joven de Colombia en 2016 y 2019, la cual estuvo bajo la dirección de Andrés Orozco Estrada en diferentes ciudades de Colombia, Alemania, Austria y Suiza. Es violinista del Cuarteto Inbound con quienes ha participado en los Festivales de Cuartetos de Cuerda de la Universidad Nacional, en el Festival de Músicas Latinoamericanas de Vanguardia y en la Serie de los Jóvenes Intérpretes del Banco de la República. Su interés en diversas expresiones lo ha llevado a participar junto a importantes agrupaciones como Vivace Ensamble, Dúo Kamaleón, Ensamble de la Tierra y el grupo Ancestro en 2 festivales como Colombia al Parque, Cortiple y el Festival Mono Núñez. Se ha presentado en diferentes escenarios entre los que se destacan el Teatro Colón de Bogotá, el Teatro Jorge Eliecer Gaitán, el auditorio de la Universidad Industrial de Santander, el Teatro Cafam de Bellas Artes, el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, el Auditorio León de Greiff de la Universidad Nacional y el Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo. En 2016 fue condecorado por la Academia Nacional de Música en la modalidad Jóvenes Talentos. Vivace Trío José Luis Martínez Vesga y Alberto Puentes Torres, tiple y Raúl Walteros Lara, guitarra. Vivace Trío se ha dedicado con pasión, entusiasmo y disciplina a recrear lo mejor de la música tradicional colombiana y a demostrar el inmenso valor del tiple como instrumento nacional. El ensamble incluye en su repertorio melodías clásicas e internacionales. Numerosas grabaciones dan fe de su versatilidad y repertorio. Los mejores escenarios de Bogotá, Medellín, Cali, Ibagué y Bucaramanga han aplaudido su trabajo. Públicos de Estocolmo, Copenhague, París, Roma, Madrid, Quito, Guayaquil, Lima, San Luis, Nueva Orleans, Miami, Chicago y Nairobi, han aclamado a estos embajadores de nuestro país. El concierto en Riohacha cuenta con el apoyo de El concierto en Valledupar cuenta con el apoyo de 3 PROGRAMA Brisas del Anchique (s. f.) CANTALICIO ROJAS GONZÁLEZ (1896-1974)* Siempre te recuerdo (s. f.) GENTIL MONTAÑA (1942-2011) Original para dos bandolas, tiple y guitarra* El negrito (1980) RAFAEL APONTE CARVAJAL (n. 1952) Arreglo para dos bandolas, tiple y guitarra de Fernando León* Mariposa (s. f.) JORGE RUBIANO TRIMIÑO (1890-1964)* Bambuquísimo (1992) LEÓN CARDONA GARCÍA (n. 1927) Original para dos bandolas, tiple y guitarra* El chicao (s. f.) SEBASTIÁN SOLARÍ (n. 1950)* La indiecita (s. f.) ÁLVARO ROMERO SÁNCHEZ (1909-1999)* Centauro (1987) JOSÉ LUIS MARTÍNEZ VESGA (n. 1953) Original para guitarra* INTERMEDIO 4 Bambuco en si menor (1945) ADOLFO MEJÍA NAVARRO (1905-1973) Original para piano Versión para violín y guitarra de José Luis Martínez Vesga y Jose Luis Martínez Ferro Brisas del Fonce (1950) JAIME MARTÍNEZ JIMÉNEZ (1935-2010) Original para violín* El tigre (s. f.) ORIOL RANGEL ROZO (1916-1977)* Leonor (1916) JERÓNIMO VELASCO GONZÁLEZ (1885-1963)* Ojo al toro (s. f.) CANTALICIO ROJAS GONZÁLEZ * El campesino (s. f.) CARLOS ROZO MANRIQUE (1927-2007) Original para voz* El pijao (s. f.) GENTIL MONTAÑA Original para dos bandolas, tiple y guitarra* El diablo suelto (s. f.) HERACLIO FERNÁNDEZ NOYA (1851-1886) Original para piano y voz* * Las adaptaciones para violín, dos tiples y guitarra fueron realizadas en conjunto por José Luis Martínez y Vivace Trío. CONCIERTO No. 43 5 NOTAS AL PROGRAMA En este concierto tendremos la oportunidad de escuchar una de las más fieles representaciones de aquello que en Colombia ha dado por llamarse el ‘estilo tradicional’ en la música urbana de la región central del país, algo ya de por sí contradictorio a la luz de algunas caracterizaciones, más o menos extendidas, entre los estudiosos de estas y otras latitudes. Me explico. En muchos ámbitos se considera música tradicional a aquella anclada predominantemente a contextos rurales y con poco o ningún proceso de inserción mediática, a lo que podríamos añadir elementos como que los roles de sus practicantes no están claramente diferenciados, el concepto de autoría tampoco y, por lo tanto, el de arreglista como mediador de un autor ‘original’, todavía menos. Para este concierto, y pese a las palabras del mismo intérprete, tendremos música y prácticas provenientes de espacios de sentido distintos a esta acepción de lo tradicional. José Luis Martínez Ferro proviene de una familia y un entorno fuertemente vinculados a la industria discográfica y del entretenimiento. Si bien tiene antecedentes familiares en algo que podríamos denominar ‘provincia’, el desarrollo de sus carreras como músicos profesionales se dio en las urbes, grabando discos, apareciendo en la radio y la televisión, volviéndose referentes para otros músicos y para el público general, vinculados a unas ciertas maneras de construir identidades locales, regionales e incluso nacionales. «Se parte del conocimiento que tenemos del repertorio, ese que está en el oído [...] la principal fuente son las grabaciones y la memoria, más el sonido que lo escrito», comentó. El modo de trabajo con sus tres acompañantes, que conforman Vivace Trío, responde a una decantada práctica urbana presente en toda Latinoamérica en la que el estilo de las composiciones es un factor común: con antecedentes en la música de salón decimonónica, las obras están estructuradas en formas de dos o tres secciones relacionadas armónicamente, con unas bases de acompañamiento que identifican a cada género musical y prácticas instrumentales que se mueven entre la libertad improvisadora y el ceñirse a un o unos tipos de roles. José Luis comenta que en sus versiones del repertorio «hay de todo: el tiple es muy libre, hay partes en que la guitarra está escrita toda, en otras está más suelta [...] con el tiple melódico la relación es variable, a veces todo escrito, a veces es quien hace las segundas voces, a veces yo [...] hay referentes a otras obras y estilos de interpretación». Por supuesto, el ensayo es fundamental para ir consolidando unas versiones más o menos definitivas que cambian por el 6 estado de ánimo, el escenario, la respuesta del público y el grado de conexión entre los intérpretes. «Las partes de violín son igualmente abiertas, aunque se vienen buscando intervenciones con efectos, cambios de registro, variantes en la presentación de secciones y frases». Es una música que se hace, bellamente, desde la complicidad y la comunión en la sapiencia de todos. El repertorio que escucharemos es, entonces, de autores muy conocidos durante las décadas centrales del siglo XX, aquellos que conforman un importante referente para la música popular. «Escoger el repertorio es complejo [...] no tanto las obras en sí, sino en el sentido en que hay que buscar un equilibrio entre la forma tradicional y a algunas obras introducirles algo más de virtuosismo individual y grupal [...] hay también música de cámara». Para el violín, «más que una problemática técnica [...], se trata buscar variaciones en las repeticiones, el principio de la variedad dentro de la unidad, aportarle a la obra desde la interpretación». Son dos los compositores tolimenses escogidos, aunque de carreras y prácticas muy distintas. Cantalicio Rojas González (1896-1974) ya era muy conocido al ganar, con su Conjunto Pacandé, un concurso de música folclórica convocado por el Conservatorio del Tolima en 1958. Trabajó como peluquero, pero su práctica musical fue su vida: durante algún tiempo fue clarinetista de las bandas de Aipe y Natagaima, en donde conoció los rudimentos teóricos de la música, pero desde 1919 se orientó hacia los instrumentos de cuerda pulsada. Con un catálogo de aproximadamente setenta composiciones, Ojo al toro (bambuco fiestero) y Brisas del Anchique (bambuco ‘a secas’), son muestra clara de la desbordante alegría con que se asocia la música de la región. Por otra parte, el caso del guitarrista Gentil Montaña (1942-2011) es particular, porque es difícil vincularlo a algún tipo de generación, ya que su estilo es muy personal y distante de otros compositores de su época. El estudio exhaustivo del repertorio característico de la guitarra ‘clásica’, sumado a sus vínculos con procedimientos de músicas populares como el bolero, dio lugar a un discurso musical único. Escucharemos dos obras contrastantes: El pijao, un alegre sanjuanero, y Siempre te recuerdo, un lírico pasillo en tempo moderato. Ambas obras son originales para cuarteto de dos bandolas, tiple y guitarra. Del Valle del Cauca son oriundos Sebastián Solarí (n. 1950), Jerónimo Velasco González (1885-1963) y Álvaro Romero Sánchez (1909-1999). Del primero de ellos poco se conoce, con excepción de un par de pasillos incluidos en el repertorio de Jaime Llano y sus conjuntos: Río Cali y El chicao. Por su parte, Velasco González fue un destacado compositor, alrededor de quien se tejieron muchos de los movimientos importantes en la música local: representante por 7 Colombia en la Exposición Mundial de Sevilla de 1929, activo director y gestor de bandas, director de estudiantinas, mentor de innumerables intérpretes en Bogotá y otras ciudades del país. Su expresiva danza Leonor, compuesta en 1916, la dedicó a una de sus hijas. A su vez, el gran compositor y guitarrista acompañante Álvaro Romero Sánchez es uno de los hitos más importantes en la música andina colombiana. Es uno de esos guitarristas que definió un tipo de acompañamiento en el que el rol de la guitarra no es el de ir llevando la armonía con bases ritmo-armónicas, sino más el de contramelodía, de ingenioso juego que va conectando secciones y frases de una manera fina y elegante. Su guabina La indiecita, de la que existen partes para cuarteto, fue grabada por el Trío Morales Pino en la década de 1960. Es el departamento de Santander, de donde proviene la familia musical de los Martínez, de larga ascendencia: don Camilo Martínez Ardila, director de diversos tipos de agrupaciones y multi-instrumentista, hijo de músicos populares, fue el padre de Jaime Martínez Jiménez (1935-2010), sangileño, quien con su hermano Mario conformó el reconocido dueto de los Hermanos Martínez. A la formación en el seno familiar se sumaron estudios de violín en Bogotá con el Padre Mosser para luego incursionar con figuras como Oriol Rangel y Jaime Llano tanto en la discografía como en la radio y la televisión. Su exigente pasillo Brisas del Fonce es original para violín y fue grabado en el disco Amor en mis montañas, en la década de 1960. Por su parte, el médico José Luis Martínez Vesga (n. 1953), de la dinastía santandereana pero nacido en Bogotá, padre del joven intérprete de este concierto, es reconocido como uno de los referentes históricos en la interpretación del tiple melódico y solista. Su joropo montañero Centauro, original para guitarra, responde a esa cercanía de muchos compositores del altiplano con elementos de la música del llano colombo-venezolano. Oriol Rangel Rozo (1916-1977) es uno de los más importantes pianistas y músicos colombianos que se movieron con plena experticia entre la música académica y la música popular, borrando esas fronteras y haciéndonos ver que, más que compartimentos estancos e irreconciliables, lo que se ha dado y sigue dándose es una fructífera relación. Para las décadas de 1930 y 1940 en Bogotá, las nuevas emisoras de la época y el creciente número de lugares para el entretenimiento como clubes, salones de hoteles y grilles, entre otros, fueron soporte para el desarrollo de la música popular. Eran espacios por excelencia para el tipo de músico que fue Rangel, quien también formó parte del Conservatorio Nacional, de la Banda Nacional y de la Orquesta Sinfónica, pilares de la música académica. Su conocido bambuco El tigre se lo compuso a 8 una mascota, un tigrillo que tuvo por algún tiempo, y tanto en su introducción como en las tres secciones predomina un motivo descendente que se supone salió de los juegos de dicho animal con el teclado de su piano. Cierra esta sección el tiplista (zurdo) y compositor Rafael Aponte Carvajal (n. 1952), quien, al igual que Martínez Vesga, nació en Bogotá y es de ascendencia santandereana. Desde muy niño volvió a la tierra paterna. Licenciado en matemáticas, su trayectoria musical comenzó en el colegio, pasando luego por agrupaciones de gran reconocimiento regional y nacional como la Rondalla bumanguesa, entre otras. El negrito es un bambuco festivo con una segunda sección característica en la que se establece un diálogo entre los bajos de la guitarra y el instrumento melódico, y una tercera sección de notas largas y del doble de duración que las de las primeras dos secciones. Resulta un poco contradictorio situar a León Cardona García (n. 1927) entre 'los viejos', pues su manejo del lenguaje musical y su continua producción lo hacen todavía un protagonista de primera línea, cuyas obras son de gran aceptación y preferencia entre los intérpretes debido al uso de una armonización influenciada por la bossa-nova y unos diseños melódicos de motivos cortos a manera de módulos. Por estas características y la fuerza de su temática, Bambuquísimo es una de sus obras más exitosas desde que la compusiera en 1992, ya que ha sido grabada incontables veces a nivel nacional e internacional. Por su parte, Adolfo Mejía Navarro (1905-1973) encarnó una aparente contradicción: la de ser de origen ‘costeño’ pero componer música ‘andina’. Y decimos aparente porque la construcción del imaginario de costeños y cachacos como contradictores en la música procede de finales de la década de 1950, cuando empiezan a construirse también los elementos identitarios regionales. Lo cierto es que, en la primera mitad del siglo XX y algo más acá, en las poblaciones y ciudades costeñas se interpretaron y compusieron muchos géneros considerados andinos. Hubo estudiantinas y prácticas de tiple y bandola, mientras que, para esas mismas épocas, en las ciudades de la montaña se escucharon y compusieron porros, cumbias, cumbiambas, mapalés y vallenatos. Con una sensibilidad musical muy personal y un estilo de verdad brillante, Mejía nos legó en su Bambuco en si menor una de las más bellas obras del género, que escucharemos en dueto de violín y guitarra. De Carlos Alberto Rozo Manrique (1928-2007) escucharemos su bambuco El campesino, no tan conocido como otros de su deliciosa producción en este género, pero con los que comparte elementos característicos como amplias melodías en el marco de una armonía enriquecida, lo que se constituye en una continua invitación al dialogo entre los instrumentos y al diseño de sabrosos bajos en los que fue un verdadero maestro del buen gusto improvisatorio. A lo largo de su vida dio varias versiones, en algunas ocasiones diciendo que el nombre original de esta obra fue Bambuqueando y que era solamente instrumental, en otras afirmando que siempre tuvo texto alusivo al título. Cierra el capítulo de compositores colombianos Jorge Rubiano Trimiño (1890-1964) con la danza Mariposa, grabada al piano por Oriol Rangel. Rubiano, ya fuera como intérprete de bandola o de tiple, formó parte de las estudiantinas dirigidas por Pedro Morales Pino y Emilio Murillo; siguió algunos cursos en el Conservatorio Nacional; con el Sexteto Rubiano grabó algunas obras entre 1914 y 1916 para la máquina portátil que trajo la Victor Talking Machine Company y, en 1932, se radicó definitivamente en Puerto Rico. La única obra no colombiana es El diablo suelto, una de esas piezas inmortales, con un sinnúmero de versiones, que ha pasado por joropo durante gran parte de su historia, aunque originalmente fuese un vals-pasillo para piano y voz. El venezolano Heraclio Fernández Noya (1851-1886) participó de una activa vida literaria y musical: en Caracas fundó el periódico El Zancudo cuyo primer número circuló el 9 de enero de 1876 y en octubre de 1884 fue cofundador del bi-semanario El Museo, que en cada número publicaba una pieza de música de algún compositor del día, así como trabajos literarios de tipo satírico-humorístico. En marzo de 1888 fue publicado el vals en cuestión, del cual existen muchas más versiones instrumentales que cantadas, caso que se repetirá esta noche. El concierto de hoy es una muestra de esa extraña manera de mirar una producción musical urbana, variopinta, que todavía está presente por el impacto mediático que logró hace ya tiempo y que persiste en la memoria. Nos dice finalmente José Luis: «Lo que hacemos tiene muchos elementos de todas partes y, aparte de lo tradicional, está la forma de presentarse en concierto [...] hay elementos de una tradición oral, está la inmensa experiencia de los músicos que me acompañan, el compartir una manera de hacer que ya no es tan común [...] La música es preciosa». Manuel Bernal Martínez. Candidato a Maestría en Musicología de la Universidad Nacional de Colombia. Tiene veintiún años de experiencia como docente y treinta años dedicados a la interpretación, difusión, estudio, enseñanza e investigación de las músicas locales colombianas. Como intérprete de la bandola ha sido ganador en concursos nacionales, en Becas del Ministerio de Cultura, en convocatorias de Idartes y de Biblored, además de numerosas giras de conciertos nacionales e internacionales. Si desea recibir información sobre la actividad cultural del Banco de la República ingrese al siguiente enlace www.banrepcultural.org/servicios/listas-de-correo y suscríbase a la lista de correos. Boletas disponibles en Próximos conciertos en Riohacha y Valledupar Próximos conciertos en Bogotá · $10.000 SERIE PROFESIONAL Foto: Peggy Peterson Foto: Susann Ziegler · PULEP: YJT599 PULEP: ZWU837. MVZ241. OET653 PULEP: JNY628 . AEB512 TROMBONE UNIT HANNOVER ensamble de trombones (Alemania) Domingo 29 de septiembre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Tunja CUARTETO PRISM cuarteto de saxofones (Estados Unidos) THIRD COAST PERCUSSION cuarteto de percusión (Estados Unidos) Domingo 6 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Medellín CUARTETO PRISM cuarteto de saxofones (Estados Unidos) Domingo 20 de octubre · 11:00 a.m. Este concierto también se presentará en Barranquilla, Riohacha, Santa Marta y Valledupar IL GARDELLINO ensamble de música antigua (Bélgica) Miércoles 23 de octubre · 7:30 p.m. Miércoles 16 de octubre de 2019 · 6:30 p.m. Riohacha, Centro Cultural Banco de la República Con el apoyo de Fundartes Guajira, Batuta, Fundación El Origen Martes 15 de octubre de 2019 · 6:30 p.m. Valledupar, Biblioteca departamental Rafael Carrillo Lúquez Con el apoyo de la Corporación Biblioteca Rafael Carrillo Lúquez